REVUE CULTURELLE

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1999-2024

Philippe Sollers

(1936-2023)

Un an après...

Philippe Sollers : « La Deuxième Vie » roman, Gallimard, 2024.
 

« Philippe Sollers entre les lignes » de Pascal Louvrier, 260 pages, Le Passeur Éditeur, 2024.
 

Philippe Sollers en Folio…

« Les Amis de Marcel Proust » de Georges Cattaui ; Avant-propos de Jean-Yves Tadié, Éditions de L’Herne, 2021.
 

Avec un avant-propos signé Jean-Yves Tadié, spécialiste incontournable de Proust, c’est un ouvrage exquis que nous proposent les éditions de L’Herne. Tel un album de photographies d’antan que l’on constituait dès le plus jeune âge des enfants et que l’on poursuivait sa vie durant, cet ouvrage à la couverture bleue soignée livre, en effet, à la rêverie, à l’observation, mais aussi à la découverte plus d’une centaine de photographies consacrées à l’univers de Marcel Proust. « Famille, amis, enfance, âge adulte, biographie ordonnée par la chronologie des poses, parfois dues à des photographes connus, Otto, Nadar fils. Pas d’instantanés ici. Et des mystères (…)» souligne Jean-Yves Tadié.
Nous devons cette inestimable réunion de photographies à Georges Catttaui qui la fera paraître - il sera l’un des premiers, à Genève sous le titre « Proust documents iconographiques » chez l’éditeur d’art Pierre Cailler en 1956 ; divisé en deux parties, le lecteur y retrouvera à la fois les proches de Marcel Proust – son frère Robert, sa grand-mère, bien sûr, mais aussi un grand nombre de ses amis dont le fameux comte Robert de Montesquieu ou encore Reynaldo Hahn devant son piano. « Les Maîtres, les modèles et les amis » de l’écrivain s’y croisent au gré des pages. Photographies, toiles avec notamment le célèbre portrait de Proust par Jacques-Emile Blanche qui ouvre l’album, croquis, dessins et reproductions jalonnent ainsi le siècle de Proust et celui d’ « A la recherche du temps perdu ».
Mais, cet ouvrage offre au lecteur bien plus qu’un pur album photographique, il nous redonne à lire ou relire cet admirable texte, sensible et profond, écrit par Georges Cattaui lors de la première parution de l’ouvrage. Un subtil alliage d’observations, de réflexions et de subjectivité conférant à ces photographies, telles des pierres précieuses serties, une profonde et délicate lumière. C’est le monde de Marcel Proust mais aussi celui quelque part de « A la recherche du temps perdu » qui se dévoilent... « La littérature est une hallucination, ce que nous allons entendre, ce sont les phrases d’A la recherche du temps perdu. » écrit Jean-Yves Tadié.
 

L.B.K
 

Marcel Proust : « Lettres à Horace Finally » ; Edition établie par Thierry Laget ; Avant-propos de Jacques Letertre ; Collection Blanche, Gallimard, 2022.
 

Horace Finaly compte parmi ces grands banquiers d’affaires de l’entre-deux-guerres ayant joué un rôle essentiel à la Banque de Paris et des Pays-Bas. Curieusement, son nom tombé dans l’oubli resurgit aujourd’hui par le truchement de son célèbre camarade de classe au Lycée Condorcet, un certain Marcel Proust…
Devenu personnage de roman pour Giraudoux dans « Bella » et pour certains identifié à Bloch dans la « Recherche », cet ami de toujours, disponible alors que son agenda ne le permettait guère, aidera Proust dans les problèmes rencontrés avec son encombrant compagnon de l’époque Henri Rochat. Sollicitant les relations du banquier pour lui trouver un poste au lointain Brésil, Finaly s’exécutera généreusement malgré les déconvenues survenues par l’attitude de l’encombrant personnage, ainsi que le rappelle Jacques Letertre en avant-propos.
Le présent recueil de cette correspondance inédite s’ouvre sur une lettre datée de 1920, le reste de la correspondance de jeunesse étant malheureusement perdue. L’auteur de la « Recherche » s’adresse à son « cher ami d’autrefois et de toujours » en souvenir des années passées à Condorcet. Proust au fil des lettres égrène ses chers souvenirs même si les « espérances ne se réalisent pas », le passé n’étant jamais perdu pour l’écrivain. La maladie de Proust, cloué maintenant la plupart du temps au lit, est omniprésente, ce qui ne l’empêche pas pour autant de « caser » son protégé loin de l’Hexagone grâce à l’influence et relations de son vieil ami.
Pointent quelques traits d’humour « proustiques » ainsi qu’il se qualifie lui-même. Rochat se trouve finalement envoyé en Amérique du Sud par Finaly, au lieu de la Chine initialement prévue. Puis viendront les tendres et touchants témoignages d’amitié lors du décès de l’épouse tant aimée d’Horace en mai 1921, témoignages émaillés par les frasques de Rochat au Brésil, sans oublier les multiples fièvres de la santé déclinante de Marcel Proust au terme de sa vie. Durant ces derniers mois qui lui restent à vivre, l’écrivain adressera en avril 1922 un dernier témoignage à son ami de toujours sous la forme d’un envoi autographe sur la page de garde du tome I de « Sodome et Gomorrhe » paru le même mois. Dans cette ultime adresse, Marcel Proust, même s’il « n’aime pas mêler de la littérature à un souvenir douloureux et vivant en moi » pense une dernière fois à son fidèle ami sous le signe de l’amitié et du souvenir de sa défunte épouse. Un vibrant et ultime témoignage un siècle exactement après la disparition de l’écrivain.

Philippe-Emmanuel Krautter

« Proust, la fabrique de l'œuvre » sous la direction d’Antoine Compagnon, Guillaume Fait et Nathalie Mauriac Dyer, catalogue d’exposition BNF, 240 pages, Gallimard, 2022.
 

Vaste entreprise que d’explorer la fabrique de l’œuvre de Marcel Proust ! Mais, une heureuse initiative entreprise aujourd’hui sous la direction d’Antoine Compagnon de l’Académie française à l’occasion de l’exposition éponyme actuellement à la BnF. A l’image d’un abécédaire littéraire des plus nourris, le présent catalogue présente de A à Z, la création littéraire proustienne avec des entrées aussi variées et pittoresques que « Water-closet », « Zut, zut, zut, zut » ou « Kapitalissime »… Derrière l’apparent farfelu de certaines de ces thématiques se trouve cependant développé avec brio et passion le véritable laboratoire d’écriture de l’auteur de La Recherche. Ainsi que le relèvent Antoine Compagnon, Guillaume Fait et Nathalie Mauriac Dyer « la vision de l’écrivain au travail dans ses manuscrits s’impose aussitôt au lecteur », évoquant les fameuses paperoles qui accompagnaient ce travail souvent long et répété de rédaction se nourrissant de multiples références croisées. Comment cependant recoller tous ces morceaux accumulés par ce long processus de composition ? Quelle relation entretenait l’écrivain avec le temps, ce fameux « Temps », tout au long de la genèse de l’œuvre à accomplir ? Comment avons-nous reçu ce legs un siècle après et que faire de ces multiples manuscrits constituant la création proustienne ? C’est à ces questions auxquelles répond avec précision et clarté ce riche catalogue illustré, bien sûr, par de nombreuses reproductions des manuscrits de Marcel Proust, mais aussi de photographies d’époque et autres œuvres d’art. Pour les amateurs du célèbre écrivain, mais aussi pour les esprits curieux souhaitant vagabonder de page en page dans l’immense laboratoire de la création littéraire d’A la recherche du temps perdu, cet abécédaire réservera bien des agréments et exquises surprises.
 

« Jacques-Emile Blanche – Portrait de Marcel Proust en jeune homme » ; Préface de Jérôme Neutres ; Éditions Bartillat, 2021.
 

