REVUE CULTURELLE

Votre Webmag Culture & Luxe

1999-2023

NOUVEAUTES

MUSIQUE

« Récit » Salomé Gasselin, viole de gambre ; Compositeurs Boyvin, Couperin, Marais, CD, Mirare, 2023.
 

Salomé Gasselin a conçu tout spécialement pour son instrument de prédilection – la viole de gambe – un programme à la fois complet et ouvert à la large palette sonore qu’offre cet instrument phare des XVIe et XVIIe siècles avant l’apogée du violoncelle aux siècles suivants. Contrairement à l’idée reçue, la viole n’est pas l’ancêtre du violoncelle mais demeure plus proche du luth ou de la guitare. Les infimes variations du roi des instruments pendant l’époque baroque se trouvent ainsi au cœur de cet enregistrement de la talentueuse gambiste Salomé Gasselin avec des pièces bien connues telles les fameuses Cloches et les Voix humaines de Marin Marais ou plus rare ce Récit grave de Jacques Boyvin associant en un délicat dialogue viole et orgue.
Pour cet enregistrement Salomé Gasselin se trouve en effet accompagnée de musiciens également talentueux, Emmanuel Arakélian aux orgues et Justin Taylor au clavecin, sans oublier Mathias Ferré, Andréas Linos et Corinno Metz pour les consorts de viole. La viole qui jouit de l’antique réputation d’approcher le plus la voix humaine séduit, étonne, enjoue, ici, grâce à ces musiciens engagés dans l’excellence de faire revivre un vaste répertoire allant de la musique de consort à la danse en passant par le répertoire soliste.
Ce tableau musical conçu avec élégance réservera bien des surprises au mélomane notamment cette Basse de trompette de Pierre Du Mage développant un entrelacs de sonorités aussi raffinées qu’intimistes sous les doigts de nos musiciens ou encore ce Récit de tierce en taille de Jean-François Dandrieu qui laisse une petite idée des trésors qui sommeillent encore dans le répertoire pour claviers de la France de Louis XIV exploré avec brio par Salomé Gasselin et ses musiciens invités pour ce premier disque.
 

"Æsthesis O Do Not Move", Association Æsthesis & Zamora Label , CD, 2022.
 

C’est une belle palette expérimentale que nous propose cet enregistrement du jeune quatuor vocal Aesthesis dans un CD éclectique. Éclectique non par sa qualité, mais bien par la diversité des choix retenus allant du plus classique avec l’éternel « Mille Regrets » de Josquin des Prés (1450-1521) rendu avec une juste sensibilité jusqu’aux effets vocaux les plus surprenants développés par la composition « Story » de John Cage sur un texte de Gertrude Stein…
Le chant libère dans cet enregistrement généreux toutes les facettes des variations musicales, telle encore cette poétique musicale rendue par le non moins célèbre « Lamento della Ninfa » tiré du 8e livre de Madrigaux composé par Claudio Monteverdi en 1638 alors qu’il était maître de chapelle de la Sérénissime République de Venise.
Chaque expérience livrée par nos quatre chanteurs Camille Chopin, Céleste Lejeune, Abel Zamora et Jonas Mordzinski atteint sa cible, celle d’ouvrir le cœur du mélomane aux entrelacs précieux et multiples de l’art d’Orphée dont le chant n’était pas moins fameux que celui de sa célèbre lyre…

Celia Oneto Bensaid, piano - Marie Jaêll - « Ce qu'on entend dans l'enfer, le purgatoire, le paradis », CD, Label « Présence Compositrices » (1er opus du label), 2022.
 

Voilà assurément deux artistes à découvrir. La première, Célia Oneto Bensaid, pianiste engagée aux doigts d'or et à la technique irréprochable ; la seconde, Marie Jaëll, compositrice française fougueuse et affirmée de la fin du XIXe siècle, elle-même pianiste virtuose admirée de Liszt, et dont il serait temps qu’enfin son œuvre et son génie soient reconnus et figurent parmi les grandes pages du répertoire pianistique.
Au travers de ce premier opus du tout nouveau label « Présence Compositrices », Célia Oneto Bensaid lui rend indéniablement honneur par son interprétation pleine, passionnée, ardente, ciselée et pénétrante à en couper le souffle de ce cycle pour piano d'après une lecture de Dante. Au fil des 18 numéros du triptyque musical vertigineux, Enfer, Purgatoire et Paradis, elle nous embarque pour un voyage fluide et paradoxal au parfum tourbillonnant, tel un carrousel perpétuel. La force thématique d'une qualité rare miroite et s'y dispute au chromatisme heureux, juste et prégnant de l'harmonie pourtant tonale. L'écriture dense et sublime des 12 premières pièces est pleine de fulgurance, tant dans le timbre que dans le rythme et la mélodie. L'intelligence et l'équilibre s'imposent comme une évidence dans le jeu affuté de Bensaid. Et si les couleurs sombres, le bouillonnement et le tumulte dominent dans L'enfer et au Purgatoire, les six derniers numéros dédiés au Paradis offrent une conclusion apaisée toute en finesse.
Véritablement, l'œuvre tout entière est un régal, son interprétation éminente. Un enregistrement à découvrir d'urgence tant il est habité par l'inspiration poétique d'une interprète virtuose au service d'une compositrice qui ne doit plus ignorée. Enfin, à l'aube déjà consommée de ce XXIe siècle, il devient plus impératif que jamais de reconnaître, faire connaître, rendre hommage et donner à toutes ces compositrices d'hier et d'aujourd'hui la place légitime qui leur revient. Un pur régal.

Jean-Paul Bottemanne
 

Klaudia Kudelko (piano) - « Time » enregistré au Zipper Hall Los Angeles, CD, 2022.
 

Avec « Time », la jeune et talentueuse pianiste d’origine polonaise, Klaudia Kudelko, signe un premier disque témoignant d’une maturité saisissante. Trois compositeurs - Schubert, Chopin et enfin Bacewicz - ont été retenus pour élaborer ce programme empreint d’une poésie certaine et enregistré au Zippern Hall de Los Angeles.
Sous les doigts inspirés de Klaudia Kudelko, les six numéros de « Moment Musical » témoignent, en effet, de cette sensibilité qui inspira Schubert pour ces promenades parfois bucoliques, d’autres fois plus sombres, et dont le romantisme certain se trouve idéalement rendu par notre interprète qui se plait manifestement à rendre tout le caractère impromptu du célèbre troisième numéro.
Autre atmosphère plus passionnée avec l’Étude Op. 10 n° 12 de Chopin qui manifeste la fougue animée du compositeur polonais, compatriote de Klaudia Kudelko. Virtuosité et sensibilité filent à toute vitesse sur les touches de clavier où retentissent les fracas des insurrections de novembre 1830 contre la tutelle russe…
Chaque pièce retenue par la pianiste développe cette émotivité alternant entre joie et tristesse, passion et drame. Et ce ne sont pas les dernières oeuvres consacrées à la compositrice polonaise Grażyna Bacewicz (1909-1969) qui contrediront cette atmosphère passionnée : trois sonates méconnues dont le lyrisme tour à tour puissant ou plus introspectif se développe avec force grâce à l’interprétation particulièrement inspirée qu’en livre pour cet enregistrement Klaudia Kudelko.

Florian Caroubi « Sillages » CD, Hortus, 2022.

À l’occasion de son album SILLAGES, Florian Caroubi réunit un programme délicieux de poésie et d’émotion en sept pièces sur le thème de la mer signées de cinq compositeurs français modernes, Debussy, Ravel, mais aussi Gabriel Dupont, Gustave Samazeuilh et Louis Aubert, bien moins connus et pourtant tout autant talentueux.
Ouvrant sur Sillages de ce dernier, Caroubi engage dans la frénésie sensorielle d'un triptyque à l'écriture étincelante, contrastée et pleine de verve, où l'éloquence ardente se dispute avec le mystère d'une œuvre dense, aboutie et profonde. Les trois extraits à l'atmosphère gracieuse et enveloppante de La Maison dans les Dunes de Gabriel Dupont sont distillés à distance, en parenthèses pleines de souffle et de douceur, en invitations contemplatives de la mer, pleines d'une fausse simplicité dans l'évidence mélodique. Véritables petits écrins d'une beauté enjôlante venant s'insérer entre ces deux autres chefs d'œuvres que sont Reflets dans l'Eau de Debussy et Une Barque sur l'Océan de Ravel, aux esthétiques d'une nature quasi explicite entre la correspondance sonore et la perception intuitive. Conclusion avec Samazeuilh et son Chant de la Mer, autre triptyque à la texture impressionniste et moirée, d'une profondeur lyrique incarnée et prenante.
Et avec soin et brio, précision et clarté, Florian Caroubi réussit à chaque instant, chaque pièce à nous immerger dans ce voyage océanique initiatique, dévoilant tour à tour et sans faux pas toutes les subtilités et profondeurs de ces harmonies irrésistibles et thèmes irradiants. Un opus de grande qualité, l'expression d'une âme sensible, une approche musicale exaltante, condensée et épurée.

Jean-Paul Bottemanne 

"Bach, Scarlatti, Vivaldi" Guillaume Gibert (guitare), CD, 2022.
 

Dans une démarche authentique et sincère perpétuant la tradition séculaire de la transcription instrumentale de pièces écrites pour d'autres instruments, c'est au travers de Vivaldi, Scarlatti et Bach que Guillaume Gibert, jeune guitariste lyonnais, s'attache à faire vivre et enrichir encore le répertoire de la guitare et nous plonge dans l'écrin de son timbre pur et limpide. Avec talent, il nous propose et livre, en effet, ses propres transcriptions, des transcriptions qui mettent à l'honneur autant son jeu fluide et allant, son toucher sûr et précis que la mise en lumière aboutie des polyphonies suprêmes de ces trois grands maîtres du baroque. Le contrepoint des lignes s'impose avec évidence et clarté, la verve se dispute à l'élégance, le conduit harmonique se dessine au gré des envolées lyriques, les variations et développements, enfin, se comprennent et se révèlent sans détour. Comment finalement ne pas se laisser persuader au fil des mouvements que ces œuvres sont originellement pensées et écrites pour la guitare.
Vivaldi et son concerto en Ré Rv. 230 plonge d'emblée dans le vif du sujet, les quatre sonates de Scarlatti, K,36, 87, 25 et 175, sont choisies avec intelligence, offrant un éclairage subtil sur le génie et la diversité musicale de ce compositeur prolifique. Telle la dernière sonate, laissant échapper tant d'accents ibériques qu'elle s'impose avec évidence pour la guitare. Bach enfin, si souvent visité et retranscris par d'autres que Gibert. Pourtant ce dernier se déjoue du pas de loup de la redite, tant ses transcriptions personnelles sont réussies et nous font plonger avec délectation au cœur même de ces deux pièces magnifiques que sont la Chaconne en ré mineur Bwv 1004 et l'Aria Bwv 988 pleine d'une grandeur délicate.
À souligner enfin que ce projet est une autoproduction, fruit d'un long labeur personnel, mûrement réfléchi et préparé. Un pari réussi avec brio qui mérite toute notre adhésion et notre soutien, et séduira autant les amoureux du baroque que les passionnés de la guitare. À écouter et apprécier.
 

Jean-Paul Bottemanne

Béla Bartók : " Danses populaires roumaines", Matteo Fossi (piano), CD, Hortus, 2022.
 

Le talentueux pianiste Matteo Fossi, dont les précédents enregistrements ont déjà été présentés dans ces colonnes, s’est attaché pour le présent CD à un répertoire plus méconnu, celui du grand compositeur hongrois Béla Bartok et ses Danses populaires roumaines. Avec une filiation directe de son illustre prédécesseur et compatriote Frantz Liszt qui avait popularisé avec brio et maestria les fameuses rhapsodies hongroises, c’est un même souffle ethno-musical qui anime le compositeur dans ces compositions. Celles et ceux qui ont eu le bonheur et le plaisir de visiter la maison de Bartok sur les hauteurs de Buda savent combien l’homme fut passionné toute sa vie par le folklore au sens large. Bartok n’eut en effet de cesse de parcourir les différents folklores d’Europe centrale, les revisitant et les sublimant pour l’occasion en de poignantes compositions roumaines, ici réunies par Matteo Fossi.
En une réinterprétation fertile non seulement pour ce répertoire rarement présent dans la musique classique (Liszt déjà précité et Brahms avec ses Danses hongroises), mais également pour la propre musique de Béla Bartok, cette musique saisit spontanément le mélomane par leur authenticité transcendant les distances. Qu’il s’agisse du fameux Allegro barbaro aux accents sauvages ou des danses endiablées en rythme bulgare, la musique s’immisce non seulement en témoin, mais également en acteur des traditions évoquées. Bartók dépasse avec ces œuvres, tour à tour puissantes ou délicates, le simple arrangement pour participer intimement aux arts populaires visités. Matteo Fossi a su se saisir de cette rare acuité avec talent et sensibilité, rendant toutes ces infimes nuances par la finesse de son interprétation.

« Une soirée chez le Chevalier de Chavoye », Les Chantres de Saint-Hilaire Sauternes, ensemble instrumental, CD, Editions Hortus, 2021.
 

L’esprit des Lumières et du siècle de Louis XV soufflent sur le dernier enregistrement de l’ensemble instrumental Les Chantres de Saint-Hilaire Sauternes. Avec un programme ciselé à souhait, le mélomane retrouvera en effet dès les premiers airs de cet enregistrement inspiré ces cantates à la mode si bien rendues par Cécile Larroche et dont les modulations à la fois douces et fleuries éclairent idéalement ce répertoire allant de Clérambault à Couperin sans oublier Montéclair et Stuck.
C’est la redécouverte d’un recueil d’un lieutenant de marine épris de musique, Jacques de Chavoye, qui a permis cette restitution à la fois attrayante par son registre et émouvante d’instants à jamais révolus. Cette soirée revisitée par les talentueux musiciens de l’Ensemble sera également l’occasion de découvrir de véritables inédits pour cette première mondiale. Le haute-contre Guillaume Figiel Delpech excelle dans cet air d’Ariane consolée par Bacchus de Couperin alors que la cantate de Stuck réunit les deux voix en de sublimes duos. Style français et influences italiennes s’entremêlent avec bonheur au fil des plages, les instrumentistes s’entendant à merveille afin de restituer ce goût baroque réuni selon le fil directeur de la mer, si chère à notre lieutenant !

" Rachmaninov - Piano Concertos nos.2 & 3 ", Jae Hyuck Cho (piano), Russian National Orchestra sous la direction de Hans Graf, CD, Label Evidence, 2021.
 

Quelques premiers accords plaqués au clavier et la magie du concerto n° 2 de Rachmaninov opère sous les doigts du pianiste Jae-Hyuck Cho accompagné par le Russian National Orchestra sous la direction de Hans Graf. Cet enregistrement réalisé en 2019 libère, en effet, toute la fougue et virtuosité ayant rendu cette œuvre si célèbre. Mais avec notre pianiste, point de fébrilité facile, bien au contraire, mais une belle intériorité maîtrisée qui s’exprime avec nuances et délicatesse dans cette œuvre si souvent visitée. Cette parfaite harmonie avec l’orchestre conduit dès lors à développer le romantisme propre au compositeur russe exilé. Cette personnalité complexe connut en effet très tôt les angoisses et inquiétudes, gouffres qui s’immiscèrent progressivement dans ses œuvres.
Ces deux concertos sur les quatre que composa Rachmaninov eurent une importance particulière pour le jeune pianiste virtuose qui les introduisit rapidement dans son répertoire pour ses concours et concerts. Les affects sont contrôlés et tendus vers une fin, exprimant au plus près les tourments de l’âme humaine, ce que parvient à atteindre à merveille Jae-Hyuck Cho.
Rachmaninov, pianiste virtuose, estimait que son concerto n° 3 était si complexe que seul Horowitz selon lui serait parvenu à le maîtriser… Jae-Hyuck Cho peut s’enorgueillir de rivaliser avec ces grands maîtres tant son interprétation laisse filer les difficultés techniques à l’arrière-plan pour privilégier cette alternance d’introspection et de vélocité qui se dégage de cette œuvre puissante. Un enregistrement qui fera date.

" El Gran Teatro del Mundo Lully's followers in Germany - Die Lullisten " œuvres de Fischer, Muffat, Telemann, CD, Ambronay Editions, 2021.
 

C’est à une découverte inattendue à laquelle nous convie l’ensemble El Gran Teatro del Mundo avec ce dernier enregistrement. À son écoute, le mélomane découvrira que la grande musique versaillaise a essaimé bien au-delà des frontières du royaume de France. En traversant le Rhin, le répertoire baroque s’est, en effet, saisi avec une inspiration certaine du legs laissé par le grand Lully avec des musiciens talentueux tels Muffat, Fischer ou encore Telemann. À partir de partitions d’orchestre réduites pour ensemble de chambre, ce disque déploie une palette de richesses sonores prolongeant l’héritage « lulliste » et de la musique de cour de la fin du XVIIe siècle.
L’ensemble El Gran Teatro del Mundo a bien été inspiré d’arpenter avec brio ce répertoire négligé jusqu’alors et qui révèle quelques petits joyaux interprétés avec délicatesse par les musiciens de ce jeune Ensemble. Aussi, l’admirable Suite TWV de Georg Philipp Telemann séduit spontanément avec son ouverture ample et majestueuse dans le pur style Grand Siècle pour progressivement introduire des touches de modernité et des influences extérieures venues d’Italie ou de Pologne… Ce majestueux enregistrement sera également l’occasion de découvrir des œuvres originales - tout en s’inscrivant dans cet héritage - de Muffat et de Fischer que l’Ensemble El Gran Teatro del Mundo présente avec sensibilité.

Irina Lankova « Élégie » www.irinalankova.com 2021.
 

Ce dernier opus « Élégie » de la pianiste russe Irina Lankova, conçu comme « une sorte de journal intime de ses émotions musicales » est, sans aucun doute, un album incontournable et transcendant pour qui aime le piano et l’émotion. Tout est ici réuni, le talent, la virtuosité, un timbre exceptionnel, une grâce radiante. Car Irina Lankova porte et emporte au fil de ce programme intime si bien construit et parfaitement pensé. Il n'est pas si fréquent que Rachmaninov, Schubert et Bach se révèlent avec tant de superbe et de générosité, de démesure et d'intention, de sincérité et de vérité. Chaque pièce est une évidence, chaque thème un chant, chaque articulation une respiration, chaque accent un battement de cœur, chaque plage une ode à la vie, l’ensemble dans un tourbillon à fleurs de peau. Certainement, Irina Lankova ensorcelle par la force intuitive qui l'habite et la guide à chaque instant, une intensité qui jamais ne faillit. (lire la chronique de son dernier concert)
 

" Ludwig van Beethoven - Trio avec piano n° 3 en do mineur, op. 1 n° 3 (Trio Sora) " ; Pauline Chenais, Clémence de Forceville, Angèle Legasa, coffret 3 CD,

Naive, 2020.

Les trios avec piano de Beethoven font l’objet d’un inspirant enregistrement de la part du Trio Sōra, ensemble de trois musiciennes talentueuses dont le nom signifie en amérindien : « oiseau qui chante en prenant son envol ». L’image est bien choisie car c’est en effet littéralement un envol qui caractérise cette interprétation à la fois fluide et fougueuse, à l’image du compositeur lorsqu’il écrivit ses pièces pour piano (Pauline Chenais), violon (Clémence de Forceville) et violoncelle (Angèle Legasa).
La musique de chambre se déploie en cet enregistrement avec une spontanéité et une légèreté qui ne doivent cependant pas faire oublier l’exigence de ces morceaux virtuoses. Ces six grands trios représentent à eux seuls un véritable programme musical dont l’ampleur ne cesse de surprendre le mélomane au regard de la jeunesse du compositeur pour les premières œuvres. Ces œuvres offrent à la fois une réminiscence du classicisme viennois et de l’influence Haydn, tout en introduisant rapidement des accents plus novateurs. Ces derniers s’immiscent dans cette architecture ciselée qui progressera au fur et à mesure de la maturité.
Les sentiments tour à tour puissants, innocents, introspectifs, amoureux ou colériques laissent autant de scintillements dans l’interprétation subtile que livrent, ici, les trois musiciennes manifestement inspirées par ce génie. Beethoven en ces œuvres échappe aux catégories, même si ces dernières peuvent toujours servir de point de repère.
Les couleurs et atmosphères successives rendues avec talent et nuances par le Trio séduisent et enchantent, un véritable voyage musical serti en un coffret à découvrir impérativement !

Schubert, « Piano Trio Works », Trio Talweg, Sébastien Surel (violon), Éric-Maria Couturier (violoncelle), Romain Descharmes (piano), CD, NoMadMusic, 2021.
 

Le trio Talweg signe avec ce second enregistrement un programme exclusivement réservé à l’un des maîtres de la musique de chambre, le génial Schubert. Comment comprendre en effet autrement le témoignage d’un autre compositeur inspiré - Robert Schumann - à son égard : « Il avait des accents pour les plus fines sensations et il a rendu sa musique aussi multiple que peuvent être les pensées et les volontés multiples de l'homme. ». Cette finesse et cette acuité à rendre en musique les passions de l’homme inspirent cet album tout spécialement conçu par le Trio Talweg.
En ouverture, l’incontournable et saisissant Trio en si bémol majeur, D.898, dont la fougue introduite par l’Allegro initial n’a d’égal que l’univers onirique suggéré par l’Andante pour lequel Schubert prit soin de qualifier qu’il doit être interprété « un poco mosso »… Nos musiciens s’avèrent littéralement transportés par cette œuvre soulignant ainsi leur réelle complicité. Quelques notes détachées du violon inspiré de Sébastien Surel, vite rejointes par un transport ému du violoncelle, et quelques profondeurs encore du piano Romain Descharmes, composent un tableau riche en nuances et délicatesses.
Rêveries riches en couleurs encore pour ce toujours admirable Notturno D.897 ciselé par l’interprétation délicate qu’en offrent nos musiciens parachevant ce bijou d’introspection. Schubert l’avait initialement conçu comme étant le second mouvement pour le premier trio avant de l’abandonner. Une certaine vision de l’extase ressort de cette œuvre qui, de ses notes, ponctue le temps qui passe. Une fois de plus le Trio Talweg excelle dans le rendu de ces infimes nuances qui marquent cette esquisse rêveuse.
Avec le lied Auf dem Strom, transcrit par le Trio Talweg, la musique chante et enchante. Et si la voix humaine s’est effacée dans cette transcription au profit des seuls instruments mués par un même élan, c’est un même souffle qui vient irradier cette dernière œuvre témoignant de la valeur de cet ensemble aussi talentueux qu’inspiré.

Schubert -Three sonatas from 1817, Edda Erlendsdóttir (piano), CD, Label ERMA 2021.
 

La pianiste islandaise Edda Erlendsdóttir livre avec ce dernier enregistrement une interprétation à la fois personnelle et aboutie de l’un de ses musiciens préférés, Franz Schubert. L’artiste à renommée internationale a délibérément retenu l’univers feutré de ces trois sonates composées la même année, en 1817, afin de déployer toute la sensibilité exacerbée du compositeur dans ces œuvres à un moment important de sa vie. En 1817, libéré de ses charges d’enseignement, Schubert put, en effet, consacrer toute cette année à la seule composition de pièces pour piano, dont notamment les trois sonates réunies en cet enregistrement.
Cet univers schubertien a manifestement baigné les années de formation de la pianiste qui parvient à suggérer chacune des facettes du compositeur. La première, la sonate en la bémol majeur D.557, aux tonalités primesautières, ravit spontanément. La joie de vivre transparaît dès les premiers mouvements en d’inspirés allegro qui en font une œuvre des plus divertissantes. Séduction immédiate également pour cette sonate en mi bémol majeur D.568 aux accents viennois et à l’ampleur enchanteresse. Edda Erlendsdóttir aime à en suggérer les accords soyeux dès le premier mouvement. L’andante molto plonge le mélomane dans l’introspection du compositeur où pointent quelques secrètes inquiétudes, vite balayées par l’élégant Menuetto.
Ce bel enregistrement aux tonalités intimistes se conclut avec la sonate en la mineur D.537 op.164 en une surprenante excursion dans les tonalités. Ce petit bijou aux couleurs contrastées se trouve remarquablement éclairé par l’interprétation qu’en livre Edda Erlendsdóttir en de clairs-obscurs annonciateurs de la musique à venir.

 

" Louis-Gabriel Guillemain ; Second livre de sonates en quatuor », XVII, Aude Lestienne direction artistique & traverso, Shiho Ono violon, Myriam Ropars basse de viole, Jean-Baptiste Valfré violoncelle, Kazuya Gunji clavecin, CD, Editions Musica Ficta, 2020.
 

Si le nom de Louis-Gabriel Guillemain n’est guère connu que des spécialistes et mélomanes avertis du XVIIIe siècle, il fut cependant en son temps, celui du règne du roi Louis XV, l’un des musiciens de la cour les plus appréciés. Son destin tragique qui le conduira après s’être endetté à se suicider de quatorze coups de couteau ajoute encore un peu d’intrigue à un parcours pourtant brillant. Le personnage fut en effet décrit comme un homme plein de génie et de vivacité, dynamisme qui se retrouvait à la pointe de son archet dont la virtuosité était sans égale.
Les œuvres retenues par l’Ensemble la Française pour ce premier enregistrement laissent une belle idée de ce que devait être en effet le génie de sa composition, alerte et galante, à l’image de son siècle et de l’art rocaille dans lequel ce compositeur s’inscrivit. Ces « conversations galantes » telles que le compositeur les nomme livrent des échos inspirés en ces sonates en quatuor où nos quatre instrumentistes trouvent un plaisir manifeste à en rendre les multiples raffinements.
L’art de la conversation n’avait point de frontières à cette époque où dialoguaient peinture, littérature et musique. La flamboyance de la composition n’empêchait nullement des accents de profondeur, contrairement à ce qu’il est trop souvent avancé, le XVIII° siècle n’était pas toujours sourd aux transformations que connaissait la société. Mais faste et plaisir à cette époque ne s’avéraient cependant pas encore bannis sous prétexte des difficultés. Si une certaine faconde peut nourrir certains passages, la beauté saisissante de cette musique dépasse la virtuosité pour gagner d’autres sphères.
Avec la musique de Louis-Gabriel Guillemain, encore trop méconnue de nos jours, les fastes du XVIIIe siècle resplendissent de nouveau grâce à l’interprétation de ses sonates en quatuor qu’en livre avec aisance et brio l’Ensemble la Française.
 

Armin Jordan – Lucerne Festival, œuvres de Debussy, Chausson, Roussel, orchestre de la Suisse romande, CD, 2020.
 

Les éditions Audite ont eu l’heureuse initiative de faire revivre dans la collection « Historic performances » les riches heures du festival de Lucerne avec l’orchestre de la Suisse Romande dirigée par le grand chef Armin Jordan en 1988 et 1994.
Ces archives ne pourront que réjouir le mélomane dès les premiers accords du fameux « Prélude à l’après-midi d’un faune » de Claude Debussy, cette œuvre qui sous la baguette du talentueux chef suisse déploie toutes ses couleurs chatoyantes. Celui qui a longtemps été considéré comme le successeur de l’incontournable chef Ernest Ansermet a su rapidement gagner sa propre réputation, cette dernière reposant incontestablement sur l’alliance d’un héritage à la fois germanophone et francophone en terre suisse.
La Suite no. 2 d’Albert Roussel témoigne de cette aisance et de cette puissance lors de l’évocation du ballet Bacchus et Ariane. Les passages d’une rare présence alternent avec des moments de désespoir, suivant en cela le thème puissant de la mythologie. Ces nuances et ces transitions subtiles confèrent à cette interprétation toute son incomparable saveur pour une œuvre, à tort, assez méconnue de nos jours.
Musique française encore avec Ernest Chausson et ce très beau « Poème de l’amour et de la mer » composé à la fin du XIXe siècle. Le lyrisme sied également au chef Armin Jordan avec une interprétation, elle aussi inspirée, de la soliste Felicity Lott manifestement portée par le poème de Maurice Bouchor. Lilas et ruisseaux composent un univers poétique idyllique au début de l’œuvre, univers qui s’assombrira jusqu’à la mort de l’amour et la conclusion de ce superbe enregistrement.

" Vertigo – Giuseppe Tartini The last violin sonatas ", Duo Tartini, David plantier & Annabelle Luis, Direction artistique, prise de son et montage de Frédéric Briant, CD, Muso, 2020.
 

Les premiers accords des dernières sonates de Giuseppe Tartini laissent percevoir ce charme incomparable qui se dégage des compositions de ce musicien virtuose et d’une rare sensibilité. Les années ont passé, et ces quelques dernières œuvres au seuil de la vie du musicien semblent avoir quelques accents d’un testament, non point inquiet, mais empreint d’un doux abandon. Celui qui était né sous les auspices de Vivaldi et de Corelli allait, en effet, enchanter son siècle de la virtuosité de son fameux coup d’archet. Génie et originalité ont souvent malheureusement occulté la véritable saveur des compositions de ce grand maître du XVIIIe siècle. C’est cette facette plus méconnue à laquelle s’est attaché le brillant duo composé de David Plantier et d’Annabelle Luis.
Point de « Trille du Diable », l’œuvre fameuse qui occulta en partie le reste de sa création, à l’image de Liszt et de ses Rhapsodies, mais de merveilleuses et sensibles sonates écrites au crépuscule de la vie du compositeur. Que l’auditeur ne se méprenne, la virtuosité demeure bien présente dans ces cinq sonates tardives, mais une virtuosité pacifiée, intériorisée rendue avec talent par l’interprétation inspirée de David Plantier ciselant ces notes sans artifices excessifs. Les ornementations baroques dans lequel le compositeur était passé maître ne voilent point, ici, la beauté de la mélodie, mais la mettent, bien au contraire, en valeur, selon leur mission première. Annabelle Luis au violoncelle renforce par son jeu à la fois puissant et subtil ce délicat équilibre exigé par ces sonates techniques, encourageant le dialogue, sans l’estomper à son tour.
C’est une conversation au seuil de la modernité que nous livrent ces deux interprètes talentueux, celle qu’entretint toute sa vie Tartini à l’égard de la musique et que ce bel enregistrement prolonge avec bonheur.

« XIII », Quatuor Ardeo, Carole Petitdemange, Mi-Sa Yang, Yuko Hara, Joëlle Martinez, CD, Klarthe, 2020.

Le Quatuor Ardeo n’est pas superstitieux et le chiffre XIII retenu pour cet enregistrement pourrait même leur porter chance si l’on considère la qualité de ce CD paru chez Klarthe.
Les paysages sombres du compositeur George Crumb dans l’œuvre « Black Angels » fourmillent de bruissements étranges, rompant la solitude du silence primordial. De cet univers crépusculaire surgissent treize images du « pays sombre » que le Quatuor semble avoir si bien saisi au point que leurs instruments se fondent dans cette sublime noirceur qui n’aurait pas déplu à Baudelaire…
Les anges déchus sont légion, le diable n’est jamais très loin non plus, surtout lorsque les instruments traditionnels de l’occident se voient associer de bien singuliers comparses dont nous réservons la surprise à l’écoute de ce disque pour le moins original.
13 est également le numéro du bien connu Quatuor à cordes en La mineur D 804 dit « Rosamunde » de Schubert. Avec cette œuvre, nos musiciennes inspirées renouent avec la grande tradition schubertienne pour une composition délicate, brodée d’infimes nuances qui en rendent l’écoute émouvante. L’intimité qui résulte de cette œuvre d’un homme blessé par une vie qu’il sait trop brève émerge progressivement au fil des mouvements. Le lied transparaît régulièrement, les notes graves évoquent l’obsession de la fin alors que des soubresauts tentent ici ou là quelques souffles d’espoir… La complicité des musiciennes est pour cet enregistrement totale et ajoute encore à cette œuvre inquiète des accents de vérité et d’apaisement.
Avec ce disque, le Quatuor Ardeo propose assurément un programme exigeant et néanmoins des plus inspirants dans les tréfonds de la mémoire musicale.

" Le Délire des lyres - Un quatuor à deux" Marco HORVAT : chant, théorbe, lira, guitare baroque et Francisco MAÑALICH : chant, basse de viole, guitare baroque, Musiques de Francesco Cavalli, Marin Marais, Claudio Monteverdi, Henry Purcell, Dubuisson, Charles Hurel, Sébastien Le Camus, Carlo Milanuzzi, Alessandro Piccinini, CD, Hortus, 2020.

Mais que se passe-t-il avec l’Ensemble Faenza et dont le dernier enregistrement « Délires de Lyres » semble annoncer les symptômes ? Le chant accompagné d’instruments serait-il pris d’une belle folie soudaine ? Certes, l’exercice n’est pas nouveau et si nos salles de concert sont devenues bien sages depuis le XIXe siècle, il n’en fut pas toujours ainsi aux siècles précédents.
Marco Horvat au chant, théorbe, lira, guitare baroque et Francisco Mañalich également au chant, basse de viole et guitare baroque font la brillante démonstration d’un quatuor à deux avec ce divertissant enregistrement. Divertissant, mais non point frivole, car si l’humour pointe de temps à autre, c’est avant tout une ancienne tradition remontant à la plus ancienne antiquité avec Orphée qui est honorée ici par ces musiciens talentueux.
Le fait de chanter avec un instrument était une pratique omniprésente aux XVIIe et XVIIIe siècles, qu’il s’agisse des répertoires anglais, français ou italien. L’angle retenu par Francisco Mañalich et Marco Horvat est pour cet enregistrement original et contribue à faire revivre cet héritage quelque peu et à tort délaissé à notre époque d’hyperspécialisation.
Nos musiciens se réjouissent manifestement de cette audace qui renouvelle l’approche même des instruments dans lesquels ils excellent par ailleurs. Cordes pincées ou frottées se font dès lors l’écho ou prolongement de la voix, accords complices, tensions soutenues jusqu’à l’infime espace où ces lignes se rejoignent et se confondent…
Un rythme intime unit nos deux musiciens et leurs acolytes instruments en un saisissant tableau allant de François Campion à Henry Purcell, sans oublier Marin Marais, Dubuisson, Cavalli, Monteverdi et bien d’autres découvertes. Cette liberté de la voix dégagée des contraintes laisse l’impression d’une complicité certaine dont on imagine sans peine l’aboutissement sur scène en concert ! Le charme gagne là où la poésie du verbe et du chant se confondent aux plus beaux instruments, une réussite.

"Un moment musical chez les Schumann", Cyrielle Golin, violoncelle, Antoine Mourlas, piano, CD, Klarthe, 2020.
 

