Israël Joshua Singer : « Et Wolf fils de Hersh
devint Willy », Editions L’’antilope, 2016.
Moins connu peut-être que son frère Isaac Bashevis Singer – prix Nobel en
1978, Israël Joshua Singer (1893-1944) mérite pourtant d’être lu ou
découvert. Né en Pologne d’un père rabbin de tradition hassidique et d’une
mère, fille de rabbin, d’appartenance mitnagdim, il a su dès 1916
s’imposer internationalement comme un des écrivains les plus reconnus de
la littérature yiddish avec de grandes sagas telles que « Les frères
Ashkenazi » ou encore « La Famille Karnovski ». Dans ce court
roman ou novella « Et Wolf fils de Hersh devint Willy » paru
en langue française aux éditions L’’antilope (titre original « Vili
» paru en 1937), I. J. Singer nous conte la vie de Wolf, ce fils de Hersh,
né avant la Première Guerre mondiale dans une ferme d’Ukraine, et qui à
l’âge adulte émigrera, à l’instar de l’auteur, aux États unis pour y
devenir Willy, laissant derrière lui l’enfant de confession juive qu’il
était. Un roman entrelaçant au gré des situations et des retournements, un
implacable réalisme à l’intime. Enfant, Wolf aime la vie de la ferme, de
cette ferme natale presque plus que familiale et dont le père, Hersh, ne
rêve que de céder pour vivre en ville au milieu des siens, des autres
juifs. Cet amour de la nature, des oiseaux, poules, vaches et surtout des
chevaux enthousiasme, éveille la nature de cet enfant calme et paisible
qu’est Wolf, bien plus que les leçons de la Torah de son précepteur au
grand dam de son père. « Le peu d’argent qu’il avait, cadeau de
commerçants de passage, don de sa mère pour la fête Hanoukka, chaque sou
économisé, il ne l’utilisait qu’à cela : acheter un poulain à un paysan,
et avant qu’on ait le temps de se retourner, en faire un cheval, un vrai
bijou. Ces jeunes montures, il les amenait même à la maison et leur
donnait du sucre. » Un amour de la terre et des chevaux qui ne le
quittera jamais, forgera son caractère et sera sa ligne de destin comme
d’autres lisent leurs lignes de la main. Une nature calme plus paisible
que douce, taiseuse plus que secrète, aux sentiments enfouis que seuls les
chevaux savent entendre, mais non dénuée de caractère et de force
intérieure au même titre que le style retenu par I. J. Singer pour ce
court roman traduit du yiddish par Monique Charbonnel-Grinhaus. C’est
ainsi, qu’à 21 ans, avec ou par cette nature, que Wolf sera appelé à
servir le tsar dans la cavalerie des dragons russes avant que blessé au
plus profond de lui, non au combat, mais par sa famille elle-même, il
quitte son pays… « Malgré la croix dessinée sur la couverture noire du
livre, Wolf n’était pas dépaysé en écoutant la lecture. Les histoires
qu’il entendait parlaient des Patriarches, des juifs d’Égypte persécutés
par Pharaon et que Dieu avait ordonné à Moïse de faire sortir du pays. Ça
lui rappelait ses années d’enfance, quand son maître étudiait la Torah
avec lui, le fait que cette fille goy aux cheveux raides lise l’histoire
du peuple juif, d’Abraham, d’Isaac, de Jacob, de la sortie d’Égypte,
l’emplissait de fierté. Il se sentait plus important.
- Nice stories! de belles histoires ! disait le vieux pour
vanter la Bible aux yeux de Wolf. Tu connais ?
- Bien sûr ! répondait Wolf en souriant. C’est l’histoire de mon peuple…
»
C’est là, là-bas, loin de chez lui, de sa ferme, que la terre et les
chevaux, une nouvelle fois, le retiendront longtemps de cet autre côté de
l’Atlantique avant qu’il n’ose ou s’autorise à se souvenir de son père, de
sa mère, et de sa culture yiddish…
L.B.K.
Nicole Savy « Le Paris de Hugo » collection
Le Paris des écrivains, éditions Alexandrines, 2016.
Nicole Savy signe avec « Le Paris de Hugo » aux éditions Alexandrines un
petit livre plein de charme et qui nous entraîne dans l’univers bien
particulier de la capitale de l’auteur de « Notre Dame de Paris » et les «
Les Misérables », deux romans forgés aux ruelles, places et monuments de
ce Paris que le grand homme aimait tant. Car Victor Hugo aime sa ville
presque autant que les femmes, les confondant parfois, les visitant
toujours. Ce jouisseur au sens noble du terme aime la vie, la vie
amoureuse, c’est certain, et la vie sociale, cela est évident lorsque l’on
sait avec quelle passion il défendra les déshérités, les plus pauvres, les
exclus sans parler de son aversion pour la peine de mort. Il n’est pas
jusqu’au directeur d’une prison que Victor Hugo ne visitera et auquel il
fera des remontrances sur la qualité effroyable du pain servi aux détenus.
Nicole Savy explore ce rapport bien particulier de la ville, de Paris et
de l’homme de lettres célébré au point de lui offrir une rue à son nom de
son vivant, le seul qui eût ce privilège parisien. Victor Hugo aime avant
tout le Paris médiéval qu’il ne cesse de rechercher, d’explorer avant que
les transformations radicales de son siècle ne bouleversent son paysage.
L’étendard de Notre-Dame est un des symboles qui nourrira son inspiration
romancière avec le génie que l’on sait, les ruelles n’ont pas de secret
pour lui qui les arpente jour et nuit, y cherchant et y trouvant son
inspiration, n’a-t-il pas écrit : « Être Paris, c’est marcher ». Alors
l’homme marche sans cesse et écrit debout, insatiable de découvertes. La
liberté est une des valeurs qu’il chérit le plus et qui, paradoxalement,
l’éloignera si longtemps de sa ville avec l’exil. Il n’a pas peur du
danger, risquera sa vie à plusieurs reprises pour défendre ses valeurs.
Royaliste, pair de France, bonapartiste, il n’est pas dans l’inconstance
mais choisit la défense des libertés de son temps dans le respect de la
mémoire du passé. Cela aura un prix, il saura le payer avec dignité,
gardant toujours dans son cœur une place de choix pour Paris, Paris qui
s’en souviendra et le lui rendra bien.
Régis Debray, "Carnet de route".
Écrits littéraires (« Quarto »), 1152 p., avec 220 documents, Gallimard,
Paris, 2016.
Et si la destinée de Régis Debray était comparable à celle de saint Augustin
? Toute provocation mise à part, il y a tout de même quelque chose de commun
entre ces deux hommes. Car ce Carnet de route est singulier : un seul
carnet (pour plus de 1100 pages dans ce volume « Quarto ») et une seule
route dans ce titre sans marque de pluriel. Or, l’exploration de la
singularité d’un sujet unique est bien l’objectif que s’était assigné
l’auteur des Confessions autour de l’an 400 de notre ère. Comme dans
ce chef-d’œuvre qui inventa le genre de l’autobiographie, Régis Debray dit «
je » tout au long de ce recueil : c’est même là le principe fondateur qui
unifie tous les textes baptisés « écrits littéraires » qui sont repris dans
ce volume. Il n’est pas jusqu’au titre de l’un d’eux – Loués soient nos
Seigneurs – qui ne rappelle la première phrase des Confessions :
« Tu es grand, Seigneur, et bien digne d’être loué ». Comme dans ces
dernières, l’auteur « confesse » des fautes, des erreurs, des errements.
Comme dans les Confessions, il culpabilise constamment de les avoir
commis. Comme dans les Confessions (et comme dans les Mémoires d’Outre-Tombe),
il colore souvent en noir pour se noircir et… noircir davantage de papier
(Régis Debray avoue ignorer le clavier). Comme à la lecture de saint
Augustin ou de Chateaubriand, on s’irrite parfois de ce qui peut apparaître
comme un procédé. Il n’empêche, saint Augustin était toujours sincère sinon
exact et Chateaubriand souvent crédible si ce n’est authentique. Augustin et
François-René pleuraient volontiers et, de ces larmes, sont nés des
chefs-d’œuvre. On sait aujourd’hui, grâce au recul, faire la part, dans
l’analyse de leurs mémoires, de la mise en scène et de l’histoire. Il faudra
attendre, pour juger sur ce plan Régis Debray, qu’il trouve son
historiographe, son Pierre Courcelle ou son Michel de Jaeghere, afin que
l’on sache si l’étiquette de « menteur magnifique » peut ou non lui
convenir. Sur la forme on ne transigera pas : Régis Debray a une écriture,
faite d’ellipses et de redondances, de brillant et de sombreur, de sublime
et de trivial. Les « sauts » et les « gambades » d’un registre à l’autre
font le style et défont l’unité. Comme chez Drieu La Rochelle (dont Régis
Debray trace un portrait flatteur en dix lignes dans lesquelles il reconnaît
notamment qu’il éprouvait pour ce « monstre sacré » une vraie fascination :
« sa part nocturne m’est plus fraternelle ») on frise parfois la
désinvolture esthétique et l’on est constamment victime des ruptures de ton,
comme si ce signe distinctif de l’écriture satirique, servait, chez Régis
Debray, de paravent à l’émotion, était une façon de ne jamais laisser
pénétrer le lecteur jusqu’aux tréfonds d’un moi qui se dérobe : ces mémoires
sont en partie déceptifs et Régis Debray, faisant mine de se livrer, se
dérobe. L’autodénigrement joue avec l’autojustification, sans qu’on y voie
toujours clair. On aurait aimé savoir, par exemple, pourquoi il se fit
révolutionnaire en Amérique du Sud et pourquoi il servit François
Mitterrand à Saint-Germain-des-Prés. On aurait aimé savoir comment, de
philosophe, il se fit essayiste, médiologue, homme de théâtre. Bien sûr,
tous ces sujets sont abordés dans le livre, et la ligne directrice semble
être la culpabilité – parfois appelée « la haine de soi » – d’avoir quitté
les armes pour les chaussons. Mais le fond de l’affaire n’est pas limpide et
« la mauvaise foi », si elle demeure dénoncée, n’est pas toujours débusquée
: idéaliste, Régis Debray est, pour commencer, un intellectuel engagé ; mais
une fois « dégagé », ses prises de positions sont moins celles d’un «
Candide à sa fenêtre » que d’un patriote qui défend, dans ses derniers
textes, les valeurs républicaines, les humanités classiques, les grands
auteurs et, dans « Un trèfle à quatre feuilles », la France. Le grand saut
de l’auteur – de Fidel Castro ou de Che Guevara à Julien Gracq et à Romain
Garry – s’il est bien décrit dans le livre, ne reçoit pas toujours toute la
lumière que notre curiosité attendrait, avide qu’elle est de pénétrer un «
cœur » autant qu’une « raison ». Il n’est pas jusqu’aux quelque 220
documents, photographies et lettres, qui jalonnent ce parcours, qui ne
laissent un sentiment partagé, entre fascination et réprobation. On dévore
avec passion et on admire jusqu’au moment où un doute vous prend.
Fallait-il, par exemple, verser au dossier ce 17 sur 20 mis par Althusser à
une copie de son jeune élève ? Fallait-il encore citer cette lettre haineuse
de Jean Daniel mortifié de voir son « conseiller spécial » abandonner
François Mitterrand en 1988 ? L’ultime illustration du volume – un guetteur
hors d’âge, fusil entre les mains, affublé d’une barbe jusqu’aux genoux –
résume notre malaise : la photographie est belle, mais la légende la gâte
peut-être : « Sentinelle oubliée : tel qu’en lui-même enfin le cours des ans
le change ». Le symbole est trop criant, le commentaire trop mallarméen,
l’allusion à l’auteur lui-même sans doute hyperbolique. À la différence de
ce que ressent le lecteur de saint Augustin, ce qui semblera peut-être
parfois manquer ici, à force de vouloir la recréer par et pour l’intellect
seul, c’est l’émotion.
Stéphane Ratti
"L'authentique Pearline Portious" de
Kei Miller (The Warner Woman), 316 pages, Editions Zulma, 2016.
« Je m’approche d’elle, la prends dans mes bras et la serre contre moi
doucement. Je murmure : -Les Crieurs de Vérité sont toujours là, Maman. On
est encore là. Voyants. Prophètes. Annonceurs de Cataclysmes. On est là.
Mais les choses ont changé. On saisit un crayon coincé derrière l’oreille et
on écrit. On a écrit beaucoup de livres et devine un peu Maman : il y a des
gens qui vont dans des librairies et achètent les livres que l’on écrit, les
rangent sur leurs étagères. La plupart du temps, ils ignorent que ce ne sont
pas des romans, des poèmes, des livres d’histoire. Mais de simples
avertissements. Maman, il y a tellement de gens dans ce monde qui ont des
oreilles mais ne savent pas entendre. Et tellement qui ont des yeux et qui
ne savent pas voir. » « L’appel de la crieuse de Vérité est une Mise
en garde… L’appel e la Crieuse de Vérité est Tempête & Ouragan & Inondation…
L’appel de la Crieuse de Vérité est Tremblement de terre… L’appel de le
Crieuse de Vérité est Regard porté sur le monde… Mais lorsque soudain la
Crieuse de Vérité lance l’appel, les sangs des gens se fige… »
Où commencent les histoires ? Que parcourent-elles comme chemin ? Vers qui ?
Qui les écoute ? Qui les entend vraiment ? Qui comprend leurs aventures
improbables ? Quand s’arrêtent-elles et à quel moment recommencent-elles à
voyager ? Vers quels horizons ? Qui témoignera de leur véracité ? Quand
deviennent-elles parabole, légende ou curiosité locale ?
Là où commence la vie incroyable de la plus grande « Crieuse de vérité »,
née Adamine Bustamante, fille de Pearline Portious qui tricotait des
bandages multicolores pour les membres malades d’une léproserie, quelque
part en Jamaïque, juste parce que c’était si beau avec toutes ces couleurs…
Là où seul Mr Mac peut encore vous conduire… Elle s’appelle Amadine
Bustamante, elle est la fille de Pearline Portious, elle est née dans une
léproserie et pourtant son état civil est Pearline Portious…
Il y a Miss Lily qui lui faisait la classe et aussi Mman Lazare ou Lucas
Gilles dit le Capitaine et tous ceux qui ont traversé la vie d’Adamine.
Il y a Mr Gratte-Papyè, (comme l’appelle Adamine Bustamante, le prononçant
en insistant bien sur chaque syllabe d’une voix à la gravité envoûtante qui
emporte dans un monde étrange, rocambolesque, magique…) qui cherche à
connaître ce qu’a été la vie de cette femme qui a reçu à sa naissance le don
de « Mise en garde » destiné aux hommes. Kei Miller, l’auteur, venu de
Londres pour collecter l’histoire de cette prophétesse et peut-être en
écoutant les témoignages soufflés au gré du vent, découvrir certaines
vérités car toute histoire ne commence pas toujours par « Il était une
fois… » « Mais il faut que tu saches quelque chose à propos de mon pays,
Jamaïque-là. Il fut un temps où les prophéties avaient des racines
profondes, mais il fut un autre temps où ces mêmes prophéties devinrent
poussière… ». Shhhhhhh… Chaque témoin contribue à la vérité, à la
légende et aussi à faire revivre la mémoire de l’authentique Pearline
Portious et lorsque Mr Gratte-Papyé les aura tous écoutés et que tous ces
récits et vérités vraies « Des fois, Gratte-Papyé-là prend cinq histoires
différentes et les transforme en une. Des fois, il raconte des choses pas
fausses mais il les met pas dans le bon sens… » se seront croisés pour
prendre le chemin du secret de la filiation, alors une nouvelle vérité
devra-t-elle être criée, une prophétie annoncée… Un livre devra être écrit
qui racontera une histoire qui débutera quelque part… « mais ce début ne
se trouve pas au même endroit pour tous… »
Ce livre qui a une puissance magique subtile, qui transporte au plus profond
d’un imaginaire collectif et de ses croyances serait-il aussi une mise en
garde ?
La vie ne tient donc qu’à deux souffles, le premier et le dernier.
Ils s’appelaient Antonio Vivaldi, Rosalba Carriera et Giacomo Casanova. Tous
trois ayant connu la gloire dans leur art respectif. Vivaldi pour sa musique
unique aux envolées virtuoses, reconnaissable entre toutes, Rosalba
portraitiste pastelliste de renommée européenne et Casanova célèbre pour ses
frasques de séducteur, ses échappées belles, ses fuites à travers l’Europe
et ses mémoires.
Tous les trois sont au crépuscule de leur vie. Vivaldi et Casanova sont
exilés loin de Venise, la ville de toute leur créativité et folies, l’un à
Vienne et l’autre à Dux ; Rosalba, elle, perdant la vue, ne voit plus sa
ville de canaux que dans ses souvenirs, et par ses rumeurs et ses effluves.