À souligner, en cette année 2022 marquant le centenaire de la mort de Marcel Proust, la réédition de l’ouvrage intitulé « Portrait de Marcel Proust en jeune homme » aux éditions Bartillat ; un ouvrage réunissant quatre textes signés Jacques-Emile Blanche, tous consacrés à l’auteur de « À la recherche du temps perdu ». Peintre, critique et écrivain, aujourd’hui certes moins connu que son contemporain, Jacques-Emile Blanche fut, cependant, un peintre réputé ; on lui doit notamment des portraits de Liszt, Montesquiou, Gide, Cocteau ou Mauriac… Il est surtout l’auteur du fameux portrait de Marcel Proust, jeune homme, en 1892 ; un des rares portraits qui nous soit parvenu de Proust, que ce dernier conserva près de lui toute sa vie, aujourd’hui au Musée d’Orsay et qui illustre la couverture de cet ouvrage.
Jérôme Neutres revient dans sa préface sur ces deux destins qui n’ont eu de cesse de se croiser sans jamais avoir cependant la même trajectoire. Marcel Proust, de dix ans son cadet, connut enfant Jacques-Emile, fils du célèbre psychiatre Blanche. Se retrouvant étudiants, ayant des amis en commun dont Robert de Montesquiou ou encore François Mauriac, ils se croisèrent et se brouillèrent à maintes reprises ; si leur amitié fut, ainsi que le souligne Jérôme Neutres, asymétrique, Blanche vouera cependant une amitié et admiration indéfectibles envers le jeune homme, le dandy et l’auteur de la Recherche… « Le succès de Proust ne signe-t-il pas le seul vrai accomplissement de Blanche qui aura été de peindre et de révéler le plus grand écrivain du XXe siècle ? » interroge le préfacier. Aussi est-ce avec un intérêt certain que le lecteur pourra découvrir ces délicieux écrits de Jacques-Emile Blanche.
Deux ont été rédigés du vivant même de Proust dont l’un daté de 1914 ; publié dans « L’Écho de Paris » à l’occasion de la parution l’année précédente « Du côté de chez Swann », Jacques-Emile, en visionnaire, y loue ce premier volume « sans précédent dans notre littérature ». Les deux autres textes ont été écrits par le critique et ami après la disparition de Proust ; le premier est un émouvant témoignage paru dans le numéro spécial de la NRF, « Hommage à Marcel Proust », en 1923 ; le dernier écrit, plus qu’élogieux et touchant, est extrait de l’ouvrage de Blanche « Mes Modèles » paru en 1929.
Un portrait et quatre textes qui dépeignent ce même jeune homme à l’orchidée qu’admira toute sa vie le peintre et écrivain. « (…) Blanche aura au fond recommencé toute sa vie le portrait de Proust en jeune homme. Il aura remis régulièrement son plus célèbre tableau sur son chevalet, pour le décrire et le commenter avec des mots. » souligne encore en sa préface Jérôme Neutres.
 

L.B.K.

Jean-Yves Tadié : « Proust et la société », Éditions Gallimard, 2021.
 

C’est à la recherche d’un Proust dans son temps, dans sa société auquel nous convie Jean-Yves Tadié avec cet ouvrage « Proust et la société » qui vient de paraître aux éditions Gallimard. L’auteur nous dévoile, tour à tour, un Marcel Proust sociologue, géographe, historien ou encore psychologue. Le lecteur retrouvera ainsi Proust dans son milieu avec ses domestiques mais aussi le dandy regardant la société et « le peuple ». En ce tournant du siècle, on découvre également un Proust bien ancré dans le monde de la finance même si ses placements seront souvent malheureux et que l’écrivain se dit plus d’une fois exagérément ruiné… L’auteur revient ainsi sur les rapports que l’écrivain entretenait avec l’argent.
Mais, pour cet ouvrage, Jean-Yves Tadié ne s’est pas limité à nous révéler un Marcel Proust en son temps, il a également entendu faire dialoguer cette société contemporaine avec celle-là même de A la Recherche du temps perdu. Ce monde que dépeint et fit vivre avec sa sensibilité et ses émotions l’écrivain en des pages mémorables, modifiant, changeant noms et lieux tout en leur laissant une certaine part de réalité. Ce n’est pas un regard, mais des regards que livre la Recherche. Ainsi, Jean-Yves Tadié analyse-t-il « La France de 1871 et la famille de Marcel Proust » ou ces « Figures de la modernité », que l’on retrouve tout au long de la Recherche et que Marcel Proust, Alfred Agostinelli, mais aussi Albertine, connurent en leur temps. L’auteur ne souligne-t-il pas en son introduction que Marcel Proust fut « un prodigieux observateur, et, d’après les souvenirs de ses amis, dans les salons, les restaurants, voire les maisons closes, un enquêteur infatigable ». La Recherche rend compte d’une société, celle dans laquelle l’écrivain non seulement évolua, celle qu’il observa, scruta, mais aussi celle qu’il écrivit et imagina. Or, « la société décrite et analysée par Proust, parce qu’elle est représentée de manière symbolique, est encore vivante, et même « créatrice ». Les structures profondes échappent au temps et aux modes. Il y a une mode des modes qui, elle, ne se démode pas. », ajoute Jean-Yves Tadié.
Qu’il soit boursicoteur peu chanceux, technophile amoureux, géographe des lieux…, c’est le portrait d’un Marcel Proust moins connu, parfois inédit que convoque en ces pages Jean-Yves Tadié, et ce, pour le plus grand plaisir du lecteur.

L.B.K.

« PROUST, Le Concert Retrouvé / Un concert au Ritz à la Belle Époque » ; Théotime Langlois de Swarte (violon), Tanguy de Williencourt (piano) ; CD, Stradivari Musée de la musique Paris, Harmonia Mundi, 2021.
 

Le temps d’un enregistrement – ce temps si précieux à Marcel Proust –c’est l’univers de la Recherche qui vient occuper tout l’espace sonore subtilement déployé par deux musiciens talentueux, Théotime Langlois de Swarte au violon et Tanguy de Williencourt au piano. Le disque paru chez Harmonia Mundi s’intitule en effet « Proust, le concert retrouvé ». Il n’est cependant pas ici question de quelques vagues programmes « à la manière de », mais bien d’une véritable recherche musicale sur un concert ayant réellement eu lieu, le 1er juillet 1907 à l’hôtel Ritz de Paris.
C’est une lettre écrite par Proust deux jours après ce fameux concert à son ami Reynaldo Hahn qui nous en dévoile toute la saveur, saveur qui fait l’objet du présent enregistrement. L’univers musical des salons parisiens se trouve spontanément révélé, dépassant la chronologie, pour composer de véritables tableaux de musique.

Proust avait des choix bien arrêtés en matière d’art, en témoignent ses nombreuses références à la peinture et à la sculpture dans son œuvre, et la musique ne faisait pas exception. Il retint lui-même le programme de ce concert ainsi que le choix de ses interprètes. Son amour pour la musique de Fauré n’a d’égal que son admiration pour les choix révolutionnaires introduits par Wagner, Proust n’hésitant pas à faire des parallèles entre la mort d’Isolde et celle de la grand-mère dans la Recherche…

(...) Nos deux interprètes ont su se saisir de cette « matière » musicale ample et disparate pour en restituer toute l’unité féconde qu’avait souhaitée l’écrivain en concevant ce programme. Proposant ces œuvres sur des instruments d’époque, le fameux « Davidoff », l’un des cinq Stradivarius de la collection du Musée de la musique de Paris, ainsi qu’un généreux Érard datant de 1891 restituant fidèlement et avec rondeur ces morceaux choisis.

Dans ce « Concert retrouvé », un arrangement de la fameuse pièce « A Chloris » ouvre tout en sensibilité ce disque. Ravissement également pour cette séduisante interprétation de la Sonate pour violon et piano n° 1 en La majeur op. 13 de Fauré, une œuvre au charme spontané et aux « hardiesses les plus violentes », ainsi que le souligna en son temps Camille Saint-Saëns. Saut dans le temps voulu par Proust avec Couperin et « Les Barricades mystérieuses » qui ne pouvait que séduire par son style luthé l’écrivain amoureux de Versailles. Mais aussi, l’incontournable Chopin, omniprésent dans les salons parisiens, Robert Schumann et « Das Abends » dont le mélomane n’aura aucune peine à imaginer l’effet sur les heureux invités de ce concert. Un merveilleux enregistrement, qui en plus d’être un hommage inspiré à Marcel Proust en cette année anniversaire, offre ce portrait délicieux de toute une époque saisie avec talent par les deux interprètes.

« Marcel Proust – Une vie de lettres et d’images » de Pedro Corrêa do Lago ; Préface de Jean-Yves Tadié ; 19.5 x 25 cm, 288 pages, Editions Gallimard, 2022.
 