Si Franz Schubert a rendu familière la pratique du « moment musical » avec ses courtes pièces pour pianos, ces brèves esquisses ont su également inspirer le présent enregistrement intitulé « Moment musical chez les Schumann ». De manière originale, il ne s’agit pas, ici, du célèbre couple Clara et Robert Schumann, mais de deux frères Camillo et Georg qui ne partagent que leur nom et leur amour de la musique avec Robert, sans qu’il n’y ait de généalogie commune.
L’enregistrement réalisé après des mois de recherches menées par Cyrielle Golin et Antoine Mourlas débute par une découverte, celle de cette sonate n° 1 de Camillo Schumann, né en 1872 à Köningstein, et qui subira de manière notoire l’influence du grand Liszt. Organiste réputé et amateur de la musique de Bach, Camillo saura garder toute sa vie un certain classicisme. Cette sonate composée en 1905 relève ainsi encore largement du romantisme allemand qui transparaît, régulièrement, tout au long des trois mouvements, et notamment avec ce très bel andante, alors que l’allegro molto souligne toute la virtuosité des deux interprètes indubitablement inspirés.
L’autre découverte tient à cette sonate Op.19 de Georg Schumann, frère de Camillo. L’œuvre semble manifestement influencée par l’écriture de Brahms auquel il rend en quelque sorte hommage dans cette sonate aux élans passionnés. Le violoncelle de Cyrielle Golin se saisit de ces passages expressifs avec fougue et délicatesse en parfaite harmonie avec le piano d’Antoine Mourlas redoublant l’intensité de ces accords tumultueux. La poésie gagne avec cet andante cantabile aux nuances diaphanes parfaitement rendues par nos deux musiciens, alors que l’allegro energico con fuoco témoigne, comme son titre l’indique, de la passion développée dans cette sonate à découvrir.
Ce « moment musical » ne pouvait, bien entendu, pas s’accomplir sans le grand Robert Schumann avec ses Fünf Stücke im Volkston Op.102, des pièces qualifiées par son épouse Clara de « fraîches et originales » et aux accents de musiques populaires.
Ce bel enregistrement sera assurément l’occasion non seulement de découvrir par un rapprochement inhabituel des compositeurs à la fois proches et bien distincts, et surtout d’apprécier le manifeste plaisir et talent que les deux interprètes ont eu à les faire partager !
 

"Ludwig van Beethoven : Trois sonates pour piano », Matteo Fossi, CD, Hortus, 2020."
 

Si le 250e anniversaire de la naissance de Ludwig van Beethoven (1770-1827) a été quelque peu occulté par la pandémie mondiale, il demeure cependant que certains enregistrements ont permis de replonger dans l’œuvre immense de ce géant de la musique. Le CD du talentueux pianiste Matteo Fossi compte parmi eux, un enregistrement réalisé à partir de l’œuvre centrale de la sonate pour piano n° 17, plus connue sous le nom de « La tempête ». La maladie apparaissant, Beethoven rencontre une période difficile dans sa vie, ce qui explique certainement le caractère sombre de l’œuvre que le compositeur n’hésita pas à rapprocher de la pièce du même nom de Shakespeare. Matteo Fossi, manifestement transporté par cette sonate, parvient dès le premier mouvement à rendre toutes les subtilités de l’alternance Largo – Allegro sans pour autant précipiter les choses. L’intensité dramatique s’installe sans heurts, mais avec passion, avant l’interprétation remarquable de l’adagio suivant. Le pianiste développe alors un chant d’une rare profondeur, instants de calme avant le déchaînement des éléments. Le toucher délicat ajoute à cette interprétation des instants de grâce avant l’Allegretto final avec son motif récurrent comme un rappel de l’inéluctable, intensifiant encore le drame suggéré.
À cette pièce qui aurait pu se suffire à elle seule, Matteo Fossi a souhaité généreusement lui adjoindre deux autres sonates, la sonate n° 4 baptisée « Grande sonate » par son auteur et la délicate sonate n° 31, l’avant-dernière de Beethoven, et dont l’élégance ne cède qu’à l’introspection raffinée, notamment avec le mouvement final où la composition de Beethoven atteint avec cette dernière œuvre des sommets vertigineux parfaitement évoqués grâce à cette très belle interprétation et témoignage sensible de Matteo Fossi. À ne surtout pas laisser passer !

"Chausson - Le littéraire", Takénori Némoto, direction musicale & reconstitution, Éléonore Pancrazi, mezzo-soprano, Louise Pingeot, soprano, Pablo Schatzman, violon, Jean-Michel Dayez, piano, CD, Klarthe Editions, 2020.

Le compositeur Ernest Chausson (1855-1899) a toujours nourri des liens étroits avec la littérature, et c’est justement cet angle qu’a souhaité retenir Takénori Némoto pour la réalisation de ce bel enregistrement paru chez Klarthe Éditions. Si Wagner, Jules Massenet et César Franck compteront, certes, également beaucoup pour la formation musicale du compositeur, son amour des arts, et notamment des lettres, tiendra toujours, cependant, une place importante et essentielle dans ses créations.
Ainsi, « Chanson perpétuelle », première œuvre retenue – et dernière partition achevée par Chausson –fut élaborée à partir d’un poème de Charles Cros « Nocturne » narrant l’histoire tragique d’une femme abandonnée. Bois frissonnants, plaintives rumeurs et linceul doré composent un univers poignant ayant valeur de testament à la veille de ce nouveau siècle que le musicien ne connaîtra pas, puisqu’il mourra prématurément à l’âge de 44 ans en 1899 des suites d’une chute de bicyclette. « La Tempête » trouve, quant à elle, son inspiration dans la fameuse pièce éponyme de Shakespeare. Cette œuvre délicate et puissante à l’image de son modèle littéraire réserve des passages émouvants tel le duo de Junon et Cérès qui témoigne de l’intensité dramatique atteinte par le compositeur et parfaitement rendue, ici, avec une belle sensibilité par les interprètes. Le concert pour violon, piano et quatuor à cordes Op. 21, qui fut dédié et interprété par Eugène Ysaÿe lors de sa création, débute par un premier mouvement « Décidé » bien nommé, et dont les musiciens de l’Ensemble Musica Nigella offrent également une remarquable interprétation toute de nuances. L’art d’Ernest Chausson transparaît en effet pleinement avec ses modulations et son intensité, notamment dans les parties de violon. Un certain lyrisme rattache cette œuvre sensible non seulement à César Franck, mais offre également quelques réminiscences de ses premiers amours wagnériens. Ce bel enregistrement intitulé à juste titre « Chausson le littéraire » s’avère être une très belle porte d’entrée dans l’univers musical et artistique d’un compositeur trop peu connu et auquel cet enregistrement convie avec élégance.

"Les Amours d’un Rossignol - Musiques pour le flageolet français", La Simphonie du Marais, Hugo Reyne (flageolet & direction), Coffret 2 cds + 1 CD vidéo, Label Hugo Vox, 2020.

Les premières et dernières notes du dernier disque enregistré par la Simphonie du Marais dirigée par Hugo Reyne débutent par la fameuse chanson « À la claire fontaine… » soudainement interrompue par le chant d’un rossignol, plus vrai que nature, sous la forme d’un instrument méconnu, le flageolet. Une surprise et un ravissement ! C’est en effet une première que cet enregistrement entièrement consacré à un instrument perdu de vue et présenté naguère comme un « agréable compagnon » pouvant être transporté dans sa poche aussi bien sur terre qu’en mer…
Hugo Reyne, talentueux directeur de la Simphonie du Marais et flûtiste bien connu de nos lecteurs (lire notre interview), a fait la connaissance de cet instrument en 1980, la plupart d’entre eux munis de clefs couvrent une période allant du XVIIe au XIXe siècle. Facéties et bucolisme alternent, ici, avec cet instrument doué d’un entrain et d’un allant cadrant idéalement avec son interprète.
Ce coffret de deux CD rassemble les fruits d’une véritable enquête sur le flageolet français à partir de 13 d’entre eux, la plupart étant d’époque. Hugo Reyne se fait tour à tour récitant, en français ou en anglais, afin de rappeler l’histoire du flageolet, instrumentiste, et même pédagogue s’il prenait envie à l’auditeur d’apprendre cet étonnant instrument.
Puis viennent de belles découvertes comme cette élégante Passacaille de Jean-Pierre Freillon-Poncein, hautboïste à la cour de Louis XIV, et témoignant des capacités originales du flageolet dans la musique du Grand Siècle. Ravissement encore pour ce concerto The Cuckoo & the Nightingale de Haendel où rossignol et coucou se démarquent de façon singulière pour cette œuvre habituellement interprétée à l’orgue, alors que l’orchestre de la Simphonie du Marais enchante ce tableau musical de la plus charmante manière dans ce finale à l’allegro vigoureux et vibrant.
L’étendue de répertoire de cet instrument à vent souvent méconnu ne cesse de surprendre notamment par ces morceaux de jeunesse d’Hector Berlioz réunis pour cet enregistrement, et surtout ces œuvres d’Edme Collinet, virtuose de l’instrument, et dont l’interprétation proposée, ici, par Hugo Reyne témoigne encore de la richesse de cet étonnant instrument au terme de sa longue histoire.
C’est ce foisonnant patrimoine que restituent avec bonheur, et avec une jubilation manifeste, Hugo Reyne et la Simphonie du Marais dans cet enregistrement aussi plaisant que truculent.
 

" Rachmaninov — Études-Tableaux "», Alberto Ferro (piano), CD, Label Muso, 2020.
 

Le jeune pianiste Alberto Ferro signe avec ce disque consacré à Rachmaninov (1873-1943) son premier enregistrement après avoir été remarqué au concours Reine Élisabeth en 2016. Le programme que ce pianiste talentueux a retenu correspond aux années de bonheur du compositeur d’origine russe, avant la révolution d’Octobre qui l’obligera à émigrer aux États-Unis où il sera naturalisé. Ce sont l’insouciance et la liberté qui inspirent en effet directement ces 8 études-Tableaux op. 33 composées en 1911.
Le legs laissé par Chopin et Liszt apparaît manifeste chez le jeune compositeur et pianiste virtuose lorsqu’il compose ces pièces expressives. Leurs exigences techniques laissent régulièrement place à des passages plus méditatifs où la sensibilité du jeune russe transparaît régulièrement grâce au phrasé délicat d’Alberto Ferro. Ces petites pièces n’excèdent guère que quelques minutes chacune suggèrant de véritables tableaux ainsi que l’indique leur titre, des images animées par les phrases musicales et que l’interprète parvient à rendre avec une sensibilité remarquable notamment pour les morceaux les plus graves.
La virtuosité surprend et séduit pour la première des Etudes-Tableaux op. 39 en un charme tout lisztien venant souligner l’extrême musicalité de ces compositions. De manière générale, le second groupe d’Études, composé quelques années plus tard, laisse transparaître une agitation plus sensible chez l’artiste, prescience de la Révolution aux portes de la société russe avec ses nombreuses crises préliminaires, disparitions de son père, de son professeur, ainsi que celle de Scriabine qui l’affectèrent profondément.
L’insouciance n’est déjà plus et la mort s’immisce parfois comme dans cette Étude n°2 où le thème du Dies Irae surgit subrepticement. Les passions fusent aussi avec l’Étude n° 3, véritable bouquet floral printanier aux multiples efflorescences souligné par le jeu subtil et enjoué d’Alberto Ferro qui signe avec ce disque un prometteur enregistrement.
 

" Firenze 1350 ", Sollazzo Ensemble - Anna Danilevskaia, CD, Ambronay Editions, 2020.
 

Au milieu du XIVe siècle, cela fait déjà quelques trente années que Dante Alighieri – né à Florence - n’est plus. Pétrarque est dans la force de l’âge dans cette même ville alors que Boccace vient de signer le Decameron, ce recueil si novateur de la littérature en prose. En un tel contexte d’excellence, que trouvons-nous dans le paysage musical de la Toscane à cette période ? C’est à cette quête, pleine de promesses et de surprises, qu’invite cet enregistrement aussi délicat que raffiné, soigné tant dans sa programmation que dans son interprétation grâce à l’admirable travail réalisé par Anna Danilevskaia et l’Ensemble Sollazzo pour le label Ambronay Éditions.
L’effervescence notée dans les arts trouve également, bien entendu, un écho dans la musique ouverte sur l’humanisme qui se déploie alors. Lorenzo da Firenze, Andrea Stefani et Giovanni da Firenze viennent ainsi prolonger cette exceptionnelle ouverture à de nouveaux horizons dont les peintres, comme les poètes, se sont saisis de si habile manière. Les circonstances de l’époque peuvent influencer la muse musicale telle cette œuvre introductive « Godi Firenze » qui célèbre de manière non masquée la victoire remportée par Florence contre les Visconti de Milan avec la prise de Pise. Francesco Landini avec « Adiou Adiou » croise l’inspiration de Guillaume de Machaut et de l’amour courtois, alors que Giovanni da Firenze développe un rythme propre à l’évocation d’une scène de chasse pour introduire une rupture inhabituelle avec l’endormissement des chasseresses, un effet de style aussi étonnant que saisissant.
Cette poésie musicale trouve alors en son époque un public sans cesse plus nombreux et sensible à ces raffinements traduisant les mutations d’une société en pleine effervescence. Classicisme et novations y sont intriqués parfois de manière si étroite que ces œuvres offrent de nouvelles découvertes pour leurs contemporains qui ont dès lors loisir à en démêler les références. Allégories du soleil célébrant l’amour, mais aussi fertilité d’une époque à nulle autre pareille, nourrissent des compositions telles celles de Bartolino da Padova. Landini offre, pour sa part, dans ce riche programme une lauda à la Vierge Marie de toute beauté, célébrant la Création et le mystère de l’Incarnation, véritable louange ciselée.
L’harmonie et la parfaite unité qui lient les instrumentistes de l’Ensemble Sollazzo à Perrine Devillers et Yuki Sato (sopranos), ainsi que Andrew Hallock (contre-ténor) et Vivien Simon (ténor), parviennent à restituer l’esprit de cette période unique dans les arts et que cet enregistrement honore de la plus belle manière !

"Louis Couperin en tête à tête" ; Duo Coloquintes - Alice Julien-Laferrière au violon et Mathilde Vialle à la viole de gambe, CD, Seulétoile, 2020.

Après Froberger, c’est Louis Couperin (1626-1661) qui réunit, en ce bel enregistrement, la passion de deux musiciennes talentueuses, Alice Julien-Laferrière au violon et Mathilde Vialle à la viole de gambe. Nous sommes au XVIIe siècle, et si Louis Couperin est bien connu en tant que claveciniste et organiste, il ne dédaignait pas pour autant la viole et le violon, instruments pour lesquels il excellait également, et pour qui il a laissé quelques belles pages comme en témoigne cet enregistrement. Ces pièces extraites des manuscrits de Parville, Bauyn et Guy Oldham laissent immédiatement transparaître ce goût à la Française, telles ces Suites en ré, sol et la qui alternent tour à tour en rythmes chantants ou plus méditatifs.
La danse demeure, bien entendu, au cœur de ces œuvres, danses pour la plupart d’origine populaire et reprises par la musique savante. La viole accompagne tout en délicatesse, par sa basse continue, un violon qui peut s’avérer facétieux lorsqu’il ne distille pas quelques accords plaintifs. Le dialogue sait aussi se faire parfois intime avec des pièces plus introspectives dont la Sarabande de la Suite en la, ou encore plus enlevé avec de magnifiques duos comme pour cette Suite en sol manifestant tout le talent de nos deux musiciennes. Enchantement également pour ces Pièces de viole en ré de Jean Lacquemant, plus connu sous le nom de Dubuisson, où l’instrument fait renaître un univers délicat, à jamais perdu, celui de lignes mélodiques à la fois puissantes et suggérées, quelques accords aux silences si évocateurs qu’un véritable tableau proche d’un Simon Vouet ou d’un Philippe de Champaigne surgit à l’écoute de cette belle interprétation.
Avec ce disque sensible et raffiné, Alice Julien-Laferrière et Mathilde Vialle font revivre de la plus agréable manière les goûts du musicien Louis Couperin lorsqu’il n’était pas au clavier de son instrument de prédilection.

"Messe noire", Célimène Daudet (piano), oeuvres de Liszt et Scriabine, CD, NoMadMusic, 2020.
 

La face sombre de l’âme en ce qu’elle peut exprimer comme doutes ou affres n’a cessé d’inspirer les artistes depuis l’aube des temps. La pianiste Célimène Daudet, dont notre revue a déjà eu l’occasion de souligner la finesse d’interprétations, a ainsi souhaité pour cet enregistrement intitulé « Messe noire » et paru chez NoMadMusic confronter les dernières œuvres sombres de Liszt à celles de Scriabine.
S’il n’a jamais été question pour Liszt d’une quelconque tentation pour les anges déchus, et encore moins pour leur chef, il demeure cependant que ses dernières années contrastent avec celles, brillantes et virtuoses, qui caractérisèrent sa vie de « saltimbanque » comme il la nommait souvent. L’âge, la perte d’amis chers, telle celle de Wagner dont il anticipa la disparition (qui surviendra à Venise quelques semaines plus tard) avec cette « Lugubre gondole » traversant les canaux de la Sérénissime comme un fuyant catafalque, ont teinté d’une inhabituelle pénombre et d’un sombre crépuscule les dernières œuvres du compositeur.
Deux « Poèmes » (n° 1 n° 2 op. 71) de Scriabine surgissent alors de cette obscurité comme autant de mondes étranges. Le jeu ciselé de la pianiste met en valeur ces accords des ombres aux trilles énigmatiques, étrangeté accentuée par sonorités aux frontières du fantastique et du rêve ainsi que les nomma le compositeur russe lui-même.
Liszt de nouveau avec « Nuages gris » ; Une œuvre qui vient suggérer par de sombres accords de la main gauche l’annonce de la mort, et anticiper aussi par d’audacieuses nouveautés la musique du XXe siècle.
Cet intime dialogue surgi de profundis entre l’art de Frantz Liszt et celui d’Alexandre Scriabine convainc spontanément, une invitation à la méditation servie par une interprète inspirée.

"Brahms « Trio et Quintette avec clarinette » Florent Héau (clarinette) Jérôme Pernoo (violoncelle) - Jérôme Ducros (piano) - Quatuor Voce, CD, Klarthe, 2020.
 

La clarinette de Florent Héau livre une fois de plus des accords magiques et merveilleux pour des œuvres tardives du compositeur Johannes Brahms. Cet enregistrement en compagnie de deux autres musiciens talentueux en les personnes de Jérôme Pernoo et Jérôme Ducros convie en effet le mélomane dans l’univers secret et délicatement intimiste de la clarinette traduisant les passions intérieures du compositeur au crépuscule de sa vie. Ainsi que le souligne Jean-Marie Paul dans le livret, Brahms arrivé au terme de sa vie, et ayant rencontré le succès, semble las de composer et avoue : « J’en ai fait assez ; maintenant, c’est au tour des plus jeunes »… Mais c’était oublier la passion toujours présente pour la musique qui allait s’enflammer de nouveau sur ces braises d’automne lorsqu’il fit la rencontre en 1891 de Richard Mühlfeld, le virtuose de la clarinette !
Les deux œuvres retenues pour cet enregistrement sont nées de ce crépuscule flamboyant. À l’écoute de leur interprétation par nos brillants musiciens - manifestement transportés par la qualité de ces œuvres - il apparaît en effet que Brahms livre avec ces pages la quintessence de son art en un minimalisme où la mélancolie se dispute à l’espérance encore envoûtante. Les premiers accords du violoncelle, immédiatement repris par la clarinette et l’accompagnement du piano, suggèrent cette brillante fougue du compositeur, suivie d’un tendre adagio où l’harmonie entre les trois interprètes atteint à la perfection, avant l’allegro final, apothéose de la force expressive de ses passions tardives. Même enchantement pour le Quintette op. 115 dont l’élégance séduit immédiatement dès l’allegro introductif et le thème d’ouverture.
Florent Héau développe toute l’étendue de son art par les nuances qu’il parvient à instiller dans ces passages enlevés. Quelques notes suggèrent une mélancolie certaine, en une langueur à peine voilée, alors que d’autres passages qui leur succèdent témoignent de cette vivacité du compositeur au terme de sa vie.
C’est tout l’art de ces interprètes talentueux et la magie de la clarinette de Florent Héau que de déployer toute la palette de ces émotions intriquées en ce chant du cygne du compositeur !

"Beethoven, Schoenberg" Les Pléiades, CD, NoMadMusic, 2020.

Inviter chez soi le romantisme allemand avec Beethoven et Schönberg dans le cadre intimiste d’un sextuor à cordes se révèle désormais possible avec l’excellent enregistrement réalisé par l’Ensemble Les Pléiades chez NoMadMusic.
La pratique des réductions d’œuvres orchestrales par des transcriptions pour des ensembles plus réduits – voire pour un seul instrument – est ancienne, et Franz Liszt en fit une spécialité en son temps afin d’encourager la diffusion des œuvres de ses amis dans les salons européens au XIXe siècle. Pour ce CD, l’Ensemble Les Pléiades a retenu la transcription par Michaël Gotthard Fischer de la symphonie n° 6 de Beethoven composée en 1808, une transcription datant, elle, de 1810 et donc contemporaine de Beethoven. Si bien entendu la puissance de la composition s’estompe au profit de la force expressive de l’évocation pastorale, le charme n’est pas rompu pour autant, bien au contraire, et s’exprime au profit de ces petits tableaux bucoliques qui se succèdent grâce au talent de nos six musiciennes. Manifestement mues par cet élan romantique, ces dernières conjuguent en effet leur talent afin de rendre au plus près cette musique à programme, moins connue que sa sœur aînée symphonique.
Même enchantement pour cette œuvre d’Arnold Schönberg, « La Nuit Transfigurée ou Verklärte Nacht » op. 4, qui puise à cette même source du romantisme allemand et à la poésie de son ami Richard Dehmel. L’ambiance sombre et spectrale de la nuit est amplifiée par cet élan amoureux de Schönberg pour Mathilde, la sœur d’Alexander von Zemlinsky, qu’il épousera quelque temps plus tard. Le poème évoque l’histoire saisissante de ce couple se promenant dans la nature qui amplifie cette mélancolie, l’aimée portant un enfant qui n’est pas né de cet amour. Progressivement, la marche transcende les aveux, la lune et les éléments éclairent d’une lumière nouvelle ces liens ternis par le péché pour conduire à un nouvel amour transfiguré. Ce récit poignant admirablement traduit en musique par Schönberg avant sa période dodécaphonique conclut brillamment cet enregistrement délicat et sensible de l’Ensemble Les Pléiades.

Franz Liszt : "Künstlerfestzug - Tasso - Dante Symphony", Staatskapelle Weimar | Knabenchor der Jenaer Philharmonie | Damen des Opernchores des Deutschen Nationaltheaters Weimar, Kirill Karabits (direction), CD, Audite, 2020.
 

Si la vie et le nom du musicien hongrois Franz Liszt est resté célèbre pour sa virtuosité au piano et ses mémorables concerts qu’il livra dans toute l’Europe du XIXe siècle, on oublie trop souvent qu’il fut aussi un compositeur prolixe et inspiré. À partir de 1848, Liszt s’installe à Weimar où il sera nommé maître de chapelle par le grand-duc Charles-Alexandre. Ce sera alors le lieu d’une créativité féconde et d’une forme musicale novatrice avec ses poèmes symphoniques. Après de longues années de pérégrinations de concerts dont il connaissait mieux que quiconque les limites, à Weimar, Liszt n’ignore pas qu’il retrouve dans cette ville le lieu adéquat pour sa composition. L’Histoire lui donnera raison avec ces années non seulement fertiles mais confirmant également ses élans de jeunesse en un rapprochement délicat entre musique et poésie. Liszt souhaite pour ses œuvres une nouvelle forme, une musique programmatique, et non plus la structure classique de la symphonie. Ce seront alors les poèmes symphoniques, ici réunis et interprétés par la talentueuse Staatskapelle Weimar dirigée par Kirill Karabits dans les lieux mêmes arpentés par le virtuose compositeur. Le mélomane retrouvera les accents épiques du Tasse qu’il découvrit par le truchement du poète Byron. Ce que l’on appelle la musique à programme se développe idéalement avec la Dante-Symphonie, œuvre reprenant littéralement les trois étapes du voyage du poète Dante avec la Divine Comédie. L’Enfer déploie les affres de la désolation sous les yeux du poète accompagné de Virgile. La Staatskapelle Weimar et Kirill Karabits parviennent littéralement à matérialiser ces images sonores en des tableaux successifs dans lesquels le fantastique se dispute à la poésie avec cette œuvre qu’il découvrit grâce à Marie d’Agoult en Italie. L’œuvre alterne les parties d’une rare virtuosité et des évocations plus méditatives. La richesse des couleurs suit de près le texte du poète italien où les percussions redoublent à l’évocation des Enfers alors que des passages plus recueillis rappellent à l’aide du violon et de la harpe les regrets de la vie terrestre de ces âmes errantes. Les musiciens de cet enregistrement au parfait diapason lisztiens parviennent à rendre ce Purgatoire d’une manière sensible et mesurée comme il convient pour ce lieu de l’entre-deux. Nuances, recueillement, méditation prolongée par de longs accords, c’est toute la subtilité rendue par ce bel enregistrement avant l’apothéose finale. Le Magnificat - avec le chœur de femmes des Deutschen Nationaltheaters Weimar dirigé par Marianna Voza et celui des enfants de la Jenaer Philharmonie conduit par Berit Walther - aboutit en effet à ce stade ultime de l’évocation paradisiaque. L’influence du Grégorien est manifeste pour celui qui deviendra dans la dernière partie de sa vie l’abbé Liszt et dont cette œuvre témoigne de la richesse de sa foi.
 

"Concerti a quattro" par l'Ensemble Bradamante (Rachel Heymans, flûte à bec et hautbois baroque, Anne-Catherine Gosselé, flûte à bec, Leonor Palazzo, violoncelle à cinq cordes, Paule van den Driessche, clavecin) CD, MUSO, 2020.

L’ensemble Bradamante vient de réaliser un stimulant enregistrement « Concerti a Quattro », un titre qui ne devrait pas surprendre les mélomanes avertis, ainsi que les amateurs de l’ensemble, tant cette forme s’éloigne de la sonate a trio pour tendre vers le concerto a molti stromenti. Chaque instrument trouve ici, en effet, une place rayonnante, s’inscrivant dans sa singularité et dialoguant avec une vive liberté dans ces œuvres virtuoses.
Quatre musiciennes de talent ont ainsi conjugué leur art afin de redonner un éclat à des œuvres enchantées, tel le Concerto grosso XVIII en sol mineur op. 6 n° 8 d’Arcangelo Corelli qui ouvre avec majesté cet enregistrement avec un arrangement en trio de Johann Christian Schickardt. Flûtes à bec et violoncelle entament des hymnes révélant la grâce de la nuit de Noël, évocations tour à tour recueillies ou enjouées célébrant ces instants uniques de la naissance du Christ.
La Chaconne en trio de Jacques Morel – un élève de Marin Marais – révèle, pour sa part, le jeu à la fois vif et virtuose du violoncelle à 5 cordes, si proche de la viole et joué avec délicatesse par Leonor Palazzo, alors que les autres musiciennes lui enjoignent le pas dans cette danse lente d’origine populaire.
Séduction immédiate également pour ce Concerto a quattro de Georg Friedrich Händel, en une plaisante transcription qui ménage ses effets avec cette expressivité manifeste dès l’adagio du premier mouvement et témoignant du talent des instrumentistes manifestement mues par la beauté de cette musique.
Nombreuses seront encore les découvertes dans cet enregistrement inspiré et inspirant notamment ce Concert de Chambre n°1 de Jean-Joseph Mouret, qui a notamment ce grand mérite de déployer le talent individuel de chaque instrumentiste en son dernier mouvement, une chaconne gracieuse et délicate à l’image de ce XVIIIe siècle insouciant et galant.
En conclusion, l’incontournable Vivaldi et ce bien connu Concerto pour flûte à bec, hautbois et basse continue RV103 magnifiant l’art du hautbois si bien servi par Rachel Heymans.
Au terme de cette heureuse pérégrination dans des formes musicales réduites mettant en valeur chaque instrument, la séduction opère assurément.

Ce qu'a vu le vent d'Est / Debussy, Ibert, Otaka" ; Ryutaro Suzuki, piano, CD, Hortus Éditions, 2020.
 

Le goût certain de Claude Debussy (1862-1918) pour les influences exotiques japonaises est bien connu et le compositeur a laissé en témoignage des pages inoubliables sur ce thème. Aussi, n’est-il guère étonnant que le pianiste d’origine japonaise Ryutaro Suzuki ait choisi un programme réunissant occident et orient, en un échange inspiré d’influences.
Les images du Monde flottant ou Ukiyo-E ont subrepticement coloré certaines compositions de Debussy, directement ou indirectement, et cet attrait certain pour le japonisme transparaît aisément. Ryutaro Suzuki a cependant fort judicieusement su associer des pièces faisant écho et reliant ces mondes si distants. Et si « L’Isle joyeuse » fut composée au début du XXe siècle par Debussy d’après la célèbre toile de Bateau « Le Pèlerinage à l'île de Cythère » et semble pour l’île grecque bien éloignée du Pays du Soleil Levant, un souffle exotique certain nourrit néanmoins cette pièce poétique et chantante. L’interprétation qu’en livre le pianiste est d’une remarquable netteté et subtilité.
L’intériorité de Ryutaro Suzuki s’exprime également dans toutes ses nuances avec les « Préludes » du Premier Livre de Debussy, un programme où sonorités et tableaux musicaux convoquent également au voyage et à l’évasion, comme en témoigne ce prélude n°3, « Voiles », admirablement interprété par le pianiste.
Enfin, si Jacques Ibère (1890-1962) est quelque peu moins connu que son aîné, il a su cependant proposer de plaisantes « Histoires pour piano » qui, elles aussi, témoignent de ce legs debussyste pour des tableaux musicaux élégants aux multiples couleurs.
Mais, la découverte viendra assurément de la suite japonaise composée par Hisadata Otaka (1911-1951) qui puise, elle aussi, à l’inspiration debussyste tout en déployant un univers chatoyant et enlevé propre à son pays lors de ses fêtes traditionnelles.
Au final, le mélomane aura le sentiment d’avoir fait un très beau voyage grâce à l’élégance et au raffinement du pianiste Ryutaro Suzuki, voyage dont on ne revient pas toujours et qui se prolonge encore bien longtemps après les dernières notes jouées… Plaisir d’un piano empreint d’une belle nostalgie.

1893 Quatuor Varèse Dvořák, Puccini, Debussy, NoMad Music, 2019.

Le Quatuor Varèse a consacré son dernier enregistrement au quatuor à cordes au tournant de la fin du XIXe siècle. Un thème de prédilection, donc, pour cet ensemble largement salué. Trois compositeurs au programme, Dvořák, Puccini et Debussy, pour trois sensibilités au regard de ce genre musical initié par leurs aînés Haydn, Mozart et Beethoven. Contrairement à ce que le mélomane pourrait croire trop rapidement, les nouveautés s’immiscent subrepticement à l’annonce du siècle nouveau. L’Ensemble Varèse a ainsi imaginé une rencontre de ces trois compositeurs à partir de cette approche repensée de la musique de chambre. La séduction opère spontanément dès les premiers accords de ce premier mouvement du Quatuor n° 12 de Dvořák, un quatuor né aux États-Unis alors que le compositeur séjournait dans le Nouveau Monde, lieu également de sa fameuse symphonie du même nom. Confronté à de nouvelles expériences, le musicien exprime sa séduction face à ces immensités, mais, rapidement, cependant, l’âme tchèque pointe en des accents mélancoliques, une nostalgie parfaitement exprimée par cette symbiose émouvante des violons de François Galichet et Julie Gehan Rodriguez, et que viennent souligner l’alto de Sylvain Séailles et le violoncelle de Thomas Ravez dans leurs accents les plus graves avec subtilité et sensibilité.
Moins connu – si ce n’est sa reprise dans Manon Lescaut – le Quatuor Chrysanthèmes de Giacomo Puccini, un quatuor qui convie les instruments en un paysage sombre et tragique, l’œuvre ayant été composée par le musicien en hommage au duc d’Aoste. En un seul mouvement, le quatuor développe un lyrisme certain fait d’alternances entre accents graves et silences. Le contraste est d’autant plus saisissant avec la dernière œuvre inscrite dans ce programme inspiré, le bien connu et néanmoins merveilleux Quatuor en sol mineur opus 10 de Claude Debussy.
Le quatuor débute par des notes enlevées et animées, ainsi que le souhaitait le compositeur, un élan singulier et unique qui donne naissance à des thèmes qui reviendront subrepticement dans le reste de l’œuvre. Les couleurs contrastées sont parfaitement rendues par nos quatre musiciens mus par cette vivacité et cet élan initial avant les fameux pizzicati du mouvement suivant, au rythme vif et d’une modernité surprenante pour cet unique quatuor composé en 1893. L’alto se fait longue méditation au mouvement suivant, relayé par des violons rêveurs servant ce songe propre à Debussy, paysage sonore dont l’atmosphère clair-obscur se retrouvera dans un certain nombre de ses autres compositions.
La complicité et le partage de ces pages inspirées témoignent assurément de la qualité du Quatuor Varèse, quatre musiciens talentueux comme l’atteste ce beau programme.
 

" Le Temps Retrouvé – Œuvres pour violon et piano», Li-Kung KUO (violon), Cédric Lorel (piano), CD, Cadence Brillante, 2019.