« Dans ce monde privé de couleurs et de formes, les odeurs dessinent un
paysage dont je tente de recoller les morceaux. » Tous les trois, loin
de la lumière de la Sérénissime, la rêvent toujours, espérant la revoir
avant de tirer leur révérence… Un chapitre par artiste, et Michèle Teysseyre,
d’une écriture vivante et réjouissante malgré la mort qui rôde autour de
chacun, nous fait partager les dernières préoccupations ou obsessions de ces
personnalités uniques qui ne veulent pas se soumettre aux dictats de leur
fin annoncée, mettant toute leur énergie, parfois déclinante, à lutter avec
une certaine dérision, armés de quelque bons pieds de nez et jeux d’esprit
contre le temps et le vieillissement des corps. Bien que « Molto agitato,
Herr Vivaldi, molto agitato maestro », Vivaldi lutte contre un mal qui
lui brûle les entrailles « Depuis qu’il m’a ordonné de garder la chambre,
mon état n’a fait qu’empirer : une espèce de grosse fièvre. Ça brûle dans ma
tête et dans mes entrailles. Ça brûle et aucune fumée ne sort. Quand je dis
« fumée », ce sont bien sûr des notes dont je parle ; ou plutôt de la
musique, qui brusquement s’est tue. Une chose incompréhensible ! Voilà
qu’elle a disparu sans avertissement… Mais cette mauvaise passe ne durera
pas, j’en suis certain. Je me suis relevé de bien d’autres chutes. ».
Rosalba perd la vue et est d’une humeur exécrable avec sa sœur et ses
proches, quelle souffrance atroce que de ne plus pouvoir voir les couleurs,
« J’adorais la couleur. Les roses délicats, l’incarnat des fleurs et des
lèvres, le bleu du satin. Tout ce qui est élégant et joyeux. En un mot, la
clarté… Á cette distance, je parviens à distinguer une faible lueur, un vert
opalescent dont la beauté me paralyse. Je voudrais pleurer, les larmes
restent prisonnières. La tristesse et la rage ont verrouillé mon cœur… »
Rosalba atteinte de la cataracte attend une première opération. Casanova,
déchu de sa grandeur, ne supporte pratiquement plus sa situation : « À
Dux, les derniers jours de l’hiver sont les pires : brumes sans fin,
humidité pénétrante, partout le fort croassement des corbeaux. Le château
est une tombe, que dis-je, un gigantesque mausolée, un palais prisonnier des
glaces, au milieu d’un village peuplé de rustres et d’ignorants. Désormais
mon exil est total, privé de tous ceux dont j’ai aimé le commerce, à la
merci des lubies d’un comte sans cervelle n’obéissant qu’à sa fantaisie du
jour… ». Mais que faire contre la grande loi de la nature qui rend ces
trois personnages aussi mortels que les autres hommes ? Seules leurs œuvres
les rendront immortels, « Memento mori… Souviens-toi que tu es mortel
»… Seules les œuvres leur feront traverser l’histoire, jusque dans les
salles de concert, sur les murs des musées, chez les collectionneurs privés
ou dans les bibliothèques… Tous trois racontent certains passages de leurs
vies, par petites touches à ceux et celles qui les accueillent ou les
accompagnent dans cet exil. Pour Vivaldi c’est chez la veuve Walher qu’il
reçoit Anna Giro, pour qui il veut écrire son dernier opéra. Rosalba est
dans sa demeure du Dorsoduro notamment avec sa sœur Giovana. Casanova,
réfugié dans le château des Waldstein, commence à y écrire ses mémoires.
Tous trois, au quotidien, dans leur vieillesse, restent toujours
indomptables. «… Don Antonio a cessé d’être sage ! D’ailleurs, l’a t-il
jamais été ?…. J’ai rendu les armes, épuisé par un combat trop inégal. Des
sons confus montent jusque dans la chambre. L’orage est passé. Vienne peut
s’endormir. Mes yeux brûlent. Dans ma poitrine, le feu s’est rallumé. Mon
corps est lourd, si lourd et si léger ! Comme privé de substance. Broyé. Peu
à peu, je glisse en silence dans l’entre-monde du petit jour. » Rosalba
entend un violoniste jouer au loin. Elle reconnaît la « Tempête » de Vivaldi
et les couleurs se mettent à tournoyer dans son esprit. Puis plus rien,
l’opération de la cataracte se termine… Reverra-t-elle le monde et ses
couleurs ? Mais… « L’été touche à sa fin. Il règne sur la ville une
incroyable touffeur. Je n’y vois désormais presque plus. Dans un mois, c’est
certain, je serai totalement aveugle. Maestro Garbin a fini par l’admettre :
La Signora est trop âgée pour que soit tentée une seconde opération. »
Combien de jours obscurs séparent Rosalba du dernier, « dans l’attente de
cette nuit, la dernière, où mes douces colombes viendront me chercher ».
Quand à Casanova, en fort piteux état, s’est pris d’affection pour le jeune
Dorothée qui lui tient compagnie et soulage ses douleurs, « La jeunesse
s’amuse, elle m’a quitté. Mes reins sont douloureux, mon estomac se rebelle
et j’ai perdu mon féroce appétit. Teplitz, Dux ou Venise, qu’importe. C’est
le temps qui nous exile, non le lieu. » Casanova se mettant une dernière
fois en scène « Voilà, je cambre un peu les reins, redresse les épaules,
réajuste mon tricorne à plumet. Dans le grand miroir de Venise- le seul qui
vaille dans ce château- je découvre ma silhouette : droite, élégante,
aristocratique, mais dénuée d’affection. Vingt ans plus tôt, on savait vivre
! Au bal, au théâtre, à l’auberge, au ridotto, il n’était qu’une règle : la
séduction. Jamais je ne fus mené par d’autres passions que celles du savoir
et du jeu. Connaître, parcourir de nouvelles sentes, tomber amoureux… Tout
cela est une seule et unique flamme. Lusisti sati, edisti satis, atque
bibisti, tempus abire tibi est (tu as assez joué, assez mangé, assez bu,
il est temps de prendre congé – Horace… Maintenant, tout est en ordre. Je
peux m’en aller. » Maestro Vivaldi en 1741, Rosalba en 1757, Casanova en
1798, tous en partance pour un monde inconnu, mais qui sait s’ils ne s’y
amusent pas du genre humain…
Sylvie Génot
"Mère disparue" de Joyce Carol
OATES. 495 pages Éditions Philippe Rey/fugues, 2016.
« Le chagrin ressemble à ces essuie-mains des toilettes publiques.
Partagés par trop de gens, il se salit et s’use. » Tant de personnes
sont sincèrement touchées par le drame qui anéantit les sœurs Eaton, Nicole,
dit Nikki et Clare son aînée. Un grand nombre d’entre elles reste abasourdi
lorsque l’assassinat de « plume », Gwen, la mère de ces deux jeunes femmes,
est relayé sur la place publique, dans le quartier du 43, Deer Creek Drive.
« Le 43, Deer Creek Drive était transformé. De loin, on aurait cru que
l’on y donnait une fête. Des véhicules de police barraient la rue. Les
résidents du quartier devaient faire un détour. Lorsqu’ils demandaient ce
qui s’était passé, on leur répondait poliment de circuler… Quelqu’un a été
blessé ? - Blessé… comment ? -… Mme Eaton, dans cette maison. - Mme Eaton ?
Gwen ? » Comment croire à l’incroyable ? Gwen Eaton a été sauvagement
assassinée et ses filles vont devoir accuser le choc avec, pour Nikki, cette
vision insoutenable, la découverte de sa mère gisante ensanglantée sur le
sol du garage. Dans ce roman percutant et bouleversant, l’auteur Joyce Carol
Oates, à travers des souvenirs, du plus insignifiant au plus grave, des
phrases prononcées que l’on percevait comme banales et sans importance mais
qui étaient pleines de sens cachés… donne à Nikki et à Clare, les clés de la
vie de Gwen, qui avant d’être leur mère, a été, elle aussi, une petite
fille, une jeune fille, une jeune femme, une femme mariée, mère, grand-mère
puis veuve et vieillissante, pleine d’une énergie et d’un altruisme presque
suspect voire inquiétant, pourquoi autant de dévouement pour les autres,
cela cacherait-il des secrets… Ce qu’a pu penser le lieutenant Ross Strabane
qui mènera rapidement l’enquête et arrêtera aussi vite le meurtrier.
Parfois, on sourit de ces situations horribles, juste pour être atteint le
moins possible, pour se sortir de l’insupportable, de la culpabilité de ne
pas savoir, de ne pas avoir su, de ne pas avoir été là… Comme Nikki et Clare,
chacune à leur façon, chacune avec leur propre histoire, chacune avec cette
mère commune et perçue si différemment. Rester là, devant la maison
familiale dans un sentiment d’abandon au-delà de la colère, de la vengeance
mais en autant de morceaux à recoller…. « La dernière fois que vous voyez
quelqu’un sans savoir que ce sera la dernière fois. Et tout ce que vous
savez maintenant, si seulement vous l’aviez su alors. Mais vous ne saviez
pas, et maintenant il est trop tard. Et vous vous dites - Comment aurais-je
pu savoir, je ne pouvais pas savoir. » Voilà ce que nous livre Joyce
Carol Oates, à chaque page, comment sa propre mère lui manque et comment, un
jour, de façon très personnelle, notre mère nous manquera aussi… Attendre le
procès de celui qui a brisé leur vie, leur cœur et une partie de leur âme,
revivre après si possible et se reconstruire une vie où il y aura toujours
un avant et un après, faire le deuil de l’insoutenable… « Mort. Ce mot
navrant. Nous avions longtemps été incapables de le prononcer, à propos de
notre père. Nous étions incapables de le prononcer à propos de notre mère.
» Et puis il y a la maison à vider, trier toutes ces choses accumulées,
des cartons poussiéreux et remplis des secrets de leurs parents, ont-elles
le droit de les ouvrir, de regarder, de lire, de trier et de garder ou de
jeter ?
« Comme si nous étions arrivées au seuil d’une porte qui, après nous
avoir été longtemps fermée, s’ouvrait enfin mais… sur quoi ? » Alors il
est temps que Nikki sache aussi cette vérité, la vérité pour avancer et
comprendre finalement qui est-elle Nikki, Nicole Eaton et continuer à vivre,
faire des choix… En fait s’affranchir de sa mère adorée, et grandir.
Joyce Carol Oates, Mme Joyce Carol Oates, bientôt octogénaire, écrivain
couronné par de multiples prix littéraires ne cesse, livre après livre, de
nous démontrer son immense talent, d’une écriture fluide qui parle à tous,
qui nous transporte si aisément dans ces histoires universelles, cette
écriture qui touche au cœur, avec Gwen, cette mère, mère de toutes et de
tous.
Sylvie Génot
"L'Etoile du chien qui attend son
repas" roman de Hwang Sok-yong. Titre original « Kaebapparagi pyôl » traduit
du coréen par Jeong-Jin et Jacques Batilliot, 250 pages, Édition Serge
Safran, 2016.
Dans la Corée du Sud des années soixante, sept jeunes adolescents, garçons
et filles, Chun, Mia, Sanji, Yônggil, Inho, Chôngsu et Sôni, un peu
révoltés, un peu idéalistes, souvent désenchantés dans cette société sortie
récemment du joug de l'occupation japonaise, s'affranchissent du passage
vers le monde adulte qui les attend à travers une initiation au caractère
naturaliste et poétique ; initiation aux consonances des poèmes antiques
qu'ils s'inventent par vague de fugues à travers les montagnes (monts Sôrak),
de séjour dans d'étranges ermitages, de rendez-vous au café Mozart où les
discussions arrosées d'alcool de riz non filtré, le makkôlli, ou autres
nombreuses bouteilles de soju, se prolongent très tard, de voyages en train
et de rencontres avec d'autres jeunes et moins jeunes qui eux aussi ne
veulent pas terminer « dans le troupeau... Alors je me barre du
troupeau... ». Tireront ils de ces expériences un début d'optimisme,
dans cette paix fragile qui les étouffe, pour mener au mieux leur vie à
venir ? Faire des choix d'études ou pas, d'amour ou pas, de création ou pas,
satisfaire ou pas les projections de réussite des parents et des anciens qui
ont connu la guerre et l'occupation, participer ou non au système
capitaliste... Tous ces adolescents, hommes et femmes en devenir, se
confrontent aux dilemmes quasi universels pour se construire, grandir et
prendre leur destin en main. Chun qui veut devenir écrivain doit prendre son
envol. Lui s'évade de sa condition en lisant et en écrivant. Il est le doux
rêveur de sa classe au lycée et fait sans problème l'école buissonnière,
décidant ainsi de vivre autrement que ce que l'on attend de lui, même si
l'histoire et la politique le rattraperont plus tard l'enrôlant dans le
corps expéditionnaire coréen rattaché à armée Américaine en partance pour le
Viêt Nam... « C'est cet hiver-là que fut décidé mon départ pour le Viêt
Nam.... J'allais enfin me lancer dans quelque chose qui n'avait rien
d'abstrait : mourir ou survivre, telles étaient les deux possibilités qui
allaient s'offrir à moi. » En fait, une guerre qui n'était et ne sera
jamais la sienne. « Je ne me rappelle pas ce que j'ai fait jusqu'au
moment où je suis monté dans le train militaire. J'ai dû boire.... À ce
moment-là, alors que je disais adieu à ma jeunesse, je me redis compte à
quel point je l'avais aimée. »
Chun parcourt ses années d'adolescence comme s'il regardait une peinture de
paysages sauvages, comme s'il lisait de la poésie à la recherche de cet
espoir perdu par ses parents (bourgeois déchus de leur position sociale et
vivant dans les quartiers pauvres de Séoul, mère seule, veuve, pour élever
la fratrie). Ses rencontres, ses amis dont les souvenirs de chacun forment
le récit de ce roman, et celle avec le Lieutenant, la plus importante, homme
qui l'emportera dans le tumulte de sa propre vie, sorte de grand frère ou
père de substitution qui l'initiera à une certaine réalité, la sienne,
l'embarquant pour une saison de pêche aux calamars ; c’est lui encore qui
lui montrera une nuit l'étoile du chien qui attend son repas... « Tiens,
la voilà ! Marmonna Lieutenant. Je regardai autour de moi. Il ponta alors
l'index vers la partie ouest du ciel où le soleil venait de se coucher.
-Là-bas... Le chien qui attend son repas, tu le vois ? Une étoile brillait
près du croissant de lune. Il ajouta : -Au somment de sa gloire, on
l'appelle l'étoile du matin. Repoussée et rejetée comme nous, elle devient
l'étoile du chien qui attend son repas. Je me dis que le nom était joli et
mélancolique. » Vénus, la plus brillante de toutes, celle qui rassure
lorsqu'elle paraît la première...Alors tous les espoirs deviennent
possibles.
C'est de son expérience personnelle, de sa jeunesse, de sa vie que Hwang Sok-yong
tire ses pages émouvantes et quelque peu autobiographiques, avec des clins
d'œil à la littérature française, Paul Valéry ou Henri Michaux. Ce grand
écrivain coréen qui connut exil et prison pour ses positions politiques et
humanistes, est aujourd’hui l'un des plus traduits dans le monde. Il devient
dans ce livre un compagnon d'escales où chaque personnage est un petit port
d'attache à sa jeunesse, jusqu'à larguer les amarres et se confronter à la
suite des événements de l'histoire de la Corée.
Sylvie Génot
-Elena Ferrante Le nouveau nom (L’amie
prodigieuse – II), traduit de l’italien par Elsa Damien, collection Du monde
entier Gallimard, 2016.
-Elena Ferrante L’amie prodigieuse,
traduit de l’italien par Elsa Damien, Folio, Gallimard, 2016.
Par-delà l’énigme de l’identité de l’auteur de « L’amie prodigieuse »
(Folio) et « Le nouveau nom » récemment publié dans la collection
Du monde entier Gallimard, l’univers dépeint par Elena Ferrante dans ses
romans happe le lecteur dès les premières pages. Est-ce le ton adopté
faisant alterner monologue et dialogue dans ce quartier populaire de Naples
à la manière d’Accatone ou de Mama Roma d’un Pasolini, ou
encore cette extrême sensibilité qui s’éveille entre deux êtres aux destins
divergents mais si étroitement liés ? Toujours est-il que la romancière est
devenue avec ces romans un phénomène d’édition dont l’anonymat du pseudonyme
est jalousement gardé jusqu’à maintenant, même si le jeu habituel des
hypothèses suggère quelques pistes. Le lecteur avait déjà découvert dans
L’amie prodigieuse l’enfance des deux amies, Elena (la narratrice), et
Lila, dans un quartier pauvre de Naples à la fin des années cinquante.
L’attirance des deux jeunes filles pour les études, le déterminisme de leur
milieu social opposant des barrières infranchissables, la violence ordinaire
du quotidien se substituant à la parole et aux explications, l’amitié
au-delà de la diversité, tels étaient les thèmes qui avaient déjà tissé
cette fresque enlevée et passionnante qui se poursuit avec Le nouveau nom.
Nouveau tome, traduit en français, où les destins se croisent et
s’entrecroisent, Lila s’est mariée alors qu’Elena poursuit ses études avec
toute la réussite qui l’éloigne de son amie pourtant omniprésente dans ses
pensées et dans ses actes. Lila est-elle un alter ego d’Elena ? Cette
dernière accomplira-t-elle ce que son amie n’a pu réaliser ? Le déterminisme
peut-il être vaincu par la volonté ? Les questions fusent dans cette
deuxième partie où chaque destin suggéré dans le premier volume se dessine
progressivement pour s’imposer fatalement. Mais la fin de ce deuxième volet
laisse clairement entrevoir que les choses ne sont ou ne seront pas si
simples et évidentes, celle qui croyait aboutir réalise combien elle est
redevable à son amie, l’histoire n’est pas finie, comme la vie de tous ces
protagonistes auxquels le lecteur s’attache au point d’attendre la
traduction des deux volumes qui suivent…
La baignoire de Lee Seung-U. 139
pages, Éditions Serge Safran, 2016.