Parmi les nombreuses publications consacrées à Marcel Proust, l’ouvrage « Marcel Proust – Une vie de lettres et d’images » retiendra assurément l’attention, offrant à la lecture un fécond et foisonnant dialogue. Plaisir, en effet, que d’ouvrir ces pages et de se promener dans ces multiples entrées où biographie, photographies, manuscrits et documents se répondent tels des échos infinis de la « Recherche ». Plus de 300 documents y sont réunis et présentés par les plus grands soins de Pedro Corrêa do Lago, passionné par Marcel Proust depuis plus de quarante ans. L’auteur n’a pas hésité pour cet ouvrage préfacé par Jean-Yves Tadié à ouvrir au lecteur sa propre collection privée, l’une des plus grandes collections au monde de lettres et manuscrits autographes. Cet ouvrage construit de manière chronologique propose de nombreuses entrées et thèmes abordés qui interpellent ou surprennent au gré de ces lettres, billets, dessins ou photographies rarement montrés en un vertigineux kaléidoscope ; le lecteur parcourt ainsi, sur plus de 260 pages de documents pour la plupart inédits, tant la vie de Marcel Proust, sa famille, ses amis, ses goûts et déceptions et sa « Conquête du grand monde », mais aussi, en contre point, la fabrication de la « Recherche » et la reconnaissance de l’un des plus grands écrivains français… C’est tout l’univers proustien, passionnant et tourbillonnant, qui se donne ainsi à voir, à lire et à découvrir telle une merveilleuse lanterne magique…
 

L.B.K.

Jean-Yves Tadié : « Proust et la société », Éditions Gallimard, 2021.
 

C’est à la recherche d’un Proust dans son temps, dans sa société auquel nous convie Jean-Yves Tadié avec cet ouvrage « Proust et la société » qui vient de paraître aux éditions Gallimard. L’auteur nous dévoile, tour à tour, un Marcel Proust sociologue, géographe, historien ou encore psychologue. Le lecteur retrouvera ainsi Proust dans son milieu avec ses domestiques mais aussi le dandy regardant la société et « le peuple ». En ce tournant du siècle, on découvre également un Proust bien ancré dans le monde de la finance même si ses placements seront souvent malheureux et que l’écrivain se dit plus d’une fois exagérément ruiné… L’auteur revient ainsi sur les rapports que l’écrivain entretenait avec l’argent.
Mais, pour cet ouvrage, Jean-Yves Tadié ne s’est pas limité à nous révéler un Marcel Proust en son temps, il a également entendu faire dialoguer cette société contemporaine avec celle-là même de A la Recherche du temps perdu. Ce monde que dépeint et fit vivre avec sa sensibilité et ses émotions l’écrivain en des pages mémorables, modifiant, changeant noms et lieux tout en leur laissant une certaine part de réalité. Ce n’est pas un regard, mais des regards que livre la Recherche. Ainsi, Jean-Yves Tadié analyse-t-il « La France de 1871 et la famille de Marcel Proust » ou ces « Figures de la modernité », que l’on retrouve tout au long de la Recherche et que Marcel Proust, Alfred Agostinelli, mais aussi Albertine, connurent en leur temps. L’auteur ne souligne-t-il pas en son introduction que Marcel Proust fut « un prodigieux observateur, et, d’après les souvenirs de ses amis, dans les salons, les restaurants, voire les maisons closes, un enquêteur infatigable ». La Recherche rend compte d’une société, celle dans laquelle l’écrivain non seulement évolua, celle qu’il observa, scruta, mais aussi celle qu’il écrivit et imagina. Or, « la société décrite et analysée par Proust, parce qu’elle est représentée de manière symbolique, est encore vivante, et même « créatrice ». Les structures profondes échappent au temps et aux modes. Il y a une mode des modes qui, elle, ne se démode pas. », ajoute Jean-Yves Tadié.
Qu’il soit boursicoteur peu chanceux, technophile amoureux, géographe des lieux…, c’est le portrait d’un Marcel Proust moins connu, parfois inédit que convoque en ces pages Jean-Yves Tadié, et ce, pour le plus grand plaisir du lecteur.

L.B.K.

« Marcel Proust » ; Cahier de l’Herne dirigé par Jean-Yves Tadié, 304 pp., Éditions de l’Herne, 2021.
 

Ces deux dernières années se présentent décidément riches en inédits ou documents rares proustiens. Avec la parution des soixante-quinze feuillets, le somptueux Cahier des éditions de l’Herne consacré à l’auteur de la Recherche s’avère non seulement l’occasion de revisiter l’œuvre du grand écrivain, mais aussi d’entrer au cœur même de la création proustienne, démarche exigeante ainsi qu’en témoignent les études et documents réunis.

Jean-Yves Tadié, grand spécialiste de Proust et coordinateur de cette édition, ouvre son avant-propos en rappelant que « le grand mystère de la littérature véritable, c’est, comme disait Saint-John Perse (…) l’obscure naissance du langage ».

Une conception qui s’entend de manière plurielle, qu’il s’agisse de cette hypersensibilité de l’écrivain au monde qui l’entoure ou de son rapport à l’histoire de l’art, de la musique, et bien entendu, la littérature. Ce Cahier ouvre ses pages aux témoignages moins connus, une cousine, Valérie Thomson, des amis, les Schiff, son dernier secrétaire, Henri Rochat. Tous ont en commun d’avoir connu l’écrivain et d’en livrer l’une des nombreuses facettes à l’image de la fameuse lanterne magique… Ainsi que le souligne très justement Jean-Yves Tadié, cette impressionnante réunion d’études vise moins à « accroître nos connaissances que de maintenir une œuvre en vie et de lui garantir la jeunesse et une forme d’immortalité ». À l’heure de la sollicitation incessante de nos contemporains par le monde numérique qui entraîne souvent une perte de concentration pour aborder de grandes œuvres volumineuses, cette tentative s’avère non seulement non seulement plus que louable, mais aussi indispensable au risque de perdre encore tout un pan de la culture classique déjà bien entamée.
De nombreux inédits puisés dans les Cahiers de Marcel Proust, un article inconnu de Reynaldo Hahn, grand ami de Proust, des témoignages de nombreux contributeurs sur la manière dont ils considèrent l’écrivain, habile façon de le découvrir sous d’autres angles, telles sont les multiples entrées de ce Cahier incontournable pour les amoureux de Proust et de la littérature !

Marcel Proust : « Les soixante-quinze feuillets. Et autres manuscrits inédits » ; Édition de Nathalie Mauriac ; Préface de Jean-Yves Tadié, ; Collection Blanche, Éditions Gallimard, 2021.

Véritable coup de tonnerre dans l’univers proustien, la publication inédite des « Soixante-quinze feuillets » de Marcel Proust aux éditions Gallimard met en émoi chercheurs et passionnés pour ce qui peut être considéré comme les prémices de la Recherche… Ces soixante-quinze feuillets anticipant la Recherche sont conservés aujourd’hui à la Bibliothèque nationale après que l’éditeur Bernard de Fallois en ait fait la donation à sa mort.
La dimension autobiographique récurrente de cette première ébauche élaborée entre la fin 1907 et le début de l’année 1908, qui s’estompera par la suite dans la version définitive du roman, retiendra à l’évidence l’attention des littéraires. C’est en effet avec émotion que le lecteur attentif relèvera, dans ces feuillets la présence des prénoms effectifs de sa mère, Jeanne, de sa grand-mère, Adèle, sans oublier le frère de l’écrivain, Robert, qui disparaîtra quant à lui par la suite dans le roman. Le tableau familial et les repères de l’écrivain trouvent ainsi dans ces textes leur première expression avant de constituer le terreau fertile duquel fleurira la grande œuvre.
Cette « découverte » grâce à la remarquable édition réalisée par Nathalie Mauriac Dyer, arrière-petite-fille de Robert Proust, vient aussi lever le voile sur ce que beaucoup pressentaient. La genèse de l’un des plus grands romans du XXe siècle prend bien ici la forme d’une ébauche, à l’image des sinopie pour les fresques italiennes. Couchée sur de larges pages de 36 x 23 cm, la fine écriture de Proust anticipe les futurs Cahiers que l’écrivain retiendra pour la rédaction définitive de son roman. Si de nombreuses ratures témoignent des balbutiements du chef-d’œuvre futur, il n’y a guère encore de paperolles, ces célèbres bouts de papier collés et corrigeant presque à l’infini le manuscrit final. Seuls quelques dessins et surtout les fondations du futur monument littéraire occupent l’espace des soixante-quinze feuillets dont les titres ont été ajoutés.
Quel paysage ressort de ces ébauches ? Avant tout celui de l’enfance chérie de l’écrivain et notamment cette « Soirée à la campagne » qui ouvre le récit : « On avait rentré les précieux fauteuils d’osier sous la vérandah car il commençait à tomber quelques gouttes de pluie et mes parents après avoir lutté une seconde sur les chaises de fer étaient revenus s’asseoir à l’abri »… Dès les premières lignes, cette sensibilité à fleur d’encre fait avouer au narrateur - qui demeure l’écrivain – ses tremblements, ses fureurs et ses pleurs. Ces premiers feuillets sont l’occasion d’introduire des thèmes qui seront chers à Marcel Proust et qui les développera par la suite avec le génie que l’on sait. La campagne, le charme de ses jardins, l’esquisse de la fameuse scène du coucher et du baiser tant espéré. Cette sensibilité qui a fait la fortune, et les peines, du romancier apparaît en contre-jour d’un univers composé de nostalgie encore autobiographique, mais que le génie de l’écrivain métamorphosera pour la ciseler en roman. Ce thème de l’enfance si précieux à Proust occupe ainsi déjà l’espace de ces feuillets, une enfance aux accents souvent malheureux alternant avec des rayons de bonheur. Transcendant l’exercice des mémoires – déjà si souvent abordés par ses illustres prédécesseurs – Proust espère encore avec ces brouillons faire œuvre à l’image de Balzac ou Dostoïevski, avant de les abandonner, déçu. Cette germination du futur roman s’accomplira cependant subrepticement, à son insu, à partir de l’évocation de ces instants vécus et relatés comme pour mieux les sublimer par la suite.
Ce sont ces piliers essentiels de la Recherche soutenant l’architecture à venir, l’enfance à la campagne, les séjours à la Mer, les jeunes filles, Venise ou encore cet attrait pour la noblesse que le lecteur aura le bonheur de découvrir dans ces « Soixante-quinze feuillets. Et autres manuscrits inédits »… C’est, en effet, du dépassement de l’élément autobiographique en façonnant de véritables personnages autonomes de roman que résidera le génie du futur roman.
Il faut encore souligner pour conclure l’immense travail critique réalisé en un temps record par Nathalie Mauriac Dyer sur près de 200 pages de notice et de notes offrant ainsi différents niveaux de lecture de cette unique introduction à la Recherche !