« Les vrais paradis sont les paradis que l’on a perdus », rappelait Marcel Proust dans La Recherche, une quête de l’ineffable partagée aussi par d’autres cultures, comme un repas japonais cultivant le goût de la saison qui vient de s’achever, celle qui s’annonce et le temps présent… C’est cet esprit qui anime également les deux musiciens Li-Kung Kuo et Cédric Lorel dans ce bel enregistrement « Le Temps retrouvé » et offrant une délicieuse immersion dans l’univers musical du grand écrivain. Si la célèbre sonate de Vinteuil vient immédiatement à l’esprit, nombreuses sont les références explicites ou implicites à la musique dans cette extraordinaire symphonie de la mémoire que représente La Recherche. Marcel Proust cultivait des amitiés intimes avec Reynaldo Hahn, et l’écrivain mélomane n’eut cesse de s’intéresser à cet art qu’il plaçait au plus haut degré. Aussi n’est – il pas étonnant que nos musiciens aient retenu cet angle fertile pour proposer un parcours aussi plaisant qu’interprété avec délicatesse à partir d’œuvres contemporaines de Proust. Eugène Ysaÿe s’imposait en ouverture avec ce Caprice, suivi par Debussy avec cette Sonate pour violon et piano interprétée, ici, sur un Bechstein 1898 et un superbe violon Testore de 1700 pour mieux en restituer la plénitude des couleurs. Ernest Chausson, poursuit ces réminiscences avec le Poème op. 25 développant cette douceur mêlée d’accents plus douloureux, un leitmotiv dans l’œuvre proustienne. Les dessins mélodiques de ces morceaux choisis inspirent manifestement les deux musiciens qui brillent avec cette interprétation sensible de la sonate pour violon et piano n° 1 de Camille Saint-Saëns, une œuvre qui aurait inspiré Proust pour sa sonate de Vinteuil par son expressivité ciselée. Li-Kung Kuo et Cédric Lorel manifestent non seulement leur qualité d’interprète dans cette œuvre exigeante, mais démontrent également une rare sensibilité à ce paysage musical composé de subtiles nuances et variations parfaitement rendues. Il fallait une conclusion digne du thème retenu pour ce bel enregistrement, la parole sera laissée à Reynaldo Hahn en écho à la musique omniprésente de Marcel Proust dans La Recherche avec cet inoubliable Nocturne empreint d’une poésie digne de celle des Salons défilant au gré des pages du grand romancier, une habile manière de suggérer Le Temps retrouvé et Cronos superbement vaincu.
 

Concerto Grosso – Un émigré aux Îles Britanniques, {oh!} Orkyestra Historyczna / Martyna Pastuszka, Enregistrement : Karol Szymanowski Music School À Katowice (Pologne), Direction Artistique et montage : Aline Blondiau Balance et Prise de son : Hugues Deschaux, CD, MUSO, 2019.

C’est un programme enlevé et original qui a été conçu par Aline Blondiau, les musiciens {oh!} de l’Orkyestra Historyczna et la violoniste Martyna Pastuszka. Nous sommes au XVIIIe, aux Îles Britanniques, portés par un vent du sud venu d’Italie sous la forme du concerto grosso représenté, ici, par l’un de ses plus brillants représentants, Francesco Scarlatti, frère du célèbre Alessandro... Le Concerto Grosso connaît alors un véritable succès en raison de ce nouveau dialogue entretenu par deux groupes de musiciens, quelques solistes face au reste de la formation orchestrale. Cette conversation subtile entre les instruments donne naissance à un rythme souvent enlevé, où vivacité et sons chaleureux alternent avec des instants plus introspectifs. La musique prend tout son sens, à part entière, non cantonnée comme auparavant au seul accompagnement de ballet. Les Îles Britanniques sont séduites par ce caractère singulier qui, avec Francesco Scarlatti ayant émigré dans les contrées du nord à Londres et à Dublin, trouve toute son ampleur et sa diversité, ainsi qu’en témoignent ces concerti grossi réunis dans ce bel enregistrement. Deux sonates de Geminiani et Corelli complètent également ce CD en un arrangement en concerto grosso, pratique courante à l’époque. Les musiciens du jeune ensemble polonais {oh!} Orkiestra Historyczna, sous la direction de son premier violon Martyna Pastuszka, excellent dans cet art, déployant un bel éventail de richesse expressive. Alerte et inventive, leur interprétation laisse imaginer ces représentations dans les salons de Londres ou de Dublin, au cœur des brumes de l’hiver réveillées et dissipées par ces accents chaleureux.

" Ravel L’exotique" l’Ensemble Musica Nigella dirigé par Takénori Némoto, CD, Klarthe, 2019.

Un vent d’exotisme souffle sur le dernier enregistrement de l’Ensemble Musica Nigella dirigé par Takénori Némoto. « Ravel l’exotique » invite en effet à découvrir les pièces du compositeur ouvrant sur des horizons lointains : de l’Espagne voisine jusqu’au Levant, sans oublier les contrées de l’Est… C’est l’époque, à la fin du XIXe siècle, des rêves d’évasions, souvent inaccessibles, auxquels invitent les Expositions universelles qui connaîtront l’immense succès que l’on sait, avec une grande influence sur de nombreux artistes n’ayant jamais voyagé... Maurice Ravel compte parmi eux, lui qui, à l’exception d’une tournée aux États-Unis, leur préféra le calme du Belvédère, sa maison à Monfort L’Amaury. En ces murs, pendant seize années, le compositeur n’aura cesse de bâtir un monde merveilleux, décoré par ses soins de bibelots exotiques, sources d’évasions et de rêveries, mais aussi d’inspirations fertiles rendues, ici, idéalement par la talentueuse mezzo-soprano Marie Lenormand avec Shérérazade (1903) à partir des poèmes de Tristan Klingsor. Introduction et Allegro ouvrent sur l’univers délicat et onirique de la harpe pour cette œuvre commandée à Ravel par la société Érard. Les accents nostalgiques de l’introduction tissent des fils sonores qui trouvent leurs échos dans les évocations ultérieures plus rapides, avec ce fameux allegro concluant cette pièce subtilement interprétée par Iris Torrosian. On sait l’influence qu’eut également la poésie de Stéphane Mallarmé sur les artistes de son temps dont, bien sûr, Maurice Ravel. « J’ai voulu transposer en musique la poésie mallarméenne. Et particulièrement cette préciosité si pleine de profondeur si spéciale à Mallarmé », dira-t-il ; une préciosité qui se garde bien des surcharges d’affects usuels pour certaines pièces chantées de cette époque, offrant une texture musicale loin de ces excès avec cette pureté des lignes vocales d’une grande richesse d’expression soutenues par Marie Lenormand. La beauté du violon au cœur de Tzigane est, elle aussi, manifeste grâce à l’interprétation virtuose de Pablo Schatzman avant la fameuse Rapsodie Espagnole qui conclut cette belle évocation de l’exotisme ravélien.

" Amadeus" Quatuor Zaïde, CD, NoMadMusic, 2019.

C’est toute la pétulance du grand Mozart qui se trouve concentrée dans ce disque. Un CD qui d’une certaine manière couvre à lui seul de A à Z l’histoire du Quatuor Zaïde réunissant justement autour du prénom Amadeus les quatre musiciennes talentueuses que sont Charlotte Maclet (1er violon), Leslie Boulin Raulet (2ème violon), Sarah Chenaf (Alto) et Juliette Salmona (violoncelle). Cet album plaisant et d’une grande rigueur technique permet à l’auditeur de perpétuer la tradition du XIXe siècle des réductions de grandes œuvres pour des adaptations à de plus petits effectifs. C’est le cas pour La Flûte enchantée, une des dernières œuvres de Mozart et que nous retrouvons, ici, interprétée avec sensibilité et passion par les musiciennes du Quatuor Zaïde. Cette œuvre familière ne se trouve en rien diminuée par la disparition des voix humaines alors que les cordes frottées prennent leur relais avec autant de bonheur grâce à cette complicité entretenue par les musiciennes. A entendre O Isis und Osiris, premier air chanté par Sarastro et les prêtres, on se surprend à être gagné par l’espérance alors que les joies de l’amour fusent sous les archets de musiciennes gagnées par l’euphorie mozartienne. La colère gagne cependant avec le fameux air Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen, le tourbillon des affects ne manquant pas dans cette œuvre aux diverses influences (populaire, maçonniques…).
Un « Amadeus » complété à l’occasion de cet enregistrement par le Quatuor en sol majeur K. 387 un hommage de Mozart au grand Haydn, autre génie du quatuor.
De grandes œuvres, donc, qui comme tous les chefs-d’œuvre, ne peuvent que réunir le plus grand nombre, surtout lorsqu’il fait l’objet d’une si brillante interprétation.
 

"Consone Quartet : Haydn/Mendelssohn", Ensemble eeemerging Consone Quartet, Collection Jeunes Ensembles, CD, Ambronay Éditions, 2018.

Beau programme conçu par le jeune Consone Quartet pour le label Ambronay Éditions associant Haydn et Mendelssohn en une interprétation rigoureuse et ouverte aux raffinements extrêmes de la musique de chambre. Ouverture également audacieuse de ce programme bravant la chronologie avec le quatuor à cordes en mi bémol de Félix Mendelssohn op. 12. Quelques accords, et immédiatement la magie opère avec cette œuvre d’une grande force expressive témoignant du legs du grand Beethoven notamment avec cet adagio introductif ample et empreint d’une intériorité marquée. Le mouvement suivant Canzonetta en sol mineur développe, quant à lui, une cadence tourbillonnante de doubles-croches qui témoignent de l’habileté du musicien à dresser un univers d’images musicales marquantes. Avec le quatrième et dernier mouvement de ce quatuor, c’est toute la qualité des musiciens qui s’expriment à merveille où le rythme molto allegro e vivace ne réduit en rien la finesse d’exécution des interprètes témoignant de leur belle complicité. L’œuvre suivante nous fait remonter le temps avec le grand Haydn et ce quatuor bien connu : le 66e quatuor opus 77 n°1 s’ouvrant par cet allegro moderato que rythme un air entraînant d’une marche scandée. L’adagio témoigne avec majesté de l’art du grand compositeur, une composition toute en finesse qui fait dire à l’écrivain Philippe Sollers : « « Rien de plus proche d’une Illumination de Rimbaud qu’une sonate de Haydn », impression renforcée par l’élégance du menuet suivant et le raffinement du Finale, clin d’œil de la vivacité de cet artiste au sommet de son art, art rendu à la perfection dans cet enregistrement par cet ensemble appelé à un bel avenir.
 

" Sacré Rossini ! » sélection Radio Classique, (2 CD), Erato, Warner Classics, 2018.
 

Pourquoi ne pas (re)découvrir la musique de Gioachino Rossini (1792-1868) à l’occasion du 150e anniversaire de la mort du compositeur ? Grâce à cette sélection Radio Classique « Sacré Rossini ! » Erato - Warner Classics, le mélomane aura, en effet, le bonheur de retrouver ses plus grands airs, mais aussi les plus entraînants, une invitation à n’en point douter à approfondir la connaissance de ce musicien gourmand, dans tous les sens du terme… Le Barbier de Séville, La Pie voleuse, Guillaume Tell, La Cenerentola, Otello, Semiramide sont passés non seulement à la postérité, mais sont devenus de véritables mélodies de légende. Ce coffret a fait le choix de ne retenir que les enregistrements de qualité de ce compositeur facétieux dont toute la verve pétille dans ses opéras et dont la vie inspira même le grand Stendhal, c’est peu dire ! Le premier disque ouvre ce repas pantagruélique avec la fameuse Ouverture de l’opéra Le Barbier de Séville, son chef-d'oeuvre inspiré de Beaumarchais. Truculence de l’opéra-bouffe italien, Le Barbier évoque les frasques de Figaro dont l’Ouverture donne la tonalité moqueuse. Trois orchestres sont retenus rien que pour cette œuvre, une heureuse manière d’apprécier la diversité des interprétations avec Gianluigi Gelmetti, James Levine ou encore Alceo Galliera… Rossini, c’est aussi des opéras de légende tel Guillaume Tel dont l’exécution demande plus de six heures, ce qui explique que l’enregistrement n’ait, ici, retenu que l’Ouverture, ouverture qui devait inspirer Liszt dans l’une de ses transcriptions mémorables. Le présent coffret offre également La Petite messe solennelle, reflet de la riche spiritualité de son compositeur avec cet étonnant Kyrie. Rossini alla même jusqu’à s’étonner de son œuvre et interroger le Créateur : « Bon Dieu. La voilà terminée cette pauvre petite messe. Est-ce bien de la musique sacrée que je viens de faire ou de la sacrée musique ? J'étais né pour l'opera buffa, tu le sais bien ! Peu de science, un peu de cœur, tout est là. Sois donc béni et accorde-moi le Paradis. » Nul doute que ses vœux ont été entendus après avoir écouté la très belle interprétation laissée par Antonio Pappano et l’orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia.

The Gounod Edition Faust, Romeo & Juliette, Mirelle, Opera arias, Songs, Symphonies and choral works, Plácido Domingo (Faust), Mirella Freni (Marguerite), Nicolai Ghiaurov (Mephistopheles), Thomas Allen (Valentin), Michèle Command (Siebel), Jocelyne Taillon (Marthe), Marc Vento (Wagner), Nicolai Gedda (Doktor Faust), Kurt Moll (Mephisto), Dietrich Fischer-Dieskau (Valentin), Edda Moser (Margarethe),... 15 CD, Warner Classics, 2018.

Si l’on songe à Gounod, c’est bien entendu son Faust qui vient à l’esprit, Roméo et Juliette également, pour leurs évocations romantiques et lyriques. Le présent coffret, fêtant le bicentenaire de la naissance du compositeur « The Gounod Edition », sans renier ces classiques, a fait choix de proposer également d’autres trésors souvent moins explorés du compositeur telle cette Messe solennelle de Sainte Cécile. Brillamment dirigée par Jean-Claude Hartemann, l’œuvre dévoile la face mystique de Gounod, une sensibilité qui n’étonnera pas lorsque l’on connaît la ferveur mystique du musicien qui lui fit hésiter à entrer dans les ordres à l’image d’un autre compositeur, Franz Liszt, qui consacra d’ailleurs également une Légende à la sainte, et deviendra abbé… Incontournable Ave Maria d’après Bach que l’on aura toujours plaisir à réécouter dans la si émouvante interprétation de Barbara Hendricks dont la voix souligne la pureté de la piété mariale ainsi que l’admirable Messe chorale jouée par la regrettée Marie-Claire Alain et dirigée par Michel Corboz avec l’Ensemble Vocal de Lausanne, une œuvre puissante dans l’inspiration palestrinienne et où grégorien et polyphonie tissent des liens intimes. Mais s’il est une œuvre pour laquelle le mélomane aura le bonheur de découvrir l’heureuse interprétation réalisée par Michel Plasson, c’est bien Mors et Vita, une composition qui associe à la douleur de la perte des êtres aimés le Réveil des Morts par la trompette des Anges et le Jugement ouvrant sur l’Apocalypse, une œuvre puissante et injustement méconnue. Mais pourquoi bouder son plaisir et ne pas écouter une nouvelle fois - qui s’en lasserait ! – le fameux « Air des bijoux » du Faust par Mirella Freni « Si belle en ce miroir » ou encore rêver de Roméo et Juliette avec Alfredo Kraus et Catherine Malfitano dans la belle interprétation de Michel Plasson, éternelle scène du balcon en plein cœur du Second Empire, nostalgie… Les découvertes et autres perles ne manqueront pas dans cet incontournable coffret Warner qui fête idéalement ce bicentenaire de la naissance du talentueux musicien !

GRACIAS A LA VIDA La Chimera Eduardo Eguez, CD (La Musica/Harmonia Mundi), 2018.
 

Véritable voyage initiatique, Gracias A La Vida, le nouvel opus discographique de la Chimera sous la direction de Eduardo Eguez, est un bonheur rare et plonge l'auditeur dans l'émerveillement d'une expérience musicale pure et intense. Sur les seize pièces interprétées, Eguez et sa Chiméra s'autorisent autant d'hommages majestueux et morceaux de bravoure à la grandeur de la musique populaire sud-américaine et plus particulièrement argentine dans ses codes à la fois respectés et bousculés. Tout est sublime, de la première mélopée à l'ultime harmonie : mélodies éternelles, accomplissements au raffinement certain et instrumentaire, puissance poétique à la sensualité exacerbée, subtil équilibre entre authenticité et modernité, tradition et innovation. Ainsi, impossible de ne pas être submergé par l'émotion d'un Gracias a la Vida profond et pénétrant, immense célèbre déclaration d'amour fraternelle et universelle de Violetta Parra.. Angélique, la saisit au vol de la polyphonie baroque de Ay Del Alma mia ! Solennelle et prenante, l'entrée en matière de Cinco siglo igual, salutaire la redécouverte d'un Condor El Passa dépoussiéré de son folklore suranné. Troublante la mélancolie traversante de Quireo ser luz ou El Seclanteno, rayonnante la vivacité joyeuse et espiègle de Ja Jai ou la Colorado. Ou encore féérique les explorations instrumentales de El Verso et Viajero por la Tierra. Tout est remarquable ! Que dire de plus sinon que l'excellence de la Chimera et de Eguez réside - bien au-delà de la vocalité aérienne et parfaite de Barabara Kusa et Mariana Rewerski, dans l'immense qualité musicale du jeu et de l'écriture instrumentale, dans la foi et l'amour qu'ils partagent et communiquent avec tant de générosité en la sincérité de leur âme – que ce soit à la scène ou sur disque...
Une réussite totale à l'humanité immanente et transcendante à ne manquer sous aucun prétexte. Un pur chef-d'œuvre.

Jean-Paul Bottemanne

VENEZIA MILLENARIA 700-1797 Jordi Savall, Panagotis Neochoritis, les musiciens invités de Grèce, Turquie, Maroc, Arménie, solistes de La Capella Reial de Catalunya, d’Hespèrion XXI et du Concert des Nations, Aliavox, 2017.
 

Fastueux voyage auquel nous invite comme à l’accoutumée Jordi Savall et ses ensembles dans cette parution Aliavox aussi brillante que raffinée et consacrée à Venise, Venezia Millenaria (700-1797). C’est la Venise de la lumière qui est ici célébrée au fil des siècles, miroitements, reflets, du ciel dans l’eau qui se pare de nuages ou de rayons selon les saisons et que les musiciens ont de tout temps magnifié dans leurs compositions pour cette ville née d’un rêve aquatique. Venise est fête lorsque les palais rient de leur opulence. Venise est amour lorsque les ombres de Casanova effraient les jeunes Vénitiennes ou les attirent… Venise, triste, lorsqu’elle est le décor d’une peste noire qui métamorphose ce paradis en enfer ravageant les trois quarts de sa population. Mais l’onde propage la beauté et la joie aussi rapidement qu’elle noie les larmes les plus sincères versées sur la lagune éternellement bleue ou verte selon les heures de la journée ou encore grise, noire, à la tombée de la nuit. Venise est plurielle, ce n’est un secret pour personne, et ce pluriel surprend malgré tout tant la diversité des compositions réunies par ce programme éblouissant est grande en un si petit espace. Espace à taille humaine et pourtant inimaginable, génie, quant à lui, également insaisissable… Est-ce encore une ville, un sanctuaire ou bien un mémorial ? Une oasis ou un mirage de sable sur l’eau ? L’orient et l’occident s’y croisent, s’y pénètrent, et chaque explorateur hésite, trébuche, se rassure ou capitule en des notes admiratives traduisant dans la culture de chacun son exaltation et sa fascination. Venise n’est à nulle autre pareille, et son mythe a nourri plus d’un millénaire d’artistes et de compositeurs en ces deux CD réunis allant des anciennes traditions orthodoxes de Byzance, chants des Croisés, musiques d’Istanbul et de l’Empire Ottoman, Grèce, Turquie… Guillaume Dufay, Clément Janequin, Adrian Willaert, Joan Brudieu, Claude Goudimel, Ambrosius Lobwasser, Giovanni Gabrieli, Claudio Monteverdi, Antonio Vivaldi, Johann Adolph Hasse, Mozart viennent ici apporter pour chacun d’entre eux des trésors musicaux pour l’éternité.
Chaque étape de ce programme admirablement conçu par Jordi Savall fait entrer l’auditeur en un merveilleux voyage qui fait revivre Venise dans cette éternité tant au passé comme au présent. Venise est un plaisir qui dissout le temps, celui qu’il fait, tout comme celui qui passe ; peut-être est-ce cela, la quintessence du beau que de troubler les certitudes et de lever les doutes. Venise opère tous ces charmes et bien d’autres encore. Avec cet enregistrement onirique servi par un livre disque somptueux, laissons glisser la gondole joyeuse ou funèbre selon les temps, l’onde seule pour guide…

Haydn, Beethoven « Piano Sonatas » Olivier Cavé, CD, Alpha, 2018.

1790, une date parmi tant d’autres, mais qui fut pourtant celle où deux génies de la musique classique se rencontrèrent, le jeune Ludwig van Beethoven avec son aîné Joseph Haydn. Ce dernier l’acceptera parmi ses élèves, mais cette relation ne durera pas bien longtemps, Beethoven déclarant sans concessions : « Je n’ai jamais rien appris de Haydn » !
Le brillant pianiste suisse Olivier Cavé nous invite à interroger ce jugement si sévère en examinant avec cet enregistrement alerte et stimulant le style en effet bien différent des deux musiciens. Si le talent précoce du jeune pianiste Beethoven est incontestable lorsqu’il rencontre le maître Haydn, son art de la composition doit être perfectionné même si cette vocation précoce l’autorise déjà à explorer en profondeur des thèmes brefs, pratique qu’il partagea avec son aîné. L’enregistrement d’Olivier Cavé met tout d’abord en perspective deux sonates de Haydn Hob. XVI :32 en si mineur et Hob. XVI :48 en Do majeur, deux œuvres très contrastées. La première débute par un allegro suivi d’un menuet, l’un et l’autre animés mais manifestant souplesse et élégance, se jouant des écarts ; puis, viennent un tourbillon de trilles et notes délicatement ciselées, à la manière d’une boite à musique d’antan, avant de conclure avec le final sur une envolée ferme et audacieuse. La sonate Hob. XVI :48 contraste avec cette animation, la composition plus assagie s’ouvre par un andante particulièrement expressif comme l’y invite la partition, avec une mélodie évoquant un paysage coloré et teinté de nostalgie. Le final développe un rondo avec rigueur et souplesse, idéalement rendu par les nuances de l’interprétation d’Olivier Cavé. Avec ces œuvres à l’esprit, l’auditeur pourra avec un plaisir non dissimulé comparer ces sonates de Haydn avec celles de son audacieux élève que fut Ludwig van Beethoven avec deux autres sonates, en fa mineur n°1, op. 2 n°1, et surtout la n°2, dédiée d’ailleurs au maître Haydn. Cette dernière manifeste ce subtil dosage entre reprises classiques et fulgurances novatrices, et dont l’impétuosité ne cède qu’à l’expressivité annonciatrice de ce que la musique du XIXe développera. Un programme et une interprétation d’une rare sensibilité qui invitent à explorer les univers de ces deux géants de la musique classique.

Claude Debussy - The Complete Works coffret 33 CD, Warner Classics, 2017.
 

Warner publie à l’occasion du centième anniversaire de la mort de Claude Debussy (1918), né à Saint-Germain-en-Laye en 1862, l’ensemble de l’œuvre du musicien en un superbe coffret de 33 CD. Cette sortie est d’autant plus remarquable qu’elle inclut non seulement des enregistrements de référence retenus avec la collaboration de Denis Herlin, spécialiste de Debussy, mais également six pièces en première mondiale qui ont été enregistrées tout spécialement pour cette édition. Rare bonheur toujours apprécié des mélomanes, ce coffret comprend même des enregistrements de Debussy lui-même ! Il n’est pas exagéré de penser, à l’instar de Pierre Boulez, que Debussy ouvre les portes à la musique moderne, celle des XXe et XXIe siècles. Les dernières lumières du romantisme s’éteignent alors que le jeune Debussy ébloui par la virtuosité de Liszt interpréta un arrangement d’une de ses œuvres devant le maître, ce dernier s’assoupissant dit la légende pendant son exécution… Peu importe, Debussy connaîtra la consécration dès Pelléas et Mélisande, son opéra donné en 1902, point de départ d’un riche parcours où sa singularité musicale put se déployer sous des formes les plus diverses au piano, musique de chambre, orchestre, opéra…

Ainsi, le mélomane pourra-t-il redécouvrir des œuvres majeures comme la Suite Bergamasque ou les Estampes, qui ont fait dire de Debussy qu’il était un musicien « impressionniste », ce qu’il n’appréciait guère, et des pièces plus méconnues comme D’un cahier d’esquisses, anticipant sur des paysages sonores proches de celui de La Mer. Plus que l’impression, Debussy explore l’imagination en notes, l’expressivité gagne alors, et ces images que le musicien aimait tant prennent alors vie sur la partition avec un raffinement qui ne cesse de s’intensifier au fil des ans. Ses aînés nourrissent également sa musique que ces influences viennent du baroque avec Rameau ou plus proche avec Tchaïkovski et Chabrier ou Franz List précédemment cité. Si ses harmonies déstabilisent les critiques de son temps, la séduction opère cependant pour ce musicien ouvert aux autres arts, peinture et littérature, occident et orient, on songe bien entendu au Japon. L’influence de l’Orient fut en effet grande sur les compositions de Claude Debussy. L’exposition universelle de 1889 influença profondément le musicien avec ses percussions venues d’Asie tel le gamelan de Java. Le maître de l’estampe Hokusai avec ses feux d’artifice au-dessus de l’onde nourrit également l’inspiration de Debussy pour ses propres estampes en autant de petits tableaux élégants et ciselés. Les deux livres de Préludes pour piano invitent les éléments en un concert intime où les feux d’artifice, les brouillards et les nymphes se croisent en autant d’arabesques dont les bruissements parviennent peut-être jusqu’à cette cathédrale engloutie… Chaque œuvre, qu’elle soit des plus intimes ou des plus grandioses, développe et souligne le soin que prit Debussy dans l’écriture de ses compositions. Avec ce coffret de l’ensemble de l’œuvre de Claude Debussy, c’est un merveilleux voyage aux sources de la modernité musicale qui s’offre au mélomane pour cet anniversaire !

Le jeune Debussy Matteo Fossi, piano, Editions Hortus, 2017.
 

Le talentueux pianiste italien Matteo Fossi a choisi pour le présent enregistrement d’insérer à côté d’œuvres majeures que sont la Suite Bergamasque, Pour le Piano et Estampes, des pièces plus méconnues du répertoire de Claude Debussy que le pianiste a toujours aimées. Aussi après avoir goûté au raffinement de son interprétation de la fameuse Suite Bergamasque ainsi nommée d’après la merveilleuse ville proche de Milan, le mélomane s’attardera-t-il sur D’un cahier d’esquisses, pièce rarement donnée et qui ouvre les portes d’un paysage sonore proche de celui de La Mer, un univers vierge de tout chaos, tout en retenue, et dont l’expressivité saisit immédiatement l’auditeur baigné par cette basse flottante. Nul artifice dans l’interprétation de cette pièce où l’intériorité de l’interprète s’harmonise à l’imaginaire du compositeur. C’est encore l’univers du songe que Rêverie développe avec délicatesse, une œuvre que l’on qualifierait de galante si nous n’étions à la fin du XIXe siècle et que son auteur n’appréciait guère car écrite dans sa jeunesse… mais qu’il maintint cependant aux côtés de ses œuvres fameuses ! Danse, Ballade, Valse Romantique, Mazurka sont autant de compositions alertes faisant appel à la danse à la même époque, ces années fastes 1890-91, et qui virent également la naissance de la Suite Bergamasque. Le monde des images occupe l’esprit de Claude Debussy, lui qui affirmait : « J’aime presque autant les images que la musique ». Comment percevoir autrement ces Pagodes d’Estampes datant de 1903, un paysage sonore presque indissociable de cet extrême orient, même si la musique javanaise semble avoir eu plus d’influence pour la composition de ces pièces que l’admiration des estampes venues du Japon lors de l’Exposition Universelle… Masques composé en 1904 trahit la passion amoureuse qui a gagné le musicien, une relation avec Emma - sa future femme - découverte par Lilly, l’épouse de Debussy, qui tentera de se suicider mettant fin ainsi à l’union du couple et à… ce jeu de masques.
 

Jacques Hotteterre-le-Romain (1673-1763) : Préludes et Suites pour flûte et basse continue, Hugo Reyne, flûte. Thomas Dunford, archiluth. Étienne Mangot, viole de gambe. La Simphonie du Marais, direction : Hugo Reyne. 1 CD enregistré en décembre 2015 à la Cité de la musique-Philharmonie de Paris. Musiques à la Chabotterie, 2017.

Trente ans de musique ancienne de l’ensemble La Simphonie du Marais mené par le talentueux Hugo Reyne, cela méritait bien un anniversaire ! Et parmi les nombreux évènements qui marquent ces réjouissances, figure en bonne place la sortie du CD Hotteterre-Le-Romain Flûte de la chambre du roy, Préludes & Suites enregistré par la Simphonie du Marais. La flûte, on le sait, est l’instrument de prédilection d’Hugo Reyne, un instrument avec lequel il a noué une relation intime depuis sa plus jeune enfance, le musicien se souvenant en effet de ces pages de Jacques Hotteterre (1673-1763) dit le Romain dont il découvrit très jeune le traité. Chaque étape de vie du sympathique chef de la Simphonie du Marais a été rythmée par ce musicien, figure presque tutélaire que le présent disque vient honorer. Hotteterre est une famille de musiciens et fabricants d’instruments originaire de Normandie , et c’est à une véritable recherche organologique à laquelle s’est soumis Hugo Reyne en recherchant à la Cité de la Musique les instruments signés Hotteterre, « ancêtres dormants » comme il les nomme affectueusement, augustes témoins préservés des vicissitudes du temps. C’est à partir de l’un d’entre eux – un des deux altos en ivoire que conserve le musée - qu’une copie a pu être réalisée par Bruno Reinhard et qui a servi à l’enregistrement de ces œuvres. La vie de Jacques Hotteterre s’inscrit dans le règne de Louis XIV, ce règne si important pour les arts et notamment la musique. La suite en fa qui ouvre ce disque est d’ailleurs dédiée bien logiquement au Roi Soleil évoquant en musique toute une série de portraits de personnages de la Cour où figure en bonne place Philippe d’Orléans, élève naguère de Hotteterre. Ces préludes & suites évoquent l’élégance des instants précieux et soyeux de la cour soulignés par une basse continue parfois alerte, d’autres fois plus nostalgique. Chaque pièce compose un tableau de ces temps où la musique savante qui au-delà des questions formelles trouvait ses racines dans la vie de son époque, bonheur des naissances, malheur des disparitions, union, récompense ou disgrâce, une succession de petits faits ou de grandes heures. L’interprétation tout en profondeur d’Hugo Reyne souligne ces différentes dimensions et fait renaître un univers à la fois à jamais disparu et en même temps renaissant de ses cendres grâce à cette belle et subtile interprétation. Une agréable découverte et un joyeux anniversaire à La Simphonie du Marais !

Zelenka 16 Ensemble Pasticcio Barocco, Orchestre de Chambre d’Auvergne, CD, Label-Hérisson, 2017.

Un souffle de Bohême souffle sur le dernier enregistrement de l’ensemble Pasticcio Barocco et de l’Orchestre de Chambre d’Auvergne avec un beau programme consacré au musicien Jan Dismas Zelenka. Un premier enregistrement avait déjà permis d’apprécier la qualité des interprétations des sonates 4, 5 & 6 du compositeur estimé de Bach dont il se distinguait par une musique plus passionnée ; passion que l’on retrouve également la première sonate ouvrant ce dernier enregistrement avec une élégance ronde et chaleureuse soulignée par un contrepoint rigoureux. Les hautbois de David Walter et d’Hélène Gueuret ainsi que le basson de Fany Maselli composent un univers baroque remarquable d’équilibre et de fantaisie que notre époque a redécouvert curieusement assez tardivement. L’intériorité la plus raffinée succède à des élans majestueux renforcés par une basse continue révélant toute la qualité expressive de ces sonates. Heureux moments également que ceux consacrés à la découverte de cette symphonie à 8 Concer [tanti] ZWV 189 où le violon solo d’Harumi Ventalon séduit dès l’introduction. L’andante qui suit offre un dialogue courtois entre le hautbois, le violon solo, le basson et la basse continue. Enfin, deux élégants menuets viennent conclure cette œuvre pour laquelle Zelenka a mentionné expressément de sa plume l’indication Capriccio, un souhait manifeste du compositeur de donner une tonalité fantasque ouvrant vers la mode de son époque, celle des caprices ; Caprices, également présents dans la peinture et l’architecture, et venant traduire cette volonté d’évasion vers des horizons oniriques que parviennent à rendre idéalement les interprètes de cet enregistrement. Avec Hipocondrie, c’est une affectation mentale proche de la mélancolie, préfigurant quelque peu le Romantisme, mais nous sommes, ici encore, dans le contexte classique d’une ouverture à la française avec deux hautbois, basson et cordes en trois parties lent-vif-lent. Offrant une alternance de rythme pour une œuvre composée à la hâte par Zelenka au moment du couronnement de l’empereur Charles VI, cette dernière préfigure surtout ce que sera la symphonie concertante. Indéniablement, c’est un bien bel hommage au génie baroque bohémien de Zelenka que rend avec bonheur avec cet enregistrement, l’ensemble Pasticcio et l’Orchestre d’Auvergne.

Ryuichi Sakamoto Async Milan Music, 2017.

Async, le dernier album enregistré par le talentueux musicien japonais Ryuichi Sakamoto (notre interview) est certainement l’un des plus personnels et intériorisés. Huit années ont été nécessaires pour que le musicien livre ce témoignage d’une rare profondeur où la douleur et la souffrance causées par la maladie dont il a été atteint, et qu’il a su surmonter, ponctuent un programme intime. Nul dolorisme excessif cependant, Ryuichi n’est pas du genre à s’épancher et à donner dans le voyeurisme, il a même hésité à partager cette dernière création, tant elle lui était chère, comme un journal secret que l’on souhaiterait préserver d’une diffusion publique… Les premières notes sont celles d’une longue méditation où des accords sombres sont balayés par le vent glacial du synthé du musicien en une étrange mélopée. C’est un album conçu sous la forme d’une bande originale d’un film imaginaire du réalisateur russe Andreï Tarkovski mort en 1986 et que Ryuichi Sakamoto appréciait énormément. L’univers musical hérité du cinéaste ouvre sur des paysages familiers du musicien : importance de la nature, cordes frottées, tintements subreptices. Des plans successifs ouvrent ou ferment un cheminement secret auquel le musicien invite, et suggère, sans emphase. Nous le suivons dans des décors parfois oniriques, d’autres fois plus sombres (terrible morceau Ubi), mais toujours en gravissant le cours de nos vies. Les voix s’invitent également dans ce programme avec une rare profondeur, voix d’un vieil ami du musicien, David Sylvian, déclamant une poésie d’Arseni Tarkovski, le père du réalisateur, mais aussi un passage écrit et récité par Paul Bowles à la fin d’Un thé au Sahara mis en scène par Bertolucci et dont le réalisateur a accepté la reprise dans Async. La poésie est omniprésente dans cet album, une poésie passée au filtre d’une expérience personnelle et singulière, entrecroisant questionnements philosophique, écologique et esthétique, une manière puissante d’évoquer ce qui peut être en décalage du temps, sans être pour autant hors de ce dernier. Une méditation à découvrir en nos temps troublés.
 

In Nomine Les Harpies « Enfers et Paradis dans le paysage musical européen autour de 1600" sous la direction de Freddy Eichelberger In Nomime, CD, Label l’Encelade, 2017.