Elle l'appelle pour qu'il passe récupérer son rasoir et un cadre, vestiges
de leur vie commune. Elle ne veut plus aucune trace de cette vie dans son
appartement. Une situation de désamour , certes, banale, mais malheureuse.
Il décide donc, sur cette demande, d'aller chercher ses affaires. Remontent
alors en lui des souvenirs... Leur rencontre, le lieu, le premier frôlement,
les mots murmurés, le premier baiser, les conversations... « À quel
moment votre main s'est posée sur la sienne, vous ne vous en souvenez pas.
Vous ne vous rappelez pas non plus à quel moment vos lèvres ont effleuré les
siennes, ni quand votre langue a pénétré dans sa bouche. Doit-on se souvenir
de ces moments ? »
Est-ce un roman, un récit, un témoignage, une introspection ou de la prose
aux accents poétiques qui coule au fil de pages que Lee Seung-U nous soumet
dans ce texte intime à lire à voix basse, calfeutré ou caché dans notre
propre univers amoureux....
Qui se dissimule derrière cette voix nous contant l'histoire d'un autre et
nous maintient dans la posture d'en être le témoin en lévitation, au-dessus
de ces amours et du désamour qui s'ensuit, sans que l'on ne puisse
intervenir ? Nous pouvons éprouver une certaine gêne à être là, à partager
cette sorte de faux monologue et ce dialogue inexistant entre deux êtres qui
cohabitaient plus qu'ils ne vivaient ensemble, et qui au moment du récit ne
partagent plus rien excepté leur séparation, car ce « Vous » narratif
est troublant. « Depuis longtemps, elle et vous n'échangiez plus que les
mots absolument nécessaires, puis vous en étiez venus à vous passer même de
ceux-là. Il faut bien reconnaître que, lorsqu'on ne se parle plus, on a plus
rien à se dire ; que lorsqu'on en est à ne plus échanger de mots superflus,
se taire sur l'essentiel ne présente plus aucun inconvénient. » Est-ce
quelqu'un d'extérieur qui analyse, constate et s'adresse à cet homme qui lui
aurait fait part de son histoire, est-ce le lecteur quelque peu embarrassé
d'être pris à son insu dans cette situation ou est-ce l'auteur lui-même qui
nous parle et nous confie le pourquoi de ce roman d'amour, son roman
d'amour, et qui se demande peut-être si nous le lirons bien comme tel ?
C'est la douceur du bruit de l'eau, élément fascinant de ce texte, toujours
au creux de l'oreille, qui berce ou bouleverse la lecture de ces pages «
Bachelard écrit : La mort est en elle. L'eau emporte au loin, l'eau passe
comme les jours. Je pense que de se faire entrer dans l'eau est la mort la
plus chaste, vous ne pensez pas ? (« L'eau et les rêves ») »,
tout comme la légèreté « d'une odeur de datora qui flotte dans l'air et
vous rappelle le mécanisme de l'amour fondé sur la loi de la demande et de
la soumission. » Et n’est-ce pas finalement la grande question que pose
Kundera dans « L'insoutenable légèreté de l'être » écrivant : «
Pour qu'un amour soit inoubliable, il faut que les hasards s'y rejoignent
dès le premier instant. », mais est-ce possible ? « Vous ne savez pas
qu'en général l'amour débute par un malentendu (dans les arts classiques, on
parle d'illusion, par euphémisme). Ou plutôt, qu'il y a malentendu parce que
vous êtes amoureux. Vous n'avez pas conscience de cette illusion qui fait de
vous un amoureux, alors qu'elle est la force fondatrice de votre amour.
» Alors où se situe la vérité ? C'est là le propos de ce délicat roman, qui
jusqu'à la dernière page questionne, rassure ou dérange, éprouve le fait
même d'aimer.
Lee Seung-U, auteur de « La vie rêvée des plantes » et « Le vieux
journal », est l’une des figures majeures de la littérature coréenne
contemporaine, invitée d'honneur du Salon du livre – Livre Paris 2016, il
nous conte ou convie à sa manière dans les méandres et la complexité des
sentiments humains.
Sylvie Génot
Pierre Voélin « Des voix dans l’autre
langue » collection Poésie, La Dogana, 2015.
Pierre Voélin aspire à « la langue de mémoire », cette langue
qui précède et dont le verbe anticipe la rencontre. Le poète interroge,
convoque parfois, la nature, cette nature où langage, mémoire et oubli
traversent, ensemble, le vent. Le secret, le silence ponctuent aussi ces
espaces qu’il appartient à chacun d’interroger dans un murmure presque ou
sans mot le plus souvent, si ce n’est ceux du poète, mais s’agit-il encore
de mots ou de maux ? « Pas de mots – il n’y aura pas de mots » souligne
Pierre Voélin… La nature est omniprésente mais son paysage n’est pas
bucolique dans le regard du poète. Les angles, les césures, les lames
effilées, le tranchant viennent accentuer la nudité de la mémoire griffée
par les mûriers. Les gouffres béants qui séparent les étoiles des vivants
peuvent faire naître les plus belles implorations sous la plume du poète. La
puissance des métaphores saisit le lecteur lorsqu’« un pâle haillon de
lumière effacera la nuit » ou encore « Sur un berceau d’osier se
penche l’éternité », ces images vont au-delà des images, elles
soulignent les distances et rendent possible toutes les rencontres, là où le
silence est roi. A chaque page, comme à chaque souffle, le miroir de la
poésie convoque les noms de ceux qui sont chers au poète, Ossip Mandelstam,
Anna Akhmatova, Emily Dickinson, Umberto Saba, J.-B. Pontalis… en autant de
dialogues que de voix dans d’autres langues, cette autre langue, celle qu’il
nous appartient de découvrir grâce à ce recueil précieux pour son
introspection tendue vers ce qui unit.
Philippe-Emmanuel Krautter
- Spécial Jacques
Lacarrière -
*Florence M.-Forsythe« Jacques Lacarrière,
passeur pour notre temps » préface de Michel Le Bris, Le Passeur Editeur,
2015
*Cahiers Littéraires « Jacques Lacarrière
et les poètes grecs » numéro 40, second semestre 2015, Les Hommes sans
Epaules, 2015.
*Jacques
Lacarrière Trois ménologues Cheyne Editeur, 2014.
Le sourire éternel de Jacques Lacarrière est un peu synonyme
de ces rivages antiques de la Grèce qu’il ne cessa de chérir, ceux où Ulysse
perdait la mémoire pour mieux la retrouver, éternelle anamnèse que Jacques
Lacarrière nous légua dans des ouvrages qui nous accompagnent depuis sa
disparition en 2005. Ce sourire se fait « passeur pour notre temps »
avec le livre que lui consacre Florence M.-Forsythe, préfacé par Michel Le
Bris, un autre voyageur devant l’éternel (éditions Le Passeur, 2015).
L’auteur a bien connu Jacques Lacarrière et c’est à partir d’entretiens
inédits qu’elle dévoile des aspects moins connus, voire ignorés, de celui
qui était libre comme l’air, mais aussi secret comme le vent… Florence M.-Forsythe
invite le lecteur dans son livre à aller au-delà des images que nous avons
retenues de l’auteur de Chemin faisant et
L’Eté grec, images toujours importantes mais qui ne résument pas
cette personnalité distante et en même temps proche des choses du monde. Les
qualificatifs sont certes nombreux pour ce marcheur, voyageur, poète,
écrivain, « oiseleur du temps », « buveur d’horizon », « Orphée contemporain
»… pour ce Protée des temps modernes a-t-on envie d’ajouter. Jacques
Lacarrière apparaît dans ce livre à la fois comme un repère pour notre temps
et en même temps un être insaisissable, jonglant avec les contraires. Le
lecteur suivra ainsi ces premiers horizons de l’enfance et de la jeunesse de
Jacques Lacarrière qui ouvrirent rapidement à d’autres horizons, allant des
rêveries poétiques, voire mystérieuses avec le Grand Meaulnes, à
l’appel de la Grèce par sa langue, tout d’abord, dont il sut apprendre
toutes les subtilités. Avec la Libération, ce sont d’autres libérations pour
le jeune homme qui découvre les poètes modernes, embrasse le théâtre comme
il embrassera la vie. Puis ce sera le premier voyage en Grèce où il aura le
rare bonheur de présenter la première partie de L’Orestie au pied de
l’Acropole… L’Inde attire également ce fougueux voyageur mais, en chemin, ce
sera en fait la Crète puis de nouveau Athènes qui feront résonner en son
cœur ces sourds battements de la vie. À partir de ces expériences
fondatrices et initiatiques, Jacques Lacarrière ne cessera d’ouvrir ce cœur
à la dimension spirituelle, aux diverses expériences spirituelles de
l’homme, en des liens étroits avec la littérature. Nous voyons alors un
écrivain moins jouisseur que ce que les clichés médiatiques ont parfois
retenu, et plus ouvert vers cet ailleurs de l’homme qu’il ne cessa
d’explorer toute sa vie dans son œuvre.
A noter que Les Cahiers Littéraires consacrent
également leur numéro 40 à Jacques Lacarrière et les poètes grecs.
Christophe Dauphin y signe une préface engagée où les difficultés du présent
invitent tout autant à la sympathie qu’à l’empathie, le poète étant en ces
occasions leur meilleur interprète. César Birène signe, pour sa part, un
portrait de l’auteur de L’Eté grec et de celui qui écrivait pour «
dériver de l’homme ancien ». L’errance et l’écriture se rejoignent en un
chemin peuplé d’ailleurs, éternel retour à Ithaque. Un choix de poésies de
Jacques Lacarrière tirées d’A l’orée du pays fertile permet
d’entendre à nouveau cette voix qui ne s’est jamais tue. Ce riche dossier
propose également de retrouver celui qui fit tant pour les poètes grecs
contemporains en les traduisant, en diffusant leurs écrits engagés à une
époque difficile de l’exil et de la répression pour un grand nombre d’entre
eux. Cavafy, Sikélianos, Séféris, Elytis et bien d’autres encore ont prêté
leur voix à l’un de leur plus grand interprète dans notre langue, et que
nous entendons dans cette belle et riche livraison.
C’est encore de poésie et de Jacques Lacarrière dont il s’agit avec ces
Trois ménologues signés de Jacques Lacarrière lui-même(Cheyne Éditeur).
Voyage, journal, poésie ont décidé dans ce petit recueil d’unir leur voix en
une seule et brève expression. La forme concise du haïku n’est pas l’apanage
du seul Japon, les Grecs anciens aimaient eux aussi cette brièveté des
sentences souvent énigmatiques. Cette inspiration a touché l’âme du poète
Jacques Lacarrière qui d’une certaine manière perpétue et redonne vie à ce
fil tissé par l’antique et des auteurs tels Parménide, Héraclite, Pindare,
Euripide ou encore Ménandre. Jacques Lacarrière rappelle au lecteur que le
ménologue est en Grèce un calendrier comportant la liste des saints de
chaque mois pour un usage liturgique. Avec le poète, les saints se voient
substituer des lieux, des métamorphoses que nourrissent impressions et
émotions au cours de ses pérégrinations. Dans le monastère de Zalongo en
Épire :
Sur l’icône, la vierge a pleuré.
Au village le vin a coulé.
Diamants liquides de l’automne.
Des images inoubliables émergent de Thèbes un jour de septembre :
Gravir les pentes du Cithéron
pour confesser les cyclamens
À chaque instant, Jacques Lacarrière recueille ces instants de poésie comme
autant de fleurs qu’il prend soin de ne point arracher de leur sol. C’est au
contraire à leur rencontre que le poète invite par l’instantanéité des
images et la concision de leur expérience que renouvelle à chaque lecture
ces brèves poétiques.
Philippe-Emmanuel Krautter
Pierre Adrian « La piste Pasolini »
Equateurs, 2015.
Pierre Adrian, né seize années après le meurtre de Pier Paolo Pasolini sur
une plage d’Ostie, un funeste 2 novembre 1975, a décidé de suivre « La piste
Pasolini » en un voyage initiatique en Italie sur les traces de l’écrivain,
poète et cinéaste. Le prologue débute justement par la fin tragique de celui
qui avait toute sa vie durant gêné les institutions, provoqué les règles
morales d’une Italie encore corsetée par les valeurs d’avant-guerre. Le
jeune Pierre Adrian n’a que 23 ans lorsqu’il découvre cet endroit sordide
par un matin de janvier où sable et mer n’ont rien d’un paysage de rêves, de
cette Italie absente des présentoirs de cartes postales. Que cherche ce
jeune homme dans ces grains de sable muets ? Les éléments taisent
obstinément le destin d’un homme qui a toujours cherché à exprimer
l’insondable profondeur de ses angoisses, de ses aspirations et passions.
C’est ailleurs qu’il faudra aller car « Ostie aujourd’hui, c’est Rome qui
vient cracher dans la mer », note amèrement Pierre Adrian. La quête est
plurielle chez cet étudiant dont c’est le premier livre et qui manifeste
déjà une belle maturité. Fuyant les voies convenues et privilégiant les
médianes, le livre trouve son inspiration dans ce mal de vivre évoqué par
Pasolini, et la critique qu’il fit d’une société consumériste, un jugement
d’une profonde actualité et que les décennies n’ont malheureusement pas
atténué. Antienne, élans mystiques, c’est presque une quête aux
accents mystiques à laquelle se livre l’auteur, partant à la découverte
d’une vie d’un saint des temps modernes et dont les témoignages sont à
rechercher dans les lieux vécus par Pasolini et qui recomposeront peut-être
les traits de son visage. Du Frioul natal à Rome, de la campagne identifiée
aux langues locales à la ville anonyme, il reste des zones où la vie ne peut
être définitivement muselée par la société de consommation, avec ces
témoignages laissés par Pasolini dans ses films tels Accatone ou
Mama Roma, même si ces espaces sont évanouis depuis. Malgré tout, les
traces seront toujours à rechercher et à retrouver en un beau jeu de piste
où les pas de Pasolini guident le narrateur et sollicitent avec sensibilité
le lecteur.
C'est bien la théorie du suicide de Vincent Van Gogh qui est remise en
cause dans ce dernier roman de Marianne Jaeglé, car selon elle, Vincent
ne se serait pas suicidé, on lui aurait tiré dessus, certes, par
accident, mais on lui a bien tiré dessus. Un doute subsista bien, il est
vrai, à sa mort en 1890, mais il fut vite balayé et l'annonce de la mort
du peintre Vincent Van Gogh fut associée à ses déboires psychiques et «
l'affaire était dans le sac ». C'était sans compter sur les recherches
des historiens Steven Naifeh et Gregory White Smith qui ont travaillé
l'antithèse du suicide. Bien que de son vivant et selon tous ceux et
celles qui ont rencontré ou côtoyé Vincent Van Gogh, sur des témoignages
collectés aussi bien à Arles qu'à Auvers-sur-Oise, il semblait étrange
et peut-être un peu « dérangé » - « Ceux qui l'ont vu peindre ainsi,
des heures durant, dans la nuit, on bien ricané. Vincent en rit lui
aussi dans sa barbe. Dans la rue, quand il passe, on l'appelle le fada,
ce qui veut dire fou dans le Midi. » Alors ne le serait-il pas
devenu depuis que pour stopper ces voix qu'il entendait dans sa tête,
lui tenant de terribles propos sur sa personne et sur son œuvre, il
s'était tranché lui-même l'oreille ? « À nouveau les voix reprennent.
C'est un murmure d'abord, puis elles montent en intensité. - Tu as tout
raté, vous avez vu comme il a tout raté. Vous êtes taciturne. Le voilà
seul désormais, il l'a bien cherché, qui aurait cru autre chose ? Je le
serai aussi. Ne vous l'avais-je pas dit qu'il échouerait encore une fois
? » « Délires, hallucinations sonores" note le médecin dans
son carnet. Mais bien sûr, il n'y a pas autour de lui que ses
hallucinations, il y a aussi les commentaires, les rumeurs et autres
ragots à son encontre. Pourtant, lorsqu'il revint de cette soirée avec
quelques une de ses connaissances, Vincent se tenant le côté titubait
bien, espérant juste pourvoir arriver jusque dans sa chambre, à l'étage
de ce petit hôtel d'Auvers-sur-Oise où il vivait depuis quelque temps
grâce à son frère Théo toujours enclin à agir au mieux pour ce frère
plein d'angoisses profondes, tourmenté au point d'en devenir associable
mais tellement créatif... Là perdant presque connaissance à cause de la
douleur, il est retrouvé gisant dans son sang et vu la blessure il est
impossible que Vincent se soit fait çà...seul... Qui a tiré, pourquoi ?
Comment jusqu'à aujourd'hui le mode de l'art s'est-il contenté de cette
version du peintre fou qui se tue ? N'était-il pas grand temps de
détricoter cette légende ?