Marcel Proust : "A la recherche du temps perdu" - nouvelle version en 35 CD MP3 et 7 petits coffrets ; Présentation de Jean-Yves Tadié dans le livret d'accompagnement ; lu par : André DUSSOLLIER, Lambert WILSON, Denis PODALYDÈS, Guillaume GALLIENNE, Robin RENUCCI, Michaël LONSDALE, Editions Thélème.

Dossier Romain Gary

(1914-1980)

La vie de Romain Gary est un roman, à moins que l’inverse ne soit plus proche de la réalité. Véritable caméléon posé sur un tartan écossais comme il aimait à le faire remarquer, l’écrivain et l’homme se confondent au point parfois de ne plus se distinguer. Romain Gary, Émile Ajar, Fosco Sinibaldi, Shatan Bagat, tels sont les multiples pseudos et facettes de cet homme insaisissable. Gary a toujours reconnu avoir deux amours dans sa vie, celles de la littérature et des femmes.

Amour de sa mère tout d’abord, personnage truculent auquel l’écrivain rendra hommage notamment dans « La promesse de l’aube » récit « autobiographique » - l’adjectif est toujours délicat avec Gary – haut en couleur qui retrace à grandes lignes le destin écrit à l’avance par la mère du futur écrivain, ambassadeur, héros de guerre et bien d’autres titres honorifiques qu’il accomplira consciencieusement ( ouvrage qui sera idéalement complété par le long entretien « La nuit sera calme »)…
 

Biographie et littérature tisseront dès lors des liens étroits, « les Racines du ciel » consacre l’écrivain avec le prix Goncourt en 1956 et témoigne d’une conscience précoce de l’écologie avant l’heure par sa défense des éléphants, métaphore élargie à toutes les menaces pesant sur le vivant. L’humour – noir parfois, grinçant, souvent – vaut à Romain Gary la réputation d’un électron libre, à la fois fidèle en amitié – soutien indéfectible au général de Gaulle - tout en dénonçant impitoyablement la bêtise humaine.

 « La Vie devant soi » lui vaut un second prix Goncourt en 1975 sous le pseudonyme d’Émile Ajar, un pavé jeté alors dans la mare qui provoqua plus d’un remous dans le monde littéraire ; On mettra longtemps à lui pardonner ce canular…

(auto)-dérision (« Au-delà de cette limite »), profondeur des sentiments (« Clair de femme »), sagacité sur le phénomène humain (« Les oiseaux vont mourir au Pérou »), ironie et lucidité (« Les clowns lyriques »), nombreux sont les thèmes qui accompagnent et entrelacent l’écriture toujours juste de l’écrivain, une flèche incisive frappant droit au cœur de la cible. Romain Gary s’est essayé à de nombreux métiers, de scénariste-réalisateur au diplomate, en passant par le garçon de café, le résistant de la première heure et bien d’autres encore, mais c’est avant tout en fabuleux conteur de l’âme humaine qu’il a toujours su exceller et dont ses nombreux romans disponibles en poche Folio témoignent !

A la découverte de...

Edmond Jabès (1912-1991)

Edmond Jabès, natif du Caire, garda toute sa vie la nostalgie de son pays, et de manière plus générale de la Méditerranée qui le vit naître en 1912. 1957 marque une rupture lorsque l’écrivain quitte son pays mythique pour rejoindre la capitale française où il sera accueilli par des auteurs qui compteront beaucoup tel Max Jacob qui l’aidera à trouver sa propre voix. Jabès n’en oubliera pas pour autant ses origines juives et cette ville de frontières qu’était le Caire dans la première moitié du XXe siècle.

C‘est dès lors une parole d’exil qui jalonnera ses différents écrits, parole privilégiant un questionnement incessant plus que des réponses illusoires. « Le Livre des Questions » constituera ainsi une véritable aventure, un parcours où le désert sera omniprésent, ce lieu de silence propice au questionnement de la mémoire et de l’exil. L’écoute prend alors valeur de jalon essentiel chez le poète-écrivain, le silence du désert prolongeant très souvent l’incomplétude des mots ainsi qu’il ressort de sa poésie « Le Seuil, Le Sable » allant de 1943 jusqu’à 1988.

Amateur de contradictions, Edmond Jabès explore ces contraires qui tissent la richesse de la matière humaine. C’est à partir de ces oppositions que l’écrivain élaborera sa pensée et favorisera le dialogue. Jabès considèrera d’ailleurs toute sa vie que cette aspiration au dialogue caractérisait son oeuvre, ses livres constituant une succession de dialogues dans et hors le temps.

Cet inlassable questionnement le conduisit progressivement alors à une certaine épuration de la pensée, loin de tout dogmatisme. À l’image des vieux sages mystiques, Jabès accompagne, guide, suggère mais n’assène jamais de certitudes. Jabès fait alors de l’inaccompli une certaine jouissance là où d’autres auraient ressenti de la frustration.

« L’inaccompli, c’est la vie » n’hésite-t-il pas à souligner et tout le défi étant d’accepter cette part obscure et apparemment vide, à l’image du désert. Edmond Jabès croit ainsi au manque, ce qui est dit soulignant souvent l’indicible.

Dossier Nicolas Restif de La Bretonne

(1734-1806)

Le nom de Nicolas Rétif de La Bretonne (ou Rétif de la Bretonne) semble de nos jours être quelque peu injustement tombé dans l’oubli à l’exception des spécialistes du XVIIIe et des passionnées de la fin de l’Ancien Régime y puisant un intérêt toujours renouvelé. Et, en effet, cette plume à nulle autre pareille conjuguée à l’acuité de son regard sur les évènements de son temps - l’écrivain était surnommé le hibou - méritent d’être (re)découverts tant cet auteur a encore beaucoup à nous apprendre en notre époque troublée. Le choix très vaste des lectures - l’écrivain ayant été très prolifique et à l’instar de Balzac vivant souvent de ses écrits - pourra se porter sur l’une de ses grandes œuvres : « Les Nuits de Paris ».

Les éditions Folio avec cette édition de Jean Varloot et Michel Delon proposent une sélection (l’œuvre compte plusieurs milliers de pages) de ce récit haut en couleur évoquant petits et grands évènements de la capitale. Mais Restif n’est pas un témoin anodin, et même s’il fut surnommé avec méchanceté le « Rousseau du ruisseau », son témoignage vécu et réel de ses innombrables nuits passées dans les rues de Paris fascinera tout autant les passionnés d’Histoire que d’histoires. Si l’écrivain du XVIIIe s. peut être rapproché par certains aspects d’un Laclos ou d’un Sade, « Les Nuits » s’en distinguent très nettement et livrent notes et commentaires de ce témoin direct de cette période de rupture entre Ancien Régime agonisant et nouvelle ère à venir. On lira avec profit la préface éclairante de Jean Varloot qui en quelques pages réussit la gageure de résumer et présenter avec finesse ce long récit épique dans les venelles parisiennes. Dès la première page, le lecteur découvrira après ce témoignage captivant une sélection de ces « 1 001 nuits » passées dans la capitale à partir de 1767 jusqu’aux jours révolutionnaires, un voyage dans le temps et les mœurs de cette époque que ce « Spectateur-nocturne » ainsi qu’il se surnommait sut saisir avec un rare bonheur !