Opus surprenant de prime abord et délicieusement riche en contrastes et haut en couleur, le programme audacieux imaginé par le talentueux ensemble Les Harpies sous la direction de Eichelberger est une magnifique invitation musicale à découvrir la musique européenne de la Renaissance sous le thème des Enfers et Paradis. Ici, point de madrigaux, mais un répertoire essentiellement instrumental où le timbre joue un rôle aussi important que les compositions elles-mêmes. L’orgue Renaissance de l’église de Saint-Savin en Lavedon, à la facture unique et aux jeux singuliers est la clé de voûte, dominante, se conjugue, se prolonge avec cistre, colachon ; spinettino, régale, alterne avec cornemuses et gaita dans un plaisir sans cesse renouvelé. Le voyage nous conduit en France, Hongrie, Angleterre, Allemagne, Italie, alterne savant et populaire, se porte vers le recueillement sacré pour ensuite invoquer le tourbillon endiablé de la danse profane.
Avec ferveur et apaisement, l’orgue bat d’un cœur pur et prégnant sur Vestiva i colli et In son ferito ahi lasso de Palestrina ainsi que Ricercar noni toni (sopra le fuge) de C. Erbach qui s’inspire des deux pièces précédentes. Entendues à distance, ces trois œuvres n’en gagnent que plus de beauté dans la conduite des voix et de l’harmonie. Les deux In Nomine aussi donnés à distance, le premier une improvisation réussie, le second de John Bull se répondent avec la même ingéniosité. La série du Psaume LXV de Franc est tout aussi exemplaire dans le dialogue qui s’instaure entre les différents participants dont le Chœur des Huguenots en dernier. L’interprétation, la tenue du pupitre et le choix des jeux par Eichelberger est une vraie réussite, tant l’orgue sonne différemment dans les six pièces, dégage précision, douceur et puissance et profondeur des harmoniques.
Les autres pièces, essentiellement des danses profanes et populaires aux instrumentations variées et origines diverses ont toutes autant de qualités musicales intrinsèques et apportent allant, entrain, gaîté et plaisir. Que ce soient leurs origines britanniques, hongroises, françaises, le rendu sonne extraordinairement intemporel, rappelle au-delà du folklore parfois rustique, combien la danse était présente au cœur même de la vie musicale de la Renaissance dans des expressions déjà parfois contestataires du dogme religieux ou politique. Douceur et âpreté des cornemuses, enrobé et complétude des pincés et frottés des cordes, modalité slave ou pentatonique des mélodies, nous sommes loin du cliché d’une musicalité primitive au sortir du Moyen-âge.
Et c’est bien en cela que résident la puissance et la réussite de In Nomine. Tout est brillamment interprété avec goût et soin, expression et précision. Le programme est profond, éclairant, généreux. L’étrange qui parfois s’invite au détour d’une phrase, la rudesse passagère d’harmonies éveille la curiosité. Sommes-nous dans les Enfers ou au Paradis ? L’un complète l’autre, et comme le dit si bien musicalement cet opus, la volupté à goûter une si belle musique appartient aux deux. Vraiment, un très bel aboutissement !
 

Jean-Paul Bottemanne

"Oh Boy !" Marianne Crebassa Label Erato, 2016.

Marianne Crebassa, jeune et talentueuse mezzo-soprano formée à Montpellier et Paris, n’a cessé d’attirer à elle les faveurs des critiques et du public depuis sa première apparition dans Manfred sous la direction d’Hervé Niquet à Montpellier en 2008. Que de chemin parcouru depuis ! Concours des Révélations de l’ADAMI en 2011, participation à des productions prestigieuses à Salzbourg, Chicago, Vienne, Lisbonne, Amsterdam, Milan, Berlin, Paris, Brême, Saint-Étienne et Marseille. Dernière consécration avec le prix de l’artiste lyrique de l’année 2017 aux 24e Victoires de la musique classique. C’est dans ce contexte que la sortie fin octobre 2016 chez Erato de son tout premier album Oh, Boy ! avec the Mozarteum Orchestra dirigé par Marc Minkowski a enfin offert la possibilité de mieux apprécier notre cantatrice française. Son timbre généreux, coloré et profond, l’agilité et la souplesse assurée de sa voix à la fois puissante et pourtant délicate sont autant d’atouts majeurs pour ce programme original entièrement pensé autour des « rôles en pantalon ». Mozart à l’honneur avec six arias extraits de Lucio Silla (Pupille Amate, Il Tenero Momento), La Finta Giardiniera (Va Pure…), Les Noces de Figaro, la Clémence De Titus : autant de vraies réussites avec pour chacun une ligne vocale qui s’impose avec naturel et élégance dans tous les registres comme ce troublant et magnifique Chérubin dans Voi Che Sapete et Non si Piu ou ce divin Sesto (Parto) sculpté avec grâce et sincérité. Définitivement, avec ce florilège mozartien, Crebassa emporte, étreint, fait battre le cœur et communie pleinement avec ces rôles imaginés par le prodige classique et qui lui vont à merveille.
Mais notre mezzo n’en reste pas là et donne judicieusement vie avec le même talent et générosité à plusieurs personnages du répertoire de l’opéra français. Urbain affirmé et audacieux (Les Huguenots de Meyerbeer), Nicklause plein d’émotion (Contes D’Hoffmann d’Offenbach), Eros troublant et séducteur (Psyché de Thomas), aérien Stephano (Roméo et Juliette de Gounod), déchirant Prince Charmant au cœur serré (Cendrillon de Massenet), candide et palpitant Fantasio (Fantasio d’Offenbach), délicieux et charismatique Siebel (Faust de Gounod), justesse inspirée d’un Lazuli juvénile (L’Étoile de Chabrier), tragique mais lumineux Mozart (Mozart de Hahn). Chaque interprétation est une invitation au voyage qui, à chaque fois, ne fait que regretter que ces airs soient sortis de leur contexte - mais c’est bien là le seul vrai défaut que l’on puisse reprocher à cet album.
Un beau programme en final qui ravit et séduit sans réserve. Et dont la réussite tient aussi à la très belle performance de Marc Minkowski et du Mozarteum Orchestra, qui pour chaque numéro valorise avec brio le lyrisme brillant de Marianne Crebassa et la beauté de ces airs. Comme cette magnifique clarinette de Christoph Zimper sur Parto de Mozart, véritable partenaire de notre mezzo en point d’orgue final.

Jean-Paul Bottemanne

Nikolaus Harnoncourt “The Art of Nikolaus Harnoncourt” coffret de 15 CD, Warner Classics, 2016.
 

Un coffret de 15 CD récemment édités par Warner Classics permet de faire revivre la magie opérée par l’un des plus talentueux chefs d’orchestre qu’ait connu la musique classique en la personne de Nikolaus Harnoncourt, récemment disparu. L’éventail développé par ce géant de la musique donne le vertige, figurent tout à tour dans ce bel hommage discographique des œuvres aussi différentes que L’Orfeo de Monteverdi, les Batailles de Biber, Les quatre saisons de Vivaldi, des cantates de Bach, les Water Music de Händel, des symphonies de Haydn, des arias de concert de Mozart, des symphonies de Beethoven, sans oublier Schumann, Schubert, Mendelssohn, Bruckner, Dvorak et même les fameuses Valses viennoises de Strauss… Rares ont été les musiciens à couvrir un répertoire aussi étendu et divers avec autant de rigueur et d’excellence. Cet aperçu n’est qu’une bribe de cet insatiable découvreur et défricheur que fut Nikolaus Harnoncourt et comme le souligne justement Gaëtan Naulleau dans le livret accompagnant le coffret, il serait plus rapide, en effet, d’indiquer les noms des compositeurs auxquels ne s’est pas intéressé le chef d’orchestre dont le nom complet était Johann Nikolaus comte de La Fontaine et d’Harnoncourt-Unverzagt et qui descendait, pour l’anecdote, par sa mère directement de François 1er. Le mélomane pourra réentendre avec ravissement cet inoubliable Orfeo avec le mythique Concentus Musicus Wien, une interprétation qui fait revivre les premières marches de ce pionnier de la musique ancienne, et qui n’a pas pris une ride. Harnoncourt au fil de ces parutions discographiques confirme cet esprit visionnaire qui fut le sien avec un timbre et une couleur propres à chacune de ses interprétations et qui le distinguent de tous les autres chefs d’orchestre. C’est à peine si Les quatre saisons sous la baguette du grand chef ne laissent pas l’impression d’une œuvre fraîchement redécouverte avec cette parution discographique datant de 1977. Chaque étape de ce long parcours fertile a marqué de jeunes musiciens dorénavant chefs d’orchestre eux-mêmes ou musiciens solistes de premier plan, tous témoignent de ce qu’ils doivent à ce grand monsieur de la musique classique.

Saint Louis - Chroniques et musiques du XIIIe siècle Ensemble Vocal de Notre-Dame de Paris sous la direction de Sylvain Dieudonné, Maitrise Notre Dame de Paris, 2016.

L’Ensemble Vocal de Notre-Dame de Paris poursuit son exploration du paysage musical avec ces Chroniques et musiques du XIIIe siècle sous la direction de Sylvain Dieudonné. Nous sommes au fameux temps des cathédrales, celui si brillamment décrit par Georges Duby, et celui plus précisément de l’édification de la cathédrale Notre-Dame. Ici, poésie et musique s’unissent en un chant divin, comment pourrait-il en être autrement avec le roi Louis IX plus connu sous son nom canonisé de saint Louis ? Le roi capétien a en effet marqué ce XIIIe siècle en imposant une conception du pouvoir royal forte reléguant ainsi l’éclatement féodal au rang de sombre mémoire d’un Moyen Âge confus. Pour cette entreprise ambitieuse, la proximité de Dieu fut essentielle avec un projet politique, indissociable des valeurs chrétiennes propres à le renforcer. Aussi, n’est-il pas surprenant de voir associées pièces profanes et pièces sacrées dans cet enregistrement sublimant la richesse vocale de l’Ensemble de Notre-Dame déjà souligné dans nos colonnes. Le programme débute par un prélude à la fois bucolique et sacré sous la forme d’un motet enjoué à 3 voix en hommage à la Vierge pour le mois d’avril selon un manuscrit parisien du XIII° siècle. Puis viennent les évocations de la vie de saint Louis, une vie cherchant à associer deux plans difficilement compatibles, le temporel et le spirituel. La période couverte par l’Ensemble Vocal de Notre-Dame de Paris se situe à un moment charnière où cette même École de Notre-Dame, naguère, à la fin du XII° siècle, avait déjà conduit à des novations polyphoniques essentielles tant pour ce XIIIe siècle que pour l’avenir avec notamment des pulsations rythmiques régulières annonçant l’Ars nova du XIXe siècle.

Robert Schumann « Letzter Gedanke – Dernière pensée » Soo Park, piano Gebauhr 1850, Label Hérisson, 2016.

Le présent enregistrement consacré au style tardif de Robert Schumann tient à se démarquer de cette tendance presque systématique qui consiste à expliquer ces œuvres par la seule folie qui a gagné son auteur. Mathieu Dupouy dans le livret de présentation s’inscrit en faux quant à cette démarche et recommande de considérer la folie de Schumann sur le plan humain mais non en tant que compositeur. L’œuvre de Schumann pour piano a marqué incontestablement le XIXe siècle après Beethoven. La virtuosité a accompagné une expression de sentiments littéraires notamment par le biais de ses fameux lieder. L’écriture rigoureuse et libérée va marquer ses compositions les plus mémorables. Si le romantisme et la passion pour Clara Wieck, la fille de son maître sont bien entendu incontournables lorsqu’il s’agit d’appréhender l’œuvre de Schumann, le présent enregistrement réserve une agréable surprise pour le mélomane qui ne connaîtrait pas cette facette souvent occultée dans l’œuvre du musicien qui mourra fou, enfermé dans un asile mais dans les bras de son épouse. Le style tardif de Schumann qui caractérise ce programme interprété avec délicatesse et nuances par Soo Park sur un piano Gebauhr de 1850 manifeste la passion qu’eut le compositeur pour le contrepoint en 1845 et qui donnera naissance à de nombreuses fugues. Les Sechs Stücke in kanonischer Form révèlent cette attirance en une forme réinterprétée par le génie du compositeur. Il en résulte des œuvres délicates et subtiles dont chaque ligne mélodique suggère une poésie singulière et pourtant liée à un mouvement d’ensemble transportant vers des horizons nouveaux. Alors que certaines scènes des Waldszenen rappellent l’univers romantique antérieur du compositeur, Verrufene Stelle (Lieu maudit) trahit le pressentiment de la mort qui s’est métamorphosée en fleur rouge, Schumann ne notait-il pas en 1854 dans une lettre à Stern : « Je vis souvent dans des sphères à peine supportables, où pourtant je me plais beaucoup ». En conclusion de ce remarquable enregistrement, le mélomane ne pourra oublier cet événement essentiel dans la vie de Schumann avec la nuit du 10 février 1854 durant laquelle le compositeur affirmera avoir entendu des anges lui dicter une mélodie. Les Thema mit Variationen sont marquées par cette expérience cruciale et forte et c’est en les écrivant qu’il bondira subitement hors de sa maison pour se plonger dans le Rhin. L’œuvre était achevée, l’homme terminera ses jours dans la folie tout comme Nietzsche.

Liszt, Dutilleux Miroirs Jonas Vitaud (piano) NoMadMusic, 2016.

Quels sont ces miroirs sur lesquels se mirent les compositions habilement réunies par Jonas Vitaud dans ce dernier enregistrement paru chez NoMadMusic ? Ce sont ceux de deux grandes figures de la musique, Franz Liszt et Henri Dutilleux, deux siècles, deux conceptions de la musique, et néanmoins des rencontres fortuites suggérées par ce programme délicat où pour une fois la virtuosité légendaire du génie de Liszt n’est pas au premier plan. Ces sont ces pièces plus méditatives tel Angelus ! Prière aux anges gardiens glanée au cours de ses fameuses Années de Pèlerinage ou encore Klavierstücke n°3 qui ont été retenues ; elles dépeignent un univers intérieur où le dialogue avec la nature et le cœur de l’homme rejoint les plus hautes sphères, sans artifice. Henri Dutilleux croise ces pérégrinations solitaires lorsqu’il compose ce Prélude n°2 Sur un même accord, une tonalité qu’avaient déjà anticipée ses aînés Liszt et Wagner dans leurs dernières années. Il suffira pour s’en convaincre de réécouter cette petite pièce souvent méconnue de Liszt, l’une de ses dernières, Nuage gris, de même facture que les deux Lugubre gondole dans ces années sombres où la perte de ses proches amis rapprochait la pénombre du clavier du génial compositeur… Henri Dutilleux partage cette densité que Liszt imprimait à ses créations les plus mémorables pour piano, notamment dans cette remarquable Sonate peu connue du grand public et que Jonas Vitaud interprète brillamment en une virtuosité toujours contrôlée. L’interprète partage incontestablement cette profondeur évoquée par ces jeux de miroirs entre deux inspirations, ombre et lumière, qui se rencontrent dans les clairières de la composition musicale.

HANDEL-HAYM Trios Sonatas, L'Aura Rilucente, CD, Ambronay éditions, 2015.

C’est aux sonates du XVIIIe siècle et plus précisément celles de Georg Friedrich Haendel et de son librettiste injustement méconnu, l’italien Nicola Francesco Haym, qu’est consacré cet enregistrement de l’Ensemble L’Aura Rilucente paru aux éditions Ambronay. Le disque débute justement par une sonate de ce collaborateur du grand Haendel qui travailla avec lui dès 1713 pour la production de Teseo et de nombreux autres opéras du célèbre compositeur allemand devenu sujet britannique. Nicola Francesco Haym, quant à lui, naquit à Rome de parents allemands et s’installera à Londres en 1701 comme violoncelliste. Ses talents multiples de librettiste, compositeur et musicien lui attireront la sympathie d’Haendel, ce dont reflète le programme retenu pour cet enregistrement témoignant des affinités qui pouvaient réunir les deux musiciens. Le siècle, que l’on qualifiera des Lumières, est ainsi à l’heure européenne et on ne pourra ignorer les influences manifestes qui concourront à cette musique raffinée où Allemagne, Italie et Angleterre inspirent la composition. Le contrepoint de Haym séduit immédiatement à la fois par la qualité des lignes mélodiques mais également par les ouvertures qu’il suscite dans les thèmes retenus. Le deuxième mouvement vivace de la sonate Op.1, N° 1 composé en 1701 donne un aperçu de l’admirable travail de l’Ensemble L’Aura Rilucente où violons, violoncelle et orgue dialoguent avec une belle aisance que conclut un allegro inspiré. Ce jeune ensemble né à Milan en 2011 s’était fait remarquer par son interprétation d’une sonate en trio de Haendel aussi n’est-il pas étonnant que six sonates du compositeur figurent dans ce beau programme élaboré par des musiciens talentueux et à découvrir aux éditions Ambronay !

13 VALSES Aldo Ciccolini, CD, La Dolce Volta, 2013.

Ce n’est pas au chant du cygne auquel nous convie le regretté Aldo Ciccolini, récemment disparu, mais bien au contraire à une invitation à la valse, une invitation que n’aurait pas reniée Carl Maria von Weber. Qui se souvient avoir goûté au plaisir chaque fois renouvelé d’entendre en concert Aldo Ciccolini pour un programme Liszt qu’il affectionnait tant ou Beethoven qui le passionnait tout autant, retrouvera comme une douce nostalgie qui égrène tendrement ses accords sur le rythme de la valse. Cette nostalgie débute tendrement avec le charme du Feuillet d’album de Chabrier qui ouvre ce programme de treize valses. Le regard du célèbre napolitain et francophile convaincu semble effleurer les touches d’ivoire et d’ébène, sans que la main n’intervienne tant le souffle de cette mélodie nous parvient comme en rêve. Chopin, bien entendu, fait son entrée avec la Valse op. 34 n° 2 d’une noble mélancolie et que l’on croirait échappée des salons de la maison de Nohant. C’est pour Aldo Ciccolini un retour aux sources, cette pièce étant la première valse qu’il ait jouée enfant… La valse caprice n°3 de Fauré en surprendra plus d’un sous les doigts d’un pianiste pourtant fort âgé, tant la virtuosité n’a pas pris une ride avec cette noblesse espiègle jusqu’aux derniers accords aux accents lisztiens. La suite Viennoise de Gabriel Pierné, enfin, nous emporte quant à elle dans des ambiances mutines, « à la limite des Folies Bergère » aimait à dire avec humour Aldo Ciccolini tout en soulignant sa difficulté technique. Ce florilège aborde bien des aspects de la valse et sous les doigts du grand pianiste, chacune d’entre elles prend valeur de testament, notamment cette Valse lente de Germaine Tailleferre dont l’élégance toute française avait charmé Ciccolini autant qu’elle nous émeut en refermant cette belle page de musique. Aucune larme, c’est promis, seul un soupir peut-être…

Hugo Wolf Italienisches Liederbuch, 14,5 × 20 cm, 124 pages (2014), avec un CD de 108 minutes, quarante-six lieder sur des poèmes de Paul Heyse ; interprétés par Angelika Kirchschlager (mezzo-soprano), Florian Boesch (baryton) et Malcolm Martineau (piano) ; essais de Stéphane Goldet, Frédéric Wandelère et Florian Rodari. La Dogana, 2014.

Pourquoi ne pas commencer ces poèmes traduits en langue allemande en 1860 par Paul Heyse et mis en musique par Hugo Wolf par « Mein Liebster singt… », et ce afin de mieux percevoir toute la force de la valeur expressive de cet Italienisches Liederbuch ? La force des sentiments des amants séparés est en effet rendue par une écriture à la fois élégante et poignante, où le romantisme influencé par Wagner et Liszt jette déjà des ponts vers le siècle à venir. Véritables miniatures où, en quelques brèves portées, l’essence de la vie et de la mort se rapprochent à vitesse vertigineuse, l’art du lied chez Wolf atteint des sommets qui nous sont donnés à partager avec ce somptueux livre-disque des éditions La Dogana. Cet enregistrement qui réunit à nouveau la talentueuse mezzo-soprano Angelika Kirchschlager et le baryton-basse Florian Boesch accompagnés au piano par Malcom Martineau ouvre en effet de nouveaux horizons dans l’art du lied après Schubert, Schumann et Brahms. Ainsi que le souligne Stéphane Goldet dans le livre qui éclaire le disque, après l’Espagne, c’est l’Italie qui a la préférence du musicien Hugo Wolf pour un voyage plus rêvé que réellement accompli. Avec cette évocation, l’âme germanique est omniprésente, et ce détour italianisant ne renforce que les caractères imprimés à l’amour et à ses charmes. Florian Rodari insiste, quant à lui, dans sa contribution sur la force de la brièveté de ces instants fugaces de vie en musique qui, en quelques notes et voix, touchent leur cible sans détour. : « Belles phrases, hautes rêveries sont exclues ». Ce caractère est-il le seul fait du musicien ou bien ce dernier fut-il influencé par la destination de ces rispetti, petits compliments et réflexions en vers rimés réunis par Niccolo Tommaseo et appréciés à son époque dans la péninsule italienne ? Leur origine populaire rencontra à n’en point douter un écho favorable et similaire au Volkslied tant apprécié des Allemands dans leur recherche d’une unité toujours fragile. La langue condense le rapport au réel et ces brèves évocations d’une minute pour un grand nombre d’entre elles « ne recherchent pas la grâce, elles la voient ; elles n’essaient pas de chanter, elles chantent » comme le souligne justement Tommaseo. Angelika Kirchschlager et Florian Boesch parviennent brillamment à rendre ces variations aussi fugaces que permanentes dans le souvenir qu’elles peuvent laisser dans la mémoire après écoute de ce beau programme. Le piano de Malcom Martineau n’est pas en reste et démontre que l’accompagnement chez Hugo Wolf participe pleinement aux évocations chantées, voix parmi les voix, ce dont témoigne admirablement le dernier lied de cet enregistrement « Fülht meine Seele… ». À découvrir absolument.

Invitation au voyage Mélodies françaises Stéphanie d’Oustrac Pascal Jourdan Ambronay Editions, 2014.

Avec ce récital Invitation au voyage, redécouvrons ces mélodies françaises « fin de siècle » et faisons notre ce jugement de Marcel Proust dans une lettre à Robert Dreyfus : Admirer les choses démodées est encore plus élégant que d’être à la mode. Et, Cesare Liverani invite justement avec une joyeuse impertinence à redécouvrir ce paysage musical trop longtemps dédaigné par des jugements aussi hâtifs que partiaux comme en témoigne la qualité du présent enregistrement. La mezzo-soprano Stéphanie d’Oustrac dont nous avons salué l’excellence à de nombreuses reprises accompagnée pour l’occasion par Pascal Jourdan au piano fait la démonstration qu’il s’agit là de préjugés incompréhensibles en raison de la qualité de leur interprétation de ces pages d’une profonde superficialité. Comme le souligne Cesare Liverani, tout est dans la profondeur du chant et de l’interprétation et peut-être avons-nous en mémoire certaines pages similaires comprises de manière moins heureuse. Ici, il n’en est rien. La voix révèle avec la plus parfaite harmonie la beauté des textes tel celui de L’Invitation au voyage de Baudelaire inspirant Henri Duparc (1848-1933) pour une mélodie émouvante. Écoutons encore avec attention La Vie antérieure du même poète qui fait l’objet d’une composition si profonde d’Henri Duparc qu’à son écoute portiques et autres grottes basaltiques du poème prennent vie à la manière des tableaux d’Hubert Robert. Si le programme de ce récital est éclectique, il offre cet autre avantage de mieux comprendre combien ces années ont été un véritable laboratoire expérimental pour la musique, comme pour les autres arts d’ailleurs. Aussi nous délecterons-nous de ces mélodies de Debussy sur Le Balcon ou Le Jet d’eau de Baudelaire avec des degrés de jouissance savamment orchestrés par une musique qui se veut complice des états d’âme du poète…

Collection les Musiciens et la Grande Guerre, « Une Mort Mythique - Albéric Magnard » ; « 1913, Au Carrefour de la Modernité, Busoni, Debussy, Stravinsky » ; et Hommage à Maurice Maréchal - Fauré, Brahms, Debussy, Honegger ». Hortus, 2014.

2014, ce n’est un secret pour personne, est une année de commémoration du premier conflit mondial et la musique n’échappe pas à ce travail de mémoire. Les éditions Hortus ont ainsi débuté avec trois parutions discographiques une ambitieuse entreprise nommée « Les Musiciens et la Grande Guerre » qui devrait compter pas moins de trente volumes jusqu’à fin juin 2018. Si l’on réfléchit au nombre impressionnant de musiciens de cette époque, on réalise que la tâche ne pouvait qu’être importante comme en témoignent ces trois premiers volumes parus. Le premier enregistrement « Une mort mythique » est consacré à Albéric Magnard, tué au début du conflit le 3 septembre 1914 alors qu’il tentait de repousser des Allemands de sa propriété dans l’Oise, mort qui sera reprise par la Nation comme un étendard à brandir devant l’ennemi. Une très belle sonate pour violoncelle et piano interprétée avec sensibilité par Alain Meunier et Philippe Guilhon-Herbert permettra de découvrir un musicien dont on ne peut que regretter la mort prématurée au regard de ce qu’il avait déjà composé telles ces œuvres pour piano dont l’écriture raffinée témoigne de cet extraordinaire dynamisme de l’école française de cette époque. Le volume II « 1913, au carrefour de la modernité » débute par le fameux Sacre du Printemps de Stravinsky dans une version pour piano à 4 mains (1913). L’interprétation de Jean-Sébastien Dureau et Vincent Planès parvient à rendre toute la richesse de ce ballet créé par Igor Stravinsky et dont la création au Théâtre des Champs-Élysées la même année provoqua le scandale que l’on sait… Au carrefour de cette modernité, nous retrouvons bien entendu le piano - deux en l’occurrence – de Claude Debussy avec En Blanc et Noir, une œuvre marquée par les évènements tragiques qui eurent lieu à la même époque et notamment ce second mouvement Lent-Sombre dédié au lieutenant Jacques Charlot, neveu de l’éditeur de Debussy et mort au combat, ou encore cette belle Fantasia Contrappuntistica de Busoni qui embrasse le XX° siècle en une écriture d’une rare modernité.
Le volume III « Hommage à Maurice Maréchal » commence par l’incomparable Élégie de Gabriel Fauré à la force évocatrice si poignante et qui honore la mémoire du grand maître du violoncelle Maurice Maréchal qui pendant la guerre se vit confectionner un violoncelle de fortune par deux camarades menuisiers dans une caisse à munition… Brahms, Debussy et Honegger sont ici réunis pour de belles œuvres pour violoncelle interprétées avec un rare bonheur par Alain Meunier et Anne Le Bozec sur un superbe Bechstein de 1888. Ici, Alain Meunier parvient à exprimer avec autant d’intelligence musicale les parties les plus virtuoses que les passages plus contemplatifs. On retiendra notamment l’interprétation de cette sonate n° 1 pour violoncelle et piano de Debussy datant de 1915 et qui compte parmi les dernières compositions du musicien. Son prologue recueilli et sombre précède l’incroyable Sérénade qui, un siècle plus tard, ne cesse de surprendre par sa modernité et ses audaces. La sonate pour violoncelle et piano H. 32 d’Arthur Honegger date de 1920 et le conflit appartient déjà à l’Histoire même si ses traces dureront encore longtemps. Cela n’empêchera le jeune compositeur d’ouvrir de nouveaux horizons qui aboutiront peu de temps après sur le Roi David et Pacific 231.

Giovanni Battista Pergolesi Stabat mater, Julia Lezhneva, Philippe Jaroussky, Coro della Radiotelevisione svizzera I Barocchisti, Diego Fasolis (direction), Erato, Warner, 2013.

Le brillant chef Diego Fasolis que nos lecteurs connaissent bien vient d’éditer chez Erato un Stabat Mater de Pergolèse de toute beauté avec la soprane Julia Lezhneva et le contre-ténor Philippe Jaroussky. Il suffit d’entendre les premiers accords et les premières paroles de la fameuse séquence évoquant la Vierge au pied de la croix : Stabat Mater dolorosa, juxta crucem lacrimosa, dum pendebat filius… pour comprendre tout le drame et en même temps toute la force de ces instants uniques. Les deux chanteurs unissent leur voix dans une des dernières œuvres composées par le grand musicien Pergolèse à quelques mois de sa mort. Les voix s’exposent avec pudeur et douleur en une union de prières remarquable. La soprano et le contre-ténor entrelacent leurs plaintes avec délicatesse, respectant l’évocation de la souffrance de la Mère du Christ, une souffrance que devait également connaître le jeune musicien atteint mortellement par la tuberculose à l’âge de 26 ans. L’œuvre enregistrée avec talent a su évoquer la douleur, l’affliction, le désespoir en des nuances qui n’atteignent jamais l’excès, ce qui avait pu être reproché à la séquence lors du Concile de Trente au XVIe siècle qui l’avait alors écartée de la liturgie. La Vierge effondrée au pied de la Croix a non seulement nourri l’inspiration des musiciens tels Josquin des Prés, Palestrina, de Lassus, Scarlatti, Vivaldi, Haydn, Rossini ou encore Liszt, mais également les nombreux peintres comme van der Weyden, van Eyck, Titien… C’est en 1727 que le Stabat Mater sera réintégré dans la liturgie par le pape Benoît XIII pendant le Carême, et quelques années plus tard, en 1734, Pergolèse reçut la commande de ce Stabat Mater par la Confrérie napolitaine des Chevaliers de La Vierge des Sept Douleurs. L’œuvre connut un immense succès qui perdura après la mort de son auteur. Elle nous est donnée à apprécier aujourd’hui dans une belle interprétation, grâce au talent et à la subtilité de ces deux chanteurs exceptionnels !
 

Claude Debussy « Reflets dans l’eau » Kotaro Fukuma, piano, CD, Hortus, 2013.

Nous savons l’influence de l’Orient sur les compositions de Claude Debussy, une destination plus rêvée que vécue, même si l’exposition universelle de 1889 marqua profondément le musicien avec ses percussions venues d’Asie, dont notamment le gamelan de Java. Il n’est ainsi pas étonnant qu’en retour, un pianiste japonais Kotaro Fukuma, dont le talent a été salué par de nombreux prix, honore la mémoire de celui qui livra de nombreuses compositions aux titres et aux accents tournés vers l’orient. Le pianiste souligne que le caractère « Ko » de son nom signifie « lumière sur l’eau », une belle invitation à rejoindre les scintillements de l’onde qui ont tant marqué Claude Debussy. Que l’on pense à ces feux d’artifice au-dessus de l’onde évoqués par Hokusai dans certaines de ses estampes et nous aurons là une idée de l’importance de ces tableaux et de l’image influençant profondément la musique de Debussy. Kotaro Fukuma débute cet enregistrement par deux Arabesques dont les volutes évoquent l’onde par leur tendre enroulement - léger roulis avant-coureur des Reflets dans l’eau, pièce préférée de Kotaro Fukuma qui avoue la jouer depuis l’âge de 13 ans. Les Ondines étaient – et sont peut-être encore – les génies de l’onde dans la mythologie germanique et Claude Debussy leur a réservé de belles compositions dans ses Préludes. Impossible de ne pas voir ces êtres aimant les eaux douces avec leurs cheveux d’or et qui vivent souvent dans des palais engloutis. Et peut-être qu’avec un peu de patience et de calme, verrons-nous justement cette cathédrale engloutie dont les premiers accords évoquent les profondeurs et la pénombre qui doucement lèvent le voile aquatique de l’édifice qui selon la légende d’Ys fut recouvert par les flots. Nombreuses sont les autres évocations visuelles tissant des liens indissociables avec la musique de Debussy, et l’enregistrement de Kotaro Fukuma est une belle porte d’entrée pour découvrir ces impressions musicales si déterminantes pour les héritiers du compositeur au XX° du siècle.
 

Marc-Antoine Charpentier « Litanies de la Vierge – Motets pour la Maison de Guise » Ensemble Correspondances, Sébastien Daucé (direction), Harmonia Mundi, 2013.

Marie de Lorraine était la dernière descendante de la Maison de Guise et accueillit en son Hôtel rue du Chaume avec grande générosité Marc-Antoine Charpentier pendant près de vingt ans, période pendant laquelle le musicien et la mécène épris des arts, notamment de musique, purent élaborer un ensemble fort réputé pour son excellence et dont le présent programme enregistré donne une belle idée. La petite-fille du duc de Guise assassiné sur ordre d’Henri III avait également une profonde dévotion mariale, dévotion qui l’encouragea à accomplir un pèlerinage à Loreto en Italie près d’Ancône bien connu pour son sanctuaire. Mais avant de nous donner à entendre ces litanies inspirées par ce séjour, l’Ensemble Correspondances dirigé par Sébastien Daucé de l’orgue et du clavecin ouvrent ce beau programme par un Miserere de toute beauté qui débute par les paroles bien connues du psaume 50 : Miserere mei, Deus secundum magnam misericordiam tuam (aie pitié de moi, mon Dieu, selon ta grande miséricorde) exprimant ainsi la douleur du pécheur devant l’amour divin miséricordieux en une tendre expression à la fois grave et attentive à la promesse du pardon, abandon et absolu joints en seule une oraison grâce aux voix inspirées des musiciens manifestement mus par la puissance de telles paroles. Soulignons également l’Ouverture pour le sacre d’un évêque H 536 où légèreté et majesté alternent sans ruptures dans une belle évocation de l’évènement pour lequel cette musique fut composée par Charpentier. Comme nous le rappelait Jordi Savall lors d’un entretien dans nos colonnes : « Les œuvres de CHARPENTIER comme celles de MONTEVERDI ou celles de Tomas Luis de VICTORIA sont beaucoup plus que de belles compositions ou de beaux contrepoints, il y a toujours un message spirituel très fort et il faut le retrouver. Il faut vraiment dépasser le cadre du concert et considérer ces musiques comme de véritables œuvres vivantes spirituelles. » (à lire ici) Nul doute après l’écoute de ces Litanies que les musiciens de l’Ensemble Correspondances aient parfaitement ressentis cette dimension tant les voix et les instruments s’unissent non seulement en une belle harmonie, mais révèlent également le sens profond de ces motets à six parties en une émouvante interprétation !

Michelangelo Falvetti Nabucco Cappella Mediterranea, Chœur de Chambre de Namur, Leornardo Garcia Alarcon (direction), éditions Ambronay, 2013.