Est-ce le poids de la mort de ce frère dont il portait le même nom,
est-ce cette énergie violente et latente qui le handicapa jusque dans
son désir d'être un bon prêcheur, est-ce l'impossibilité d'être
indépendant financièrement pour vivre sa vie d'artiste, sont-ce ses
amitiés illusoires avec Paul Gauguin et les autres peintres de l'école
de Pont-Aven, est-ce cette impossibilité d'avoir une relation affective
avec une femme et de fonder une famille comme a pu le faire Théo, est-ce
cette dépendance totale qui le lie à son frère, est-ce sa vision du
monde totalement novatrice « Moi, je voudrais seulement montrer ce
qui, de la beauté du monde, m'apparaît.» et qu'il peint avec une
fougue si peu ordinaire qu'il en fait peur « il peint top vite, il le
sait, son frère le lui reproche, et d'autres aussi, mais quoi ? Il est
emporté par son désir du monde. », est-ce une urgence de vivre et de
créer, est-ce que Vincent serait né dans une époque qui ne serait pas la
sienne, comme né trop tôt ? Quel contexte pour vivre et créer ou plutôt
pour créer et survivre !
C'est donc sur les deux dernières années de sa vie, d’Arles à
Auvers-sur-Oise, que Mariane Jeaglé dépeint cet homme aux prises avec
les contradictions et les incompréhensions de son temps, tout ce qui a
pu faire de lui « le suicidé de la société », ainsi que l’écrivit
Antonin Artaud ; tout ce qui a fait que cette société-là, paysanne et
bourgeoise, l'avait finalement déjà condamné à mort... Mort de
circonstances non atténuantes...Et par ce roman, Mariane Jeaglé rend
hommage à un artiste hors-norme qui n'aura connu de bonheur que ces
quelques moments fugaces lorsqu'il peignait en plein champ, en pleine
conscience des couleurs et de la liberté.
Sylvie Génot
Philippe Sollers "Mouvement" collection
Blanche, Gallimard, 2016.
Le mouvement de la main dans La Création d’Adam chez Michel-Ange
rencontre celui du Christ avec Caravage dans La Vocation de saint
Matthieu, ce mouvement omniprésent dans les Psaumes lorsque le Dieu
d’Israël « fendit la mer Rouge en deux parts, […] et fit
passer Israël en son milieu… ». Mouvement encore dans la
Caverne de Lascaux avec ces traits et ces lignes de fuite qui anticipent
ou rappellent celui de la nature, nature dont l’homme ne s’est pas
encore suffisamment séparé avant de devenir amnésique. Chez Philippe
Sollers, les morts, ces pauvres morts, sont plus riches qu’il n’y
paraît, et plus vivants aussi, tel Hegel, Pascal, Hugo, Rûmî ou encore
le fresquiste de Lascaux… Ce n’est plus un état des dieux mais un état
des lieux que le romancier dresse dans ce songe d’une nuit d’été où la
confusion règne, c’est bien connu : « toute transcendance est
dissoute, et que le mouvement général, en France, est un repli sur soi,
de type naturaliste, comme un grand retour au 19e siècle […] La
crédulité est extrême, la spiritualité une marchandise comme une autre,
chaque secte vante ses produits, la drogue sévit. » Déprimé Sollers
? À l’évidence non, tout juste lucide, une joyeuse lucidité et
même s’il n’est pas un ange, il écrit des motets avec Bach derrière son
épaule pour oublier la disparition de l’écriture et celle de la lecture.
Les Tweets concurrencent depuis longtemps les Psaumes, le peintre de
Lascaux a-t-il encore une voie – une voix – dans ce maelstrom médiatique
? Bataille le croyait, Sollers aussi, le lecteur, on ne peut que le
souhaiter à l’heure de son clonage en 3D (Lascaux, en attendant le
lecteur…). Hegel prend la place de Virgile dans cette divine facétie et
nous assistons, médusés (Sollers évoque aussi la méduse dans ces pages)
au silence et à la surdité planétaire lorsque le Mouvement ne se fait
plus. L’immense tapage tente de convaincre du plein de la vie alors
qu’il n’y a que le délié de la mort. Ces nouveaux cercles de l’Enfer
sont plus ou moins bien masqués par le chahut de l’information,
l’inanité des « philosophies » mort-nées et les installations
artistiques dégringolant. « Seule la pensée agit » ajoute le
narrateur, et « L’Esprit absolu sait nager », alors pouvons-nous
être sauvés de cette noyade et autres lobotomies contemporaines ?
Sollers en dresse un catalogue redoutable aux accents de son fameux
Paradis, on l’entendrait presque le déclamer d’une seule traite : «
Les perturbations, les anxiétés, les dépravations, la mort, les
exceptions dans l’ordre physique ou moral, l’esprit de négation, les
abrutissements, les hallucinations servies par la volonté, les
tourments, la destruction… », le catalogue se poursuit pendant une
page et demie. Pour échapper à l’inéluctable, il faut - clame voire
martèle-t-il - avancer masqué, aller à contre-courant, choisir le
mouvement infini, abandonner le verbiage et ne retenir que le seul vrai
roman, « le mouvement de l’Esprit, rien d’autre » sicut dixit.
Philippe-Emmanuel Krautter
Florence Naugrette : « Le théâtre de Victor
Hugo », Coll. Le théâtre de…, Editions Ides et Calendes, 2016.
Au XIXe siècle, c’est avant tout dans le domaine du théâtre que
l’écrivain entendait acquérir sa célébrité, il n’est donc pas étonnant
que Victor Hugo, ce monument littéraire français, peut-être aujourd’hui
plus connu pour sa poésie ou ses romans, ait dès lors de son vivant
voulu s’imposer sur les scènes théâtrales parisiennes, ainsi que le
souligne Florence Naugrette dès le début de son ouvrage consacré au
théâtre de Victor Hugo et paru aux éditions Ides et Calendes. L’auteur,
professeur à la Sorbonne, auteur notamment de Le théâtre romantique
(2001) et co-auteur du Théâtre français au XIXe siècle (2008)
adopte pour cet ouvrage une approche à la fois classique et moderne,
réexaminant notamment la « révolution » romantique et son début donné au
théâtre avec la fameuse bataille d’Hernani. Retenant pour une
première partie, une approche chronologique, l’auteur nous entraine des
souvenirs et premières tentatives théâtrales de Victor Hugo vers ses
premières « grandes » pièces : de Cromwell ou Amy Robsart
vers Marion De Lorme, et surtout Hernani jouée au Français
puis à l’Odéon ; puis ce sera à la Porte-Saint-Martin, le succès avec
Lucrèce Borgia, peut-être son plus grand succès après l’échec du
Roi s’amuse, et enfin Ruy Blas au Théâtre de la Renaissance.
C’est durant cette première période de sa vie théâtrale que Victor Hugo
rencontrera, en présence d’Alfred de Vigny, au Français, Alexandre Dumas
qui, après avoir entamé ensemble la fameuse querelle des modernes contre
les anciens, deviendra son ami jusqu’à la fin de leur vie. Une amitié
qui durera, au de-là des brouilles, plus de 30 ans ! (Correspondance
inédite Dumas – Hugo, « Une amitié capitale », éditions La
Bibliothèque, 2015.) Alexandra Dumas pensait – ce que ne partageait pas
Théophile Gauthier - que Victor Hugo n’était pas fait pour le théâtre,
une célèbre lettre adressée à son fils en ce sens en témoigne, avait-il
raison ? Le destin, en tout état de cause, amènera Victor Hugo contraint
par l’exil à se tourner à Guernesey vers le « Théâtre en liberté
», des pièces qui ne seront jamais jouées de son vivant mais écrites
avec une liberté de ton qu’il s’autorise loin de la censure et des
scènes parisiennes, et qui marquera la seconde période de la vie
théâtrale d’Hugo. Enfin, dans une seconde partie, Florence Naugrette
propose une étude par genre du théâtre de Victor Hugo : ses thèmes de
prédilection, ses jeux scéniques, et enjeux philosophiques notamment
politiques. A cette seconde partie analytique ont été ajoutés une
chronologie, un index des pièces théâtrales de Victor Hugo et une
biographie sélective.
Henry Miller : « La sagesse du cœur
», Editions Bartillat, 2016.
On ne s’attendait plus à lire en ce début de XXIe siècle un nouvel Henry
Miller en langue française, et pourtant, ses lecteurs se réjouiront de
pouvoir contre toute attente découvrir ce presque inédit « La sagesse du
cœur » publié en langue française aux éditions Bartillat, éditions ayant
déjà eu l’heureuse initiative de publier d’Henry Miller Ma vie et moi
en 2010 et Le monde du sexe en 2013. Le dernier ouvrage, La
sagesse du cœur, The Wisdom of the Heart , traduit de l’anglais
(États-Unis) par Guillaume Villeneuve, rassemble divers textes, articles ou
nouvelles parus du vivant de l’auteur essentiellement dans la presse ou
parutions londoniennes, américaines ou encore notamment parisiennes juste ou
pendant la Seconde Guerre mondiale (notamment dans la fameuse revue
foutraque "The Booster", qu'il créa avec le concours de son comparse
et ami Lawrence Durrell, et dont la courte vie fit sa renommée),
certains textes ayant été publiés dans l’édition française de Dimanche
après la guerre paru en 1944. Henry Miller avait semble-t-il choisi
lui-même avec un soin tout particulier ces textes destinés à former recueil
en 1941, année même où paraîtra Le Colosse de Maroussi. On y
découvre, ici, un Henry Miller, peut-être un peu moins extraverti, un peu
moins désordonné que celui du Tropique du Cancer, de Sexus ou
Nexus, mais toujours en quête de ce qui le fait assurément vibrer.
Tourné vers une réflexion personnelle et intérieure, l’auteur y interroge la
destinée, le destin de l’homme et surtout celle de l’artiste. Il interroge,
questionne, convoque D.H. Lawrence, Lawrence d’Arabie, Swedenborg, prophètes
et sages bouddhistes ou taoïstes… On le suit, on le perd parfois, puis
retrouve dans ces digressions passant de l’art à la psychanalyse, de
l’occultisme à la photographie, de la littérature au cinéma… Il nous
entraîne sur les traces de ses amis, le photographe Brassaï avec son regard
et son œil infaillibles ou Blaise Cendras avec des textes d’une émotion
toute personnelle. Mais Miller nous parle aussi de cinéma avec l’acteur
Raimu, ou encore, bien sûr, de cette putain, sa putain avec ce style bien à
lui signé Miller et qui a fait sa renommée. Mais au-delà de ces chemins,
c’est assurément le Destin avec un grand « D » qu’Henry Miller entend
interpeler, convoquer ; ce consentement à la vie, ce « oui »
nietzschéen qui cogne au cœur de tout homme, cette « Sagesse du cœur
» s’il ne l’a ni fait taire ni tué. Ainsi, ces deux textes surprenants,
passionnants sur Balzac, un Balzac peu connu sous cet angle de la destinée,
celui de Louis Lambert et de Séraphîta, et qui révèlent à eux
seuls toute l’audace de cette pensée si personnelle qui fut celle d’Henry
Miller, et qui ne saurait laisser, encore aujourd’hui, aucun lecteur
indifférent.
L.B.K.
"Il est minuit, Monsieur K" de
Patrice Franceschi. Editions Points, 2016.
Calé dans son rocking-chair, au fond du bar de la « Dernière Chance », perdu
quelque part à Madagascar, dans un huis clos étouffant, monsieur K est en
tête à tête avec monsieur O. Tous deux ex et agents secrets se sont fuis et
cherchés pendant vingt ans. « Monsieur O poussa la porte à battant du bar
de la Dernière Chance et s'arrêta sur le seuil, submergé par une émotion si
puissante qu'elle l'empêchait de faire un pas de plus. Vingt ans qu'il
attendait ce moment... » Les voici donc face à face pour quelques
heures, entre minuit et neuf heures trente du matin, heure du dénouement de
l'affaire qui va les tenir éveillés malgré quelques verres de scotch, car
monsieur K détient un dossier ultra confidentiel qu'il aurait dérobé et que
monsieur O est chargé de récupérer par tous les moyens proposés par la
Centrale... « La Centrale veut tout savoir. Et ensuite vous me rendrez
gentiment le dossier - sans faire d'histoire si possible. Mais nous avons le
temps... On ne va pas se presser. Un interrogatoire pareil, après toutes ces
années à vous courir derrière, je veux que ce soit un modèle du genre. En
attendant, restez sagement à votre place : au moindre geste suspect, je
tire, je vous en donne ma parole... » À partir de ce moment, c'est un
duel dialectique quasi philosophique que va engager monsieur K pour
déstabiliser son geôlier, une réflexion assez profonde sur la place du
mensonge et de la manipulation des êtres humains dans la grande tragicomédie
de la vie. « J'en suis certain. Le mensonge peut prendre toutes les
formes. Surtout les plus imprévues. C'est drôle comme parfois vous savez
voir les formes les plus pernicieuses du mensonge généralisé, s'amusa
monsieur K. Mais vous ne trouverez pas grand monde pour penser comme vous.
L'habitude est prise pour ce genre de choses; et l'habitude est le sédatif
du mensonge... Ne croyez-vous pas que les hommes ne devraient plus ouvrir la
bouche et se contenter de penser ? C’est beaucoup moins facile de mentir
quand on pense... » Au fil de ces heures qui passent, parfois drôles,
souvent cyniques, les masques de chacun d'entre eux tomberont-ils ? Cette
interminable conversation en face à face les mènera-t-elle à se comprendre,
à l'heure du coup de gong final, ou à déclencher, le temps de cette joute
verbale, l'exécution des menaces annoncées ? Tout ça à la recherche d'une
vérité dont le dossier Alpha ne pourrait être qu'un prétexte... Ces
messieurs sortiront ils de leur confrontation KO ou OK ?
Patrice Franceschi nous fait partager dans ce bar, décor unique, scène de
théâtre et en cent quatre-vingt-dix pages, une vraie tragédie humaine. Les
paradoxes de ces deux personnages et leurs réflexions sur la question
fondamentale qui préoccupe les hommes depuis certainement la nuit des temps
: la vérité est-elle toujours bonne à dire ou à découvrir...
Sylvie Génot
La vie sexuelle des mollusques –
Jean-Claude Grumberg, Actes Sud-Papiers, 2016.
Onze scènes aux situations et dialogues truculents entre six personnages en
quête de la vérité sur leur couple. Voilà la nouvelle pièce de théâtre de
Jean-Claude Grumberg ! Chaud devant ! Pas de porte qui claque mais le schéma
explosif de petites tromperies, de désirs sexuels auxquels certains cèdent,
pas tous sinon il n'y aurait plus de moralité... Paul, que l'on pourrait
voir comme la victime numéro un, est un chercheur spécialisé sur la vie
sexuelle des mollusques, qui dit à sa femme Linda « Linda, ma longue
proximité avec les mollusques me permet de comprendre mieux la vie et des
désirs changeants des humains... » Et bien, il ne croit pas si bien
dire, Paul ! Car sa chère Linda a cédé aux chants du bel Henri, marié à
Marie mais grand consommateur de chair féminine. Chacun avec sa petite
histoire, sont ou seront tous liés à Henri, et c'est au fil des scènes, de
ces onze scènes, que l'on découvrira comment et pourquoi. Jean-Claude
Grumberg, auteur de théâtre bien connu, écrivain, scénariste (Amen
Costa-Gavras), se livre à une observation fine des travers de nos désirs où
la comédie n’est jamais loin.
Sylvie Génot
La Haine de la littérature,
William Marx, 221 p. Les Éditions de Minuit, 2015.
Mais d’où vient donc cette haine de la littérature qui traverse les siècles
depuis l’Antiquité se demandait déjà Flaubert ? William Marx lui répond : «
La littérature est le discours illégitime par excellence », et c’est la
thèse du livre. L’auteur développe sa pensée en quatre chapitres. « Autorité
» : la littérature n’a pas d’autorité, elle n’est pas autorisée à mentir ;
Platon d’abord, les chrétiens ensuite lui ont dénié cette liberté. « Vérité
» : face à la science, la littérature n’a rien à dire de la vérité ; elle ne
sait rien de la connaissance, réservée à la philosophie, la fiction
n’enseigne rien. « Moralité » : si la littérature dit des vérités, elles ne
sont pas conformes à la moralité ; au contraire la littérature est un
amollissement, ce que tous les lecteurs de Madame Bovary (et des
réquisitoires du procureur Pinard) savent bien. « Société » : les
chefs-d’œuvre sont bourgeois et discriminants ; la littérature a pour petite
monnaie la culture générale, laquelle ressortit à une oppression de classe.
Le classement est astucieux et semble opérationnel, même si on en souligne,
en conclusion, les limites et le caractère partiellement artificiel. Il
autorise à l’auteur un vaste panorama des ennemis de la littérature, de
Platon à Bourdieu, en passant par tant d’autres que l’on recherche encore le
vrai coupable (le nom de Michel Foucault n’est jamais prononcé !).