« Les nuits révolutionnaires » réalisé par Charles Brabant, 7 épisodes de 60 min - Version numérisée et restaurée en 2K, 4 DVD, Doriane Films, RM Arts, 2021.
 

Restif de la Bretonne, écrivain et philosophe, moraliste autant que libertin, a vécu la Révolution à chaud. Toutes les nuits, il arpente les bas-quartiers du Paris populaire, tel un hibou. C’est en voyant défiler sous ses yeux la grande, et la petite histoire, qu’il a écrit Les Nuits de Paris.

Véritable petit bijou de nos jours injustement méconnu, la série « Les nuits révolutionnaires » d’après l’œuvre et la vie de Nicolas Restif de la Bretonne nous transporte à la veille de la Révolution jusqu’à la Terreur robespierriste en 7 épisodes passionnants. Le réalisateur, Charles Brabant, littéralement happé par le souffle rétivien a conçu un scénario particulièrement habile afin de restituer ces temps troublés où chaque parti cherchait à tirer à soi la lame de fond révolutionnaire. Produite pour le bicentenaire de la Révolution en 1989, cette fresque trépidante n’a pas pris une ride et la prestation de son personnage principal en la personne de Michel Aumont rivalise avec la beauté des décors restituant le Paris nocturne et diurne des années révolutionnaires.

Alternant moments de gravité et scènes plus cocasses, l’esprit libertin côtoie celui des Lumières en d’habiles transitions. Avec un casting de choix (Michel Bouquet, Maria Casarès, Fabrice Luchini, Gérard Desarthe, Bernard Fresson, Daniel Mesguich, Paul Crauchet, Michel Robin, Maria de Medeiros, Marcel Maréchal…), cette série parvient à se saisir non seulement de l’esprit révolutionnaire avec ses convictions et doutes, mais aussi de la vie parisienne vue sous d’autres angles que ceux habituellement légués par l’histoire officielle, sous le regard perçant de cet écrivain à l’étonnant parcourt que fut Restif de la Bretonne (1734-1806), dit « le hibou ».
Un voyage captivant sur les temps révolutionnaires à découvrir impérativement avec ce coffret Doriane Films !

Jean Starobinski

Jean Starobinski : "Le Corps et ses raisons", collection La Librairie du XXIe siècle, 544 p., Éditions Seuil, 2020.
 

Le corps et l’écriture ont toujours été intimement liés pour Jean Starobinski, ainsi qu’en témoigne cet ouvrage posthume « Le corps et ses raisons » qui vient de paraître au Seuil, un an après la disparition du grand historien des idées et des arts. Des textes riches et multiples s’attachant à un domaine de prédilection du grand historien, celui de la perception du corps, de la médecine, de son histoire, mais aussi de l’histoire de la pensée.

Rappelons qu’alors qu’il était encore jeune étudiant, Jean Starobinski enchaîna de l’automne 1939 à 1948 dans les Facultés de Genève, des études de lettres, mais aussi des études de médecine. Une façon pour le jeune intellectuel et fils de médecin qu’il était alors, de réconcilier les concepts littéraires et philosophiques et la rigueur d’une approche pragmatique, à une époque où la littérature lui paraissait peu encline à lui assurer son avenir.

Nombre de ses écrits et non des moindres, dont sa thèse consacrée à « l’Histoire de la mélancolie », témoignent de cette attirance et de ce désir de dresser des ponts entre littérature et médecine.

Ce dernier ouvrage paru aux éditions du Seuil et consacré à la fois au corps et à sa perception tant en médecine, en histoire, en philosophie qu’en littérature, illustre une nouvelle fois, cette aspiration pour l’historien de ne jamais trop séparer ou séquencer.
Starobinski s’attacha, en effet, à chaque fois que l’occasion lui en était donnée, à isoler le domaine des perceptions corporelles afin d’en analyser leurs différents registres. Ce fut alors un champ immense d’observations et d’analyses qui s’ouvrit pour l’historien, ces recherches visant notamment à distinguer les perceptions en lien avec l'élément de plaisir ou de souffrance qui peuvent affecter le corps. L’exemple de Montaigne est révélateur, cet homme n’eut de cesse de chercher à jouir de la vie alors même qu’il possédait un corps souffrant atrocement de la fameuse maladie de la pierre (calculs rénaux). Le regard critique de Starobinski ne pouvait pas, non plus, ignorer ces fameux « symptômes » de fièvre d’Emma Bovary, entre chaud et froid, qui jalonnent le roman de Flaubert. Cette perception corporelle s’inscrit dans un réseau de phénomènes sensoriels suivant un ordre bien particulier, un ordre étudié dans « Le corps écrit », mais qui viennent également s’inscrire quant à leurs fonctions à l’intérieur même des différents mouvements narratifs du roman. Ainsi, l’historien dresse-t-il la carte, au fil de ces chapitres et œuvres littéraires – Molière et les médecins, ou encore Camus et la peste…, des liens ténus qui unissent « Le corps et ses raisons ». Que dit ou a dit le corps ; ce qu’il peut ou ne peut dire, le corps au travers de l’histoire de la médecine, le visage, le génie poétique, l’art et la schizophrénie jusqu’à « La présence au monde » d’aujourd’hui… études précises, colloques ou hommages, chaque texte apporte sa pierre à un édifice érudit, passionnant et accessible.

Délaissant les nomenclatures et autres systématiques trop contraignantes, Starobinski leur préfère une relation critique, à la fois rigoureuse méthodiquement et souple lorsqu’il s’agit de l’individu, en psychiatrie notamment, discipline dans laquelle il s’était spécialisé. C’est cette souplesse exigeante qui caractérise l’approche de Jean Starobinski en une focale tour à tour macroscopique et microscopique, entre le texte et les registres des émotions émanant du corps, entre l’histoire de la médecine, le passé et l’avenir. Avec un style d’une limpidité à la hauteur des analyses de l’historien, « Le corps et ses raisons » s’avère être l’un des derniers témoignages d’un esprit rapprochant de manière lumineuse bien des aspects épars de la pensée humaine.

Jean Starobinski : « Histoire de la médecine », édition établie et présentée par Vincent Barras, illustrations Nicolas Bouvier, Éditions Héros-Limite, 2020.
 

« Qu’avons-nous demandé et que peut-on aujourd’hui encore demander à la science ? ». Ainsi que le relève Vincent Barras en préface : « Pour Starobinski, ouvrir la médecine contemporaine à ce ‘paysage de fond qu’offre le passé’, c’est aussi bien, faire de la médecine sous une forme qui est la sienne propre ». Ce qu’a accompli - avec le génie de la synthèse que l’on sait - l’historien des idées dans cet ouvrage destiné aussi bien aux spécialistes qu’au grand public. L’auteur n’a pas retenu – comme toujours - une démarche strictement linéaire pour cette histoire, mais a recherché un réseau d’idées fondateur et constructif, loin cependant de toute systématique dont Starobinski se méfiait toujours. Les fins de la médecine, notre rapport à elle, ouvrent ainsi en ces pages à tout un réseau de questionnements et de prises de conscience multiples.

Cependant, Jean Starobinski prend soin d’avertir, au terme de cette étude, qu’il n’est pas possible d’exiger de la médecine de définir des normes et des valeurs, domaine relevant de la sagesse. Sa mission est de contribuer à la vie, non d’y donner un sens. Par contre, sa finalité sera atteinte si nous apprenons ce que nous pouvons lui demander, suivant en cela les conseils antiques d’Hippocrate qui rappelait que « le médecin ami de la sagesse est égal aux dieux ».

A la suite de cette première publication, Jean Starobinski avait également projeté une histoire de la médecine et de la perception du corps avec son ancien élève et ami Nicolas Bouvier. Malheureusement ce projet ne put aboutir en raison de la disparition de l’écrivain voyageur, en 1998. Reste que cinquante après, la lecture de cette réédition de cette « Histoire de la médecine » de 1963 demeure indéniablement toujours aussi vivifiante. Une lecture plus que bien venue en ces temps troublés et difficiles et à l’heure des nombreux enjeux posés par la biotechnologie.

Centenaire Jean Starobinski (1920–2020)

Sous l’impulsion des ALS et de l’EPFL+ECAL Lab, le projet d’exposition virtuelle sur Jean Starobinski a réuni pendant deux ans, au gré d’un vaste chantier expérimental, des experts de littérature, en recherche muséale, en design, en ingénierie et psychologie.