Le talentueux chef Leornardo Garcia Alarcon nous offre une belle découverte avec ce Nabucco du musicien calabrais Michelangelo Falvetti (1642-1692), après son interprétation remarquable de la première œuvre qui nous soit parvenue intégralement du même compositeur, Il diluvio universale. Conçue sous la forme de l’oratorio, l’œuvre nous fait entrer au cœur de l’Ancien Testament et du Livre de Daniel avec le roi Nabuchodonosor, roi de Babylone. Le Dialogo est introduit par un prologue d’une rare beauté et d’une sensualité qui évoque l’Orient tel qu’il pouvait être idéalisé avec un mouvement fluide représentant le fleuve Euphrate souligné par les harpes et les violons et auquel se joignent l’Orgueil et l’Idolâtrie afin de chanter la gloire du grand monarque Nabucco.
Le dialogue débute par la sombre plainte du fidèle capitaine des milices Arioch qui anticipe sur le cauchemar vécu par le roi et dont la crainte, magnifiquement soulignée par le ténor Fernando Guimaraes dans l’aria Per non vivere infelice, lui fera convoquer tous les plus grands mages du royaume afin de l’interpréter. Le Prophète Daniel va dès lors être la voix chargée de rappeler au monarque les limites de son pouvoir. Nabucco ne saurait surmonter par son seul pouvoir la crainte qu’il porte en son cœur née avec son songe, message repris d’aussi belle manière par les trois enfants Ananias, Misaël et Azarias (Mariana Flores, Caroline Weynants et Madgalena Padilla Olivares) où instruments et voix sont convoqués pour évoquer la beauté de la foi face à l’impuissance temporelle. Mais le pouvoir sur terre s’effraie de telles réalités et impose la soumission à son culte tout puissant sous la forme d’une statue d’or. Le cadre de cette célèbre scène biblique est posé avec art et raffinement tant la composition de Falvetti est soutenue par une expressivité et une variété de styles. Les arias permettent de mettre en avant les belles voix des musiciens invités à cette création qui fut donnée en première mondiale au Festival d’Ambronay, et dont le brillant enregistrement offre la découverte grâce à la très belle direction du chef Leornardo Garcia Alarcon, de la Cappella Mediterranea et du Chœur de Chambre de Namur !
 

Antonio Vivaldi Concerti per fagotto Ensemble Zefiro, Alberto Grazzi, ARCANA, 2013.

Nos lecteurs connaissent bien l’Ensemble Zefiro (voir notre interview) et ce nouvel enregistrement de Concerti d’Antonio Vivaldi met à l’honneur le fagotto, plus connu sous le nom de basson ; instrument que l’on a plus souvent l’habitude d’entendre dans un ensemble qu’en instrument solo. Pourtant, le basson a fait l’objet de très belles pages composées par Vivaldi qui nous sont données aujourd’hui à apprécier grâce à l’Ensemble Zefiro et à la prestation admirable d’Alberto Grazzi qui excelle dans les nuances nécessaires à l’interprétation de Vivaldi. Michael Talbot dans la préface au livret n’hésite pas à parler d’une harmonie parfaite quant au rapport du célèbre musicien de Venise le liant à cet instrument; harmonie que vient confirmer l’écoute de cet enregistrement. On ne compte pas moins de trente-neuf concertos pour basson solo, cordes et basse continue qui manifestent les rapports étroits entre la musique écrite du temps de Vivaldi à Venise et l’Allemagne. Cette harmonie parfaite évoquée tient au parfait équilibre entre la virtuosité, qui pousse l’instrument dans ses derniers retranchements quant à ses possibilités techniques, et l’extrême nuance et lyrisme du basson qui tisse un dialogue parfois enlevé ou d’autres fois plus sombre selon la composition. Ecoutons ce Presto, premier mouvement du Concerto RV 483 en Mi Bémol Majeur, pour se faire une idée de la richesse des sonorités développées ou encore ce brillant Allegro du concerto RV 494 en Sol Majeur où le basson trouve une belle expressivité démontrant ainsi toutes les possibilités de cet instrument. Vivaldi excelle également dans l’art de la fugue, ce qui est moins connu, comme en témoigne ce beau finale du concerto RV 500. Le mélomane se réjouira également avec le dernier concerto RV 472 en Ut Majeur gravé sur ce disque et qui développe une mélodie raffinée dont les subtilités perceptibles dans l’Andante molto enchantent l’oreille et justifie cette première place laissée par Vivaldi au fagotto, si bien honorée par l’excellence de l’interprétation de l’Ensemble Zefiro !
 

« Chopin Études », Gwendal Giguelay, piano, CD, BY Classique Label, 2022.
 

C’est une interprétation très personnelle que livre le pianiste Gwendal Giguelay avec ce nouvel enregistrement des Études de Chopin. Une multiplicité de facteurs personnels a fait que la préparation de ce CD a dépassé pour Gwendal Giguelay le simple le cadre habituel d’un enregistrement et lui tint plus qu’à cœur. Un cœur de pianiste plus qu’exhaussé puisque le paysage pianistique complet proposé par les 24 Études de Chopin ne pouvait que parfaitement correspondre, l’œuvre du pianiste polonais se prêtant tour à tour aux élans fougueux, aux intériorités les plus recueillies sans oublier les rêveries amoureuses…
Gwendal Giguelay, pianiste aussi doué que doté de talents multiples, fait preuve ici pour cet enregistrement d’une aisance déconcertante dans ces œuvres certes connues mais que sa technique et son inspiration éclairent d’un nouveau souffle. Ses affinités avec l’improvisation ne pouvaient également que rencontrer l’inspiration de certaines de ces Études notamment cette Berceuse op. 57 qui vient conclure ce disque riche d’une belle intériorité et ciselé d’une délicate virtuosité notamment cette superbe Étude Op. 10, n°1 !

« Bach - Suites françaises » Pierre Gallon, clavecin, (2 CDs), Edition L’Encelade, 2022.
 

Avec ce délicat programme, le claveciniste Pierre Gallon nous transporte dans l’univers toujours merveilleux des Suites françaises de Bach que l’on pensait pourtant bien connaître et qui sous ses doigts prennent encore de nouvelles couleurs !
En un véritable tableau réunissant toutes les facettes de l’art du célèbre Cantor, ces Suites en apparence (seulement) moins complexes rivalisent pourtant de beauté avec les Suites anglaises, autres pièces de choix du compositeur allemand. Réunissant sur deux CD les Suites BWV 812 à 819, cet enregistrement témoigne de l’art de Bach à transmettre à ses élèves le legs du style français, une transmission à la fois émouvante et passionnante livrée par le compositeur allemand, et ici, parfaitement rendue. Sous les doigts inspirés de Pierre Gallon, la magie opère en effet avec ces notes ciselées au style à la fois noble et élégant où la danse s’invite dans la partition : Sarabande, Menuet, Gigue, Bourrée, Gavotte… Le clavecin flamand de notre musicien restitue cette alchimie et le mélomane imaginera sans peine Jean-Sébastien Bach installé à son propre instrument transmettant avec autant de joie que de talent ce savoir à ces enfants. Pierre Gallon fait la preuve avec cet enregistrement des plus réussis de l’art du grand Bach, un art qui n’a pas fini de nous émouvoir grâce à de telles interprétations !

Claudio Monteverdi - « Il Ritorno d'Ulisse in Patria » Stephane Fuget (direction et clavecin)- Ensemble Les Epopees, coffret 3 CD, Château de Versailles Spectacles, 2022.
 

C’est une version à la fois personnelle et colorée que nous livre avec cet enregistrement l’Ensemble Les Épopées sous la direction de Stéphane Fuget du premier opéra du grand Claudio Monteverdi (1567-1643) Il Ritorno d’Ulisse in Patria.
Avec ce véritable drame en musique, le compositeur italien a signé une œuvre qui enserre les fameuses scènes inspirées de la fin de l’Odyssée d’Homère en autant de petits tableaux sertis d’ornementations et de couleurs délicates. Enregistré à la Chapelle Royale du Château de Versailles, ce « Retour d’Ulysse » séduit incontestablement notamment pour son cadre intimiste, un véritable « théâtre en musique » ainsi que le souligne Jean-François Lattarico dans le livret.
Cette œuvre longtemps considérée comme perdue fut retrouvée à la fin du XIXe siècle, première étape d’une longue série de difficultés quant à la manière de la restituer, la partition présentant trois actes alors que le livret en comptait cinq… Cet opéra apparaît ainsi comme ourlé de mystères, ce qui ne sera pas sans offrir des attraits supplémentaires pour ce bijou ciselé abordé avec nuances et talent par les musiciens du présent enregistrement. Stéphane Fuget assurant la direction à partir de son clavecin a souhaité pour cette œuvre préfigurant l’opéra moderne et au carrefour du style ancien et moderne donner la priorité au déclamatif dans le récitatif. L’art du recitar cantando, une déclamation en musique, se généralise en Italie au début du XVIIe siècle et l’œuvre de Monteverdi signée dans les dernières années de sa vie (1640) en constitue une belle illustration parfaitement restituée par l’Ensemble dans cette version intimiste.

La Palatine - "Il n'y a pas d'amour heureux", CD collection Jeunes Ensembles d'Ambronay Éditions, 2022.
 

Voici le premier album de l’ensemble La Palatine créé en 2019, un CD placé sous le signe de l’amour. Mais, contrairement à l’idée reçue, ces amours ne sont pas toujours rayonnantes et après les affres de la passion, le désenchantement peut survenir ainsi que l’ont évoqué maints compositeurs de la musique italienne du XVIIe siècle. C’est à partir de ce programme tour à tour vif ou lancinant que les musiciens manifestement inspirés par ce programme riche et varié entraînent avec élan et générosité le mélomane dans ce parcours initiatique s’il en est !
Marie Théoleyre, soprano enchante dans l’émouvant Lamento de la Turque Zaïde de Luigi Rossi, un chant déchirant interprété avec passion. Autre moment d’anthologie avec le célèbre Lamento d’Ariane de Claudio Monteverdi, une plainte amoureuse funeste de la jeune fille du roi de Crète pleurant Thésée qui l’a abandonnée lâchement sur le rivage de son île…
Les affects amoureux alternent et se révèlent avec enchantement dans ce beau programme interprété avec brio par le jeune ensemble dont les instrumentistes talentueux (Noémie Lenhof viole de gambe, Nicolas Wattinne théorbe et guitare baroque, Guillaume Haldenwang clavecin & orgue, Musicien invité : Laurent Sauron percussions) permettent d’apprécier le large éventail de leur sensibilité musicale, avec en clin d’œil conclusif, un compositeur surprise pour un disque de musique classique !
 

« It's Not Too Late », album de Zbigniew Preisner & Lisa Gerrard, CD, 2022.
 

Cet album au titre prophétique « It’s not Too Late » et signé Zbigniew Preisner & Lisa Gerrard offre une alternative à la dépression mondiale que nous connaissons ces derniers temps… Alors que tout semble converger vers la destruction et le chaos, quelques voix s’élèvent, en effet, telle celle inoubliable de Lisa Gerrard sur la musique composée par le grand musicien polonais Zbigniew Preisner. Né du « hasard », il y a quelques années dans une petite synagogue de la ville de Bobowa à une centaine de km de Cracovie, cet enregistrement s’est progressivement matérialisé, recueillant les improvisations spontanées suscitées par ces lieux inspirés. Neuf compositions sont ainsi nées de cet émerveillement, des mélodies et des chants tour à tour contemplatifs, envoûtants, implorants, mais toujours nourris d’espérance. Lorsque la pénombre gagne, quelques notes égrenées du piano de Dominik Wania, du violoncelle de Magdalena Pluta, du saxophone de Jerzy Główczewski ou encore de l’inoubliable voix de Lisa Gerrard parviennent à illuminer le cœur ; l’espoir grâce à la beauté de l’art redevient possible, « il n’est pas trop tard » confient en musique nos musiciens inspirés…

Lire notre interview de Zbigniew Preisner

Orchestre de Picardie Arie van Beek, Brahms, transcriptions par Henk de Vlieger, CD, NomadMusic, 2022.
 

Sous la houlette de Arie de Beek, le très bel Orchestre de Picardie nous offre à travers cet enregistrement deux magnifiques transcriptions symphoniques du quintette opus 34 et de la Sonate n.1, opus 1 de Johannes Brahms. Deux orchestrations ici réalisées avec maestria par le compositeur néerlandais Henk de Vlieger, bien connu et reconnu pour ses arrangements d'œuvres du répertoire classique pour orchestre ou ensembles instrumentaux. Car sa réécriture fluide et équilibrée capte avec talent l'essence romantique intrinsèque de chacun des mouvements, révélant avec beauté chaque thème, restant fidèle à la couleur que Brahms aurait certainement pu imaginer lui-même. Le jeu de distribution instrumental dans un équilibre sans faille répond habilement à la mise en lumière de la distribution originelle. Et sans aucun doute, chacun sera subjugué de découvrir la puissance symphonique contenue dans ces deux très grandes œuvres de musique de chambre.
Ainsi, le quintette dont la genèse connut plusieurs versions pour finalement aboutir à la version pour cordes et piano, est parcouru de thèmes tous plus prenants au fil des mouvements. La force expressive qui l'habite s'impose ici dès les premières mesures et ne fait que grandir de par son orchestration symphonique dans un tourbillon enivrant de combinaisons toutes plus judicieuses et évidentes les unes que les autres, cela jusqu'au finale.
De même, la Sonate pour piano, qui alterne passages éclatants et instants d'introspection, proposant à la fois grandeur et pureté du geste, comme le très bel Andante, est donnée avec grâce, pudeur et élégance, se dévoile et amène, étreint et scintille.
Deux partitions de Brahms, finalement choisies à propos, et qui dans ces versions nouvelles ne perdent rien de leur attrait, sans pourtant éclipser l'original.

Jean-Paul Bottemanne

Orchestre Picardie Arie van Beek, Andriessen, Fauré, Ravel, CD, NoMadMusic, 2022.
 

C'est un programme de trois œuvres d’Andriessen, Fauré et Ravel, alliant modernité et référence au passé que Arie van Beek, à la direction de l'Orchestre de Picardie, nous propose au travers d'interprétations délicieuses et pleines de caractère.
L'ouverture sur les Variations sur un thème de Couperin de Hendrik Andriessen, œuvre concertante pour flute, harpe et orchestre à cordes de 1944 permet de projeter la lumière sur ce compositeur néerlandais du milieu du XXe, essentiellement connu pour Miroir de Peine. Variations qui ici sans ambages rendent notamment hommage aux formes du passé, dans l'utilisation fugace de rythmes de danses anciennes, mais proposent aussi et d'abord une partition toute en finesse et grâce, parfaitement maitrisée et trop rarement présente tant en concert ou enregistrement ; une partition de laquelle s'échappe un magnifique jeu autour du thème de Couperin sous les doigts du flutiste François Garraud et du harpiste Marcel Cara.
En poursuite, Le Pelleas et Melisande de Fauré, originellement écrit pour la pièce éponyme de Maeterlink, ici donné dans sa version en quatre parties, est quant à lui, un petit bijou avec son Prélude à la fois diaphane et mélancolique, sa Fileuse évocatrice d'une agilité infinie, sa Sicilienne si connue et la Mort de Mélisande, dernier numéro d'une intensité funèbre prenante.
Ravel, enfin, avec la suite orchestrale du Tombeau de Couperin, véritable chef-d’œuvre, initialement composé en hommage à des amis du musicien morts à la Grande Guerre, laisse l'auditeur dans l'envie de continuer plus encore cette exploration dans l'univers musical de ce début de XXe : Prélude enivrant, Forlane étourdissante, Menuet élégiaque, Rigaudon enlevé et pastoral.
Rien dans l'interprétation de ces trois pièces admirables n'est négligé ou surjoué, les nuances sensuelles et astucieuses sont rendues avec délicatesse. Un vrai plaisir d'écoute pour un instant d'éternité musical purement sensoriel et jouissif
 

Jean-Paul Bottemanne

Amir Tebenikhin piano Liszt, Rachmaninov, Debussy, Prokoviev, CD, Classical Records, 2022.
 

C’est l’admirable sonate en si de Franz Liszt qui ouvre cet enregistrement live datant de 2003 du pianiste Amir Tebenikhin, un enregistrement qui n’a pas pris une ride ! Ce morceau de légende auquel les plus grands pianistes se sont confrontés n’est en effet pas un exercice de style tant les difficultés abondent. Et notre pianiste de livrer une interprétation à la fois pleine de fougue et d’allant digne du célèbre virtuose hongrois.
Ce programme de haute volée se poursuit par un autre compositeur ayant également légué ses lettres de noblesse au prestigieux instrument avec Sergei Rachmaninov, lui-même pianiste virtuose. Sa sonate n° 2 en si bémol mineur en témoigne avec cette pièce à la fois méditative et bouillonnante en d’habiles transitions qu’Amir Tebenikhin sait à merveille rendre dans cet enregistrement.
Après quelques pages plus introspectives léguées par Claude Debussy – 3 préludes tirés du Livre II – ce disque inspiré se conclut par un autre morceau de bravoure, la fameuse Toccata op. 11 de Sergei Prokoviev, une pièce à la fois complexe et redoutablement virtuose pour laquelle notre pianiste se joue des difficultés avec une aisance déconcertante.
Un enregistrement à découvrir absolument chez Classical Records.

« Das Lied von der Erde » - Gustav Mahler - Version pour orchestre de chambre par Arnold Schönberg (1920), achevée par Rainer Riehn (1983), Stéphane Degout Baryton Kévin Amiel Ténor LE BALCON Maxime Pascal Direction Musicale, LE BALCON LIVE, B•RECORDS, CD, 2022.

« Le Chant de la Terre » élevé par Gustav Malher (1860-1911) au terme de sa vie compte parmi les œuvres les plus personnelles du compositeur. Grâce à la transcription épurée d’Arnold Schönberg et la direction manifestement inspirée de Maxime Pascal en la Basilique Saint-Denis, cette oeuvre d’une rare intériorité ne pourra qu’émouvoir le mélomane. Entre œuvre symphonique et œuvre vocale, le caractère singulier de cette composition tardive en 1908-1909 consiste en une succession de six lieder interprétés par deux solistes, pour le présent enregistrement le baryton Stéphane Degout et le ténor Kévin Amiel, tous deux transportés par le souffle puissant de cette œuvre. Cette allégorie du sens de la vie, réminiscences de ses joies comme de ses gouffres, repose sur six poèmes qui inspirent à cet homme meurtri par la vie (perte de sa fille emportée par la maladie et échec professionnel à l’Opéra de Vienne) une longue méditation alors que Mahler vient d’apprendre que sa santé même chancelait et l’empêchait de jouir pleinement de sa retraite dans ses Alpes chéries. Seul le travail de composition allait sublimer ces coups de couteau de la vie et les sublimer en d’immortels élans lancés sur la partition. Ce souffle puissant où chaque anxiété trouve ses échos dans la poésie chinoise des VIIe et VIIIe siècles, une poésie de l’époque des Tang, témoigne encore de la présence de l’orientalisme dans les arts en Occident à cette époque. Ce Chant qui s’élève de la terre connaît avec cet enregistrement une rare expressivité ainsi qu’une interprétation convaincante avec des solistes habités et des musiciens de l’ensemble Les Balcons transportés par ce maelstrom musical dont il est difficile de ressortir indemne…
A noter le très beau coffret qui accompagne cet enregistrement où chaque lied se trouve présenté en un carnet séparé et illustré avec esthétisme.

« Rachmaninov (1873-1943) » Jean-Paul Gasparian (piano), CD, Label Evidence, 2022.
 

Le pianiste Jean-Paul Gasparian s’est saisi dans ce bel enregistrement de la musique aussi puissante que mélancolique du grand Rachmaninov ainsi que l’annoncent les premiers accords enlevés de la superbe sonate pour piano n° 2 composée en 1913 lors d’un séjour à Rome.
Entre virtuosité et profondeurs vertigineuses, les affects dominent avec force cette œuvre qui traduit les tourments du compositeur et que parvient à rendre avec subtilité Jean-Paul Gasparian en ces pages du dernier romantisme. Il faut dire que le jeune pianiste s’est très tôt familiarisé auprès de l’école russe et sa propre sensibilité le porte à traduire sans contrainte ces passions intérieures du compositeur de la plus belle des manières.
Les « Moments musicaux » réunis dans cet enregistrement seront également l’occasion de goûter à cette composition toute en densité, une véritable dentelle dont les infimes variations semblent suspendues au fil de la partition et dont notre pianiste parvient à rendre la délicatesse avec une rare sincérité. Certains accents lisztiens transparaissent parfois dans ces pages inspirées en autant de miniatures parfaitement rendues par Jean-Paul Gasparian. La toujours bouleversante « Vocalise » conclut ce beau parcours en terre rachmaninovienne, une œuvre au lyrisme saisissant qui ne saurait laisser aucun mélomane insensible, surtout grâce à une telle interprétation…

Quicksilver – EARLY MODERNS: The (very) First Viennese School, CD, 2021.
 

C’est une ample et majestueuse sonate de Johann Heinrich Schmeltzer qui ouvre ce programme viennois conçu par l’Ensemble Quicksilver dirigé par Robert Mealy et Julie Andrijeski. Non point la musique viennoise bien connue du XVIII° avec Mozart et Haydn ou encore du XIXe siècle avec les Strauss et autre Lehar, mais leurs précurseurs du XVIIe siècle. Si les noms d’Heinrich von Biber ou de Johann Rosenmüller et Jospeh Fux sont, certes, connus, certains compositeurs tels Johann Caspar Kerll et le sus nommé Schmeltzer apporteront par leurs notes fraîches et enlevées un brin de nouveautés appréciables. Ces précurseurs ou « Early moderns » s’inscrivent dans le contexte des cours des Habsbourg, cherchant à rivaliser avec la cour de Louis XIV… L’empereur Leopold I parvenu au trône en 1658 compte parmi ces puissants amoureux des arts et de la musique. C’est à cette époque que la forme de la sonate fut introduite notamment à Vienne venue d’Italie.
Le présent enregistrement offre ainsi un éventail des plus séduisants afin de découvrir non seulement le rayonnement de ces artistes dans leur contexte historique, mais également toute la richesse de leurs compositions éclairée par l’harmonieuse interprétation qu’en livre l’Ensemble Quicksilver. Leurs couleurs chatoyantes s’étirent langoureusement avec Giovanni Battista Buonamente, plus festivement avec Schmeltzer et la sonate La Carolietta. Les musiciens s’entendent à merveille afin de rendre ces polychromies ravissantes en autant de tableaux sonores soignés et alertes. Un enregistrement qui devrait en appeler d’autres sur ces précurseurs viennois décidément bien inspirés !

Camille Saint-Saëns (1835-1921) Quatuor Tchalik, CD, Alkonost, 2021.
 

Si les œuvres vocales et pour orgue de Camille Saint-Saëns (1835-1921) sont bien connues, ses compositions de musique de chambre sont plus discrètes et viennent de faire l’objet d’un enregistrement inspiré de la part du Quatuor Tchalik. Inspiré car les quatre musiciens talentueux du quatuor, déjà remarqués pour leur enregistrement consacré à Reynaldo Hahn présenté dans ces colonnes, sont littéralement entrés au cœur de la composition du musicien français, mort il y a tout juste cent ans.
Camille Saint-Saëns aimait à souligner qu’on ne pouvait faire un quatuor à cordes qu’à l’âge de vingt ans « pour l’ignorance et la témérité de la jeunesse » ou à soixante, avec l’expérience de son art… C’est cette deuxième option que préféra le compositeur avec deux quatuors d’une rare profondeur et d’une vitalité certaine au regard de l’âge de leur auteur. Sont en effet au programme de ce bel enregistrement les quatuors n°1 op.112 en mi mineur et n°2 op.153 en sol majeur ; La parfaite complicité des musiciens révèle toute la subtilité de ces quatuors, une musique réunissant à elle seule tout l’art de Saint-Saëns, non seulement par leur composition délicate, mais également leur profonde expressivité. Le quatuor n° 1 composé à la veille du XXe s. en 1899 séduit spontanément par la riche palette de ses développements parfaitement rendus par le Quatuor Tchalik passant avec un rare sens des nuances du deuxième mouvement au troisième d’une belle intériorité. Le Quatuor à cordes n° 2 composé en 1918, trois années avant la disparition du compositeur, forme en quelque sorte le testament d’un musicien ayant traversé avec tant de richesses le XIXe siècle et qui sut aborder la modernité des vingt premières années du siècle suivant, tout en renouant avec l’esprit du « quatuor concertant » de la fin du XVIIIe s. Le deuxième mouvement « Molto adagio » ne pouvait que séduire l’écrivain Marcel Proust qui résuma parfaitement la démarche du compositeur : « Faire octroyer ainsi par l’archaïsme ses lettres de noblesse à la modernité », un rapprochement des contraires qu’ont su parfaitement rendre nos quatre musiciens dans ce bel enregistrement.

"Vous avez dit Brunettes ?' Les Kapsber’Girls, CD, Alpha Label, 2021
 

Le CD « Vous avez dit Brunettes ? » réunit un ensemble délicieux et baroque de treize courtes pièces vocales légères, puisées dans ce vaste répertoire de la musique française du 17e siècle que sont les brunettes, ponctué de pièces instrumentales. Évoquant tour à tour l’amour pastoral, la Nature et parfois aussi plus simplement des chansons à boire, le quatuor formé par Alice Duport-Percier et Axelle Verner au chant, Garance Boizot et Albane Imbs aux instruments, défend avec brio une couleur et un choix esthétique plein d’allant et de gaîté, un répertoire qui sous ses airs faussement faciles, est d’une complexité technique supérieure, aspect qu’elles auront su faire oublier tout du long de cet enregistrement pour rester dans l’instant d’une spontanéité musicale maîtrisée.
En vraies expertes du genre et du style, n’hésitant pas - tout comme l’éditeur Ballard en son temps à mettre à jour ces airs avec des arrangements originaux et parfaitement menés, alliant grâce et complicité pour une excursion tantôt grave, tantôt joyeuse, mais toujours animée et riche dans l’expression des affects, les deux chanteuses Duport-Percier et Axelle Verner font vibrer ces mélodies lumineuses et ornementées avec justesse. En parfaite adéquation, l’instrumentation sans faute délivrée aux cordes pincées et frottées par Boizot et Imbs sur des instruments d’époque vient souligner le caractère authentique de ces timbres parfois diaphanes et pourtant consistants et empreints de noblesse.
Un bel instant de partage, de générosité et d’enthousiasme, un temps hors du temps, dont la réalisation est à la hauteur des espérances pour cette promenade musicale batifolante.

Jean-Paul Bottemanne
 

John Dowland « Lachrimæ » ; Zachary Wilder, ténor, Ensemble La Chimera, Eduardo Egüez (luth), CD La Musica, 2021.
 

Nous sommes à l’époque élisabéthaine en cette deuxième moitié du XVIe, en un cabinet de musique ou dans la pénombre d’une bibliothèque de lettré dans lesquels les premiers accords d’un luth se font entendre… Ce sont ceux du grand musicien, John Dowland, qui accompagné d’un consort de violes, déchirent l’air de plaintifs accords d’une terrible tristesse, tristesse de ces « Lachrimae Antique » où la mélancolie règne en muse absolue. Dowland excelle en effet dans l’art de suggérer une atmosphère faite de délicatesse ciselée par les accords de l’instrument propice à l’intimité introspective. La voix l’accompagne en des mélodies non moins touchantes ainsi que le démontre avec une rare présence le brillant ténor Zachary Wilder notamment dans cette solitude chérie des forêts anglaises. En ces lieux déserts, nymphes et nature sont témoins de la tristesse de celui qui a quitté les fastes du monde. Que le mélomane ne se méprenne point, Dowland ne se complaît pas à ces accords déchirants, toute la palette des émotions se déploie grâce à l’art éprouvé d’Eduardo Eguëz et une alerte gaillarde vient, ici ou là, démontrer que solitude ne rime pas toujours avec infortune. Les larmes, bien sûr, abondent mais elles n’étaient pas toujours, naguère, synonymes de dépression maladive. Elles firent les grandes heures des plus grands mystiques et relevèrent de leurs scintillements bien des compositions de musiciens… C’est à cet univers si éloigné de notre époque auquel nous convient cet enregistrement inspiré. Que les musiciens de La Chimera, en soient remerciés !

Josquin : « Missa Hercules Dux Ferrarie - Missa D'ung aultre amer - Missa Faysant regretz » - The Tallis Scholars dirigé par Peter Phillips, CD, Gimell, 2021.
 

Si Josquin Des Prés est bien connu pour avoir contribué à étendre l’éventail des voix avec le motet et permettre à sa forme jusqu’alors plus rigide de gagner en ampleur, ses messes demeurent, cependant, également parmi les œuvres rayonnantes de ce début du XVIe siècle. La Missa Hercules Dux Ferrarie qui ouvre ce somptueux enregistrement proposé par The Tallis Scholars dirigé par le talentueux Peter Phillips compte parmi ces gemmes touchant la perfection de la composition. Œuvre de maturité, cette messe répète de manière récurrente une courte séquence mélodique qui ajoute à son charme un caractère extatique. Fruit d’une commande pour Ercole 1er d’Este de Ferrare, ce passage répété pas moins de 47 fois s’avère être, en fait, la transposition en notes du nom de cet auguste protecteur… Mais plus que cette prouesse laudative, c’est surtout le caractère ciselé du contrepoint déployé par Josquin qui force l’admiration dans cette œuvre de musique sacrée. Le Kyrie introductif capte spontanément l’attention de l’auditeur par ses multiples variations des voix constituant une architecture à la fois épurée et ouverte vers l’imploration divine, « Seigneur, prends pitié ». L’ensemble The Tallis Scholars a su également saisir à merveille le cantus firmus à la source de cette composition paradisiaque. Une autre manifestation de la perfection du contrepoint de Josquin se déploie, enfin, dans l’Agnus de la Missa Faysant regretz, en une succession de voix se répondant en autant de lignes tourbillonnantes qui soulignent la séquence si essentielle « Agneau de Dieu », ouvrant sur la consécration eucharistique. Ce dernier joyau offert par The Tallis Scholars conclut le cycle complet de l’enregistrement des messes de Josquin, une apothéose à découvrir au plus vite !

« CÉSAR FRANCK / TRIPTYQUES – ŒUVRES POUR PIANO », DANIEL ISOIR (piano Érard 1875), CD, Label MUSO, 2021.
 

Les liens toujours ténus entre l’orgue, le clavecin et le piano ne cesseront d’interroger spécialistes et mélomanes pour cette alchimie faite tour à tour d’attractions ou défiances mutuelles. César Franck ne compte pas parmi ces derniers, lui dont les premières années furent marquées par la virtuosité au piano au point d’en faire carrière jusqu’à son retrait inattendu de la scène internationale alors même qu’il avait bénéficié du soutien du grand Franz Liszt… Curieusement, cependant, les années qui suivirent la disparition de cette personnalité discrète ne retiendront que ses grandes œuvres à l’orgue.
Or, les trois préludes réunis par le pianiste Daniel Isoir démontrent aussi toute la puissance musicale de leur auteur pour le piano. Si l’interprète a su depuis longtemps se faire un prénom en tant que spécialiste notamment du pianoforte, ce n’est cependant pas sans une émotion qu’en mémoire de son père André Isoir, grand maître de l’orgue au XXe siècle, il a souhaité concevoir cet enregistrement.
Par un étrange renversement, le mélomane redécouvrira des œuvres familières pour l’orgue et plus singulières au piano, alors qu’elles furent initialement conçues pour ce dernier. Franz Liszt, le premier, a révélé depuis longtemps que le piano était capable d’embrasser à lui seul toutes les richesses d’un orchestre par ses nombreuses transcriptions, comment en serait-il autrement pour l’orgue ? Les multiples couleurs sous les doigts de Daniel Isoir se métamorphosent, ici, en autant de jeux figurés pour ces pièces à l’harmonie délicate, alternant une certaine retenue entre deux éclats de virtuosité.
Ainsi, enchantement pour cette délicate fugue du 1er Prélude, émotion à peine retenue pour ce 3e choral pour grand orgue dans la transcription de Blanche Serva, une œuvre d’une rare intériorité parfaitement rendue par le pianiste manifestement inspiré. Délicatesse déchirante également de l’Andantino du premier mouvement du troisième Prélude laissant percevoir toute la poésie du compositeur faite de subtiles suggestions.
L’interprétation qu’en livre ici Daniel Isoir sur un admirable Érard 1875 force l’admiration, car il n’était ni aisé de faire revivre la magie de César Franck sur piano, ni de proposer des couleurs aussi rayonnantes pour un tel répertoire tant honoré par son père !
 

« PROUST, Le Concert Retrouvé / Un concert au Ritz à la Belle Époque » ; Théotime Langlois de Swarte (violon), Tanguy de Williencourt (piano) ; CD, Stradivari Musée de la musique Paris, Harmonia Mundi, 2021.
 

Le temps d’un enregistrement – ce temps si précieux à Marcel Proust –c’est l’univers de la Recherche qui vient occuper tout l’espace sonore subtilement déployé par deux musiciens talentueux, Théotime Langlois de Swarte au violon et Tanguy de Williencourt au piano. Le disque paru chez Harmonia Mundi s’intitule en effet « Proust, le concert retrouvé ». Il n’est cependant pas ici question de quelques vagues programmes « à la manière de », mais bien d’une véritable recherche musicale sur un concert ayant réellement eu lieu, le 1er juillet 1907 à l’hôtel Ritz de Paris.
C’est une lettre écrite par Proust deux jours après ce fameux concert à son ami Reynaldo Hahn qui nous en dévoile toute la saveur, saveur qui fait l’objet du présent enregistrement. L’univers musical des salons parisiens se trouve spontanément révélé, dépassant la chronologie, pour composer de véritables tableaux de musique.

Proust avait des choix bien arrêtés en matière d’art, en témoignent ses nombreuses références à la peinture et à la sculpture dans son œuvre, et la musique ne faisait pas exception. Il retint lui-même le programme de ce concert ainsi que le choix de ses interprètes. Son amour pour la musique de Fauré n’a d’égal que son admiration pour les choix révolutionnaires introduits par Wagner, Proust n’hésitant pas à faire des parallèles entre la mort d’Isolde et celle de la grand-mère dans la Recherche…
Nos deux interprètes ont su se saisir de cette « matière » musicale ample et disparate pour en restituer toute l’unité féconde qu’avait souhaitée l’écrivain en concevant ce programme. Proposant ces œuvres sur des instruments d’époque, le fameux « Davidoff », l’un des cinq Stradivarius de la collection du Musée de la musique de Paris, ainsi qu’un généreux Érard datant de 1891 restituant fidèlement et avec rondeur ces morceaux choisis. Dans ce « Concert retrouvé », un arrangement de la fameuse pièce « A Chloris » ouvre tout en sensibilité ce disque. Ravissement également pour cette séduisante interprétation de la Sonate pour violon et piano n° 1 en La majeur op. 13 de Fauré, une œuvre au charme spontané et aux « hardiesses les plus violentes », ainsi que le souligna en son temps Camille Saint-Saëns. Saut dans le temps voulu par Proust avec Couperin et « Les Barricades mystérieuses » qui ne pouvait que séduire par son style luthé l’écrivain amoureux de Versailles. Mais aussi, l’incontournable Chopin, omniprésent dans les salons parisiens, Robert Schumann et « Das Abends » dont le mélomane n’aura aucune peine à imaginer l’effet sur les heureux invités de ce concert. Un merveilleux enregistrement, qui en plus d’être un hommage inspiré à Marcel Proust en cette année anniversaire, offre ce portrait délicieux de toute une époque saisie avec talent par les deux interprètes.