Héraclite, à cet égard, est pourtant bien placé, lui qui considérait déjà
qu’Homère ne méritait pas d’être un éducateur de la Grèce. Il avait été, en
effet, berné par une vulgaire devinette posée par des enfants et Héraclite
en tire les conséquences. Les chrétiens ne sont pas responsables du naufrage
de la littérature gréco-latine : ils l’ont sauvée au contraire, comme
l’illustre le petit traité de Basile de Césarée sur l’éducation des jeunes
gens. Ou, plutôt, ils lui ont pris le meilleur et ils ont laissé dépérir le
reste dans l’oubli, ne recopiant que ce qui méritait à leurs yeux de l’être.
Le livre est érudit et accessible. Il n’est pas sans partis pris, à peine
dissimulés (le barnum autour de Nicolas Sarkozy et de La Princesse de
Clèves est largement et finement analysé tandis que l’affaire Fleur
Pellerin qui ne lit pas Modiano est discrètement reléguée en note), pimenté
de formules que l’on appréciera au cas par cas. Ainsi de cette assertion : «
Les Lois [de Platon], comme théorie de la Révolution culturelle,
valent bien le Petit Livre rouge du président Mao ». Le ton hésite
entre celui de l’essai et celui, plus libre, d’une espèce de journal d’un
spectateur averti et un peu désolé de près de 26 siècles de littérature
délégitimée par d’autres littéraires, des juges ou des politiques. On évoque
ici non pas les censures mais plutôt les non-dits, ce qui fait qu’on se tait
ou qu’on fait taire. Les détracteurs de la littérature savent aussi nourrir
leurs arguments de relectures fallacieuses et orientées : l’antilittérature
est souvent fille de la littérature et toute rhétorique dirigée contra
demeure malgré tout une rhétorique.
Stéphane Ratti
Laurent Lasne « Pier Paolo Pasolini,
le geste d’un rebelle » Editions Le Tiers Livre, 2015.
Laurent Lasne offre avec ce dernier essai un portrait sous un angle original
de Pier Paolo Pasolini dans son rapport avec le sport et notamment le
football qu’il pratiqua toute sa vie durant. Au-delà d’une simple passion
sportive, l’attrait de l’écrivain et poète pour ce jeu collectif si présent
dans la culture populaire italienne relève par de nombreux traits d’une
communion à un espace sacré où individualité et esprit de groupe cohabitent
selon des règles primordiales en de nouvelles mythologies comme les avait si
bien montrées Roland Barthes. C’est à Carsasa que le petit Pier Paolo
découvre le football, à l’âge de six ans. La virilité et l’attrait des corps
masculins sont intrinsèquement associés dans cette passion naissante, une
attirance longtemps effrayée mais qui avec le temps trouvera, sinon un
apaisement, tout au moins une culpabilité atténuée par l’assouvissement de
ses pulsions. L’auteur montre combien le corps de Pasolini s’affûte avec sa
pratique tout autant que son esprit fuse dans les méandres d’une culture
sans cesse élargie. La documentation réunie est impressionnante et témoigne
de la quête de Pasolini qui se tourne « vers le passé pour rendre la
réalité au sacré, manifester la présence du sacré au sein du réel ».
C’est notamment avec la poésie que ce joueur fait des feintes, fronde et
dénonce le « génocide culturel » perpétré par la société de consommation
tout en poursuivant comme une quête impossible cette jeunesse éternelle des
enfants innocents. Le lecteur réalise alors toute la justesse de ce
rapprochement entre Pasolini et le football qui de manière métaphorique,
tout autant que réelle, structure la vie de l’intellectuel. Individu à la
personnalité exacerbée, il sut se mouvoir dans un ensemble collectif où
amitiés et inimitiés évoluent en un espace restreint, poussant le jeu
jusqu’à ses limites, les dépassant même pour devenir hors-jeu, il en paiera
le prix de la manière que l’on sait, assassiné atrocement, ce 2 novembre
1975, sur la plage d’Ostie.
Philippe-Emmanuel Krautter
L'envol d'une luciole de Stéphanie
Malaussena, 142 pages, Vérone éditions, 2015.
Ce soir, Stéphanie va fêter ses quarante ans et ses 21 ans de carrière
militaire. Pour cette double occasion, elle a lancé un certain nombre
d’invitations… Sa journée va être partagée entre la préparation de cette
fête et l’écriture de ses quarante ans de vie, une joyeuse demi-biographie
pourrait-on dire, si la réalité de celle-ci n’avait pas été une lutte pour
survivre dans le contexte hostile dans lequel, Stéphanie, petite fille a dû
se débattre jusqu’à ce jour. Seuls, le soutien et l’amour permanents de sa
chère grand-mère, disparue et si présente, lui donne toujours le courage
d’affronter chaque difficulté, chaque humiliation, chaque coup dur de la vie
car malgré ce qu’aurait pu laisser croire son faire-part de naissance, sa
venue au monde ne fut pas une « heureuse circonstance »… Que faire lorsque
l’on a le destin d’une luciole, celui de se révéler être une petite lumière
dans la nuit pour dire aux autres que l’espoir est là et que tout va
s’arranger si l’on agit, chacun à son niveau et sans prétention. C’est ce
que révèle ce récit simple et direct, sans fioriture, émouvant, de cette
jeune femme qui comme le roseau a plié, parfois jusqu’à la rupture, mais n’a
jamais cassé.
Alors que Stéphanie Malaussena cite Charles Baudelaire en préambule de sa
résilience n’étonnera pas !
« Anges revêtus d’or, de pourpre et d’hyacinthe,
Ô vous ! Soyez témoins que j’ai fait mon devoir
Comme un parfait chimiste et comme une âme sainte.
Car j’ai de chaque chose extrait la quintessence,
tu m’as donné ta boue et j’en ai fait de l’or. »
Jean-Bertrand Pontalis, dont l’œuvre et la vie ne firent pas
de violentes vagues mais de longs et profonds remous, obtint, après de
nombreux autres prix, le Grand Prix de Littérature de l’Académie française
pour l’ensemble de son œuvre en 2011. C’est donc une forte et heureuse
initiative que d’avoir réuni dans la Collection Quarto Gallimard,
aujourd’hui, en 2015, la quasi-totalité de l’œuvre littéraire de celui qui,
né en 1924, fut tour à tour agrégé de philosophie et proche de Sartre,
Docteur en psychologie, psychanalyste proche de Lacan, membre du Comité de
rédaction des Temps Modernes, directeur successivement des collections «
Connaissance de l’inconscient » et « Les uns et les autres » chez
Gallimard, Président de l’Association psychanalytique de France de 1970 à
1972, éditeur de la revue Le temps de la réflexion et de la célèbre
Nouvelle Revue de Psychanalyse qu’il dirigea jusqu’ en 1995, membre
du Comité de lecture chez Gallimard, et enfin et surtout, justifiant ses
nombreux prix littéraires et pour la plus grande joie de ses lecteurs :
Écrivain.
Plume jamais posée de son vivant, soumise aux mots et à l’écriture jusqu’à
sa disparition survenue le jour même de son anniversaire, ainsi qu’il
l’avait lui-même envisagé, le 15 janvier 2013, et aujourd’hui
malheureusement « plume à jamais posée, mais qui lui confère son statut
d’œuvre », ainsi que le souligne M. Bacherich dans sa préface.
Édité sous la direction de Martine Bacherich, ce volume qui vient enrichir
la Collection Quarto, réunit dans une première partie les œuvres plus
littéraires de J.-B. Pontalis : de « Loin » paru en 1980 à son
dernier ouvrage « Marée basse – marée haute » paru en 2013, l’année
même de sa mort, ce ne sont pas moins de quinze récits qui sont ainsi
regroupés. Ni véritables romans (le seul et unique « vrai » roman de J.-B.
Pontalis publié en 1952 n’étant pas repris), ni récits biographiques, ni
mêmes journaux (qu’il rédigea pourtant de 18 ans jusqu’à sa mort), les
ouvrages réunis dans ce volume abordent, chacun à leur manière, avec ce
mélange de digression et douce rectitude qui caractérisent leur auteur, les
rives ou points d’appui de ce qui allaient devenir au fur et à mesure des
publications ( publications s’accélérant dès 1996 pour un rythme quasi
annuel), ses thèmes de prédilection : l’écriture et les mots pour dire
l’absence et les rencontres, lui qui sera l’ami de Jean-Pierre Vernant, Jean
Laplanche, Jean Pouillon ou encore de Jean Starobinski. Avec cette écriture
à la fois légère, limpide et profonde, il dit et écrit pour se souvenir,
évoque les disparitions, les dépossessions et les rêves : La disparition de
son père, trop jeune, lorsqu’il a 9 ans et dont il gardera toujours la
photographie plus haute que grandeur nature, de sa grand-mère, de son chien
adoré Blackie et auquel succédera Oreste, compagnon fidèle de sa vie et son
œuvre. Se souvenir des mots et des rêves de l’enfant aussi, l’enfance et
l’adulte qui s’éloigne « En marge des nuits ». « Le cri de
l’enfant perdu que personne au monde n’entend ». C’est la place de ce
frère ainé, si brillant, trop brillant, aimé et jalousé (« Frère du
précédent ») ; de cette mère, si effacée et pourtant si présente dans sa
vie et son œuvre jusqu’à sa disparition à l’âge de 95 ans, et bien sûr,
l’amour des femmes, femmes aimées, rêvées, délaissées ou simplement suivies
des yeux (« Loin », « Elles »). Et puis, la mobilité, le
mouvement et les lieux, mémoire des lieux, Cabourg, et bien sûr Boissy
demeure familiale, mais aussi Belle-Île. Que ne cesse, surtout, pour cet
écrivain qui se sait affectif et mélancolique « L’amour des commencements
» sans fin…
Mais, la trame essentielle chez J.-B. Pontalis, cet agrégé de philosophie
devenu psychanalyste de renom, ou ce psychanalyste devenu d’une certaine
manière philosophe, demeure avant tout ce lancinant affrontement parfois
sournois mais essentiel avec le non-être. « J’ai entrepris une
psychanalyse – écrira-t-il dans « En marge des nuits »– pour
m’exiler en terre étrangère », exil en Lacanie, dira-t-il un peu
plus tard. Ce non-être dont peut jaillir ou apparaître, dissimulé, masqué ou
rêvé, l’être-même pour Pontalis, lui qui a fait sien le vide plutôt que le
subir. Et de là, chercher dans l’être ce qu’il y a de non-être et peut-être
de plus originaire. Ce non-être qui révèle ce qu’il y a de plus fragile,
mais aussi de plus essentiel pour l’être de langage et de mots que nous
sommes. Le langage reste la clef de voûte du travail de l’auteur, lui
l’enfant pourtant presque muet, et qu’il n’aura de cesse d’interroger.
Auteur avec Jean Laplanche en 1967, après plus de dix années de travail, du
célèbre Vocabulaire de psychanalyse (Puf, 1967, rééd. 2007), il
écrira dans « En marge des jours » combien « la psychanalyse est
une bouche qui s’ouvre ». Et c’est justement l’objet de la seconde
partie de cet ouvrage que de réunir certains des principaux écrits plus
psychanalytiques de l’auteur consacrés notamment au langage, à l’écriture et
aux mots, et auxquels sont venus s’ajouter deux entretiens de J.-B. Pontalis
avec Michel M’Uzan et Pierre Bayard. Ainsi, y retrouvera-t-on ces fameux
écrits consacrés à Flaubert, James, Woolf ou encore Leiris avec en inédit
cet écrit consacré à Paul Valéry, « Paul Ambroise tel quel ».
Ainsi que le souligne Martine Bacherich, pour lire Pontalis « convient-il
sans doute de tomber dans un même amour des commencements, et sur ses pas
d’y succomber, sans songer davantage que lui à s’en arracher.» Apprécier
l’œuvre de J.-B. Pontalis, c’est tout simplement accepter de s’y laisser
glisser.
L.B.K.
Michel Orcel Jardin Funeste, récit,
ARCADES – AMBO éditeurs, 2015.
Sur un air de symphonie n° 9 de Schubert - le fameux Andante con moto
– le narrateur débute l’enquête qui le mènera aux tréfonds de nos existences
et de la vie. Il n’est pas psychanalyste mais juge d’instruction. Et si ce
sont les faits auxquels il s’attache, la manière dont les âmes évoluent sur
terre fait cependant également partie de ce qui l’anime au sens de l’anima
latine et en suggérant peut-être la fameuse dichotomie animus/anima.
Toujours est-il que notre homme est confronté au cadavre d’un astrophysicien
et à la recherche d’une jeune femme qui semble s’être enfuie au même moment
des lieux où le corps a été retrouvé… un corps, lui, inanimé. Et ce lieu –
le Jardin funeste - va devenir l’axis mundi de cette trame au
rythme allant crescendo et dont le lecteur ne peut quitter la lecture
une fois commencée. La magie opère en effet au sens propre et figuré, à
l’image de la découverte du plateau rocailleux par le narrateur dès le début
du récit, endroit magique où a eu lieu la mort, et peut-être même le crime.
C’est dans un sanctuaire que le magistrat se transforme en auspice des temps
modernes et interroge la nature pour en percevoir le message supranaturel.
Les coïncidences font signe chez Michel Orcel et rien n’est fortuit dans
l’avancée de l’enquête. Celle-ci n’a rien d’un conte bucolique même si le
paysage n’est pas sans ressemblance étrange avec l’œuvre de Virgile et sa
représentation par Nicolas Poussin dans le tableau Et in Arcadia ego.
Le trouble grandit à la mesure de la progression de l’enquête et la destinée
des protagonistes dépasse leur propre existence à un point tel que le
narrateur parvient à cette évocation d’une Arcadie retrouvée, du mythe
imposant la réalité. Corinne, la jeune femme, est-elle coupable du meurtre
de l’astrophysicien ? Le lecteur découvrira la réponse au terme de l’enquête
et du roman, mais peut-on encore parler de roman lorsque son auteur mène
subrepticement son lecteur vers des lieux d’où l’homme ne saurait échapper à
son destin ?
Philippe-Emmanuel Krautter
A noter que ce livre vient de paraître aux toutes nouvelles éditions
ARCADES AMBO www.arcadesambo.com
Florina Ilis «Les Vies parallèles «
traduit du roumain par Marily Le Nir, Editions des Syrtes, 2015.
« Les Vies parallèles » sont autant celles d’un des plus grands
poètes que la Roumanie ait connu, que celles de la Roumanie elle-même. La
romancière roumaine Florina Ilis déjà remarquée avec « La Croisade des
enfants » s’est attachée, ici, à évoquer cette grande figure littéraire
que fut Mihai Eminescu au XIXe siècle qui rallia tout aussi bien la gauche
que la droite la plus extrême si l’on songe à l’influence qu’il put avoir
pour certains intellectuels du Mouvement légionnaire de la Garde de fer… La
romancière a choisi pour cette évocation la forme de la biographie-roman sur
les dernières années 1883-1889 de la vie de l’écrivain, date à laquelle la
folie de ce dernier le conduisit à l’internement. Organisé en quatre étapes,
ce fort volume de plus de 600 pages réinvente l’art de la biographie en
roman, moyen plus habile pour évoquer probablement avec autant de fidélité
un personnage dont les sources historiques se contredisent. Florina Ilis
mène l’enquête à la manière d’Hérodote comme de Sherlock Holmes. Ghislain
Ripault dans sa préface n’hésite pas quant à lui à parler de docu-roman, et
si le terme n’est pas particulièrement esthétique, il résume assez bien
l’impression que le lecteur aura dans ces pages si bien traduites par Marily
Le Nir. XIXe, années 1960 et XXIe siècle entrecroisent leurs instants de vie
dans lesquels l’auteur est discrètement à la fois témoin et acteur. La vie
et les idées du poète national ont beau avoir été « récupérées » à gauche
comme à droite comme nous l’évoquions précédemment, cette évocation
romanesque de la vie de Mihai Eminescu tisse à la fois un fil d’Ariane et en
même temps renforce cette impression de dédale dans lequel le lecteur aimera
à se perdre avec l’auteur du fameux poème Hypérion :
Jette un sort, fais que ton esprit
Pénètre, déchiffre mes pensées
Et qu’il mette un baume infini
Au cœur de mes nuits troublées.
(traduction – Constantin Frosin)
La perte de la raison, comme celle de son chemin, est au cœur de cette belle
réflexion. Eminescu avoue sous le sceau de la confidence au médecin de la
clinique où il est interné que le poète latin Horace ne pouvait qu’être juif
et quelques lignes plus loin évoque les chants traditionnels roumains qu’il
aime à pratiquer… Les chronologies se succèdent et en même temps se
confondent. La clinique se métamorphose au gré des jours en lieu de
conférence ou en soirée de gala, seuls quelques regards lucides pouvaient
encore faire la différence entre ce monde et celui extérieur. Lorsque le
poète, à la veille de sortir, pensant être guéri, évoque l’actualité
politique avec le directeur, les conversations s’accélèrent et le médecin de
les interrompre brutalement afin d’éviter une rechute alors que la
conversation qui suit comme palliatif s’occupe du sujet futile de la diète
dont on sait combien elle fut inutile pour le cas de Nietzche… Cette belle
réminiscence de Mihai Eminescu, le lecteur l’aura compris, ne va pas sans
évoquer la vie parallèle de la Roumanie, celle de naguère et d’aujourd’hui,
un peu à la manière où Plutarque en son temps cherchait à son tour dans ses
Vies parallèles à comparer un grand homme grec et romain.