L’exposition Relations critiques a gagné le Prix « Le Meilleur du Web » 2020 dans la catégorie User Experience.

Dossier Jean de La Fontaine (1621-1695)

Nous fêtons en cette année le 400e anniversaire de la naissance de Jean de la Fontaine. Et pour cet évènement, un grand nombre de belles publications rendent hommage à l’un des plus grands poètes que le Grand Siècle ait compté. Sa jeunesse lui apprit très tôt à profiter des enseignements de la vie, son esprit s’enquit dès lors de toutes ces histoires que l’on rapportait dans les campagnes et qu’il sut garder en mémoire afin de les associer par la suite à celles puisées dans l’Histoire. Nombreux sont les paradoxes qui nourriront ainsi sa vie, puis alimenteront l’encre de sa plume. Se découvrant une vocation précoce, il entre à l’Oratoire et suit un noviciat qui finalement n’atteindra pas la deuxième année… Même si son esprit le portait à la méditation intérieure, le futur auteur des Contes licencieux n’avait pas l’âme suffisamment orientée vers le retrait de la vie ainsi qu’en témoignent ces quelques jugements sur les hommes d’Église :

« Monsieur l’abbé trouvait cela bien dur
Comme prélat qu'il était, partant homme
Fuyant la peine, aimant le plaisir pur,
Ainsi que fait tout bon suppôt de Rome ».

Toute sa vie, cette double inspiration le guidera, tantôt vers le libertinage, tantôt vers la vie dévote, notamment du côté de Port Royal où le poète se fit de nombreux amis.
Mais, sa grande œuvre connue dans le monde entier et qui a gravé son nom à jamais dans le panthéon littéraire réside dans ses « Fables choisies mises en vers ». Les premières verront le jour en l’année 1668, quelques années après les « Contes ». C’est l’antique qui inspire tout d’abord Jean de La Fontaine, ainsi que deux autres auteurs, Ésope et Phèdre, auprès desquels le poète puisera également ses sources. Mais loin d’en être un servile traducteur, La Fontaine fourmille d’inventions et de créativité dans ce cadre seulement en apparence rigide. Et là, réside indéniablement le génie de son œuvre, dépasser ces histoires qui n’auront pas seulement une valeur morale, mais présenteront plutôt les divers chatoiements de l’âme humaine.

C’est ce génial esprit qui ressort de la remarquable édition élaborée par Jean-Pierre Collinet pour la collection de La Pléiade aux éditions Gallimard. Ce travail, fruit d’une longue et patiente recherche, offre pour la première fois le texte intégral des « Fables » accompagné d’illustrations de Grandville. Le vis-à-vis de toutes ces gravures et dessins répondant à la poésie de La Fontaine enchante la lecture suscitant un fabuleux système de renvois inconscients entre le vers et l’image. Il suffira, pour s’en convaincre, d’observer avec attention le regard cupide de l’Avare à l’encontre de sa pauvre poule aux œufs d’or venant d’être éventrée pour comprendre toute la misère humaine lorsqu’elle cède à ses instincts les plus vils… La truculence du verbe et du trait vont ainsi de pair, non sans un certain effroi lorsque les sentiments touchent de près l’âme dans ce qu’elle a de plus fragile. La Fontaine sut, plus que nul autre, de quelques traits saisir l’esprit d’une situation, le caractère caustique d’un évènement. C’est grâce au verbe qu’il opéra de la plus saisissante manière tout en avouant modestement :

« Je ne suis pas un grand prophète,
Cependant je lis dans les cieux
Que bientôt ses faits glorieux
Demanderont plusieurs Homères ;
Et ce temps-ci n’en produit guères. »
(Le loup et le renard) p. 785

Ainsi que le souligne Yves Le Pestipon dans la préface, « le pouvoir des Fables de La Fontaine est loin d’être épuisé » car sa vocation universelle lui permet d’attirer petits et grands, de ce côté-ci de l’Atlantique comme de l’autre, laissant ainsi présager que cette belle édition profitera encore de nombreuses années d’une longue postérité.

Les Contes de La Fontaine peuvent également être découverts aux éditions Dianes de Selliers, édités aujourd’hui dans la version « La Petite Collection ». L’intérêt de cette édition consacrée aux Contes réside dans l’admirable travail iconographique entrepris par Diane de Selliers qu’elle sut saisir à l’occasion d’une exposition au musée du Petit Palais consacrée au peintre Fragonard et le dessin au XVIIIe s. C’est en découvrant dans la dernière salle, soixante lavis du peintre pour une édition manuscrite des Contes du poète que l’idée lui vint de proposer au lecteur contemporain une nouvelle édition à partir de ces cinquante-sept dessins originaux de Fragonard.

Un véritable travail technique a été rendu indispensable afin de reproduire avec la plus grande fidélité possible ces sources toujours délicates en photogravure. Une coopération étroite avec le musée du Petit Palais a permis de rendre les blancs de ces lavis de bistre, restituant ainsi toutes leurs nuances notamment dans les visages. Cette délicatesse en vis-à-vis des Contes de La Fontaine saisira spontanément le lecteur lorsqu’il découvrira ces jeux de lumière à peine suggérés en de délicats contrastes, un éclairage proche d’une chandelle que le lecteur pourra notamment admirer dans le conte « La Mandragore », une nouvelle tirée de Machiavel.
Mais, qu’on ne s’y trompe pas, les Contes n’ont rien d’angélique et La Fontaine avait convenu lui-même que son livre était licencieux en confessant :

« Qui pense finement et s’exprime avec grâce,
Fait tout passer car tout passe. »

Boileau l’avait déjà condamné pour avoir rendu le vice aimable là où le poète ne voyait qu’une facette de plus de son art, quel qu’en soit le thème… Ainsi que le souligne José-Luis de Los Llanos, conservateur au musée du Petit Palais, «

Avec les Contes, La Fontaine livre ainsi un art poétique de sa manière où il entend bien démontrer qu’il n’est, à son sens, d’autre exigence au poète que la finesse de la pensée et la grâce de l’expression ». Là, réside la beauté de la présente édition. La même exigence de finesse et de grâce réunit le poète et le peintre en ce XVIIIe siècle si porté aux Goûts réunis… Malgré les condamnations et les critiques qui s’abattirent sur l’ouvrage, celui-ci ne cessera d’être remis sur le métier par son auteur et de gagner en notoriété. Et même si le poète au seuil du trépas se laissa influencer par un Père confesseur trop entreprenant pour son salut en condamnant lui-même son propre travail, les Contes avaient déjà acquis leur propre vie, indépendamment de celle déclinante de leur géniteur. Ils deviendront dès le XVIIIe siècle l’un des archétypes de l’art galant, influençant les artistes dont Fragonard. Ce dernier saura plus que quiconque saisir l’esprit et la grâce de la poésie de La Fontaine, la truculence également.

Les drapés suggérés, la pénombre esquissée, la théâtralité magnifiée sans excès, tous les ingrédients sont, ici, réunis pour un accompagnement agréable et léger, dans tous les sens du terme grâce à cette remarquable édition.

« Jean de La Fontaine – Il faut que je vous apprenne jusqu’à mes songes » ; Correspondance intégrale réunie et présentée par Pascal Tonazzi ; 280 p, Coll. « Le Passeur Poche », Éditions Le Paseur, 2021.

L’ouvrage rassemble une cinquantaine de lettres de Jean de la Fontaine ou lui ayant été adressées allant de 1656, une dizaine d’années avant qu’il ne soit au faîte de sa gloire, à 1695, au seuil de sa mort. Bien qu’il soit assurément un grand épistolier, ce sont pourtant et malheureusement les seules et uniques lettres du poète qui nous soient parvenues. Des lettres d’autant plus précieuses qu’elles nous dévoilent l’homme tel qu’il fut dans ses liens avec son épouse, son oncle Jannart, ses amis dont Maucroix ou encore son mécène. Que de noms connus apparaissent dans ces exercices épistolaires, Fouquet dont il était très proche, le prince de Conti, mais aussi le duc de Vendôme ou encore Racine... Contant à sa femme avec verve et virtuosité son voyage à Limoges avec Jannart, discutant comptes, plus graves lorsqu’il s’agira de son ami Fouquet ou encore toute de galanterie à Mademoiselle de Champmeslé, chaque lettre est une découverte apportant une touche personnelle, livrant jugements, confidences et détails cocasses.