Dietrich Buxtehude (1637-1707), Suonate à doi, 1 violino et viola da gamba con cembalo, Extraits des opus 1 et 2 (Hambourg 1694 et 1696) ; Les Timbres avec Yoko Kawakubo violon Myriam Rignol viole de gambe, Julien Wolfs clavecin, CD, Edition Flora, 2020.
 

Voici un enregistrement aussi intimiste qu’inspirant dans l’univers feutré et alerte de la musique de chambre du grand maître Dietrich Buxtehude (1637-1707). La réputation du compositeur au XVIIe siècle fut telle qu’elle suscita la curiosité du jeune Johann Sebastian Bach, alors âgé de vingt ans, qui parcourut pas moins de 400 km à pied afin de le rencontrer… C’est à cette rencontre à laquelle nous convie également l’Ensemble Les Timbres en un enregistrement aussi enthousiaste que charmant.
Le charme opère en effet spontanément dès les premiers accords de ces musiciens talentueux ayant su capter cette grâce qui résulte des compositions de Buxtehude et dont nous connaissons plus souvent les pièces pour orgue assez austères. Ici, la rigueur cède à la couleur et à une certaine imprévisibilité. La virtuosité se dispute en effet à l’introspection la plus extrême, un caractère propre au « stylus fantasticus » parfois déconcertant mais toujours plaisant…
Nos musiciens excellent dans ces œuvres ciselées pour lesquelles le compositeur avait manifestement apporté le plus grand soin, notamment avec des solos d’une grande force émotionnelle. Les couleurs rendues par l’Ensemble Les Timbres restituent idéalement cette ambiance de la seconde moitié du XVIIe siècle en Allemagne du Nord avant l’ère Bach et que cet enregistrement sublime !
 

« As Festas do Anno », Cantigas ( XIIIe s.) et chants traditionnels pour les fêtes de l’année, Ensemble Cantaderas , CD, Arion, 2020.

Le premier morceau interprété par les musiciennes de l’Ensemble Cantaderas est intitulé « Beneita es, Maria », un cantiga en l’honneur de la Vierge selon le temps liturgique. Le rythme des voix et des tambourins scandent dans la pureté virginale ces chants hérités du plus ancien Moyen Âge, au XIIIe siècle. Les fêtes de l’année sont, à cette époque, essentielles pour une population baignée de fêtes mariales et christiques rythmant les jours d’une communauté pour la plupart paysanne. Chantés en langue vernaculaire, ces cantiguas sont également l’occasion d’un lien plus étroit encore avec les saisons, la nature et ses fruits. Sacré et profane s’entrelacent au rythme des jours qui s’allongent et de la fertilité qui gagne.
Les musiciennes de l’Ensemble Cantaderas parviennent à restituer cette candeur qui à aucun moment ne verse dans les excès, les voix d’une pureté remarquable ne recherchant pas d’affects, guère souhaitables en ces répertoires. Derrière l’apparente candeur de ces mélodies, c’est tout un héritage complexe de sources et de rythmes bien rendus par les interprètes qui se conjuguent, faisant de cet enregistrement un bel exemple de ce que furent ces musiques anciennes de tradition populaire au nord-est de la péninsule ibérique.
 

« Méditations pour le Carême » - Marc-Antoine Charpentier, Ensemble Les Surprises, Louis-Noël Bestion de Camboulas, CD, Éditions Ambronay, 2020.

L’Ensemble Les Surprises a souhaité avec ce dernier enregistrement consacré aux méditations de carême de Marc-Antoine Charpentier (1643-1704) faire revivre les grandes heures de la musique sacrée à la fin du XVIIe siècle et début du XVIIIe siècle en France, notamment à Versailles.
Ces magnifiques méditations pour le Carême exigent d’être replacées dans leur contexte, celui de la fin du règne du roi Louis XIV, éloigné des feux de la danse et du théâtre et plus attiré, sous l’influence de Madame de Maintenon, pour les dévotions religieuses. Imaginons quelques instants une fin d’hiver à Versailles, un temps humide et pénétrant alors que le monarque vieillissant se rend, dans la Chapelle royale plus glaciale que jamais, à l’une de ces méditations, et ce à une époque de l’année liturgique où opéra et autres lieux de spectacles demeuraient fermés. C’est donc un tout petit effectif de musiciens qui l’attendent, chargés d’élever dans les voûtes de l’église ces Méditations, véritables tableaux bibliques où théorbe et voix alternent en de sublimes évocations…
L’intimité religieuse qui s’en dégage a été pour cet enregistrement parfaitement rendue par l’Ensemble Les Surprises avec ces voix d’hommes allant du haut de contre à la basse-taille en passant par la taille, chacune tendue vers l’absolu de ces instants sacrés. Désolations, pleurs, tristesse, trahisons, mais aussi partage unique avec l’institution de la Cène, le Jeudi Saint, puis de nouveau les ténèbres les plus profondes avant l’expiration. Le caractère à la fois intimiste et sombre de cette magnifique composition demeure indissociable de la religion de cette époque, une piété intimement associée à l’absolutisme politique du monarque et dont ces compositions ne sauraient se départir. C’est avec une interprétation sensible et inspirée que l’Ensemble Les Surprises redonne indéniablement vie à ces heures essentielles de l’Histoire de France et à la musique sacrée de cette époque servie par les plus grands compositeurs, ici, Marc-Antoine Charpentier.

« Tuhu » de Gaëlle Solal (guitare), SACD, Eudora, 2020.

L’album Tuhu que livre aujourd’hui la guitariste Gaëlle Solal invite le mélomane à explorer l’univers méconnu ou moins exploré de la guitare classique au Brésil, un espace sonore aux multiples nuances que la musicienne dévoile, ici, en un enregistrement à la fois plein de tendresse et d’espiègleries.
Centré autour de l’œuvre emblématique de Villa-Lobos et de ses contemporains, ce programme rappelle combien la guitare, naguère reine au temps de Gaspar Sanz ou Santiago de Murcia, n’a point cessé son chant mélodieux aux siècles suivants et jusqu’à nos jours. Instants nostalgiques ou endiablés, les variations mélodiques filent à une vitesse vertigineuse sous les doigts enchanteurs de la guitariste. Ces instants d’immenses intimités laissent, en effet, parfois place à de belles virtuosités comme pour ces trois Saudades de Roland Dyens ou encore à des instants mutins comme le fameux Brejeiro d’Ernesto Nazareth…
Chaque découverte donne lieu à un envoûtement, celui du rythme si cher à l’univers brésilien, mais aussi celui des contrastes entre joie et pénombre comme pour ce douloureux Tristorosa de Villa-Lobos. Aucune note n’est fortuite dans cet enregistrement délicat où les cordes vibrent et chantent sous les doigts inspirés de Gaëlle Solal.
 

Josquin Desprez « Messes Ave maris stella et D’ung aultre amer » - Maurice Bourbon « Tempus fugit... », Ensembles vocaux Métamorphoses et Biscantor !, Direction Maurice Bourbon, CD, AR RE-SE, 2020.
 

Lorsque le temporel rencontre le spirituel, l’élévation des âmes et des corps sont à leur comble, telle est l’impression qui ressort spontanément de l’écoute de ce remarquable enregistrement des Ensembles Vocaux Métamorphoses et Biscantor !
La création « Tempus fugit » de Maurice Bourbon ouvre et ponctue les deux messes de Josquin Desprez "Ave maris stella" et "D’ung aultre amer ». De la pénombre s’élèvent quelques voix à partir de la poésie d’Agrippa d’Aubigné sur le thème éternel de la brièveté de la vie, telle l’onde s’écoulant de la fontaine, métaphore des vaines gloires du monde. Le contexte est donné, l’homme de guerre et néanmoins poète, mort à Genève, sait de quoi il parle lorsqu’il évoque les vanités du monde…
La messe « Ave maris stella » de Josquin nous fait spontanément entrer dans l’univers polyphonique raffiné et néanmoins épuré par le compositeur souhaitant mettre en valeur la pleine luminosité du texte, ainsi qu’il ressort de cette belle interprétation dirigée par Juliette de Massy. Le verbe se fait alors musique, vecteur unifiant fidèles et mélomanes en un même élan, celui spirituel à l’égard de la Vierge Marie pour cette antique hymne remontant aux plus anciennes sources grégoriennes.
C’est encore du temps « qui efface » dont il s’agit avec ce texte concertant de Maurice Bourbon convoquant Proust et Baudelaire en un éternel questionnement sur les effets de la temporalité. Désarroi du poète ou espoir de l’écrivain en une certaine transcendance, les notes filent avec une troublante célérité rendue par les chanteurs.
Enfin, la messe "D’ung aultre amer", écrite entièrement à quatre voix, fait entrer le mélomane dans le rite bien spécifique milanais. Messe d’une extrême brièveté, l’attention portée à chaque facette de l’écriture laissant une impression de tension portée vers la transcendance.
Les Ensembles Métamorphoses et Biscantor ! dirigés par Juliette de Massy livrent incontestablement avec cet enregistrement un beau témoignage d’une rare intensité expressive où verbe et musique nouent d’indicibles accords.

« Jehan Alain - Le grand rythme de la vie » ; Thomas Monnet, Orgue de Notre-Dame d’Auteuil (Paris), CD, Hortus, 2020.

La vie de Jehan Alain (1911-1940) ressemble par sa fugacité à celle d’un papillon ayant la prescience du caractère éphémère de la vie. À peine sorti de la chrysalide d’un père, Albert Alain, lui-même organiste, le jeune homme suivra, en effet, son envol de tribune en tribune d’orgue, jusqu’au jour fatal du 20 juin 1940 où il est tué lors d’un combat près de Saumur… À l’image de son frère Olivier, compositeur, et de sa jeune sœur, Marie-Claire, appelée plus tard à un brillant avenir d’organiste, Jehan ne vit que pour la musique, lui qui fut l’élève de Marcel Dupré et de Paul Dukas. Sa courte vie ne l’empêchera pas de produire plus d’une centaine d’œuvres en une dizaine d’années, les pièces pour orgue étant celles qui passeront à la postérité grâce à sa sœur Marie-Claire qui vouera sa vie entière à faire connaître l’œuvre de son frère.
Thomas Monnet a retenu pour cet enregistrement aux orgues de Notre-Dame d’Auteuil - superbe Cavaillé-Coll datant de 1884 et récemment restauré entre 2015 et 2018 - plusieurs œuvres regroupées sous le titre « Le Grand rythme de la vie » d’après une citation de l’organiste placée en tête de son Deuxième prélude profane : « Ils ont travaillé longtemps, sans relâche et sans espoir. Leurs mains sont devenues épaisses et rugueuses. Alors, peu à peu, ils ont pénétré le grand rythme de la vie ». Une Suite méditative ouvre cet enregistrement témoignant de la profondeur du compositeur qui avouait : « La musique est faite pour traduire les états d'âme d'une heure, d'un instant, surtout l'évolution d'un état d'âme. Donc mobilité nécessaire. Ne pas essayer de traduire un sentiment unique, fût-ce un sentiment éternel. » Les phrases musicales les plus puissantes se trouvent interrompues en d’ineffables gouffres, Thomas Monnet parvenant à saisir ces ruptures de manière particulièrement convaincante qu’il s’agisse des deux préludes profanes comme de l’Aria final.
Si la musique de Jehan Alain ne s’avère, certes, pas toujours facilement accessible, les émotions qu’elles suscitent touchent, cependant, l’âme inexorablement. Mondes intérieurs et apothéoses vertigineuses alternent sans heurts comme autant de méditations sur le sens de la vie et de nos existences. C’est cette complexité qui se trouve parfaitement rendue dans ce remarquable enregistrement avec des œuvres qui méritent d’être plus connues. Ce à quoi contribue assurément cette très belle interprétation de Thomas Monnet.

"Robert Schumann - L'hermaphrodite", Laurianne Corneille, piano, CD, Klarthe éditions, 2020.
 

Le dernier enregistrement de pianiste Laurianne Corneille intitulé « L’hermaphrodite » débute par quelques accords d’une sombre sérénité, celle délivrée par Robert Schumann dans les « Chants de l’aube », l’une de ses dernières compositions alors que la raison du brillant compositeur s’est déjà éloignée de lui. Profondeur et introspection n’empêchent pas cependant quelques éclairs subreptices parfaitement suggérés par l’interprétation délicate de la talentueuse pianiste.
Cette dernière a choisi pour titre de son enregistrement la fameuse figure de la mythologie grecque, réunion des contraires à jamais séparés sur volonté de Zeus. Ambiguïté et entité double structurent également la poésie du « Doppelgänger » chez Schumann où l’homme, suivant le poète Heinrich Heine, peine à retrouver l’unité idéale, celle à jamais perdue. Ne se désignait-il pas alternativement Eusebius, personnage rêveur, ou encore Florestan, l’exalté ? Si ces fractures intéressent au plus haut point la psychanalyse (lire le passionnant article « Le Dit et le Non-Dit dans la musique de Robert Schumann » de Bruno Gousset et Véronique Beldent), elles ont également nourri les plus belles pages de la musique du XIXe siècle léguées par Robert Schumann, ainsi que le démontre brillamment Laurianne Corneille dans cet enregistrement, faisant preuve, elle aussi, d’une puissante force expressive n’occultant en rien une sensibilité extrême dans les passages les plus méditatifs.
Fougue et élans passionnés caractérisent à l’inverse les « Kreisleriana », pièces de jeunesse de Schumann alors que le compositeur n’avait pas encore 30 ans. Même si le cycle est dédié au grand Frédéric Chopin, c’est l’amour pour Clara qui inspira chaque note de cet élan impétueux si bien interprété par Laurianne Corneille.
Cette quête improbable de réunion des contraires avait été tentée par Schumann par l’invention d’un troisième personnage, RaRo, une résilience malheureusement insuffisante pour le sauver du gouffre et que cet enregistrement sublime de la plus belle des manières.

À noter également, enfin, le beau travail d’ouverture réalisé par Laurianne Corneille afin d’élargir à d’autres horizons avec des bonus convoquant des textes de Roland Barthes ainsi qu’une ouverture sur l’art japonais Kintsugi réunissant ce qui a été brisé…
 

"The Sound of Trees", Orchestre de Picardie, Arie van Beek, Julien Hervé, Yan Levionnois ; Oeuvres de Claude Debussy, Camille Pépin, Lili Boulanger, CD, NoMadMusic, 2020.
 

Un environnement suggérant quelques évocations extrêmes orientales, l’omniprésence du végétal, un rayonnement subit qui irradie cette clairière musicale, il n’en faut pas plus pour alerter le mélomane qu’avec « The Sound of Trees », c’est une création musicale remarquable qui est avec cet enregistrement proposée par Camille Pépin, compositrice en résidence de l’Orchestre de Picardie depuis 2018.
Le dialogue enchanteur et singulier entre la clarinette de Julien Hervé et le violoncelle de Yan Levionnois intime à cette œuvre un rythme soutenu dans ces passages les plus intenses, tout en ménageant des instants d’une rare introspection. Cette interaction complice entre les solistes et l’Orchestre de Picardie ménage de délicieuses surprises, impression de fondus subrepticement interrompus par des fulgurances étonnantes des deux instruments manifestement enchantés.
Après cette belle découverte que le mélomane aura hâte de découvrir en concert, le programme se fait plus classique avec Claude Debussy et cet Hommage à Rameau – Images pour piano Série 1 dans une orchestration Camille Pépin. Cette dernière ne cache pas le legs qu’elle doit à Debussy pour sa propre musique et cet amour partagé pour une nature transcendée par la poésie dans la musique. Aussi n’est-il pas étonnant que cette orchestration d’une œuvre à l’origine pensée pour le piano soit des plus réussies, à un point tel que l’oreille est ravie d’une telle spontanéité et d’un esprit à tout point préservé de l’inspiration originale.
Camille Pépin s’est également attachée à rappeler l’importance souvent méconnue de l’œuvre de Lili Boulanger (1893-1918), et cette orchestration « D’un soir triste » est particulièrement saisissante pour une œuvre d’une artiste morte à l’âge de 24 ans… La force expressive de l’œuvre impose une méditation sur le thème de la mort, prescience possible de sa propre fin.
L’Orchestre de Picardie dirigé par le talentueux Arie van Beek livre avec cette interprétation un exemple convaincant non seulement de sa qualité artistique, mais également de la belle sensibilité qu’il a à cœur de partager à son auditoire.

« Jean Cartan - Partir avec un idéal », Kaëlig Boché (ténor) et Thomas Tacquet (piano), CD Hortus, 2020.
 

Voici un bel et fort intéressant enregistrement invitant à la découverte d’un artiste trop peu connu voire méconnu, Jean Cartan, contemporain d’Olivier Messiaen et Maurice Duruflé, avec qui il fit ses classes au Conservatoire de Paris au milieu des années 1920. Si de nos jours, sa musique n’est guère appréciée que de rares amateurs, cet élève de Paul Dukas avait pourtant éveillé la curiosité de ses contemporains pour son exigence et la force de son idéal qu’il évoquait en ces termes : « Pour l’artiste, ce n’est pas une qualité que la force, c’est un devoir. Tant d’esclavages nous attendent : l’argent, le public, la tradition, la mode ; il faut tout dominer. Il faut avoir cette conviction que les éléments seront ce que nous voudrons qu’ils soient. Partir avec un idéal et se dire que tout sera bon sur la route qu’il faut suivre… »
Enlevé précocement à l’âge de 25 ans par la tuberculose, les œuvres réunies à l’occasion de cet enregistrement par Kaëlig Boché et Thomas Tacquet offrent un aperçu de ses qualités musicales et artistiques, la littérature et la musique étant intimement associées dans ces compositions. Revendiquant l’héritage de Stravinsky et de Debussy, ce jeune homme exigeant fit preuve d’une maturité étonnante si l’on considère qu’il décida dès l’âge de 14 ans de se consacrer à la composition musicale et qu’il s’éteindra une dizaine d’années plus tard.
L’attirance portée à la poésie de François Villon inspire les premières pièces de cet enregistrement, une composition qui suit l’écriture du facétieux poète dans ses méandres parfois obscurs et dramatiques. Les « cinq poèmes de Tristan Klingsor » ne sont pas sans rappeler l’univers de Claude Debussy et de Maurice Delage. Miroitements, sombres évocations et réminiscences ponctuent cette musique manifestement portée par la justesse de l’interprétation de Kaëlig Boché. C’est encore la littérature qui inspire ces deux sonnets de Mallarmé, une composition plus mûre et qui se fait l’écho de la poésie mallarméenne, ce poète jugé parfois hermétique et qui estimait pourtant devoir « Tout reprendre à la musique »… Ravissement également pour cette tout autre ambiance avec cet « Hommage à Dante », une pièce pour laquelle le pianiste Thomas Tacquet souligne l’intériorité et la richesse du compositeur, en un équilibre parfois fragile entre pénombre et lumière, à l’image de la grande œuvre du maître florentin.
Un enregistrement hors des sentiers battus et exigeant servi par des interprètes inspirés. Une belle découverte.

« Vivaldi, I’Colori dell’Ombra », Ophélie Gaillard (violoncelle et direction musicale), Pulcinella Orchestra, 2 CD, AparteMusic, 2020.

C’est l’attraction de la « couleur » qui a inspiré ce bel enregistrement consacré Antonio Vivaldi (1678-1741), un tableau en effet réservé à l’étonnante diversité musicale dont fit preuve il Prete rosso, le prêtre roux, nommé ainsi en raison de la couleur de sa chevelure. Le concerto, selon Vivaldi, s’accorde à merveille à cette démonstration, cette forme musicale mettant idéalement en avant le violoncelle, l’instrument de prédilection d’Ophélie Gaillard. C’est d’ailleurs son violoncelle d’origine vénitienne qui a piqué la curiosité de la talentueuse musicienne, cherchant ainsi à percer les mystères de son incroyable voix. Vivaldi s’imposait bien sûr, cet ambassadeur de la Sérénissime, qui sut si bien attirer les charmes de la lagune, les couleurs des Palazzi, l’aspect soyeux des nuages sur l’onde dans ses plus belles compositions. Indissociable de Venise, Vivaldi ne lasse pas tant son répertoire fécond parvient à renouveler avec chaque œuvre cette expérience unique d’une île surgie d’un rêve. Aussi Ophélie Gaillard a-t-elle souhaité débuter cet enregistrement par le concerto RV 416, quelques notes et un unisson des cordes pour une entrée en matière énergique, hymne à la lumière irradiant majestueusement les canaux. Le compositeur sait aussi convoquer de beaux dialogues tel celui des deux violoncelles en solo pour le concerto RV 531, l’instrument d’Ophélie Gaillard rayonnant manifestement de retrouver cette musique qui l’a vue naître (1737) et celui d’Atsushi Sakaï se faisant l’écho alerte d’une composition expressive, notamment dans ses instants plus méditatifs. Subrepticement, des réminiscences des fameuses Quatre Saisons surgissent parfois au détour d’un canal, à l’image des reflets de quelques nuages sur l’onde immaculée. Les couleurs de Venise alternent et ne se ressemblent, tel ce concerto RV 575 unissant deux violons et deux violoncelles en une ode énergique à la majesté de la Sérénissime. Nombreuses seront les découvertes - et bien sûr les couleurs – de ce très bel enregistrement, ainsi l’accompagnement réservé au superbe basson de Javier Zafra ou encore cet enchevêtrement mélodieux de la voix et du violoncelle avec Lucile Richardot et Delphine Galou qui témoignent une fois de plus de l’éclat de la musique de Vivaldi.
 

"Modernisme", Direction : Bastien Stil ; Violon : Sarah Nemtanu ; Orchestre Symphonique National d'Ukraine, CD, Klarthe, 2019.

C’est une sombre et belle « Ballade » qui ouvre ce disque intitulé « Modernisme » avec cette œuvre de Boris Liatochinski (1895-1968), un compositeur peu connu de ce côté-ci de l’occident mais dont l’interprétation proposée, ici, par l’Orchestre Symphonique National d’Ukraine sous la direction de Bastien Stil ne peut que captiver. En effet, par-delà les motifs musicaux exprimant une certaine fatalité du destin avec un ostinato introduit dès les premières notes et qui ne cessera de surgir régulièrement, l’œuvre cristallise l’étonnante effervescence en musique et dans les arts rencontrée depuis la révolution d’Octobre et l’ouverture vers la modernité. Cette œuvre composée en 1929, période trouble en Union soviétique, trahit cependant les doutes et questionnements de l’artiste, à l’égal de nombre d’entre eux subissant les terribles purges staliniennes comme l’exprimera quelques années après le poète Ossip Mandelstam avec l’issue fatale que l’on sait. De cette pénombre surgit la beauté lumineuse du violon, celui de Sarah Nemtanu, chant à la fois plaintif et suggérant subrepticement quelques espoirs, en vain…
Le jeune pianiste et compositeur franco-ukrainien Dimitri Tchesnokov (1982) dont le Concerto pour violon et orchestre op. 87 a été retenu pour cet enregistrement étonnera et ravira le mélomane pour son étonnante maturité. Intégrant l’héritage de ses aînés nés sous le régime soviétique, la modernité trouve une fois de plus de nouvelles possibilités d’expression en un accord subtil entre classicisme et innovation. Le violon sous l’archet de Sarah Nemtanu livre en certains passages des soliloques poignants qui permettent à la talentueuse violoniste de déployer toute sa virtuosité et sensibilité. Point d’orgue, enfin, l’incontournable Dmitri Chostakovitch (1906-1975) et sa Symphonie n° 1, œuvre de jeunesse qui lui valut un succès immédiat en 1926. Cette œuvre séduisante par sa fraîcheur tient en son sein toutes les promesses et audaces de son auteur, l’un des maîtres de son siècle. Avec cette œuvre, l’Orchestre Symphonique National d’Ukraine livre une interprétation magistrale, où chaque partie se saisit de l’originalité de la symphonie pour proposer flamboyance et lyrisme, en contrepoint du jeu du violon, tour à tour facétieux et fascinant. 

« Incantation » Virgil Boutellis-Taft (violon), Royal Philharmonic Orchestra sous la direction de Jac van Steen, CD, Label Aparte, 2020.

C’est l’incantation qui se trouve au cœur de ce bel enregistrement inspiré, conçu par le talentueux violoniste Virgil Boutellis-Taft et le Royal Philharmonic Orchestra sous la direction de Jac van Steen pour le label Aparte. L’incantation vient du latin incantare, enchanter. Ce mot alterne entre une dimension magique où justement l’enchantement n’est jamais loin, et une dimension religieuse lorsque l’action agit avec force vers ou par le divin. Profane, sacré, les frontières sont toujours ténues et ce fil directeur servira de vibration subtile à la pointe de l’archet de Virgil Boutellis-Taft pour les pièces retenues telle l’émouvante « Kol Nidrei » du compositeur allemand Max Bruch créée pour la communauté juive de Liverpool initialement pour violoncelle et orchestre. Le violon se fait alors prière implorante tel le chant psalmique adressé au Dieu d’Israël.
La chaconne du violoniste et compositeur italien de la fin du XVIIe et début XVIIIe Tomaso Antonio Vitali subjugue et hypnotise le mélomane par son thème d’une étonnante modernité et que Virgil Boutellis-Taft sublime par son interprétation à la fois virtuose et sensible.
La célèbre Danse macabre de Camille Saint-Saëns, quant à elle, envoûte et transporte dans l’univers médiéval par un thème ayant inspiré légendes et récits merveilleux.
Tchaïkovski et sa Sérénade mélancolique, op. 26, dédiée au violoniste virtuose Leopold Auer en 1875, métamorphose, enfin, l’incantation en un chant plaintif où le violon enchanteur de Virgil Boutellis-Taft (un Domenico Montagnana Venise 1742) convoque sentiments et thème slave en un touchant dialogue avec l’orchestre brillamment conduit par Jac van Steen.
Ce bel enregistrement se conclut par une plaisante surprise avec « Yumeji’s Theme » du compositeur japonais Shigeru Umebayashi, tiré du film « In the Mood for Love » du réalisateur Wong Kar-Wai la dernière incantation d’un amour inavoué…

FRANZ SCHUBERT (1797-1828) – WINTERREISE / VOYAGE D’HIVER D911 - Transcription pour Baryton et Quatuor à Cordes par Gilone GAUBERT ; Alain Buet, Baryton ; Quatuor Les Heures Du Jour Gilone Gaubert-Jacques, Violon / David Chivers, Violon / Sophie Cerf, Alto / Emmanuel Jacques, Violoncelle, CD, MUSO, 2020.

Le cycle du Voyage d’hiver ou Winterreise compte parmi les compositions notoires de Schubert pour le lied. Servi par l’admirable voix du baryton Alain Buet dont le talent n’est plus à présenter, c’est à un véritable paysage musical auquel est convié le mélomane. La surprise vient de l’accompagnement d’un quatuor à cordes et non du traditionnel piano. La violoniste Gilone Gaubert a en effet tout spécialement transcrit pour cet enregistrement ce cycle de lieder passé à la postérité pour deux violons, alto et violoncelle, une autre manière de concevoir cette évocation reposant sur les poèmes de Wilhem Müller où le drame se dispute à la solitude.
Cette nouvelle transcription apporte couleurs et ambiance et renouvelle ainsi avec une belle sensibilité cette œuvre pourtant familière. Délaissant l’intrication étroite de la voix et du piano, les instruments à cordes suggèrent de nouveaux rapports à l’œuvre, ouvrant de nouvelles perspectives auxquelles la voix se doit de s’adapter. Plus que le changement de timbre, ce sont les multiples variations musicales apportées par les cordes qui séduisent – et parfois déconcertent – le mélomane. On se surprend alors à porter son attention sur telle note soutenue par les violons, telle basse du violoncelle. Ainsi, « Wasserflut » par exemple cristallise les larmes du poète en communion avec la neige dont la langueur des cordes accentue encore la tristesse romantique vers la maison de la bien-aimée. Quelques lueurs d’espoir égaient ce sombre paysage avec ce « Rêve de printemps » où Alain Buet livre toutes les subtilités de la poésie du lied alors que les instrumentistes suggèrent, en autant de nuances, la gaieté espérée…
La séduction opère spontanément, il est rare de redécouvrir avec autant de plaisir une œuvre familière, et c’est tout le mérite de cet enregistrement que de nous encourager à de nouvelles impressions, surtout lorsqu’elles sont si joliment réussies !

"Bach, Liszt, Widor" Jae-Hyuck Cho (orgues Cavaillé-Coll La Madeleine Paris), CD, Évidence, 2019.

L’organiste Jae-Hyuck Cho a littéralement ébranlé les murs de l’Église de La Madeleine lors de cet enregistrement inspiré et joué sur le magnifique Cavaillé-Coll datant de 1846. Les grands maîtres de la musique pour orgue ont été convoqués pour ce programme avec l’incontournable, mais néanmoins indispensable Toccata and Fugue in D minor, BWV 565, de Jean-Sébastien Bach ; Une œuvre pour orgue qui permet dès les premières notes de constater toute la passion et l’émotion du jeune organiste d’origine coréenne. Bach résonne dans toute la limpidité de sa virtuose composition, une puissance à même de confondre les orgues les plus délicates, celles de La Madeleine répondant pleinement aux exigences de ce morceau de bravoure, notre organiste tout autant !
Comme interlude plus paisible a été retenue la délicate Sicilienne inspirée de Bach de Charles-Marie Widor, offrant pour sa part d’apprécier la finesse des jeux flûtés avant sa propre grande œuvre, la majestueuse et sculpturale Toccata de la Symphonie pour orgue nᵒ 5 en fa mineur, Op. 42, No. 1. Ici, Jae-Hyuck Cho démontre et laisse s’exprimer toutes les nuances de son jeu à la fois puissant et majestueux, sans emphase excessive, mais avec la rigueur qui sied à une telle œuvre pourtant si jouée, mais que l’on a tout de même grand plaisir à redécouvrir avec cette belle interprétation.
On oublie trop souvent que Franz Liszt, en plus d’être le virtuose que l’on sait au piano, était un fervent organiste, instrument sur lequel non seulement il excellait, mais auquel il a consacré de grandes pages dans ses compositions telle cette admirable Fantaisie et fugue sur un thème B-A-C-H. En un respectueux rappel du Cantor qui avait initié son art de la fugue à partir des quatre lettres de son nom ( BACH / si bémol ; la ; do ; si), Liszt développa cette inspiration première en une composition passionnée qui sollicite tous les registres des orgues de manière tumultueuse, ainsi que l’a parfaitement compris et rendu Jae-Hyuck Cho. L’ensemble de l’espace est couvert par cette musique prenante, les orgues de La Madeleine semblant avoir gardé le souvenir des jours où Liszt s’assit à cette même tribune pour en faire retentir tuyaux et claviers…
Après une pause délicatement méditative à partir d’une œuvre du compositeur d’origine coréenne Texu Kim, cet enregistrement se conclut par une autre grande œuvre de Liszt pour orgue, l’élégante et raffinée Fantaisie et Fugue sur un choral de Bach « Ad nos, ad salutarem undam », S 259. Une œuvre qui ne cessa d’éblouir ses contemporains tel Saint-Saëns, et les amoureux de l’orgue encore de nos jours, grâce au talent et à la délicatesse de son interprète pour ce bel enregistrement, Jae-Hyuck Cho.
 

Post-Scriptum Marina Chiche (violon) & Aurélien Pontier (piano) CD, NoMadMusic, 2020.
 

La violoniste Marina Chiche, accompagnée du pianiste Aurélien Pontier, signe un bel enregistrement en forme de Post-scriptum en hommage aux grands violonistes que furent Heifetz, Oïstrakh ou encore Stern. Ce programme a tout d’abord été souhaité afin de rappeler cette époque révolue de grands violonistes impliqués dans leur art au point d’en avoir été souvent à l’origine de formidables transcriptions et autres arrangements passés depuis, pour bon nombre, à la postérité. On l’a compris, ce n’est pas un exercice de virtuosité pour la virtuosité qui a, donc, été retenu – même si celle-ci est souvent présente dans certaines œuvres choisies. La priorité a été donnée à la couleur, à cette matérialité du son perceptible dès les premiers morceaux retenus notamment dans « Guitare » de M. Mozskowski / P. de Sarasate, ou encore empreint d’une certaine nostalgie pour « Daisies » de Rachmaninoff dans un arrangement de Heifetz.
C’est en effet le sentiment d’un monde à jamais révolu qui pointe dans l’interprétation sensible livrée par les deux musiciens, Marina Chiche ne cherchant pas pour autant à conférer à cet enregistrement un aspect suranné. A l’image des enregistrements historiques, le violon se déploie avec une liberté certaine, et dont la légèreté laisse une part d’insouciance maîtrisée que les concerts modernes écartent la plupart du temps. Le temps d’une valse à Vienne avec Godowsky ou encore des fameux Plaisirs d’amour (Liebesfreud) interprétés si souvent par Kreisler lors de ses bis en concert, c’est bien un temps retrouvé qui surgit de ce bel enregistrement plaisant et enjoué.

« Vienne – Le Monde d’Hier » de Sharman Plesner (violon) et David Levi (piano), CD, Pierre Verany, 2019.
 