Philippe-Emmanuel Krautter
Marc Fumaroli, La République des
Lettres, Gallimard, « Bibliothèque des Histoires », Paris, 2015.
Mais que désigne exactement cette expression, « la République des Lettres »
? Pour nous autres, lecteurs de Lexnews, sans doute quelque chose comme la
communauté des esprits curieux que ce site fédère autour de l’amour des
livres et du beau. Pour Marc Fumaroli, à une autre échelle, il s’agit de la
communauté des savants qui, au XVIIe siècle essentiellement – mais l’auteur
ne rechigne pas à conduire ses analyses jusqu’au tout premier XIXe siècle –,
plaçaient l’amour des lettres par dessus tout le reste au point d’éprouver,
au delà des frontières géographiques et des générations, une solidarité
profonde avec leurs semblables dans les principaux pays lettrés d’Europe et
avec leurs modèles à travers les âges, de l’Antiquité à la Renaissance en
passant par le XVIe siècle.
L’expression serait attestée pour la première fois dans une lettre de
l’humaniste vénitien Francesco Barbaro, en 1417, dans laquelle il le
félicitait pour la découverte de manuscrits de l’Institution oratoire
de Quintilien. L’Antiquité comme source et matrice originelle est donc
présente tout au long du livre de Marc Fumaroli même si aucun chapitre ne
lui est spécifiquement consacré. Respublica litteraria apparaît comme
une réécriture de la formule Respublica christiana, laquelle provient
de saint Augustin qui, dans La Cité de Dieu, théorisa, après le sac
de Rome en 410, la cohabitation des deux cités, divine et terrestre. Marc
Fumaroli montre comment, au modèle cicéronien d’une société fondée sur une
communauté d’intérêt cimentée par la loi, l’évêque d’Hippone a substitué «
l’ordre de la grâce et de l’amour ». Ce fut là un basculement majeur.
Une autre évolution dont l’importance est admirablement mise en lumière dans
le livre est celle qui vit le passage, au sein de la République des Lettres,
du modèle dialectique de la quaestio et de la disputatio, à
celui du dialogue. L’Antiquité tardive avait vu fleurir le genre littéraire
des questions et réponses et saint Augustin lui-même avait cédé à cette
mode. Car l’époque était encore à la polémique, entre païens et chrétiens,
entre philosophes et clercs, entre Juifs et chrétiens. Marc Fumaroli montre
qu’une nouvelle sociabilité s’installe à la Renaissance fondée sur l’art de
la conversation, celui de la lettre (les correspondances), sur une pratique
rhétorique moins technicienne, plus ouverte. Le dialogue policé entre
lettrés remplace, dans les Académies, les joutes que la scolastique, par
définition, cantonnait entre les murs de l’Université. Le partage des
connaissances serait ainsi le moteur d’une nouvelle dynamique dans le
progrès intellectuel. L’auteur cite un curieux passage du Discours de la
Méthode de Descartes pour illustrer son propos. Le philosophe affirme
que la diffusion du savoir permettrait aux nouveaux savants de reprendre
leur recherche personnelle à l’endroit même où leurs devanciers, qu’ils
auront lus, les auront arrêtées. Bel optimisme auquel les sciences humaines
contemporaines apportent néanmoins un démenti formel, elles qui proclament
que toute recherche, en leur domaine, devrait toujours tout reprendre à
zéro. Au début du XVIIIe siècle l’historien Muratori croyait ainsi à une «
augmentation des lettres » à laquelle contribuait « l’union des âmes, sur
laquelle ne prévaut point l’éloignement des corps ni la diversité des
nations » (p. 153). Quel ministre d’une culture européenne oserait de nos
jours afficher un tel optimisme ?
L’ouvrage de Marc Fumaroli est, dans son plan d’ensemble, bâti comme une
Académie, avec ses Chambres séparées, jalouses de leur indépendance et
fières de leur antériorité les unes sur les autres, mais avec des portes
communicantes. La première partie décrit « Une citoyenneté idéale » en
proposant une histoire culturelle de l’Europe au XVIIe siècle et une autre
de la naissance des Académies. La seconde analyse l’importance de la
conversation dans la construction de la République idéale des Lettres. Il
existe des témoignages écrits de ces conversations par définition « volantes
». On aurait tort de les négliger car depuis Plutarque ou les Saturnales
de Macrobe les conversations de table recèlent et parfois décèlent bien des
secrets. La troisième partie est consacrée à ce loisir lettré (otium
litteratum) par excellence qu’est la pratique de la correspondance. Là
encore les modèles sont antiques et Pétrarque ou encore Juste Lipse doivent
beaucoup à Cicéron ou à Pline le Jeune. Mais dans le cas de Pétrarque,
habité par le désir d’écrire pour acquérir la connaissance de soi, ce sont
plutôt les modèles cryptochrétien de Sénèque et chrétien de saint Augustin
qui doivent être mis en avant.
La quatrième et dernière partie a pour thème d’étude le genre littéraire de
la Vie des grands hommes. L’auteur y explique admirablement que les
genres aujourd’hui en vogue, celui de la biographie, de l’autobiographie et
de l’autofiction, ont définitivement supplanté celui du Bios.
Cornelius Nepos et Plutarque ont rédigé les Vies de grands capitaines
et d’hommes illustres, on écrit aujourd’hui la biographie de n’importe qui.
Soudain, à ce propos, la plume de Marc Fumaroli se fait incisive : « La
démocratie égalitariste a relégué le temps, avec les Vies, au magasin
des défroques historiques. Elle ne connaît plus de lui que sa fille toujours
jeune, toujours souriante, active et pressée : l’actualité » (p. 377).
Dans ce chapitre consacré aux Vies Marc Fumaroli, après en avoir
savamment décrit les spécificités génériques, ajoute, comme s’il s’agissait
d’une simple intuition, que les Vies, celles de Suétone déjà,
comportent presque toujours une dimension fictive qui les rapproche du
roman. C’est un mouvement qui a effectivement débuté dès l’Antiquité avec
les Vies de moine de saint Jérôme ou avec les Vies des
empereurs romains réunies dans la collection qu’on appelle l’Histoire
Auguste et qui a abouti, dans l’Antiquité tardive, à l’invention de ce
que Sir Ronald Syme a surnommé la mythistoriographie. On sent en ces pages
poindre le regret de l’auteur que la France n’ait point pour ses grands
hommes la même considération que les Anglais pour les leurs, comme si les
Français ne savaient pas admirer, un défaut qu’explique peut-être leur
médiocre intérêt pour le rôle historique et social des individus : « Un
Sainte-Beuve anglais serait publié dans Penguin Books » (p. 394).
Philippe Sollers : « L’école du mystère »
- Roman, Editions Gallimard, 2015.
Avec L’Ecole du mystère, Philippe Sollers, une fois de
plus, joue, se cache, dit et ne dit pas, ce qu’il ne sait que trop bien… Il
aimerait bien par exemple dire la messe, « on le montre au public qui est
là, une foule ou presque personne, peu importe. » ; Philippe Sollers
joue à les nommer, à les compter ces mystères : mystère de la foi, noir
mystère de Baudelaire, et puis la musique bien sûr et toujours… Il leur
attribue même des couleurs comme Rimbaud aux voyelles : noir celui de
Baudelaire, blanc la foi, rouge… Lanterne magique. Il murmure, rêve, délire
et les mots s’écrivent. Mystère des mots, aussi, du rythme des mots. Lui, il
apprend et avance.
Face et contre L’Ecole du mystère, il y a Fanny. Qui est Fanny ? Un
peu tout le monde, une femme, des femmes, beaucoup de femmes et des hommes
aussi parfois, aigris, chagrins, fâcheux ; adepte du reproche, de
l’écrasement de désir, elle porte sur le visage les marques du sourire pincé
de la morale et des rictus de déception, ces fossés de déception que
soulignait Aragon dans Aurélien. Mais, Fanny sait, elle a des avis
sur tout, la politique, l’homosexualité, la PMA, et surtout s’y connaît plus
que nulle autre en guerre des sexes. Fanny, c’est beaucoup de monde. Mais,
qu’à cela ne tienne, entre misogynie et misandrie, gynandrie, il apprend,
apprend et avance, Sollers.
Et puis, il y a heureusement les autres : Luisa, la concierge portugaise… Et
surtout, il y a Manon. Manon, c’est la sœur, la femme, l’amante, l’amie. «
Mon enfant, ma sœur, songe… », si chère à Philippe Sollers. Elles
font partie du mystère, et avec elles, sur fond de poésie, de peinture, de
lectures, de musique toujours – mais pas n’importe lesquelles - il se
souvient, mystère de la mémoire, fabuleux caléidoscope… il n’a de cesse de
se souvenir et d’apprendre. Il apprend et surtout avance Philippe Sollers,
esquivant ici, bifurquant là, dans un tourbillon d’atomes, lui qui aime à
citer cette phrase de Mallarmé : « Il peut avancer parce qu’il va dans le
mystère ». Un converti Sollers, alors ? Oui, assurément, à la vie.
Mysterium fidei.
L.B.K.
Christian Doumet : « Chine ; La Maison du
dehors. », Ed. ARCADES AMBO, 2016.
Écrire sur la Chine aujourd’hui n’est pas chose aisée tant il est vrai
que les récits, carnets, études en tout genre qui lui sont consacrés
nous sont, non donnés, mais jetés en profusion, pêle-mêle. Pourtant, et
pourtant, Christian Doumet a tenté, osé répondre à cet appel que lui
lançait la littérature, celle de ces écrivains exigeant encore style,
rythme et poésie, ce langage poétique sans lequel la Chine, si
extrême-orientale soit-elle, se réduit à un vaste continent lointain
plaqué sur terre. Car, c’est avec cette exigence littéraire que
Christian Doumet (essayiste, romancier, poète et universitaire) nous
donne, en effet, à voir, à percevoir cette Chine multiple et pourtant
unique ; « ce singulier du pluriel », ce Un aux mille
paysages et couleurs ; cette Chine d’aujourd’hui où s’imprime encore
celle d’hier et d’autrefois comme une surimpression photographique. Et
l’auteur, d’image en image, de paysage en paysage, d’impressions en
émotions glisse de l’est de cet Extrême-Orient vers l’ouest, vers le
Tibet. Dans la lignée de Victor Segalen (1878 – 1919), poète, romancier,
ethnographe, sinologue et archéologue, à qui il a déjà consacré deux
ouvrages et nombre de contributions, Christian Doumet évite bien des
écueils et clichés placardés, et préfère, comme Segalen, médecin,
parcourir cette Chine comme un médecin chinois parcourait selon les
différents méridiens un patient souffrant. Maniant les vents changeants,
le paradoxe, l’oxymore, comme l’air et le feu, c’est un fort beau texte
flottant parcourant cols et abîmes au gré des impressions de soleil
levant (celui-ci chinois) et mêlant aux statues et stèles chinoises, aux
Han, Segalen, Rimbaud, Baudelaire ou Hölderlin : « On lit la Chine.
On lit du moins ce peu que notre regard nous autorise à en embrasser. On
lie. On relie cette gerbe. De lieu en lieu, de vue en vue, on y passe un
lacet invisible. C’est parcourir. C’est errer. C’est écrire, et plutôt
récrire : suivre les traces d’autres écritures qui déjà tentaient, elles
aussi, de tenir ensemble ces incompossibles. Lire, écrire la Chine,
c’est reprendre cette vieille marche dans le froid du monde où soufflent
des vents contraires. S’orienter dans la désorientation. Penser le tout
qu’aucune pensée ne sait unir. » écrit l’auteur de ce texte se
voulant également bien ancré dans cette terre, cette boue, rouge, ocre,
brique ; boue collante, gluante, remuée, retournée, souillée. Terre
défigurée, balafrée, mais Terre qui happe et engloutit. Et ne retrouvant
pas les chaussures décrites naguère par Segalen, mais seulement cet
unique soulier – comme celui d’Empédocle- au mauve indicible abandonné
sur cette décharge, ce tas d’immondices : « La couleur (rose mauve) a
gardé sa suavité ; le galbe du pied, son allant ; l’empeigne, son
agressivité. Mais l’autre manque pour faire un pas, et cette solitude
résume la boiterie d’un monde : opulence et dérision. Si opulent qu’on
ne sait même plus distinguer, parfois, l’outil de son débris, la colline
de la décharge, le tout et son ordure. Peut-être ces distinctions
ont-elles de moins en moins de sens. Peut-être sommes-nous entrés dans
la concomitance de l’utile et de sa mort. » écrit encore Christain
Doumet. Impénétrable image voilée au gris multicolore où « un visible
s’y concerte avec un invisible ». Présence réelle d’hier, de cette
Chine d’autrefois, qui imprègne encore la mémoire, le songe
cauchemardesque de cet aujourd’hui chinois. « Mondes infimes. Mondes
imperceptibles, illimités. Et nous sommes là, à pressentir toute cette
poétique du quotidien, sans savoir que, dans notre baudelairienne «
passion des images », nous ne faisons nous aussi que creuser
l’étroit sillon d’une coutume. » sillon poétique dans lequel se glisse
furtivement cette « liberté buissonnière », cette « Chine,
Maison du dehors » de Christian Doumet.
L.B.K.
Pier Paolo Pasolini Les Ragazzi (Ragazzi
di vita), traduit de l’italien (romanesco) et préfacé par Jean-Paul
Manganaro,Buchet Chastel, 2016.
Ragazzi di vita est non seulement le premier roman de Pier Paolo
Pasolini paru en 1955, mais sera également la veine romanesque qui
animera l’auteur jusqu’à ses dernières créations, celui qui jusqu’alors
s’était fait remarquer pour ses poésies, son amour illimité de la langue
frioulane, Frioul natal qu’il dû quitter pour ses amours interdites dans
un milieu encore très prude. Ragazzi di vita est un roman né et
vécu à Rome, non point la Rome des églises et des arts, encore moins
celle de la culture classique que l’auteur affectionnait pourtant, mais
pour la culture des borgate, ces faubourgs romains plus pauvres
que la pauvreté et qu’il n’eut de cesse d’arpenter y puisant toute
l’inspiration qui nourrira ses romans, mais également sa poésie
ultérieure et surtout son cinéma. Pasolini n’agit pas en anthropologue
et il ne hait pas ces voyages dans lesquels il s’immerge avec une
passion qui lui sera fatale. L’auteur de Ragazzi plonge dans cet
univers comme il le ferait d’une fontaine de jouvence, ces jeunes
romains des faubourgs incarnant cette énergie vitale qui n’avait pas
encore pu être sacrifiée à l’autel de l’économie de marché et du profit,
leur pauvreté se faisant richesse aux yeux du romancier. Pasolini n’en
idéalise cependant pas pour autant le milieu dans lequel ses « acteurs »
évoluent, les terrains vagues hurlent la misère autant que les ventres
affamés de jour comme de nuit, dénuement atteignant un tel paroxysme que
les coups et les vols n’épargnent même pas ces jeunes dans leurs
rapports réciproques. Cette violence est le premier vocabulaire appris
de leurs parents qui se cognent, se tabassent comme seul moyen de
communication. Et pourtant dans ce désert aride, des sentiments émergent
comme une fleur dans un tas d’immondices, une hirondelle sauvée de la
noyade par un de ces jeunes, l’argent aussi vite partagé que volé, les
regards qui n’ont pas su perdre la pudeur des vrais sentiments qui
constituent l’homme même lorsque celui est réduit à presque rien. Cette
école de la vie est essentielle pour Pasolini et elle lui offrira le
cœur de ses films les plus mouvants, Accattone bien sûr, mais
aussi Mama Roma ou encore La Ricotta et bien d’autres
réalisations où le romanesco – le dialecte romain des faubourgs –
colle à la peau de ces protagonistes qui placent la vie au même titre
que la mort, l’éternel présent étant leur seul refuge, refuge qui a
toujours protégé l’auteur de ses propres gouffres.
Philippe-Emmanuel Krautter
« Romans grecs et latins » Sous la direction de
Romain Brethes et Jean-Philippe Guez, editio minor, Les Belles Lettres,
2016.