Centenaire naissance

Pier Paolo Pasolini (1922-1975)

La biographie de Pier Paolo Pasolini rédigée par René de Ceccatty en 2005, et complétée cette année (Folio biographies 2022), est certainement celle qui fait référence en langue française, tant son auteur a su capter les multiples facettes de l’intellectuel italien disparu tragiquement en 1975. C’est justement sur les conditions obscures de ce meurtre jusqu’aujourd’hui resté sans issue judiciaire déterminante que le traducteur et auteur de nombreux romans revient avec un chapitre inédit. Alors que nous fêtons le centième anniversaire du poète, romancier, cinéaste, dramaturge, les raisons pour lesquelles il fut lâchement assassiné sur une plage d’Ostie une nuit de novembre demeurent, en effet, encore dans l’ombre même si plusieurs thèses ont été avancées. René de Ceccatty en un chapitre final intitulé « Une ordalie » revient ainsi sur les multiples arguments avancés – thèse politico-économique avec son fameux roman inachevé Pétrole, relations tumultueuses avec les voyous romains…, pour conclure que rien ne saurait être écrit définitivement, les véritables motifs de cette disparition tragique restant encore prisonniers sous une chape de silence.

René de Ceccatty signe également « Avec Pier Paolo Pasolini » paru aux éditions du Rocher – 2022, un fort volume de 557 pages réunissant à l’occasion du centenaire de la naissance de Pasolini une partie importante du travail d’une vie, celui qu’a consacré Ceccatty pour un artiste qu’il sut admirer dès son plus jeune âge. Fil directeur de sa propre création, Pasolini a, en effet, joué et joue encore un rôle essentiel pour le romancier et traducteur français, et cette somme en témoigne de la manière la plus touchante.

Les éditions du Seuil publient pour la célébration de ce centenaire de la naissance de Pasolini des entretiens passionnants avec le journaliste irlandais Jon Halliday, fruits d’une interview approfondie de Pasolini pendant deux semaines à la fin du tournage de « Théorème ». Plus qu’un portrait, cette conversation intime avec l’intellectuel italien fait entrer le lecteur au cœur de la création pasolinienne, passant de la tragédie de Sophocle au cœur du thème d’Œdipe si cher à Pasolini (voir les rapports plus que conflictuels entretenus avec son père et ceux très forts avec sa mère avec qui il partagera sa vie jusqu’à sa mort) à la beauté morale lors du travail sur « L’Évangile selon saint Matthieu » en 1964. Le lecteur y découvrira cet amour irréductible pour l’authenticité des paysages afin de saisir ce qu’il savait plus que quiconque menacé de disparaître, cette quête existentielle pour approcher l’homme au plus près, tout en sachant qu’une part importante serait toujours hors d’atteinte, rejoignant parfois une certaine transcendance qu’il refusa pourtant toute sa vie. Illustrée par de très nombreuses photographies de plateau et d’archives, cette porte d’entrée sur l’œuvre et une grande partie de la vie de Pasolini ne pourra que passionner les amateurs du grand intellectuel italien.

"La Macchinazione"

Interview David Grieco

 Interview exclusive

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Pier Paolo Pasolini

la rage poétique

700ème anniversaire

de la disparition de Dante Alighieri

« La Divine Comédie – Le Paradis » Dante Alighieri ; Traduction de Michel Orcel, Éditions La Dogana, 2021.
 

Avec « Le Paradis » s’achève l’un des plus extraordinaires voyages livré par l’histoire de la poésie occidentale. Sept siècles ont en effet passé depuis ces derniers vers de Dante Alighieri (1265-1321) :

« Ma haute fantaisie lors défaillit,
mais jà menait mon désir et vouloir,
comme une roue qu’on tourne également,
l’Amour qui meut Soleil et toute étoile ».

Quel est cet Amour auquel Michel Orcel prend soin d’ajouter une majuscule ? Celui pour Béatrice qui fit traverser le poète en compagnie de Virgile parmi les cercles et autres cloaques de l’Enfer ? Dante, au terme de cette longue pérégrination, atteint une autre dimension, quittant celle des hommes pour une lumière absolue sublimant celle des astres les plus éblouissants.

Comment dès lors évoquer ce Paradis ? Même le génial Liszt hésita suivant les conseils de son ami Richard Wagner à oser l’irreprésentable en ne composant pour ce troisième volet de sa fameuse Dante-Symphonie qu’un Magnificat au lieu et place d’un Paradis…

Dante parvint cependant à quitter l’omniprésente « paura » de l’Enfer pour tisser une incomparable broderie où la Lumière éternelle unifie et dépasse toutes les particularités et individualités. Le lecteur de cette admirable traduction de l’écrivain et poète Michel Orcel réalisera alors la difficulté de rendre toutes ces subtilités et nuances, cette « fabrication d’espaces » de la Divine Comédie ainsi que le qualifia Carlo Ossola. Les valeurs d’éternité se dessinent ainsi progressivement au fil des pages, d’une glorification de Béatrice aperçue en rêve au Paradis à la Lumière divine omniprésente, terme du long voyage, si différent de celui d’Ulysse…

Dante explore en une quête alliant poésie et théologie la science de l’éternel suivant un rythme tripartite symbolisant La Trinité chrétienne de Dieu le Père, du Christ et de l’Esprit Saint. Cette lumière si bien rendue par la traduction cristalline de Michel Orcel enveloppe le lecteur et l’encourage à dépasser sa condition humaine afin d’atteindre une autre dimension suggérée dans les dernières pages de cet incomparable poème.

Quittant les choses contingentes, la poésie s’élance vers l’absolu représenté par cette lumière transcendante, un « Amour qui meut Soleil et tout étoile » et dont nous pouvons remercier Michel Orcel d’en laisser percevoir les éclats au terme de cette belle et longue quête poétique.

Philippe-Emmanuel Krautter

Interview Michel Orcel

Dante Alighieri "La Divine Comédie - Le Purgatoire"

Quel a été le point de départ de cette nouvelle traduction d’une œuvre légendaire, La Divine Comédie de Dante Alighieri, que vous avez entreprise depuis quelques années ?
 

Michel Orcel : "Je l’ai brièvement dit dans ma préface à l’Enfer, c’est l’indignation qui m’a mû. Une sainte indignation devant des traductions qui, soit par la complexité presque extravagante de leur langue (je pense évidemment à Pézard) soit par leur absence totale de musicalité (ce qui ne veut pas dire de mélodisme : il y a une vraie âpreté dantesque, et non moins d’opacité dans nombres de vers de la Comédie), me semblent faire obstacle à une lecture à la fois fidèle et contemporaine de ce chef-d'œuvre fondateur de la langue italienne, qui est aussi un sommet de la littérature universelle. Mais ma colère visait également les traductions qui aplatissent le discours de la Comédie. Je pense non seulement à la traduction de Jacqueline Risset (en vers libres), dont personne n’a jamais observé qu’elle est totalement dénuée de l’élément rythmique fondateur du poème, mais surtout à celle qu’un écrivain a récemment donnée chez un grand éditeur en mettant le poème de Dante en… octosyllabes, amputant ainsi de moitié l’ampleur poétique, intellectuelle et théologique de l’ouvrage, qui devient une sorte de « traduction de gare », comme on dit un « roman de gare ». J’écris en italiques le mot octosyllabe, car en vérité les « vers » de cette traduction sont des phrasettes de huit pieds, qui ignorent totalement la structure du vers octosyllabique – laquelle ne convient absolument pas à l’esprit du poème (il suffit pour s’en convaincre de relire les Chansons des rues et des bois d’Hugo). Cette tentative grotesque m’évoque les réécritures qu’on donne aujourd’hui de nos livres d’enfant : on supprime les mots un peu difficiles, on coupe en deux les phrases trop longues, on simplifie la syntaxe, on « modernise » la langue (« nous » devient « on »), etc. - Je l’ai dit aussi : je n’ai jamais pensé que je serais un jour conduit à traduire Dante, qui m’a longtemps semblé un massif inaccessible, mais, quand la chance m’en a été offerte par Florian Rodari, j’avais par rapport à mes concurrents l’avantage considérable d’avoir traduit les autres grands chefs-d’œuvre italiens en décasyllabes, et notamment les 39 000 vers du Roland furieux et les 15 000 vers de la Jérusalem délivrée, sans parler de Michel-Ange, poète obscur et rude s’il en est, et des poésies lyriques du Tasse. Pour traduire Dante, aucune autre solution ne s’offre en français que celle de la traduction en décasyllabes, vers qui est l’équivalent exact de l’hendécasyllabe italien. Mais un décasyllabe dont il faut posséder l’usage, ce qui sous-entend de longs exercices et une féconde méditation des vieux poètes français.
 

Avez-vous rencontré des problématiques particulières pour la traduction du Purgatoire par rapport à celle de l’Enfer ?