Envie d’une valse viennoise ? De doux accords tourbillonnants de crinolines et soieries festives ? Alors le dernier enregistrement « Vienne – Le Monde d’Hier » de Sharman Plesner (violon) et David Levi (piano) comblera les plus exigeants avec un programme conçu avec une insouciance délicieuse… C’est l’univers du roman de Stefan Zweig « Le Monde d’Hier » qui sort tout droit des vibrants et chaleureux accords du violon de Sharman PLesner. La talentueuse violoniste a fait choix d’évoquer ce monde à la fois insouciant et inégalitaire avec pour introduction obligée le fameux « Beau Danube bleu » de Johann Strauss. Mais la nostalgie s’immisce dans cette société pourtant jusqu’alors opulente et insouciante, celle d’avant la Première Guerre mondiale, une poignante douleur suggérée par cette « Valse triste » d’Oscar Nebdal, comme un rappel que tous nos plaisirs ne sont qu’éphémères et voués à disparaître, tôt ou tard… L’écrivain autrichien exilé avait ainsi souligné cette perte alors que tout jusqu’alors semblait établi et préservé. C’est cette alternance qui rythme les pièces retenues par nos deux musiciens complices, manifestement inspirés par ces évocations. Schubert et son « Moment musical », Kreisler et sa « Marche miniature viennoise » rappellent ces heures glorieuses alors que « Traüme » de Wagner laisse poindre quelques accents plus sombres inspirés par ses amours contrariées avec Mathilde Wesendonck, accents d’un monde proche du trépas. Gustav Malher, enfin, et son si poignant « Adagietto » vient confirmer ce sombre pressentiment.
Une interprétation idéalement rendue par Sharman Plesner et David Levi évitant tout pathos et offrant un témoignage sensible et inspiré, à l’image de l’ensemble du disque.

Mozart | Clarinet Works Julien Hervé, Rotterdam Philharmonic Orkest, CD, NoMadMusic, 2019.

Le clarinettiste Julien Hervé est parti à la rencontre d’une œuvre emblématique pour son instrument, le fameux Concerto pour clarinette K.622 de Mozart. Une rencontre qui a donné lieu à un enregistrement sensible et décomplexé, le musicien faisant preuve pour cette œuvre quelque peu intimidante d’une fraîcheur et d’une interprétation sans rigidité. Retenant un instrument moderne (bénéficiant d’une tierce majeure dans le grave ajoutée) offrant manifestement toutes les nuances que souhaitait instiller le clarinettiste pour cette œuvre, Julien Hervé parvient à illustrer la richesse qui fut pour Mozart lui-même le plus bel hommage qu’il souhaita rendre à cet instrument qui le fascina très tôt. C’est cette même richesse facétieuse qui retint en effet le jeune compositeur pour un nombre sans cesse croissant de ses œuvres, opéras, musique de chambre, concertos… Une musique de chambre justement retenue avec cette deuxième œuvre - le non moins célèbre Quintette avec clarinette K. 581 - en compagnie de Gordan Nikolic et Goran Gribajcevic (violons), Roman Spitzer (alto) et Céline Flamen (violoncelle). L’œuvre irradie la richesse chromatique de l’instrument en déployant un bel éventail de nuances, chacune en résonance avec les autres instruments en une complicité mutine. L’instrument gagne avec Mozart son statut d’instrument soliste, ce que démontre parfaitement l’interprétation toute en finesse de Julien Hervé, soulignant ici quelques passages délicats et introspectifs, ou là, la virtuosité la plus débridée. La complicité est manifeste avec le Rotterdam Philharmonic Orchestra dirigé par Gustavo Gimeno, et une entente sensible avec les autres musiciens. Un bel hommage rendu par Julien Hervé à son instrument et au grand Mozart !

« Enrique Granados », Myriam Barbaux-Cohen (piano Bechstein), Ars Produktion, 2019.

Cet enregistrement consacré au compositeur Enrique Granados, compositeur trop peu aujourd’hui interprété, débute par un univers soyeux et intimiste avec ce Libro de Horas, une musique empreinte de délicatesse et de paysages crépusculaires. Cette musique d’une intériorité recueillie résonne avec plus de gravité si l’on songe à la disparition tragique du compositeur espagnol dont le bateau fut torpillé ; alors qu’il rejoignait son canot de sauvetage, il vit sa femme en difficulté mais se noya avec elle en lui portant secours…
Mais le programme conçu par la talentueuse pianiste Myriam Barbaux-Cohen réserve aussi des pages plus légères comme ces Cartas de Amor : Valses intimos, des airs à la douce élégance, dans le style hispanique. Ces petites miniatures offrent de belles surprises entre ambiance « dolente » et fugacité de la passion. Myriam Barbaux-Cohen parvient à rendre avec subtilité ces différents affects sans contrastes exacerbés, mais avec grâce et harmonie comme pour ces pièces tirées des livres 1 et 2 des Escenas Poeticas, des pièces qui s’inscrivent dans la modernité au début du XXe siècle tout en puisant aux racines de la musique espagnole populaire. La pianiste excelle également dans les pages plus virtuoses des Valses poeticos, sans jamais perdre cette poésie intimiste qui s’inscrit en filigrane tout au long de ces différentes pièces à l’esprit galant sans en exclure un certain humour. Séduction immédiate, encore, pour cet Allegro de Concierto remarquablement interprété, alternant accents romantiques lisztiens manifestes et intériorité hispanique, avant de conclure par la Danzas Espagnolas n° 2 oriental, une pièce saisissante par la nostalgie sentimentale qu’elle insuffle et venant terminer ce bel enregistrement.
 

Noémi Boutin / Quatuor Béla Sur Vestiges D’Adamo, Schubert Quintette à cordes en ut majeur, CD, NoMadMusic, 2019.
 

Voici un bien beau et singulier enregistrement qui a privilégié un dialogue subtil entre les époques, sans heurts ni fracas, mais selon une sensibilité commune à la talentueuse violoncelliste Noémi Boutin et au Quatuor Béla. C’est une pièce commandée au compositeur Daniel d’Adamo « Sur Vestiges » qui sera en contrejour du célèbre Quintette à cordes en ut majeur de Franz Schubert. Déploiements sonores et visuels gagnent dès les premières minutes. Sur scène, ce que ne rend - bien entendu, pas le CD, la violoncelliste faisait face seule au public alors que le quatuor est au second plan dans la pénombre. Dialogues, joutes instrumentales et répliques fournissent alors aux musiciens une nouvelle approche de la musique de chambre, plus détachée de l’héritage du XIXe siècle, sans pour autant le renier. Face à cette œuvre de Daniel d’Adamo, puissante et architecturalement dense, le Quintette à cordes en ut majeur de Schubert déploie en une tension commune ses propres accents, des accents sombres parfois. La richesse des variations harmoniques parfaitement rendues par Noémi Boutin et le Quatuor Béla emporte conviction, en une véritable osmose et concertation. L’énergie dont font preuve les musiciens du début jusqu’au terme de cette oeuvre qui fait un peu moins d’une heure manifeste l’aisance avec laquelle ils abordent ce répertoire exigeant. Un disque original et pensé, servi par un enregistrement de qualité.

Franz Schubert - Sonatas & Impromptus, András Schiff (pianoforte), 2 CD, ECM 2535, 2019.
 

Sous les doigts d’András Schiff, la musique de Franz Schubert retrouve son charme originel, comme si nous écoutions ces œuvres pour la première fois ! D’où vient cette fraicheur originelle ? Cet enregistrement du label ECM que nous livre le talentueux et inspiré pianiste a été réalisé sur un instrument d’époque, un pianoforte Franz Brodmann datant de 1820, avec ses quatre pédales et six octaves pour des nuances mélodiques que les pianos modernes ne permettent point. Le premier disque ouvre sur les quatre impromptus D 899, une musique toute en nuances et délicatesse, aux accents introspectifs parfois, plus démonstratifs par ailleurs. Le pianiste sait à merveille rendre la profondeur de ces petits tableaux musicaux qui doivent tant à l’influence manifeste du grand Beethoven pour lequel Schubert avouait : « Secrètement, j’espère être capable d’accomplir quelque chose par moi-même, mais qui peut faire ainsi après Beethoven ? »…
À l’opposé, la Sonate pour piano nº 19 D 958 est l’aboutissement en quelque sorte du parcours du compositeur puisque l’œuvre fut achevée quelques mois seulement avant sa mort. Des accents dramatiques alternent avec quelques réminiscences plus légères, l’élégance avec des notes sombres, pour une rare profondeur et expressivité des sentiments. Schubert accomplit avec cette œuvre une boucle en y rappelant ainsi ses influences manifestes de jeunesse, mais des influences totalement réinterprétées par l’art du compositeur en une tout autre dimension. Ce sont toutes ces inspirations, influences et nuances que révèle András Schiff dans ce très bel enregistrement inspiré.
 

« Come Sorrow » Ensemble Près de votre oreille, CD, label Paraty, 2019.

Parcourir l'univers de la Renaissance anglaise est toujours une invite singulière tant la sensibilité mélodique et harmonique des compositeurs du règne élisabéthain est particulière, et diffère en partie de celle de leurs contemporains continentaux, tout en s'inscrivant et en se nourrissant de l'héritage de la musique italienne. Ici, c'est un corpus équilibré de belle facture, avec vingt pièces de Robert Jones, John Dowland, Alfonso Ferrabosco le jeune et Tobias Hume que le tout jeune Ensemble Près de votre oreille visite avec talent, grâce et expressivité. Portés par le luth subtil de Thibaut Roussel, et le jeu empreint de lyrisme de Robin Pharo à la viole de gambe, les inflexions limpides et amples d'Anais Bertrand et Nicolaas Brooymans délivrent des interprétations soignées de bout en bout, bien loin d'une simple exposition érudite. Habités d'entrain ou de langueur, nos quatre compagnons donnent le ton juste et la maîtrise de chacun n'a d'égal que leur plaisir partagé. Ce pour le plus grand bonheur tant des néophytes que des mélomanes plus avancés. Un ouvrage généreux que chacun appréciera pour sa belle tenue, sa richesse musicale et son répertoire témoin de l’âge d'or de l'Angleterre de Shakespeare. Un opus réussi.

Jean-Paul Bottemanne
 

Tango Suzanna Moncayo et Diego Vila label La Musica 2019.

TANGO ! Au travers de ce florilège de quinze morceaux des plus grands compositeurs de l'identité musicale emblématique de l'Argentine, Suzanna Moncayo au chant et Diego Vila au piano nous invitent à une immersion dans un univers empreint de grandeur d'âme, dont ils se font ici les chantres captivants. L'entrée en matière théâtrale sur Naranjo En Flor donne le ton par une mise en perspective suggestive, visuelle et entraînante qui ne se dément pas tout au long de l'album et ne peut laisser indifférent. Les accents de la très belle voix de notre mezzo-soprano s'imposent avec une richesse grisante dans les graves et imprègnent une interprétation habitée, soignée et maîtrisée. Souffle souligné par les doigts de fée virevoltants de Vila, révélant la suavité des harmonies dans un écrin de rythmes lancinants. Ainsi, que ce soit dans Chiquilin de Bachin de Piazzolla, Oro Y Plata de Charlo, ou bien encore La Ultima Curda de Troilo- mais aussi dans les autres pièces, les chromatismes chaloupent, les émotions affleurent, la poésie danse et s'égrène avec sensualité. Et tel un voyage nocturne, nos deux comparses nous emmènent à l'unisson dans le cœur intemporel du tango pour le grand bonheur de l'auditeur.

Jean-Paul Bottemanne

Coffret Rossini Edition (50 cd) Warner Classics, 2018.

Un coffret pour (re)-découvrir tout ou presque Rossini à l’occasion du 150e anniversaire de la disparition de cet incontournable compositeur italien (1792-1868). Facétieux, jouisseur, les qualificatifs fusent lorsqu’il s’agit de qualifier l’auteur d’opéras entrés dans la légende. Qui n’a en effet jamais entendu ne serait-ce qu’un air du Barbier de Séville telle la délicieuse aria "Una voce poco fa", les ouvertures de Guillaume Tell ou de La cenerentola sans oublier sa non moins fameuse Pie voleuse ? Warner Classics va littéralement combler les mélomanes avec ce splendide coffret de 50 CD proposant 13 opéras du compositeur que l’on a pu également qualifier de « génial paresseux » et qui signera tout de même pas moins de 40 opéras en vingt-cinq ans ! Nous retrouvons dans des enregistrements passés à la postérité Le Barbier de Séville, la Cenerentola, Semiramide, Guillaume Tell… avec Maria Callas, Cecilia Bartoli, Anna Netrebko, Ruggero Raimondi, Nicolaï Gedda et dirigés par Claudio Scimone, Gabriele Ferro, Mark Minkowski… Aux côtés de ces incontournables, des récitals dont celui de Joyce DiDonato et des raretés introuvables par ailleurs de Rockwell Blake, le légendaire Gala Rossini enregistré à New York en 1992 pour le bicentenaire de sa naissance. On y retrouve, enfin, les célèbres Stabat Mater, Messa di Gloria, Petite Messe solennelle, les Sonates pour cordes, enregistrés par le regretté Claudio Scimone et son ensemble I Solisti Veneti, et des pièces pour piano par Aldo Ciccolini. Avec ce coffret Rossini Edition, c’est donc une édition anniversaire la plus complète possible que propose Warner Classics, ce réformateur de l’opéra italien qui sut briser les codes de son temps pour offrir une musique riche de l’énergie qui l’animait.

Les Surprises : Mysterien Kantaten, Buxtehude | Pachelbel | Bruhns, Ensemble Les Surprises, Louis-Noël Bestion de Camboulas, direction, CD, Ambronay Editions, 2018.

L’Ensemble Les Surprises fondé par Juliette Guignard et Louis-Noël Bestion de Camboulas n’a jamais aussi bien porté son nom avec ce dernier enregistrement. Agréables découvertes en effet que ces Mysterien-Kantaten ouvrant par une admirable chaconne de Pachelbel afin de mieux introduire à cet univers musical. Buxtehude livre avec le Klag Lied une évocation douloureuse en mémoire de son père défunt. Nous sommes ici dans la délicatesse des émotions tendues au fil de notes en suspension, tristesse sublimée par des accords subtils, voire dissonants. Autres couleurs avec l’œuvre de Bruhns qui part des tréfonds de l’âme avec ce rappel du Psaume De profundis clamavi, des profondeurs je crie vers Toi Seigneur… Si le thème n’est pas des plus joyeux, l’espérance du psalmiste perce cependant dans la désolation, un cri magnifié par le jeu tout en finesse des musiciens et l’interprétation convaincante du baryton Etienne Bazola. Christoph Bernhard, quant à lui, ami de Buxtehude, est plus connu en tant que théoricien de la musique que compositeur, mais l’œuvre présentée dans cet enregistrement méritera toute l’attention du mélomane. Celui qui fut considéré par Schütz comme l’un de ses meilleurs disciples a su associer harmonieusement dans cette œuvre l’influence italienne à l’héritage du premier baroque allemand légué par Schütz. Œuvre à découvrir, donc, avant l’admirable chaconne de Buxtehude « Herr, wenn ich nur dich habe » du Psaume 73 interprétée avec sensibilité et nuances par la soprano Maïlys de Villoutreys avant la Sonata Prima en la mineur de Reincken, un petit écrin musical où le langage du compositeur trouve à se déployer avec une aisance remarquable malgré le schéma formel qu’il s’impose. Avec cette œuvre, le talent des instrumentistes s’exprime à merveille, violon et alto, basse continue, tout concorde à cet univers soyeux et élégant qui marqua en son temps le jeune Bach. Un CD qui recèle assurément bien des Surprises !

C.P.E. Bach "Voyage Sentimental" Mathieu Dupouy Label Hérisson, CD, 2018.

Voyage sentimental avec Carl Philipp Emmanuel Bach, voilà un beau titre pour transporter le mélomane dans la découverte de ces œuvres interprétées par le brillant claveciniste Mathieu Dupouy sur un rare pianoforte à queue Gräbner datant de 1791, et contemporain, donc, des œuvres présentées… Ce sont des pièces tardives du deuxième fils du grand Johann Sebastian Bach dont il s’agit avec cet enregistrement, œuvres dans lesquelles un romantisme avant l’heure sourd et commence à surgir, discrètement avec certaines couleurs alternant entre classicisme et sensibilité, cette dernière ayant manifestement sa préférence. Le programme souhaité par Mathieu Dupouy avec ces sonates datant des dernières années du musicien se veut un écho à la littérature de Laurence Sterne, l’écrivain britannique auteur du fameux Voyage sentimental à travers la France et l'Italie, et où les digressions du voyageur rencontrent celles du compositeur. Le terme « sentimental », a traversé la Manche pour rejoindre le continent et notamment l’Allemagne avec le succès que l’on sait au siècle suivant, ce Empfindsamkeit dans la langue de Goethe. Cette révolte contre l’omniscience de la raison et la rhétorique révèle aussi d’une certaine manière ce souhait de revendiquer un sentiment national opposé à celui de la France de Louis XV. Dans cet esprit, de nombreux contrastes expressifs vont ainsi marquer ces œuvres n’hésitant pas à passer d’un tempo à l’autre, usant des silences voire des dissonances. Le musicien cherche à capter l’attention de son auditoire, point de musique de salon ici, mais un rapport passionné où les rythmes imprévus rejoignent les troubles de l’âme. Point de galanterie non plus dans ces pages merveilleusement rendues sous les doigts de Mathieu Dupouy manifestement inspiré dans cette intimité avec son instrument, ainsi que dans l’écriture soignée du livret qu’il nous offre également et témoignant de sa culture notamment littéraire. Nous avons avec ce bel enregistrement un héritage sensible et… sentimental ! Un legs laissé par C.P.E. Bach pour les siècles à venir, une manière délicate de souligner combien l’écriture musicale sait dialoguer et « toucher le cœur » comme le souhaitait Frédéric II de Prusse, son commanditaire.

Ryuichi Sakamoto « Async remodels » Milan Music, CD, 2018.

L’album Async enregistré par le talentueux musicien japonais Ryuichi Sakamoto (notre interview) a recueilli un succès international, et c’est en hommage au talent de l’artiste qu’une douzaine de remixes par les meilleurs artistes de l’électro expérimentale ont été réunis dans un nouvel album « Async Remodels » (Milan Music). Partant de ce témoignage très personnel et intériorisé de l’artiste, chaque remixage s’inscrit à la fois dans la ligne épurée de Ryuichi Sakamoto, tout en l’enrichissant par autant de sensibilité et de créativité plurielles. De son expérience intime de la maladie, cet album avait suggéré à Ryuichi Sakamoto des pistes où des accords sombres venaient scander un film imaginaire du réalisateur russe Andreï Tarkovski mort en 1986 et que qu’il appréciait énormément. Ce journal secret reçoit ici un éclairage singulier par cette réunion de talents, et chose remarquable ne se trouve aucunement dénaturé par ces influences aussi différentes et multiples, preuve du génie respecté de Ryuichi Sakamoto par ses confrères. Parfois la florescence des images musicales éclaire agréablement le minimalisme initial tel Fullmoon de Motion Graphics Remix. La nature reste omniprésente, un leitmotiv électronique développé en autant de nuances comme Solari revu par Fennesz Remix, alors que la version de Johann Johannsson de la même pièce ouvre à des paysages oniriques d’une tout autre sensibilité, plus minimaliste. Ces méditations font entrer le mélomane découvrant cet album dans une version plurielle d’une seule et même inspiration, bel exercice au XXIe siècle des variations, paraphrases et autres transcriptions musicales que firent leurs aînés aux siècles précédents !

Chopin 21 Nocturnes, François Dumont, CD, AEVEA/On Classical, 2018.

Dans le répertoire incontournable du piano, l'ensemble des Nocturnes composés par Chopin tout au long de sa vie est un corpus d'une si grande beauté et finesse de par sa grâce, son intensité passionnée, son pouvoir à faire surgir l'émotion, sa virtuosité et sa puissance harmonique et mélodique que tout grand artiste de l'instrument emblématique du Romantisme est certainement appelé à l'aborder à un moment ou un autre.
François Dumont, musicien reconnu, lauréat de nombreux prix internationaux, à la discographie florissante et récompensée notamment pour son intégrale de l’œuvre pour piano de Maurice Ravel parue chez Piano Classics par Télérama et Diapason, s'acquitte dans ce nouvel opus avec délectation, excellence et merveille, de ce pari de nous proposer l'intégrale des Nocturnes réunis dans un double CD par ordre chronologique. Devrions-nous évoquer, distinguer un Nocturne plus qu'un autre que cela serait presque indélicat et spécieux. De bout en bout, la tenue du jeu est irréprochable, le toucher resplendissant, les respirations appropriées. Dumont fait surgir chaque idée, chaque phrase en allant à l'essentiel, se confie à sublimer chaque harmonie avec discernement. Un tout dévoilant un très grand interprète à l'humanité éloquente et poétique, un musicien sincère et clairvoyant dans sa lecture lyrique et simplement délicieuse. Une très grande réussite pour un programme réjouissant que chacun goutera avec délectation et bonheur.

Jean-Paul Bottemanne
 

Les musiciens & la Grande Guerre vol XXV Le Sacrifice, CD, Hortus, 2017.
 

Vingt-cinquième opus de la collection Les musiciens & la Grande Guerre explorant les liens ténus entre la musique et cet évènement mondial qui ébranla les bases de la société de son temps. Le Sacrifice, titre de ce 25e opus, se penche sur ce qu’on a tristement nommé ces « rossignols perdus de la Somme », ces compositeurs, pour la plupart très jeunes et morts sur ce champ de bataille. Cet enregistrement en est un hommage. Cette terrible bataille reste encore de nos jours l’une des plus meurtrières de notre époque, point de guerre éclair en ce début de siècle, où marcher en rang serré sous la mitraille étant encore de mise, comme aux siècles précédents. Une dizaine de kilomètres gagnés par les Alliés pour 420 000 Britanniques, 200 000 Français et 500 000 Allemands tombés sur le champ de bataille… La musique ne pouvait rester insensible à cet abattage et les musiques composées, si elles ne peuvent se faire l’écho de ces massacres, cherchent tout au moins à en dépasser les horreurs, en quête de sens. Le CD ouvre par la bien connue Marche Funèbre de Saul de Haendel, œuvre tristement répétée pour chaque enterrement britannique lors du conflit ; combien ses notes graves et profondes furent-elles gravées au cœur de ceux qui les écoutèrent au quotidien… Le conflit laisse passer de furtifs rayons comme ce Noël en Picardie de Jacques Ibert dont les notes répétées soulignent le caractère inexorable de l’engagement humain dans le plus effroyable conflit. Le compositeur George Wilkinson évoque, quant à lui, une Suzette en 1915 ; une chanson mélancolique annonciatrice de la mort qui l’attendra l’année suivante en 1916, son corps ne sera jamais retrouvé. Reynaldo Hahn tant apprécié de Proust s’engage lui aussi et sert dans la Somme lors de cette guerre sans merci. Le fameux A Chloris se fait l’écho de toute la passion amoureuse que la mort ne saurait réduire, un chant prophétique pour bien des soldats tombés dans la fleur de leur jeunesse et que cet enregistrement des musiciens The Flowers of war sous la direction du violoniste Christopher Latham vient honorer de la plus belle des manières.
 

Debussy, Ravel, Chausson, Quatuor Van Kuijk, Kate Lindsey, CD, Alpha, 2017.

Ravel et Debussy, figures incontournables de la musique française, sont certainement et à juste titre bien connus pour leurs œuvres orchestrales. Pourtant, c’est aussi par le biais du répertoire de la musique de chambre que les accents si particuliers, novateurs et révolutionnaires de leur langage respectif s’expriment pour le plus grand plaisir de tous les mélomanes. Ici, avec bonheur et talent, le Quatuor Van Kuijk - Nicolas Van Kuijk et Sylvain Favre-Bulle aux violons, Gregoire Veccioni à l’alto et François Robin au violoncelle, a souhaité rendre hommage à ces deux maîtres par leurs interprétations toute en finesse du mystérieux Quatuor en Sol Majeur, Opus 10 de Claude Debussy et de l’envoutant Quatuor en Fa Majeur, M.35 de Maurice Ravel. C’est enfin en compagnie de la mezzo-soprano Kate Lindsey et du pianiste Alphonse Cemin pour la Chanson Perpétuelle, Opus 37, petit bijou d’Ernest Chausson que se termine ce joli pèlerinage dans la France musicale entre XIXe et XXe, qui nous emporte aux tréfonds d’un délice certain de par sa fougue ardente.
Debussy, d’abord pour un ensemble soudé ou chaque instrumentiste trouve naturellement sa place au fil des quatre mouvements, participe pleinement à la myriade cyclique et colorée imaginée de bout en bout par le compositeur. L’intensité du jeu sonore est d’une telle densité dans la fusion que le discours musical se tisse, s’étire, s’émaille, s’efface ou bien atteint des sommets sans que jamais, nous ne sentions un quelconque essoufflement. Magie d’une partition d’excellence que nos quatre musiciens rendent avec superbe dans un travail finement ciselé et délicieusement précis : chaque détail, chaque changement, aussi subtil fut-il, prend avec eux toute sa vraie valeur, une des qualités essentielles de l’oeuvre de Debussy.
Ravel ensuite et son quatuor en Fa Majeur composé en 1903, magnifique travail d’un compositeur encore étudiant dédié à son maitre Fauré qui pourtant n’appréciera pas cette œuvre… à l’inverse de Debussy… Rien de surprenant donc que de les voir réunies ici, tant elles partagent un espace commun. L’œuvre se décline selon le schéma traditionnel en quatre mouvements, dans l’alternance sans surprise des tempo attendus. Prétexte de fait pour un voyage au fil mélodique et rythmique continu et superbe avec des thèmes d’une grande beauté réapparaissant dans les quatre mouvements, baignant et nourrissant une œuvre sensuelle et voluptueuse. Ici, encore, comme chez Debussy, Van Kuijk et Favre-Bulle, Vecchioni et Robin nous prennent littéralement par la main, déroulent sans forcer des pages pourtant d’une grande virtuosité, nous emportent dans le tourbillon des lignes, des envolées, des percussions, nous font danser et rêver. Interprétation qui ne peut laisser insensible tant les musiciens semblent toucher du doigt l’essence même de la pièce dans sa totalité.
Chausson enfin et sa Chanson Perpétuelle, avec comme invités Kate Lindsey et Alphonse Cemin pour l’interprétation d’une mélodie qui tranche dans une mise en perspective réussie avec le modernisme impétueux des deux quatuors par une couleur musicale résolument tournée vers le romantisme. Le soin de notre jeune mezzo-soprano à rendre la prosodie du poème de Charles Cros par sa diction fluide et appliquée séduit d’emblée. L’émotion palpable transparaît et souffle avec grâce, le piano d’Alphonse Cemin se glisse et s’unit avec justesse dans le quatuor, permettant à Lindsey d’être accueillie et portée jusqu’au point final dans un écrin cristallin et limpide aux contours justes.
Très belle réussite donc que ce nouvel opus du Quatuor Van Kuijk rejoint par Kate Lindsey et Alphonse Cemin, qui auront su relever avec brio le défi de cette plongée dans l’univers musical français avec trois belles réalisations, empreintes de poésie, d’énergie et de sensualité. Tout simplement grisant.

Jean-Paul Bottemanne

- Philip Glass Glasswords * 5 Enlightenment Nicolas Horvath Grand Piano
- Rääts Complete piano sonatas * 1 Nicolas Horvath Grand Piano
- Satie Complete piano works 1 New Salabert Edition, Nicolas Horvath Grand Piano
 

Nicolas Horvath est un pianiste talentueux de renommée internationale et que ne rebutent ni le travail, ni l’audace et le courage, pour preuve ces trois parutions discographiques qui témoignent non seulement de ce courage éditorial, mais également de l’excellence des interprétations proposées.
Le premier CD est consacré à Éric Satie, et si le mélomane pense avancer en terrain connu avec ce premier volume des œuvres complètes pour piano d’Érik Satie, il devra s’attendre à quelques heureuses et agréables surprises. Pour cet enregistrement, Nicolas Horvath a en effet travaillé avec Robert Orledge, grand spécialiste de la musique de la fin du XIX et début XXe s. C’est un véritable travail titanesque de fond qui a été entrepris sur les manuscrits d’Érik Satie et qui a conduit à une nouvelle édition révisée de ses œuvres pour piano publiée à Milan par Salabert. Curieusement, il s’avère que depuis un siècle un certain nombre d’erreurs – certaines dues à Satie lui-même comme dans la deuxième Sarabande – entachaient les œuvres du musicien et avaient été reprises sans correction depuis. Le musicologue a ainsi plongé au cœur de l’œuvre du compositeur révolutionnant la musique du début du XXe afin de retrouver cette pureté de l’inspiration que Nicolas Horvath illustre avec cet enregistrement réalisé sur le piano Érard de Cosima Wagner (modèle 55613, année 1881) ! Toute l’esthétique du compositeur se trouve magnifiée avec des harmonies nouvelles pour l’époque, qui s’éloigne de la virtuosité pour préférer un nouveau dialogue, plus intime, annonciateur des révolutions artistiques à venir. Nombreuses seront les découvertes dans ce disque telle cette pièce sans titre datant de 1891 et faisant référence au fameux courant Rose + Croix dont le musicien fit partie, il fut même quelque temps le « maître de chapelle » de l’Ordre de la Rose-Croix aux côtés de Joséphin Péladan.

Plus de proche de nous, le deuxième enregistrement est consacré au compositeur Philip Glass ; Philip Glass égrène les notes de ses compositions comme autant de rappel à nos sens engourdis. Cloches, battements, chapelets sonores défilent dans des mélodies épurées que Nicolas Horvath parvient à saisir avec une acuité étonnante dans ce cinquième et dernier volume qu’il a consacré au compositeur. Mad Rush envoute, hypnotise pour ouvrir à de nouveaux paysages, tour à tour suggérés, rapprochés ou simplement entraperçus. 600 lines étonne et ravit par son ascétisme hypnotique, Philip Glass ayant pour cette œuvre travaillée avec Ravi Shankar. Véritable haïku sonore, l’épure fait paradoxalement naître une profusion d’images et de sensations quasi corporelles, mantra acoustique des temps modernes… Dernier clin d’œil de cet enregistrement Philip Glass, la transcription pour piano du compositeur du fameux « The sound of Silence » de Paul Simon…
 

Découverte enfin avec le troisième enregistrement constituant le premier volume de l’œuvre complète des sonates pour piano de Jaan Rääts, compositeur estonien, élève de Nikolaï Rimski-Korsakov, aux réminiscences de Prokofiev… Nicolas Horvath a travaillé avec cet artiste à l’inspiration puissante qui irradie ses œuvres. Accords plaqués et arpèges vertigineux confèrent à cette musique une dissonance postmoderne. Tout est convoqué dans la musique de Jaan Rääts, l’oreille pourra discerner en filigrane de discrètes évocations folkloriques, le compositeur poussera même la curiosité jusqu’à étudier le style de Philip Glass.
Le talent de Nicolas Horvath se joue des difficultés dans cette musique qu’il affectionne manifestement, les ponts entre Satie et Glass avec Rääts transparaissant ici de manière saisissante, et on se laisse volontiers emporter...

« Vers la flamme » Laure Favre-Kahn (pianiste), CD, Naïve, 2017. (sortie le 22 septembre)
 

Avec « Vers la flamme », c’est un cheminement secret et introspectif que nous propose avec nuances et délicatesse Laure Favre-Kahn. Reprenant le titre d’une des pièces de Scriabine proposée au programme de ce disque, la pianiste développe un envol discret allant de pièces élégantes avec ce menuet en sol mineur suite n°1 de Haendel qui débute cet enregistrement avec une pointe de nostalgie à l’image d’un été révolu, jusqu’à l’adagio d’Alessandro Ignazio Marcello dans la transcription qu’en a laissé avec goût Jean-Sébastien Bach. Semblable à un papillon insouciant de la flamme dont il se rapproche, nous vivons comme si nous étions immortels ainsi que le rappelle inlassablement Sénèque, et pourtant certains philosophes tel Nietzsche, et musiciens, tel Scriabine, ont rappelé que nous allions vers la flamme en des visions apocalyptiques, est-ce cette destinée qui nourrit la richesse des interprétations proposées par la pianiste ? Probablement, mais ici sans gravité excessive, ainsi qu’en témoignent le jeu parfaitement maîtrisé de Scarbo de Maurice Ravel et Scènes d’enfants de Robert Schumann, pièces chères à l’artiste depuis ses plus jeunes années. Contrastes, donc, jeux d’ombre et de lumière - encore la flamme ! – entre Funérailles de Franz Liszt, sombre et grave en hommage à la Révolution hongroise écrasée en 1848, et La mort d’Orphée de Gluck soulignant l’éternel amour, celui de la vie, un parcours initiatique, suggéré avec talent par cet enregistrement.

Gaspard Dehaene, Fantaisie, CD, 1001 Notes, 2016.

Consacrer l’ensemble d’un album au genre de la fantaisie pour clavier est une démarche singulière et un choix profitable. C’est ce que nous propose ici Gaspard Dehaene avec un choix d’œuvres emblématiques, Bach et sa fantaisie chromatique et fugue BWV 903, Schumann et sa Fantaisie op.17, Scriabine et sa fantaisie op.28, mais aussi Haydn, Mozart et Chopin. La distribution donnée dans un ordre chronologique rend hommage à ces partitions par une interprétation maitrisée et significative.
Gaspard Dehaene, jeune lauréat de plusieurs concours internationaux, dont le 2e Prix au Concours de San Sebastiàn, le grand Prix du Concours Alain Marinaro et le Prix Annecy Classic Festival, dévoile avec ce deuxième opus sa sensibilité avec une aisance captivante. En fertile explorateur organique, il fait corps avec la résonance chromatique avant de dénouer les lignes complexes de la fugue de Bach, dessine la Fantaisie en do M Hob XVII 4 de Haydn et la Fantaisie en ré m KV 397 de Mozart, embrasse avec passion et fougue puis dépose avec délicatesse le cri d’amour exacerbé de Schumann, vibre avec Chopin, déclame avec incandescence Scriabine. La flamme et l’ardeur, présentes dès les premières secondes, s’amplifient graduellement et l’extraordinaire richesse harmonique de Bach, prémisse d’une cascade somptueuse, illumine ce qui suit, échos romantiques et classiques si proches dans leurs effervescences. Ce beau disque permettra à l’auditeur averti, mélomane ou néophyte de voyager dans le temps selon les humeurs en suivant les pas de notre talentueux interprète, guide passionné et élégant de l’invite musicale.

Jean-Paul Bottemanne
 

Bach, Telemann, Schenck – Voyage d’Allemagne, Emmanuelle Guigues – viole de gambe, L’Encelade éditions, 2016.