Si les noms de Pétrone pour son sulfureux Satiricon qui inspira
tant Fellini et d’Apulée pour ses Métamorphoses peuvent encore
résonner à nos oreilles, ceux d’Achille Tatius, Longus, Héliodore ou
Chariton ont pour beaucoup sombré dans l’oubli des humanités léguées à
notre XXI° siècle. De nouvelles traductions réunies en un seul fort
volume donnent ainsi à découvrir ou redécouvrir ces textes à nos
contemporains, une belle manière d’élargir le champ des connaissances à
d’autres textes que ceux plus illustres de l’Iliade, l’Odyssée
ou encore l’Enéide. Le lecteur curieux s’arrêtera peut-être sur
cette terminologie qui le surprendra : romans grecs et latins. La
forme romanesque serait-elle déjà présente dès l’Antiquité alors qu’on
la croyait plus contemporaine ? Romain Brethes et Jean-Philippe Guez
anticipent cette question dans leur introduction à cette édition en
rappelant que les auteurs de ces textes ayant bravé les siècles ne
nommaient, certes, pas romans ces formes longues de fiction en
prose. Il n’y avait alors pas de noms pour ce genre dont le destin ira
croissant dès le Moyen-Âge. Si ces textes étaient jusqu’il y a peu
relativement délaissés par les spécialistes, depuis quelques décennies
notre époque moderne apprend à les redécouvrir et à en apprécier la
singularité dans le paysage littéraire ancien, avec une place moins
marginale que naguère. Ainsi que le soulignent les auteurs, se
souvient-on que Zola raillait, il y a un peu plus d’un siècle, ces
auteurs antiques pour leurs récits invraisemblables même si Des
Esseintes, le fameux personnage d’À rebours de Huysmans faisait
du Satiricon et des Métamorphoses les seules œuvres
latines à garder dans sa bibliothèque ? Le lecteur toujours curieux ira
ainsi à la découverte de ces textes qui ont gardé toute leur fraicheur
en commençant probablement par ces deux œuvres emblématiques de Pétrone
et d’Apulée, même si les aventures de la jeune Syracusaine Callirhoé,
redoutablement belle, pourraient avoir la primauté avec cette œuvre de
Chariton auprès de laquelle Angélique, Marquise des anges fait
pâle figure… Ces romans idéalistes présentent des traits communs
(récit de deux jeunes adolescents s’aimant et devant s’unir mais
subissant de nombreuses épreuves) à un point tel qu’ils devaient
correspondre à des structures, un rythme auquel s’attendait le lecteur
antique qui, à l’avance, savait qu’une épreuve initiatique était sur le
point de survenir dans le récit à la manière d’un film noir au cinéma.
Ainsi, entre textes idéalistes et fictions satiriques, les lectures du
roman antique seront plurielles grâce à cette nouvelle édition
remarquable.
Ernst Jünger, Lettres du front à sa famille,
1915-1918. Avec un choix de réponses de ses parents et de Friedrich
Georg Jünger. Édition et avant-propos de Heimo Schwilk, traduit de
l’allemand par Julien Hervier, Christian Bourgois éditeur, 173 p.,
Paris, 2016.
Les lettres du front de Ernst Jünger à sa famille, parues à Stuttgart en
2014, étaient jusqu’ici inédites en français. C’est l’éditeur de Jünger
dans la collection de la Pléiade, Julien Hervier, qui en est le
traducteur. Le 4 août 1914, à 19 ans, Jünger s’engage comme volontaire
au 73e régiment de fusiliers de Hanovre. Le 27 décembre de cette même
année, il est dans les tranchées près d’Orainville, en Champagne. Quatre
ans plus tard, le 25 août 1918, il est blessé pour la septième fois et,
après ce qu’il nomme lui-même, avec amertume, « une percée vers
l’arrière », il est rapatrié à l’hôpital de Hanovre. Le soldat et
l’infirmier qui lui sauvèrent la vie en le portant en civière vers une
infirmerie de campagne sont tués, chacun d’une balle dans la tête. Les
lettres sont adressées à ses parents et à son frère cadet Friedrich
Georg, lui aussi engagé, lui aussi blessé. Les deux frères se sont même
rencontrés par hasard sur le champ de bataille de Langemark en 1917 :
Ernst y recueillit Friedrich et organisa son évacuation.
Les lettres de Jünger à ses parents sont bravaches et cherchent à
prouver son courage et son endurance. Mais de patriotisme allemand, il
n’est guère question. L’épistolier rappelle, à de multiples reprises, le
zèle avec lequel il sert et qui devrait lui obtenir de l’avancement. De
fait, il est bientôt élève officier, puis lieutenant et enfin, en
février 1917, commandant provisoire de compagnie. Le 22 août 1918, il
écrit à Friedrich, dans un des rares passages de cette correspondance où
pointe un brin de pathos : « Désormais, parmi tous les commandants de
compagnie du régiment, il n’y en a qu’un seul qui soit plus vieux que
moi. Lors des attaques, on ne laisse plus seulement sur le terrain
quelques hommes ou un nombre important de ceux qui se trouvaient alors
sur la position, mais presque la totalité ». De fait, Jünger est, à
plusieurs reprises, l’un des rares survivants de son groupe.
Le contenu des lettres paraîtra au lecteur souvent étrangement trivial
(le soldat réclame journaux, tabac, alcool, chocolats, effets chauds) ou
édulcoré : jamais aucune critique d’aucune sorte, ni sur les gradés
(tout juste quelques quolibets à l’encontre des « planqués ») ni sur la
stratégie de l’état-major ; jamais de déploration sur l’absurdité de la
guerre : on est à mille lieues des Croix de bois d’un Dorgelès).
La censure militaire sévissait, mais ce n’est sans doute pas la seule
explication. Jünger songeait avant tout à donner de lui une certaine
image et Heimo Schwilk, a raison de rappeler, dans son avant-propos, que
le futur écrivain fait ici déjà l’expérience que poursuivront ses
Journaux toute sa vie, celle « d’une entreprise de stylisation de
soi ». Une apparente froideur dans le récit des atrocités le dispute au
souci d’une observation toute analytique. Le soldat s’apparente à un
chasseur (la même attitude qu’adopte Jünger entomologiste). L’épisode
d’un soldat anglais abattu de sang froid d’un coup de fusil est décrit
comme « un coup de maître » : « Certes, dit-il à ses parents le 6 mars
1917, ça n’a rien de beau en soi, mais je m’en réjouis quand même ».
Ces lettres, au fond, n’ont rien à voir avec les carnets de guerre que
Jünger publiera après la guerre et que l’on lit dans la Pléiade sous le
titre de Journaux de guerre. Elles se signalent par une vraie et
décevante pauvreté littéraire, même si la poésie est au centre de
plusieurs lettres échangées avec son frère. Les deux soldats écrivent,
en effet, des poèmes et disputent de la rime. Certes, Jünger est jeune
et ne nourrit encore, semble-t-il, au moins au début de la guerre,
aucune ambition de devenir écrivain. C’est son père qui l’encouragera à
publier ses carnets, tenus pendant quatre ans. Il faudra attendre 1924,
et une certaine maturation, avant de voir naître, à partir des carnets,
le grand livre qu’est Orages d’acier et qui lui vaudra la
notoriété. Dans sa préface, Jünger écrira : « Ce fut une étrange
occupation, assis sur un siège confortable, que de déchiffrer les
griffonnages de ces cahiers dont la couverture était encore engluée par
la boue séchée des tranchées et maculée de taches sombres dont je ne
savais plus s’il s’agissait de sang ou de vin ». Orages d’acier,
comme les Journaux de guerre, relève donc d’une réélaboration à partir
des commentarii pris sur le vif. Ainsi Jünger retrouvait-il le
principe historiographique antique cher à Cicéron : il n’y a pas
d’histoire sans réécriture et une part d’enjolivement littéraire. On
relèvera, à ce propos, que Julien Hervier (Pléiade I, Introduction, p.
XVI), qui les a eus entre les mains, note que « ces carnets dans leur
état actuel, n’offrent pas cet aspect boueux et sanglant qu’évoque
Jünger ».
Mais il demeure que la meilleure façon de faire ressentir l’horreur de
la guerre et, malgré les satisfactions intimes qu’elle offre (Jünger se
figure chaque duel à venir comme une source espérée de joie et
l’occasion de collectionner des trophées), d’en révéler les tréfonds est
sans doute de conserver une apparente objectivité. Jünger utilisera le
même procédé dans le mémorandum qu’il rédigera pendant le second conflit
mondial sur les exécutions par les Allemands d’otages français entre
août 1941 et février 1942, un texte majeur que l’on peut désormais lire
grâce aux éditions Les Belles Lettres (Sur les otages, 2015).
Derrière l’aspect neutre de ce rapport se dissimule, en effet, un
plaidoyer humaniste contre la barbarie de ce type d’exécutions* .
Stéphane Ratti
(* Voir St. Ratti, « Ernst Jünger : une
leçon d’histoire », Revue des Deux Mondes, mai 2015, p. 168-172.)
"Le grand marin" de Catherine Poulain, 373
pages, Éditions de l'Olivier, 2016.
Comment imaginer ce petit bout de femme, menue, souple et musculeuse
avec ses mains noueuses d’homme, sa crinière déployée aux vents salés
des océans, cette Lili qui voulait partir, partir à tout prix et en
payer la note, loin, aussi loin que possible ? « Il faudrait toujours
être en route pour l’Alaska. Mais y arriver à quoi bon. J’ai fait mon
sac. C’est la nuit. Un jour je quitte Manosque-les-Plateaux,
Manosque-les-Couteaux, c’est février, les bars ne désemplissent pas, la
fumée et la bière, je pars, le bout du monde, sur la Grande Bleue, vers
le cristal et le péril. Je pars. Je ne veux plus mourir d’ennui, de
bière, d’une balle perdue. De malheur. Je pars. Tu es folle. Ils se
moquent. Ils se moquent toujours – toute seule sur des bateaux avec des
hordes d’hommes, tu es folle… Ils rient. Riez. Riez. Buvez.
Défoncez-vous. Mourrez si vous voulez. Pas moi. Je pars pêcher en
Alaska. Salut. Je suis partie. » Ainsi les premières lignes de cette
incroyable tranche de vie que l’auteur, Catherine Poulain ou Lili, nous
confie comme à des amis de longue date, au retour du Grand Voyage de sa
vie, donnent le ton de l’aventure tant rêvée, celle qu’elle voulait plus
que tout au monde. Sans rien censurer de tout ce qu’elle a essayé,
enduré, essuyé, pleuré, raté et réussi, rêvé, fantasmé, fumé, bu, aimé,
son skipper Jude… Les refus, les moqueries, les humiliations, les défis,
les travaux vils et durs des matelots en partance (les greenshorns),
les engueulades, les cris, les peurs, les bitures, les blessures, les
fièvres de froids et d’amour, les houles, les vagues et les creux, les
embruns, les kilomètres de palangres à remonter, les tonnes de poissons
à vider, les cadences… Mais l’immensité de la mer, les vents, les
compagnons de routes et les cigarettes partagées sur le pont, les cafés,
les bières, la vodka, le rhum, les verres de White Russians trop
nombreux et les vies fracassées de chacun qui se racontent au fur et à
mesure de la confiance, de l’alcool, de tout ce qui se fume et le
Respect gagné à la sueur de son front et des larmes de son corps cassé,
fatigué, épuisé… Voilà Lili, voilà Catherine, face à leur choix, à leur
aventure personnelle. « Les femmes aussi peuvent mener un bateau ?…
Et comment fait-on ? Pourquoi ? Pour être skipper ? On travaille. J’ai
commencé matelot, comme toi. Tu dois bien le savoir, l’important c’est
pas la grosseur des muscles. L’important c’est de tenir bon, regarder,
observer, et se souvenir, d’avoir de la jugeote. Ne jamais lâcher.
Jamais te laisser démonter par des coups de gueule des hommes. Tu peux
tout faire. L’oublie pas. N’abandonne jamais. »
« Tu as déjà pêché ? Non… Je bafouille. Tu as tes papiers ? Carte
verte… Licence de pêche ? Non. On me regarde étrangement. Va voir plus
loin, tu finiras par trouver… » Et enfin, à Kodiak, elle embarque
sur le Rebel pour la saison de morue noire, elle sait qu’il y a aussi
celle des crabes et des flétans. Ces pêches-là, elle les veut aussi dans
ses filets de femme libre. « Oui, avoir osé la franchir, la
frontière, ça ne pouvait être que pour y trouver la mort, y pêcher sa
fin très rouge et très belle… » C’est la blessure mortelle plantée
dans sa main, dont elle se sortira et qui fera de Lili un homme comme
les autres à bord du Rebel. Elle y a gagné sa place alors tout peut
recommencer à chaque saison sa pêche et Lili est là sur le pont, au fond
de la cale avec le poisson ou en haut d’un mât. Lili… Lili, que
cherches-tu ? Jusqu’où iras-tu ? Jusqu’où la soif de liberté de cette
écorchée vive, cette anticonformiste, cette aventurière va-t-elle nous
emporter dans le sillage des mots touchants, violents, poétiques,
simples, beaux de ce premier roman qui n’en est plus vraiment un dès que
l’on embarque avec elle sur le Rebel, poussé par cette force que
Catherine Poulain nous transmet directement… Une vraie transfusion
d’aventure… Mais « Un jour peut-être, la saison finirait et tous
quitteraient le bateau. Mais ça je l’avais oublié. »
Premier roman remarqué qui s’inscrit dans la lignée des récits de Pierre
Loti, Jack Kérouac ou autre Nicolas Bouvier. Il fait partie de la
sélection du livre Inter 2016.
Sylvie Génot
Michel Butor « Hugo », Coll. Les auteurs de ma
vie, Editions Buchet-Chastel, 2016.
L’œuvre d’Hugo est un monument, c’est entendu, du moins aujourd’hui.
Mais sait-on toujours par quel chemin ou porte l’aborder ou la
redécouvrir ? Poésie, romans, théâtre, dessin, etc., chaque domaine
touché par la main de Victor Hugo inspire à chacun, selon les moments et
ses humeurs, des sentiments différents ; alors que faire, que choisir ?
C’est avec cet état d’esprit d’enchanteur ouvrant ou ré-ouvrant les
malles d’un grenier parfois trop longtemps délaissé qu’il faut ouvrir
l’ouvrage consacré à Hugo de Michel Butor dans la collection Les
auteurs de ma vie chez Buchet-Chastel. Bien qu’avouant dès les
premières lignes de sa préface qu’il n’aime pas les anthologies, c’est
pourtant – disons alors – un bien beau florilège qu’il nous donne à
savourer. On relit ces pages inoubliables, redécouvre ces passages
parfois enfouis dans les mémoires, et surtout, ainsi que l’espère
l’auteur, découvre, entraperçoit ce qu’on n’avait jusqu’alors méconnu ou
mésestimé ; Dans la première partie consacrée à la poésie de Victor
Hugo, Les djinns, un des 41 poèmes du recueil Les Orientales
sont toujours un ravissement de versification et révèle, et ainsi que le
souligne l’auteur, que Victor Hugo aimait aussi pour ses vers, comme
pour ses dessins, le clair-obscur et les ombres. En enchanteur,
toujours, Michel Butor a également retenu des poèmes tirés de « L’art
d’être grand-père » qui s’ajoutent à ceux parfois plus connus de «
La Légende des siècles ». Après le théâtre, Michel Butor a
choisi, avec justesse, pour la partie œuvres romanesques, notamment des
extraits des Misérables et de Quatre-vingt-treize qui
furent écartés par l’éditeur en raison de leur audace lors de leur
publication. « Des reliquats » qui trouvent encore aujourd’hui
toute leur force de résonance. Ce sont encore quelques-uns de ces
surprenants reliquats que retient Michel Butor pour la partie «
Critique », ici essentiellement rattachés au William Shakespeare.
Enfin, il faut saluer l’heureux choix de l’auteur d’avoir su proposer,
pour clore cette anthologie, après le chapitre nommé « Alentours
» et consacré aux « Tables tournantes de Jersey », quelques
merveilleux dessins de Victor Hugo, lui qui laissa plus de 4 000
feuilles et ne voulut jamais toucher un pinceau et une toile ! Une
anthologie qui se veut surprenante, ainsi que Michel Butor le souhaite
dans son introduction : « j’ai préféré prendre des pages qui ne
soient pas déjà trop connues, de l’inattendu, car le grenier hugolien
regorge de surprises. Il faut y fouiller, remuer les vieux cartons. On
en ressortira toujours les mains pleines ». Et, c’est bien là tout
le mérite de cet ouvrage que de donner au lecteur cette envie d’aller
une nouvelle fois à la rencontre de ce géant de la littérature
française.
"Confidences" de Max Lobe, 282 pages
suivies d'une lettre à l'auteur d'Alain Mabanckou, Édition ZOE, 2016.