Michel Orcel : "Non, mais vous me donnez l’occasion de m’expliquer un peu mieux là-dessus. La souplesse de son style permet à Dante d’adopter dans le Purgatoire les mots, les tons, le phrasé qui conviennent évidemment à son objet ; le lexique, par exemple, n’use plus des couleurs violentes et parfois obscènes de l’Enfer, mais l’appareil stylistique (tropes hardis, syntaxe remodelée, métaphores concrètes, etc.) et la langue ne sont pas substantiellement différents. Ce qui diffère, en revanche, ce sont les moyens du traducteur, qui, d’une part éprouve un soulagement à quitter le monde infernal (où les émotions sont intenses mais désespérées), et qui d’autre part pénètre toujours plus profondément dans l’œuvre et se prend du même coup à modeler de plus en plus près son vers sur le vers italien. De telle sorte que, si je n’ai jamais cherché à reproduire le système des rimes (ABA BCB CDC, etc.) - ce qu’a tenté une récente traductrice (traductrice – mais certainement pas poète), montrant ainsi que c’est une entreprise impossible si l’on veut sauver la grandeur et la complexité du tissu poétique de Dante -, j’ai spontanément trouvé des échos plus flagrants, des rimes plus fréquentes, notamment entre le premier et le troisième vers du tercet. Pour ne rien vous cacher, la chose s’est d’ailleurs vérifiée et accrue dans la traduction du Paradis. Pour répondre à votre question : loin d’avoir rencontré de nouveaux obstacles, les difficultés se sont faites moins pesantes.

Quelle vision selon vous nous livre Dante du Purgatoire sachant que ce concept est né au Moyen Âge ainsi que l’a brillamment rappelé le médiéviste Jacques Le Goff (lire notre interview) ?

Michel Orcel : "C’est une vision très proche de la théologie chrétienne (saint Thomas et la théorie de l’amour détourné de son vrai but sont bien là en arrière-plan) mais, en même temps, profondément personnelle. De même qu’il avait sauvé dans les « Limbes » de l’Enfer de grands personnages de l’Antiquité (Homère, Horace, Aristote, Platon, etc., et jusqu’à Démocrite, étonnant choix !) ou même du monde païen (Averroès, Saladin), de même le Purgatoire est marqué par la présence de trois grandes figures de l’Antiquité : Caton, qui accueille le poète dans l’anté-Purgatoire ; Virgile, le « très tendre père » qui guide le poète depuis les Enfers et le quittera (terrible moment !) au seuil du Paradis terrestre, sommet du Purgatoire, et un autre poète latin, Stace, qui va le conduire vers Mathilde et puis Béatrice. La présence de Caton n’est pas peu étonnante, si l’on y réfléchit. Stace peut surprendre aussi, car on ne sache pas que ce grand poète (si mal connu aujourd’hui) soit jamais devenu chrétien. Cela dit, la structure de la Divine Comédie est très pensée, et le Purgatoire est construit de façon spéculaire par rapport à l’Enfer : au lieu d’un gouffre structuré en « cercles » descendants, c’est une montagne qu’on gravit par corniches jusqu’au Paradis terrestre, qui se trouve inclus (c’est une invention de Dante) dans le Purgatoire.

Pensez-vous que cette vision de Dante soit encore compréhensible et accessible aux jeunes générations d’aujourd’hui ?

Michel Orcel : "Je dirai d’abord que, depuis au moins deux siècles, lire Dante n’exige en aucune manière de croire en Dieu et a fortiori à la réalité de l’Enfer et du Purgatoire.

Si les Italiens de tous âges continuent à être profondément émus par la lecture de la Comédie, c’est, non seulement parce que Dante est le père nourricier de la langue italienne et un pôle symbolique (comme Verdi) en qui se reconnaissent les Italiens, mais aussi parce que son poème décrit l’humanité avec violence, crudité, verdeur, ironie, humour, mais aussi tendresse, amitié, passion et compassion. Tous les sentiments, des plus beaux aux plus bas, tous les amours et les vices des hommes y sont peints sous des couleurs vivantes, tantôt pleines d’horreur, tantôt de pitié et de sympathie. Dans l’Enfer, la tendresse ne se faisait un chemin qu’à travers la figure de Virgile (le « très tendre père »), envers lequel Dante - qu’on représente si grave et si sévère - se montre comme un enfant à la fois craintif et confiant, ou de Brunetto Latini, le maître du poète, ainsi que dans des figures historiques mais déjà légendaires. Je pense notamment à Paolo et Francesca da Rimini, unis pour l’éternité dans un amour à la fois pur et coupable, ainsi qu’au comte Ugolin et à ses petits-enfants, mourant de faim les uns après les autres au fond de leur cachot… Cette tendresse se fait plus générale dans le Purgatoire ; les vices y sont certes durement punis mais rédimés, et tout le cantique mène vers le Paradis terrestre dans un grand mouvement amoureux qui préfigure déjà les joies du Paradis. Dans les années 80, Carmelo Bene (acteur et cinéaste avant-gardiste) déchaînait à Ravenne un stade empli de jeunes gens en leur lisant la Comédie… En 2006, c’était Roberto Benigni, sur la place Santa-Croce, qui commentait et récitait devant des foules passionnées les chants du grand poème : un spectacle qui a été repris dans diverses villes d’Italie et du monde, qui a été télévisé (on peut en voir de nombreux extraits sur Youtube) et a sans doute été vu par dix millions de personnes… C’est dire qu’en italien, la Comédie peut encore bouleverser des foules plus ou moins cultivées. Je ne crois pas, hélas, que ce puisse être le cas en France, non pas tant à cause de la traduction (ma version, en tout cas, est passée par le « gueuloir », contrairement aux autres, à ce qu’il semble si l’on fait l’expérience d’une lecture à haute voix), mais surtout parce que notre pays est aujourd’hui totalement déséduqué et que le nom de Dante est plutôt connu pour être le prénom d’un footballeur (d’ailleurs médiocre) que celui d’un des plus grands poètes que le monde ait connus… Cela dit, laissons aux jeunes gens toutes les chances d’ouvrir un jour la Comédie et de s’y plonger sans tenir grand compte des innombrables références historiques ou théo-logiques, mais en le lisant comme un poème aux métaphores les plus concrètes et les plus variées, comme un merveilleux kaléidoscope d’aventures et de caractères, enfin comme une initiation de l’amour à l’Amour.

Est-ce la joie qui vous guide maintenant pour la dernière étape avec la traduction du Paradis qui viendra conclure cette vaste entreprise ?

Michel Orcel : "Pour être tout à fait franc, j’ai achevé il y a quelques jours à peine (le 29 juin) le premier jet de ma traduction du Paradis. Et en effet j’ai traduit ce chant dans une joie croissante, à peine ralentie ici et là, lorsque Dante nous inflige quelques tercets de pure théologie... Ce qui est plus puissant que toute dogmatique, c’est la grande symphonie de la Lumière et de l’Amour qui anime tout le cantique et achève le poème sur le fameux vers : « Amor che move il Sol e l’altre stelle » (« Amour qui meut Soleil et les autres étoiles »). N’oublions pas que la religion de Dante – pour être tout à fait orthodoxe – est le fruit d’une bouleversante expérience amoureuse de sa prime jeunesse dont, après des aventures sensuelles, il tirera tout le suc et le sens de la Comédie. Il est d’ailleurs remarquable (et la potentielle influence de l’islam sur Dante a été brillamment soutenue autrefois par Miguel Asin Palacios) que ce que Béatrice fut à Dante soit très semblable à ce que Nîzham fut pour le grand mystique musulman Ibn ‘Arabî, « la manifestation terrestre, la figure théophanique de la Sophia aeterna » (H. Corbin).

Rien n’est ébranlé des fondements les plus purs du christianisme – le seul Médiateur est le Christ, la Vierge mère est « fille de (son) Fils (…), etc. –, mais le moyen par lequel Dante est éveillé à l’Amour divin passe par les yeux d’une femme. (Comment, à ce point, ne pas se rappeler l’Éternel Féminin / (qui) nous entraîne vers le haut » de Gœthe ?) De même que Dante avait inventé le mot « transhumaner » pour désigner le passage potentiel de l’homme à la surnature (la nature humaine déifiée), de même peut-on dire qu’il est le plus haut représentant d’un « féminisme » avant la lettre qui fait de la Femme le véhicule primordial de l’initiation au secret de l’amour divin".

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- "Le Purgatoire - La Divine Comédie" par Dante Alighieri, traduction nouvelle de Michel Orcel, 464 p. La Dogana, 2020.

Propos recueillis par Philippe-Emmanuel Krautter

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