La violiste Emmanuelle Guigues, bien connue des amateurs de musique ancienne, nous emmène avec cet enregistrement en un voyage inspiré outre Rhin en compagnie de Bach, Telemann et Schenck. C’est avec ce dernier compositeur, le moins connu des trois, mais qui a pourtant écrit de belles pièces pour viole de gambe, que cette pérégrination débute avec L’Écho du Danube Sonata VI, une sonate dont la profondeur fait écho à la magie du fleuve mythique. Johann Schenck (1660-1712) s’est nourri, pour sa part, dans son art des influences provenant de l’Allemagne, de l’Autriche et de l’Italie, sans oublier la France. Les rythmes alternent avec autant de vélocité que d’introspection, une impression renforcée par la réminiscence à quatre reprises d’un Largo ponctuant cette progression. Quel plaisir que de « voir » la main gauche de la violiste sur le manche voler à la rencontre de l’archet dans une Giga concluant cette belle évocation du Danube. Georg Philipp Telemann (1681-1767) a également écrit de belles pages pour la viole, telle cette sonate en Ré Majeur, TWV 40 : 1 dont le premier mouvement, un andante ample et majestueux, introduit une composition dans laquelle l’instrument témoigne de l’étendue de ses capacités expressives, notamment dans le troisième mouvement. Emmanuelle Guigues interprète pour finir la Suite V pour violoncelle BWV 1011 de Johann-Sebastian Bach sur sa viole attribuée à Edward Lewis (Londres 1660-1690), un hommage sensible à l’instrument qui à l’époque du Cantor voyait son déclin déjà annoncé au profit du violoncelle.

W.A. Mozart Kurfürstin-Sonaten KV 301-306, David Grimal (violon), Mathieu Dupouy (pianoforte), Label Hérisson, 2016.

Avec David Grimal au violon et Mathieu Dupouy au pianoforte, c’est avec plaisir que nous rejoignons la compagnie de Mozart et de ses alertes sonates KV301-306 écrites de 1777 à 1778. Il faut rappeler le contexte troublé de leur rédaction par un jeune Mozart qui n’a que vingt ans et qui, poussé par son père angoissé, se doit de réussir pour rembourser les dettes contractées pour ce voyage qu’il réalise alors avec sa mère de Salzbourg à Paris. Contingences et création ne font pas toujours bon ménage, et pourtant… Le musicien a compris que les duos pour piano et violon sont dans le goût de l’époque et il mettra toute son ardeur désinvolte dans cette composition. Il est vrai que ce voyage sera en effet quelque peu initiatique pour le jeune artiste qui cherche à quitter le nid familial et à donner toutes les chances aux ambitions que son génie précoce autorise. Et, c’est dans ce contexte que nous pouvons les écouter grâce à cet enregistrement d’une belle sensibilité qui démontre que même dans ses œuvres de circonstance Mozart brille là où bien d’autres se seraient essoufflés. Mozart a le regard aiguisé de celui qui veut conquérir le monde et il sait vite discerner ce qui plaît et attire telles ces sonates de Schuster et qui seront le point de départ de son écriture. Le pianoforte y tient une place importante, celle qui correspondra aux affinités du musicien avec l’instrument pour la composition mais aussi en tant qu’interprète. Ainsi que le souligne Mathieu Dupouy, Mozart n’est pas un compositeur autobiographique ; malgré tout le mélomane ou le musicien en écoutant le deuxième mouvement de la sonate en mi mineur KV 304 Tempo di Menuetto percevra toutes les subtilités du compositeur alternant les moments de grâce et de douces nostalgies qui siéent à la réminiscence de cette noble dance née un siècle auparavant. Les deux musiciens s’entendent à merveille pour exprimer toutes ces nuances de cette écriture encore de jeunesse mais qui témoignent de toute l’ampleur des moyens dont dispose déjà le jeune prodige. Enfin, soulignons que cet enregistrement marque le début d’une heureuse collaboration entre le Label-Hérisson et le Musée de la Musique, les deux musiciens jouant, en effet, avec un plaisir certain et pour le nôtre, un Stradivarius datant de 1710 et un pianoforte Gräbner 1791 appartenant aux collections du musée.

Romance oubliée Hermine Horiot (violoncelle) avec la participation de Ferenc Vizi (piano), CD, Collection1001 Notes, 2015.

Romance oubliée est le premier enregistrement d’une jeune violoncelliste de talent, Hermine Horiot, formée dès son plus jeune âge à la musique de chambre. Elle sera rapidement appréciée des plus grands musiciens tels Jordi Savall, François Salque ou encore le Quatuor Ysaye… Participant au Festival 1001 Notes, la finesse et la délicatesse de son interprétation lui valurent de pouvoir enregistrer ce premier disque aux accents romantiques par excellence. La Romance Oubliée est, en effet, une pièce souvent trop méconnue du grand Franz Liszt. Elle termine ce disque tout en l’accompagnant d’une certaine manière avec cette mélodie si poignante du souvenir qui émerge des flots de la mémoire, capable de faire renaître les plus grandes émotions amoureuses. L’archet effleure les cordes aussi légèrement que les images reviennent à la mémoire du compositeur à un âge avancé où larmes et sourires s’entrelacent en une douce réminiscence. La mémoire, le souvenir, le flot des émotions ont été les muses de ces compositeurs réunis dans ce programme joliment conçu comme un hommage à ces musiciens qui ont bercé l’enfance de la violoniste. Le pianiste Ferenc Vizi accompagne la violoncelliste avec bonheur en une subtile complicité pour ces pages tour à tour enjouées ou plus sombres, sans jamais laisser de place à des affects trop faciles. Le violoncelle parvient à évoquer les silences des forêts de Dvorak ( Waldesruhe op. 68), alors que les Romances - initialement écrites par Schumann pour le hautbois et piano - ouvrent les tréfonds de l’âme et, en trois courts tableaux, exposent les passions de l’univers schumannien. Hermine Horiot et Ferenc Vizi ont réservé une place centrale à la sonate pour violoncelle et piano op. 65 en Sol m de Frédéric Chopin, une des rares œuvres pour violoncelle qui donnent la voix à un autre instrument qu’au seul piano et où la puissance du romantisme dégage une force rendue à merveille par les deux musiciens. Romance Oubliée est un enregistrement d’une intériorité qui n’exclut pas – bien au contraire – une interprétation solide et virtuose et qui propose un beau voyage en terres romantiques par de sensibles méandres que nous sommes invités à emprunter…
 

Beethoven "Tempête", "Waldstein" "Appassionata", Soo Park (pianoforte), CD, Label Hérisson, 2014.

« Il y a tant d’aurores qui n’ont pas encore lui ». C’est sous l’égide de Nietzsche que la pianiste Soo Park aborde ces tempêtes et passions, œuvres si connues qu’elle a décidé de nous les faire redécouvrir de bien belle manière en les interprétant sur un pianoforte contemporain de leur naissance avec ce superbe Jakob Weimes (Prague, ca. 1807). Ainsi, entrons-nous avec la sonate op. 31 Nr. 2, plus connue sous le nom de « Tempête » (même si ce titre - comme les autres œuvres présentes dans ce disque - ne provient pas de Beethoven) dans l’univers de la « deuxième période » du musicien, une période qualifiée d’héroïque, Beethoven admirant la Révolution française et Bonaparte propulsé par elle vers les plus hautes sphères du pouvoir. L’énergie rythmique qui se dégage de ces œuvres pourtant fort différentes fut déjà soulignée en son temps, dès le milieu du XIX° siècle. Il suffit pour s’en convaincre de bien écouter l’adagio de cette même sonate op. 31 pour apprécier toutes les nuances apportées par le compositeur dans un récitatif d’une remarquable introspection. L’allegretto libère au contraire des énergies qui poussent à l’extrême les capacités techniques de l’instrument. N’oublions pas qu’en ces temps, Beethoven est un homme contraint de par sa surdité à l’isolement, adversités auxquelles s’ajouteront également, bien sûr, les déceptions amoureuses, et si cela n’explique, peut-être, pas tout, cela permet un peu de mieux comprendre certaines choses… Les sonates op. 53 (Waldstein) et 57 (Appassionata) ouvrent également des voies que les légataires de Beethoven n’auront de cesse d’explorer et de poursuivre. On est étonné par certaines phrases d’une rare introspection et de modernité comme dans l’adagio molto de l’op. 53, étonnement favorisé par le jeu subtil de Soo Park, littéralement habitée par ces œuvres pourtant familières. En leur redonnant une couleur que nous ne leur connaissions pas aussi clairement exposée, cet enregistrement rend presque « visible » cette symbiose d’une œuvre, d’une brillante interprète et d’un instrument complice !

Jean-Sébastien BACH (1685-1750) Oeuvres pour clavecin-luth, Olivier Baumont, clavecin-luth William Martin, 1991. Loreley Productions, 2014.

Nous connaissons le clavecin, tout autant que le luth, tous deux instruments représentatifs de la musique ancienne, mais connaissons-nous le clavecin-luth ? A cette question Olivier Baumont offre la plus belle des réponses, celle de près d’une heure de musique de Bach sur cet instrument, le même que Bach qui affectionnait cet instrument nommé Lautenwerck en allemand. Il s’agit en fait d’un clavecin doté de cordes en boyau et non en métal, ce qui l’apparente ainsi de par sa sonorité au luth et au théorbe. Il faut entendre le talentueux musicien Olivier Baumont lorsqu’il évoque ses impressions quant au toucher de cet instrument : « j’ai eu à plusieurs reprises le sentiment rare et excitant que mes doigts ne touchaient plus un clavier qui actionnait des sautereaux, mais qu’ils étaient désormais en contact direct avec les cordes… », et comme nous comprenons ce sentiment à l’écoute de ce bel enregistrement et notamment les premiers accords de la Suite en do mineur BWV 997 si troublante sous les doigts du « claveciniste » tant la corde prédomine en effet en une douce vibration seulement amplifiée par la caisse de résonance de l’instrument… On comprend aisément l’attrait de Johann Sebastian Bach pour cet instrument et il ne fut d’ailleurs pas le seul à cette époque si l’on pense aux nombreux témoignages relevant l’effet saisissant, et souvent confondant, laissé par l’instrument à ceux qui eurent la chance de l’entendre. Il ne nous reste malheureusement aucun instrument d’époque, aussi le travail réalisé par Olivier Baumont a-t-il non seulement une dimension artistique, mais également organologique précieuse pour nos contemporains qui peuvent apprécier un certain nombre de pièces composées par Bach sur cet instrument en une interprétation d’une finesse qui rend hommage à la délicatesse de cet instrument !
 

BERNARD HAITINK THE PHILIPS YEARS Henryk Szeryng • Arthur Grumiaux
Beaux Arts Trio • Alfred Brendel Gundula Janowitz • Tom Krause a.o. 20 CD, DECCA, 2013.

Bernard Haitink est une légende dans la direction d’orchestre et une belle sélection de son travail se trouve réunie dans un superbe coffret avec 20 CD de ses plus beaux enregistrements. Ce violoniste de formation, né en 1929 à Amsterdam, trouve sa vocation dans la direction d'orchestre aux côtés du maître Ferdinand Leitner au début des années 50,
et c’est en 1957 qu’il prendra la direction de l'Orchestre Philharmonique de Radio Netherlands. Puis, viendra le temps du Concertgebouw d'Amsterdam en remplaçant tout d’abord Carlo Maria Giulini, puis en remplaçant le chef principal Eduard Van Beinum décédé. Dès 1963, et jusqu’en 1988, Bernard Haitink assumera seul le poste de chef principal du Concertgebouw d'Amsterdam avec une profusion d’enregistrements légendaires comme en témoigne ce coffret. Ce seront en effet les enregistrements des symphonies de Bruckner, une fructueuse collaboration avec Alfred Brendel pour un superbe enregistrement du Concerto N° 5 de Beethoven, l’ensemble des symphonies et concertos de Brahms, et ses interprétations de Franz Liszt (concertos 1 & 2)… En 1988, son riche parcours ne sera pas terminé puisqu’il prendra la direction du Royal Opera House au Covent Garden à Londres et ce jusqu'en 2002. Direction d’opéra et direction symphonique alterneront, ce dont témoigne la sélection réalisée pour cette compilation qui permet de redécouvrir des moments d’anthologie du Parsifal et du Lohengrin avec le même plaisir que La Mer de Debussy. Cette première anthologie internationale en 20 CD fait ainsi revivre ces grands moments d’émotion marqués par un art de la direction à la fois soucieux de l’exécution précise et en même temps toute empreinte d’une âme remarquable qui donne cette « coloration » Haitink si reconnaissable parmi d’autres : sonorité chaleureuse dans les cordes, équilibre dans les cuivres, l’ensemble dans une transparence inspirée. Assurément, un coffret à écouter et réécouter.
 

Thomas Lacôte « The fifth Hammer » orgue de la Trinité, Paris, CD, Hortus, 2013.

Il s’agit du premier enregistrement de Thomas Lacôte, organiste et co-titulaire des grandes orgues de l’église de la Trinité à Paris. Lauréat du prix musique del Duca 2012, ce jeune organiste livre dans ce disque de très belles créations, telles ces trois études pour orgue qui ouvrent ce programme interprété sur le Cavaillé-Coll de la Trinité. Alluvions en flamme accueille le mélomane avec une référence expresse à la poésie de René Char et ses instants de poésie avec lesquels l’organiste tisse des liens croisés aux nuances des jeux de l’instrument. L’univers biblique est également convoqué dans les références culturelles de Thomas Lacôte avec cette très belle Échelle de Jacob dont les mouvements montants et descendants forment un parallèle saisissant avec les échelles musicales. The fifth Hammer ou cinquième marteau nous transporte quant à lui aux sources antiques de la musique avec la légende de Pythagore dans la forge. Le philosophe fit alors, rappelons-le, l’expérience des quatre intervalles consonants et de la seconde majeure non consonante après avoir entendu résonner une enclume sous le poids de marteaux différents, le cinquième laissé de côté, car jugé trop dissonant… Nous entrons avec cette œuvre dans un univers musical d’une rare profondeur qui cisèle les notes comme des diamants, et dont l’évocation de l’aube musicale brise les barrières temporelles où XXI° siècle et sources primordiales se rapprochent et se confondent en de beaux instants créateurs.

Schumann | Dvořák: piano concertos, Francesco Piemontesi (piano) BBC Symphony Orchestra | Jiri Bělohlávek, Naïve, 2013.

Le concerto pour piano et orchestre en La Mineur op5 de Robert Schumann et le concerto pour piano et orchestre en Sol Mineur op. 33 d’Antonin Dvořák se trouvent réunis sous les doigts du pianiste Francesco Piemontesi pour ce dernier enregistrement chez Naïve. Leur forte expression romantique les rapproche, comparaison manifeste si l’on fait une écoute successive de l’andantino de Schumann et de l’andante de Dvořák. Ces deux compositeurs partageaient, il est vrai, également un intérêt commun pour la musique folklorique dont certains traits ressortent dans les deux œuvres. Cette belle association Schumann/ Dvořák est particulièrement bien servie par l’interprétation raffinée et subtile de Francesco Piemontesi en parfaite harmonie avec le chef Jiří Bělohlávek et son orchestre symphonique de la BBC. Le mélomane se délectera une nouvelle fois avec ces premiers fameux accords de l’Allegro affettuoso du concerto de Schumann où le piano exprime ce langage affectueux suggéré par la mention du mouvement, un dialogue particulièrement saisissant et dont le thème musical reviendra à de multiples reprises tout au long du concerto. Hautbois et clarinette se mettent de la partie lorsque les nuances les plus fines dépassent celles d’un seul instrument et où ce ballet amoureux s’accélère avec la fougue d’un orchestre en parfaite syntonie avec l’âme de cette composition.
Le concerto en sol mineur de Dvořák, une œuvre injustement négligée dans les programmations, débute de manière beaucoup plus magistrale avec un caractère national marqué ouvrant largement les portes aux mélodies populaires. Mais, une fois de plus – et justifiant la comparaison entre les deux œuvres – le fort caractère romantique revient régulièrement dans cette œuvre marquée par un retour aux modèles classiques, si l’on pense à l’émouvant Andante sostenuto où le piano évoque avec une multitude de facettes de tendres accents pouvant être mis en parallèle avec ceux de Schumann. La virtuosité exigée pour les parties solistes du piano devrait séduire un grand nombre de mélomanes, surtout lorsqu’elles sont si bien exécutées comme le fait avec brio Francesco Piemontesi dans ce dernier enregistrement.

G.F. Handel Alessandro HWV 21 Max Emanuel Cencic - Julia Lezhneva -Karina Gauvin ARMONIA ATENEA, George Petrou (direction), coffret 3 CD, DECCA, 2012.

La légende d'Alexandre le Grand court encore et les siècles ne parviennent pas à l’atténuer, en témoigne le présent enregistrement ! C'est en effet en 1726 que Handel composa cet opéra du nom du célèbre conquérant de la Grèce hellénistique. Après ses années italiennes si importantes dans sa composition, et après le succès du grand opéra Rinaldo, Handel s'attaqua à l'écriture d'un opéra qui permettait de mettre en rivalité deux sopranos vedettes alors qu'habituellement un seul rôle-titre s'imposait. Ce défi à relever plut à Handel qui en plus du fameux castrat Senesino et de la soprano italienne Francesca Cuzzoni leur adjoignit la soprano également transalpine Faustina Bordoni. L'opposition des deux divas allait être accentuées par Handel, ce dernier faisant, qui plus est, des deux femmes des rivales du héros de l'histoire, rivalité fort goutée par le public de l'époque puisque leur animosité alla jusqu'à en venir aux mains, ou plus exactement au crêpage de chignon en pleine représentation !
Si le personnage de Roxane interprété initialement par Faustina Bordoni est bien connu et historiquement avéré, celui de Lisaura est quant à lui totalement fictif et sert justement de point de départ à cette rivalité amoureuse entre les deux femmes. L'écriture très équilibrée de Handel développe une narration où les caractères des trois principaux personnages évoquent leurs valeurs morales et leurs faiblesses sur fond de passion... Les nombreux airs écrits par le compositeur tout spécialement pour les trois rôles offrent un éventail et une variété qui font de cet opéra une œuvre vivante, et même cocasse parfois telle cette scène ou Lisaura n'hésite pas à traiter Alexandre d'hypocrite alors qu'il n'a pas su faire le choix de son amour.
Interprété brillamment par l'orchestre ARMONIA ATENEA dirigé par George Petrou sur instruments d'époque, ce très bel opéra voit se déployer trois talents parfaitement équilibrés : Max Cencic qui incarne remarquablement le fier conquérant tiraillé par la passion, Julia Lezhneva qui est littéralement habitée par son rôle de Roxane et offre une rare finesse dans son interprétation des airs qui lui sont réservés. Karina Gauvin donne vie quant à elle à cette femme que l'amour habite littéralement, un amour traduit par une étendue de variations qui se manifestent avec talent tout autant dans les airs dramatiques que dans les airs les plus délicats. Autant de points forts qui font de ce CD un très bel enregistrement.

VERDI The Great Opera Boxset 35CD Emi Classics, 2013.

Il fallait bien une édition de prestige pour honorer la mémoire de Verdi, l’un des plus grands compositeurs lyriques en cette année anniversaire. 2013 voit en effet le bicentenaire de la naissance de celui qui fait figure de trésor national au-delà des Alpes et pour qui tous les amoureux d’opéra vouent une fervente admiration à tous les endroits du globe. Né un 10 octobre 1810 à Roncole dans la province de Parme, Giuseppe Verdi est en effet mort à Milan, le 27 janvier 1901. Chaque nom de ses opéras appartient à la légende, même auprès des non-mélomanes qui ont, à un moment donné de leur vie, entendu les airs fameux de La Traviata, de Falstaff ou de Rigoletto. Le cortège des funérailles de Verdi passa devant près de deux cent mille personnes à Milan, un véritable deuil national, la foule aurait même entonnée lors du passage du convoi le fameux chœur des Hébreux « Va, pensiero » de l’acte III de Nabucco, une émotion pure que l’on peut encore ressentir sans peine en parcourant les rues de Milan, plus d’un siècle après… Et Si Verdi a tant conjugué en sa personne et en son œuvre les attentes d’une nation en formation, c’est que le musicien s’est effectivement engagé politiquement, en plus de son art, pour la réunification de l’Italie lors du Risorgemento. Réunir les plus beaux opéras de Verdi en un seul coffret, c’est ainsi un peu comme posséder un instant d’éternité, celle de la musique conjuguée à l’esprit du temps afin de découvrir les trésors mélodiques les plus inventifs interprétés par les grands noms de la musique d’opéra : Ricardo Muti, James Levine, Carlo Maria Giulini, Zubin Mehta, Herbert von Karajan… Nous retrouvons également les divas au nom prestigieux dans les airs mémorables qui appartiennent à la légende tels ceux de Victoria de Los Angeles, Montserrat Caballé, Angela Gheorhiu, Elisabeth Schwarzkopf ou encore l’inoubliable Maria Callas ! Les plus belles voix masculines sont également gravées pour l’éternité avec Roberto Alagna, José Carreras, Boris Christoff, Placido Domingo, Ruggero Raimondi… L’art lyrique a été définitivement marqué par l’héritage de Verdi, et ce beau coffret Emi Classics en témoigne !

Détails des 35 CD :

NABUCCO
Manuguerra • Lucchetti • Nicolai • Scotto…
Ambrosian Opera Chorus • Philharmonia Orchestra • Muti
ERNANI
Domingo • Freni • Bruson • Ghiaurov…
Coro e Orchestra del Teatro alla Scala di Milano • Muti
GIOVANNA D’ARCO
Caballé • Domingo • Milnes…
Ambrosian Opera Chorus • London Symphony Orchestra • Levine
ATTILA
Ramey • Studer • Shicoff • Zancanaro..
Coro e Orchestra del Teatro alla Scala di Milano • Muti
MACBETH
Milnes • Cossotto • Raimondi • Carreras…
Ambrosian Opera Chorus • New Philharmonia Orchestra • Muti
RIGOLETTO
Callas • Gobbi • di Stefano • Zaccaria…
Coro e Orchestra del Teatro alla Scala di Milano • Serafin
IL TROVATORE
Alagna • Gheorghiu • Hampson • Diadkova • d’Arcangelo…
London Voices chorus • London Symphony Orchestra • Pappano
LA TRAVIATA
Scotto • Walker • Buchan • Kraus • Bruson…
Ambrosian Opera Chorus • Band of the Royal Marines • Philharmonia Orchestra • Muti
I VESPRI SICILIANI
Studer • Merritt • Zancanaro • Furlanetto…
Orchestra e Coro del Teatro alla Scala di Milano • Muti
SIMON BOCCANEGRA
Gobbi • Christoff • Monachesi • Dari • Los Angeles…
Coro e Orchestra del Teatro dell’Opera di Roma • Santini
UN BALLO IN MASCHERA
Domingo • Arroyo • Cappuccilli • Cossotto…
Chorus of the Royal Opera House, Covent Garden… • New Philharmonia Orchestra • Muti
LA FORZA DEL DESTINO
Freni • Domingo • Zancanaro • Zajic…
Coro e Orchestra del Teatro alla Scala di Milano • Muti
DON CARLO
Domingo • Caballé • Verrett • Milnes • Raimondi…
Ambrosian Opera Chorus • Orchestra of the Royal Opera House, Covent Garden • Giulini
AÏDA
Nilsson • Corelli • Bumbry • Sereni…
Chorus and Orchestra of the Teatro dell’Opera di Roma • Mehta
OTELLO
Vickers • Freni • Glossop • Bottion • Van Dam…
Chor der Deutschen Oper Berlin • Berliner Philharmoniker • Karajan
FALSTAFF
Gobbi • Alva • Panerai • Spataro • Schwarzkopf…
Philharmonia Orchestra and Chorus • Karajan

J.S. Bach Suites a Violoncello Solo senza Basso BWV 1007 – 1012, Claire Giardelli, 2 CD Ligia Digital, 2012.
 

Les suites pour violoncelle de Johann Sebastian Bach constituent l’un des fleurons le plus connu de la musique classique et dont certains morceaux les plus connus ont envahi notre quotidien. Et pourtant on ignore souvent que ces pièces sont demeurées étrangement en sommeil avant que les romantiques ne leur donnent une nouvelle vie. Pour quelles raisons la talentueuse violoncelliste, Claire Giardelli, s’est-elle attachée à proposer une nouvelle version de cette musique fondatrice pour l’instrument ? A l’image des Quatre Saisons si brillamment redécouvertes ces dix dernières années par des enregistrements novateurs, la musicienne forte d’années d’expérience passées auprès des plus prestigieux ensembles de musique ancienne a décidé de livrer une interprétation de cette musique immémoriale qui recueille en son sein toute la tradition héritée de la Renaissance, puis du Baroque avant d’anticiper brillamment sur les novations de la future musique classique. Parmi les motifs qui ont nourri cette riche interprétation, la première place appartient à l’instrument même, le violoncelle baroque dont on apprend à gouter toute la saveur et la profondeur dès les fameux premiers accords grâce au jeu de l’archet dont les variations sont si subtilement rendues avec ces notes pourtant familières… L’héritage de la danse est, lui aussi, manifeste pour ces suites et Bach a puisé à la riche tradition de la suite à la française, elle-même née de la longue expérience de la suite à danser de la Renaissance. Écoutons cette première suite et, immédiatement, les pas de danse surgissent de l’archet et de l’instrument réalisé par le grand luthier français Pierre Jaquier pour Claire Giardelli. Allemande, courante, sarabande et autres gigues emportent les sens vers des tourbillons où les siècles n’ont plus de distance. L’interprétation généreuse de la violoncelliste ne cède pas à la facilité et réserve des instants d’une profondeur émouvante tel ce prélude de la suite n° 2 où les notes les plus graves tissent un dialogue inextricable avec les émotions de l’âme, échos si proches de la voix humaine chère à Marin Mersenne, évoquant la viole. On ne ressort pas indemne d’un tel voyage et le violoncelle de Claire Giardelli nous fait littéralement entrer au cœur même de ces œuvres grâce à une subtile manière de les redécouvrir !
 

Johannes Brahms « pièces pour piano » Yves-Bertrand Noack, piano, Arion, 2012.

« Aimez-vous vous Brahms ? » donnait pour titre Françoise Sagan à l’un de ses fameux romans, et Yves-Bertrand Noack nous y invite dans le dernier enregistrement qu’il vient de réaliser. La fameuse sonate n°3 débute par un allegro maestoso nourri par la jeunesse du compositeur qui n’a alors que vingt ans tout en étant pourtant subtilement nuancé par des phrases d’une profonde maturité. Toute la poésie du musicien remarqué par Schumann se développe dans le deuxième mouvement, un andante parsemé de références bucoliques aux accents romantiques manifestes. Si le scherzo rappelle un motif de Mendelssohn, l’intermezzo sombre et funèbre développe des affects très prégnants grâce à un sens mélodique d’une rare profondeur comme le soulignait également Robert Schumann : « il transforme le piano en un orchestre aux voix tour à tour exultantes et gémissantes. » En finale, un rondo permet d’apprécier la vélocité d’Yves-Bertrand Noack, une virtuosité qui n’enlève rien aux multiples nuances qui ornent ce mouvement où les accents graves perdurent malgré tout… Ce bel enregistrement permet également d’apprécier les deux rhapsodies empreintes d’un univers onirique nourri aux légendes nordiques. Un très beau thème qui introduit quelques notes nostalgiques alors que le rhapsode poursuit sa narration épique… Nous chevauchons dans des contrées inconnues, découvrant des paysages que seul Brahms sait entrouvrir… Aimerez-vous Brahms ? Assurément, avec ce très bel enregistrement !

"Musiques pour les comédies de Molière" de Marc-Antoine Charpentier, La Simphonie du Marais, direction Hugo Reyne, Musiques à la Chabotterie, 2012.

9e volume pour fêter les 25 ans de la Simphonie du Marais, un quart de siècle voué à la musique ancienne avec talent et passion ! Il était ainsi normal d’inviter Marc-Antoine Charpentier et Molière pour un tel anniversaire. Charpentier est, certes, plus connu pour ses œuvres religieuses que profanes, car elles ont su gagner un public sensible à ces « véritables œuvres vivantes spirituelles » comme le soulignait Jordi Savall à notre revue. Mais, il y a cependant tout un pan de la création du compositeur qui mérite assurément d’être plus diffusé surtout lorsqu’il est associé à l’un des génies du théâtre, lui-même amoureux de la musique, en la personne de Molière. Hugo Reyne rappelle que cette collaboration en fin de vie de Molière avec le jeune Charpentier en 1672 est née du conflit quelques années auparavant entre Lully et Molière. La rupture est bien connue, Lully ayant réussi à obtenir le privilège de l’opéra parvint à faire interdire à Molière tout intermède musical dans ses comédies. De cette séparation brutale et douloureuse naîtra une collaboration d’un tout autre genre, Marc-Antoine Charpentier, à l’opposé de Lully, n’étant pas un homme de cour. La Simphonie du Marais a ainsi élaboré un programme introductif particulièrement intéressant en ce qu’il fournit en un seul enregistrement tout un tableau représentatif de la collaboration des deux génies du théâtre et de la musique. Si, nous avons malheureusement perdu un certain nombre de musiques de Charpentier sur les comédies de Molière, et notamment Les Fâcheux et Psyché, le travail réalisé par La Simphonie du Marais sous la direction d’Hugo Reyne permet-il néanmoins d’appréhender dans son ensemble cette musique de théâtre. A noter de belles surprises comme dans « Le Malade imaginaire » avec ce très beau récitatif de Spacamond "Notte e di y'amo e y'adoro" ou cet air de violons si bref et enjoué qu’il vous fait regretter de ne se poursuivre plus longtemps ! La chaconne des polichinelles chassés par les arlequins est elle aussi une réussite qui lui vaudra d’être reprise longtemps après la mort de Molière. Il faudra également savourer cette ouverture de la pièce Le Sicilien initialement réalisée avec Lully en 1667, reprise par Charpentier en 1679, et dont c’est le premier enregistrement. En guise de cadeau d’anniversaire, La Simphonie du Marais nous offre trois bonus pleins d’humour, digne hommage à la comédie de Molière !

Alessandro Grandi « Motets vénitiens » Soprano : Dominique MOATY, Clavecin : Pierre CAZES, Théorbe : Marie LANGLET, Violon : Sharman PLESNER, Caroline GERBER, Violone : Jean Christophe DELEFORGE, Arion, 2011.

Nous sommes à cette période charnière à mi-chemin entre Renaissance et Baroque. Si l’Histoire n’est pas sûre du lieu de naissance d’Alessandro Grandi (v. 1586-1630), il est certain néanmoins que c’est dans cette Italie du Nord qui a produit tant de génies qu’il a vu le jour. C’est très jeune, il n’a en effet que 18 ans, qu’il sera remarqué pour ses qualités musicales et employé à Saint Marc de Venise pour chanter les messes dans le stile antico. Il sera, un peu plus tard, l’assistant de Monteverdi, une charge qui aura une grande importance dans sa formation. Il quittera pourtant Venise, peut-être pour s’alléger d’une possible rivalité avec son maître, plus sûrement afin de voler tout simplement de ses propres ailes et d’avoir la pleine responsabilité dans la direction de chœur. C’est à Bergame qu’il postulera à cette fin et sera reçu à l’unanimité. Dans cette ville entretenant des liens étroits avec Venise, et dans le cadre prestigieux de la basilica Santa Maria Maggiore, il aura ainsi toute latitude pour exécuter ses plus grandes œuvres. Grandi est connu pour avoir été le premier à utiliser le terme cantata pour certaines pièces vocales. Il mourra malheureusement prématurément en 1630 de la terrible épidémie de peste décrite par Manzoni dans son roman Les Fiancés, épidémie qui touchera toute la Lombardie dans le premier tiers du XVII°. L’œuvre de Grandi reste méconnue alors même que la qualité de ses compositions n’a rien à envier à ses plus illustres contemporains. Les présents Motets vénitiens enregistrés avec finesse par Dominique Moaty (soprano) seront une très belle illustration sonore de ce que pouvait être le paysage musical en Italie du Nord en ce début de XVII° siècle. Ils expriment en effet une grâce mêlée d’intimité avec le divin dont le dialogue étroit entretenu entre les instruments, la voix et le texte est d’une rare qualité. Il faut ainsi saluer le travail réalisé par Domonique Moaty et les instrumentistes réunis dans cet enregistrement qui fait honneur à la mémoire d’Alessandro Grandi !

Odyssey, Frédéric D'Oria-Nicolas, piano, 2 CD Fidelity et Mobility Mastering, Label Fondamenta, 2011.

La méditation de Lord Byron devant le lac Léman en 1804 sert d’inspiration à ce programme musical conçu par Frédéric D'Oria-Nicolas sous forme d’Odyssée, un voyage dans les sources du romantisme, et au-delà dans les arcanes de l’être humain et de ses passions. Jugeons un peu les compositeurs invités à ce périple musical digne des épopées antiques : Beethoven, Liszt et Wagner, trois pensées fortes qui ont marqué leur époque de manière indélébile, ce disque en témoigne. Ce témoignage débute en effet par l’extraordinaire sonate « Waldstein » de Beethoven, elle-même non seulement reflet du parcours pianistique du compositeur qui venait de recevoir un nouveau piano avec un registre étendu, mais également emblématique du dialogue intérieur développé par le musicien de génie. L’interrogation à caractère initiatique est également au cœur de la fameuse Vallée d’Obermann des Années de Pèlerinage de Liszt consacrées dans son premier volume à la Suisse. Le compositeur fougueux appréciait Byron bien entendu, mais c’est surtout Senancour qui influencera directement la pièce qui reprend le titre de l’ouvrage majeur de l’écrivain. C’est en effet avec ses larmes qu’il écrivit son ouvrage « Obermann », récit triste et mélancolique d’un jeune homme solitaire qui s’abime dans la contemplation des paysages de la Suisse, un texte qui allait être particulièrement apprécié des romantiques. Le pèlerin poursuit son odyssée non plus dans le mythe, mais dans l’introspection face à la création et à ce qui le dépasse, une tendance qui caractérisera toute sa vie l’âme de Liszt malgré les gloires de la virtuosité. Frédéric D'Oria-Nicolas continue sa quête avec une rencontre également mythique, celle de Liszt et de Wagner et celle non moins puissante de Wagner avec les légendes germaniques. Cette ouverture résume à elle seule les trois actes de l’opéra mythique et le génie de la transcription de Liszt pour piano est d’avoir su rendre toute l’étendue de cette narration épique sous les doigts inspirés de Frédéric D'Oria-Nicolas qui fournit là une remarquable interprétation.
Le label Fondamenta offre avec ce CD une exclusivité mondiale: tout achat d’un enregistrement propose pour le même prix deux versions sur 2 CD distincts. Un premier CD comprend la version de référence haute-fidélité alors qu’un CD intitulé « Mobility » destiné aux écoutes sur baladeur, ordinateur ou voiture offre un rendu tout spécialement étudié à ces médias. Résultat : plus besoin de passer son temps à baisser ou à hausser le volume sans cesse dans un environnement bruyant, une belle innovation à généraliser !