Max Lobe, auteur camerounais né à Douala, vivant en Suisse, déjà récompensé
pour ses deux premiers romans, entreprend un retour au pays natal, dans la
forêt camerounaise, accompagné de « Tantie » - Ma Maliga - qui le guidera
sur les chemins de son passé et de sa famille, sur la cruelle route de la
conquête de l’indépendance du Cameroun et de tous ses héros meurtris,
assassinés pour libérer leur pays de la tutelle occidentale durant le
conflit des années 1950, « dans le silence de cette guerre dite
cachée ». Elle est bien vieille la Ma Maliga ! Et elle a un faible pour le
vin de palme, le matango, Ékiééé… et, elle n’a pas la langue dans sa bouche
! Alors elle parle, parle, raconte sa vie et celle de sa famille et elle
boit une petite rasade, mais surtout elle veut emmener Max sur les lieux où
a été enterré leur leader, Ruben Um Nyobè, élu secrétaire général de l’UPC,
union des Populations du Cameroun, qui a laissé sa vie et celle de ses
fidèles dans la lutte, assassiné par l’armée française, en 1958. « Tu
sais, mon fils, ici-là, on ne veut toujours pas trop parler de Um Nyobè. Si
tu poses des questions sur Um Nyobè et sur ce qui s’est vraiment passé avec
lui, tous ceux qui ont vécu cela te diront seulement qu’il y a eu des
événements. Les événements. Jamais personne ne te dira exactement de quels
événements il s’agit. Wuyè ! On te dira qu’il y eut trop de morts… »
Ma Maliga raconte et elle revit dans sa chair tous les événements, les
traditions, les croyances, les luttes, l’emprisonnement, les contradictions,
la folie et toutes les cicatrices laissées par l’histoire de l’indépendance
du Cameroun. Elle raconte aussi la fierté de son peuple, des femmes fortes
et des hommes courageux. Elle conte et raconte cette vie de douleurs et de
joies avec une verve grave et légère à la fois, au fur et à mesure de son
enivrement « Mon fils, c’est étrange : ici-là, on nous demande de tout
oublier. Et comme nous, on n’oublie rien et que l’on ne peut pas tout
pardonner comme ça, ils s’arrangent alors pour tout effacer de notre mémoire
: nos souvenirs, notre histoire. Ils savent que ce n’est pas facile pour
nous de tout remuer en dedans de nos cœurs et d’en parler… » Max boit
plus modérément que sa « Tantie » ou que son fils Makon, il retrouve
également, en ville, sa cousine Sandrine et apprend, aux côtés de ses
cousins lointains, ses racines, l’histoire de sa propre famille et de ce que
les blancs, qui allaient jusqu’à changer l’identité des Camerounais en leur
donnant des prénoms européens, ont réellement apporté, ou pas, au Cameroun…
« Je téléphone à ma mère en Suisse pour lui dire que je suis dans la
forêt de Boumnyébel. Mais qu’est-ce que tu vas faire là-bas où il y a
plein-plein de sorciers qui peuvent te tuer. Cela me rappelle le discours de
la cousine de Mâ Maliga, Ngo Ndjouma dite Nicole, dont les petits-enfants ne
restent jamais plus de quelques jours dans leur village : il y aurait des
sorciers qui en voudraient à leur vie. Tu es vraiment devenu un blanc, toi
cet enfant-ci, ajoute ma mère. Ce sont les blancs-touristes en quête
d’exotisme qui vont dans nos villages. Je reçois ce discours comme une gifle
en plein visage… ». Max se questionne alors plus profondément sur les
rapports qu’il a, lui, gardés avec sa terre natale par la voix de ses
parents, sur son identité propre d’Africain ou d’Africain Suisse, sur la
vérité historique de son pays, la version écrite des colons ou celle dite
par le témoin le plus fiable, le peuple, comme le lui rappelle Alain
Mabanckou, auteur franco-congolais, (Mémoires de porc-épic) dans la lettre
qu’il lui a écrite à la fin de ce livre riche d’humanité.
En empathie avec sa « Tantie » et tous les sacrifiés de la Kunde, nous
sommes témoins de ce récit drôle et poignant et resterons longtemps troublés
par ces pages d’une histoire bien souvent gommée de nos manuels et de la
conscience collective européenne notamment française.
Sylvie Génot
Clémence Boulouque « Un instant de
grâce, Flammarion, 2016.
C’est un joli roman que nous laisse à lire Clémence Boulouque avec « Un
instant de grâce ». Un roman ayant pour point d’ancrage Audrey Hepburn,
une Audrey pour beaucoup inoubliable, avec sa beauté, sa légèreté élégante,
ses succès, sa gloire et ses yeux de star d’Hollywood. Ses yeux qui
trahissent pourtant parfois cette blessure secrète, cet abandon par son père
lorsqu’elle était petite, celui parti pensant redorer sa veste en adoptant
l’idéologie nazie, et qu’elle n’oublie pas, que rien n’efface… Un père
démissionnaire, laissant ici ou là quelques traces sans amour, une mère à
l’affection inflexible, la guerre aussi, et puis la danse, l’étoile qui
semblait s’éloigner, Audrey doutera toute sa vie d’être aimée. Clémence
Boulouque, dans un style à la fois doux mais sonnant juste, effleure Audrey
Hepburn, comme pour ne pas une nouvelle fois la heurter ou trahir celle qui
« se laissait blesser et se lassait de l’être ». Elle n’en retrace
pas la vie, mais comme une esquisse, imagine Audrey Hepburn retrouvant déjà
femme, déjà star, déjà tard, ce père parti lors d’un déjeuner à Berlin avec
son mari Mel Ferrer. Instants, doutes, flash-back s’enchaînent alors pour
cette petite fille droite, qui veut croire au travail, à la vie, et surtout
à la grâce et aux miracles, mais qui demeurera toujours un peu
mystérieusement mélancolique, étrangement lointaine… Une Audrey, si vite
désarçonnée – elle, à qui son père n’avait pas appris l’équitation – face à
ce père figé, là devant elle, de face, comme sur une photographie sur papier
glacé, face à Mel, son mari qui par prévenance s’éloignera, cette fausse
couche aussi, un fils et les coulisses de la gloire, les journalistes et
photographes… C’est avec cette sensibilité tendre et infaillible dans sa
justesse que l’auteur nous dépeint et laisse percevoir une Audrey fragile,
mais s’accrochant, comme à la lune, aux miracles, à la grâce, et se refusant
à quémander cet amour idéal, infini qu’elle espérait pour en avoir été
privée. « S’il lui fallait un jour demander un bouquet de fleurs –
écrit Clémence Boulouque, les fleurs en arriveraient fanées. », mais
ce sont de bien jolies pages que lui consacre l’auteur avec ce livre.
L.B.K.
Stéphane Lambert « Avant Godot »,
collection La rencontre, Editions
Arléa, 2016.
Avec son dernier ouvrage « Avant Godot » (premier titre d'une
nouvelle collection La rencontre aux éditions Arléa), Stéphane Lambert réitère
pour Samuel Beckett cette approche si personnelle entre biographie et
suggestions narratives qui avait contribué à la réussite de son précédent
livre « Le vertige et la foi » consacré à Nicolas de Staël. A
l’évidence, Stéphane Lambert ne veut pas de pure biographie, et à mi-chemin,
il nous propose un portrait de Beckett intériorisé, introspectif, passant,
par une écriture fluide et sensible, du « il » à un « je »
tout beckettien ou encore à son propre « je ». Et c’est justement ce
va-et-vient incessant qui caractérise le mieux cet ouvrage. Rien de figé
mais une quête incessante d’interrogations et de sens existentiels ainsi que
l’œuvre magistrale de Beckett en recèle. Point de tragique, mais à l’image
de l’immense écrivain, tenter dans un perpétuel questionnement de battre en
retrait le non-sens du quotidien et de l’existence. Pour cela, l’auteur a
imaginé pour décor, Beckett, encore jeune, pas encore internationalement
connu, en 1937, lors de son voyage en Allemagne nazie à la Collection de la
Kunsthall de Hambourg, regardant le fameux tableau de David Caspar Friedrich
peint en 1817, « Wanderer über dem Nebelmeer », et représentant un
homme de dos devant cette mer de brume… De là, se croisent et se tissent les
interrogations de l’auteur et le mutisme de l’homme de dos, les doutes, les
hésitations de Beckett et les convictions de Geulincx, philosophe belge du
XVIIe siècle. Que faire face à « ce sentiment inconsolable de sa solitude
» ? Ne rien faire, ne rien entreprendre, choisir Murphy ou tenter
de vaincre l’ennui, le doute, les vertiges et aller de l’avant, « se
déplacer de la poupe à la proue » ? Il y a cet incontournable homme de
dos, cet inconnu, regardant, fixant tout ou peut-être rien et sur lequel se
cognent inlassablement les vagues des existences ; sait-il, lui, quelque
chose ? Et puis, il y a Friedrich peignant et observant fixement cet homme,
lueur d’espoir ou regard désespéré du destin ? Et derrière le peintre,
Beckett observe le tableau ou celui plus petit toujours de Friedrich à
Dresde représentant cette fois deux hommes de dos (à moins que ce ne soit
une femme ou un autre tableau encore…), sa vie retranchée « hors du
dehors », se battant avec la solitude et le besoin de l’autre, les
troubles du corps et de l’âme, l’écriture et les mots. Il interroge
l’influence de Joyce et ce style qui deviendra sous sa plume de plus en plus
épuré, minimaliste jusqu’à sa disparition en 1989. Desserrer les bras de
l’ennui, de la mélancolie pour laisser la création advenir, « créer pour
résister au pire, qui est là, toujours prêt à exécution », écrit
Stéphane Lambert, et dépasser les affres de la détresse d’être au monde.
C’est cette voie qu’empruntera Beckett en délassant le carcan trop étroit de
son intériorité pour laisser au travers de l’art, l’écriture et les mots se
frayer un chemin jusqu’à cette reconnaissance internationale et ce Prix
Nobel en 1969 qu’il refusera d’aller chercher. « Tant de possibles alors,
et d’impossibles, mêlés ». Stéphane Lambert, lui aussi, hésite, prend
peur face à Beckett et à l’ensemble de son œuvre si magistralement présente,
mais, c’est cela aussi « suivre le cheminement » de Beckett, cet
incessant va-et-vient entre une vie, des vies, la vie ; entre un immense
écrivain, son œuvre et soi. « Avant Godot » est un livre plus
qu’écrit, c’est un livre vécu, à l’écriture fine et ressentie, et qui, de
par sa lecture, ne demande qu’à l’être encore.
L.B.K
William Shakespeare Henry IV Première partie,
traduction de l’anglais par Yves Bonnefoy, préface d’Yves Bonnefoy, Le Bruit
du temps, 2015.
La première partie d’Henry IV de William Shakespeare, dans la
traduction du poète Yves Bonnefoy, vient de paraître aux éditions Le Bruit
du temps. Initialement paru à la fin des années 50 pour le Club français du
livre, ce texte n’avait jamais étrangement été réédité depuis. Le poète a
profité de cette nouvelle édition pour réviser sa traduction initiale, et la
compléter d’une substantielle préface, qui à elle seule vaut introduction à
l’œuvre du grand poète et dramaturge anglais. Ce drame historique paru en
deux parties de cinq actes en 1598 et 1600 est inspiré des Chroniques
de Holinshed dans lesquelles la Maison Percy se révolte contre le roi Henry
IV à l’occasion d’une dispute d’une rançon pour un de leurs proches. Avec
l’aide du prince Hal, futur Henry V, Henry IV parviendra cependant à les
vaincre. Au cours de ce drame historique, Shakespeare introduit des épisodes
comiques qui contribueront au succès de la pièce notamment avec le
gentilhomme bouffon, Falstaff, qui mène une vie de débauche, entraînant à sa
suite le jeune prince. Falstaff apparaît en effet synonyme de dérision, une
figure qui inspirera le fameux opéra de Verdi et dont l’obésité
gargantuesque relève de la farce, si ce n’est de la déliquescence des cadres
de la société dans laquelle Shakespeare conçoit ce récit. Yves Bonnefoy
introduit sa nouvelle traduction de cette œuvre en soulignant combien le
rapport au monde de l’individu semble plus importer à Shakespeare que les
rivalités princières elles-mêmes. La poésie peut alors servir de révélateur
d’une connaissance de soi dans une société en décadence et dans laquelle un
monarque ayant usurpé le pouvoir réprimera de manière intraitable le même
procédé qui menace de le renverser. Falstaff rend perceptible de manière
plus caricaturale encore cette déliquescence et manifeste ainsi au lecteur
cet effondrement des valeurs. Il permettra également par ce ridicule de
montrer combien la poésie peut surgir en ré-action à cette situation.
Le prince Hal, héritier du trône, lorsqu’il s’associe aux débauches de
Falstaff, cherche d’une certaine manière un enseignement en s’abandonnant à
la pensée du néant, « tableau du retombement de l’ambition humaine dans
le cloaque qu’est la matière quand celle-ci reste mêlée à des débris de
l’esprit » ainsi que le souligne Yves Bonnefoy. En se ressaisissant, le
prince, à l’image de la poésie qui surgit dans l’écriture de Shakespeare,
trouvera à nouveau du sens au monde auquel il appartient. La poésie est
alors l’étape de l’ultime lucidité, par l’ordre qu’elle propose, elle sera
alors espoir au néant. Cette conscience poétique chez Shakespeare, allant de
la prose au sonnet dans Henry IV, sera vouée à un avenir prometteur
avec Hamlet.
Philippe-Emmanuel Krautter
Philippe Muray, Ultima necat I, Journal
intime 1978-1985 et Ultima necat II, Journal intime 1986-1988, Les Belles
Lettres, 2015, 621 et 580 pages.
Un Journal véritable
Philippe Muray nous était connu comme l’atroce et jubilatoire pourfendeur de
l’Homo festivus, celui qui ne supporte pas le vide de son existence
et, à défaut de le penser, panse son mal en se le dissimulant : aveugle, il
s’encombre l’esprit et se divertit. La fête de Muray, c’est le
divertissement pascalien. On soupçonnait l’auteur de L’Empire du Bien
et des Exorcismes spirituels d’être la proie de tourments
métaphysiques, mais la forme si brillante et donc si lumineuse de ses Essais
(réunis en un magnifique recueil de 1800 pages aux Belles Lettres)
étourdissait son lecteur et le laissait admiratif, comme ébloui par l’éclat
de la pensée et la force de l’expression. On sait désormais de manière sûre,
après avoir lu les deux premiers volumes de son Journal intime, titré
Ultima necat, que l’obsession centrale de la vie de Muray fut la mort.
Et la mort sous toutes ses formes : la médiocrité intellectuelle, le vide
littéraire, la vanité des Grands, la vacuité générale, la vanité de tout
sauf celle du travail. La sévérité de Muray pour autrui est à la mesure de
son immense culture et de sa perspicacité impitoyable (l’acuité visuelle de
ses observations : la triste réalité lui sautait aux yeux), la seconde étant
servie par la première. Ce Journal est pascalien de bout en bout, mais celui
d’un Pascal qui, en tout cas à la date de 1988, clôture du second volume,
n’a pas fait d’autre Pari que celui de la littérature.
Muray débute son Journal le 17 août 1978 et il déclare le quitter
définitivement le 31 décembre 2004, deux ans avant sa disparition en 2006.
Les Belles Lettres nous annoncent une édition intégrale, ce qui promet une
somme magnifique, magistralement servie par la fabrication matérielle de
volumes solides et élégants de près de 600 pages chacun, dotés d’index qui
donnent le tournis tant y sont variés la qualité, le nombre et le genre des
sources invoquées, antiques et contemporaines, philosophiques et
cinématographiques, picturales (Muray écrivit un Rubens) et
littéraires.
Il semble que Muray ait fini par entrevoir ce que d’autres grands auteurs
n’ont jamais compris de leur vivant : la part jugée par eux annexe de leur
œuvre comptera pour la suite davantage que la portion publiée de leur
vivant. Le Journal de Gide survit aux illisibles Faux Monnayeurs
et celui de Roger Martin du Gard a peut-être plus de qualité que celui de
son héros le Lieutenant-Colonel de Maumort, qui est aussi le titre de son
roman impossible et inachevé. Muray cesse d’écrire le Journal parce qu’il
prend une trop grande part : l’œuvre risquerait de dévorer le reste,
pensait-il. Il y a de fortes chances pour que ce soit désormais le cas et on
peut prendre le pari qu’il y aura plus à dire dans les années à venir sur le
Journal que sur les écrits plus circonstanciés.
Mais ce n’est pas que l’actualité ne soit pas présente dans ces pages, l’on
y voit même errer les ombres de Bernard Pivot ou de Jack Lang, toux deux
voués par Muray, de leur vivant, au Styx des Tartuffe. Mais on se gardera de
confondre l’auteur avec un Goncourt misérable : il n’y a pas l’once d’une
méchanceté cancanière dans le Journal ni la moindre anecdote piquante. Ni la
jalousie ni la vanité n’habitaient l’âme de cet homme qui était libre de
tout attachement institutionnel ou universitaire. Il payait chèrement cette
liberté, contraint qu’il était, pour vivre, de rédiger, sous pseudonyme,
plusieurs volumes par an de polars alimentaires pour la collection « Brigade
Mondaine ». Il lui fallait de quinze jours à un mois plein pour venir à bout
de ces pensums renouvelés plusieurs fois par an. Il n’en parle jamais sinon
pour signaler que la torture avait pris fin.
On suit au fil des pages le programme intellectuel rigoureux que se fixe
Muray : articles de commande, romans inachevés, biographies, essais,
conférences. On ne sait laquelle est la plus exigeante, de l’ambition ou de
l’ascèse. Impossible de résumer les 1200 pages des deux premiers tomes. Mais
s’il y avait un fil directeur à mettre en évidence, je dirais ceci : comment
l’écriture est-elle encore possible après l’Incarnation et comment une
littérature est-elle encore envisageable après le grand Pardon ? Comment,
après l’illumination du Verbe johannique, encore avoir recours à de
misérables verba ? Muray pensait, en effet, qu’il n’y avait
littéralement pas de littérature avant le christianisme et que ce dernier
l’avait à son tour rendue partiellement improbable. On mesure la difficulté
à penser pareille aporie.
On ne sait pas toujours la dette de Philippe Muray à René Girard qui vient
de disparaître. Les deux hommes se sont fréquentés et le premier a moult
fois interrogé le second au cours de rencontres privées et prolongées. C’est
ce que nous apprend le Journal : « Déjeuner avec Girard. Ses réponses à mes
questions sur les miracles, le massacre des innocents, l’extinction du
langage dans l’extinction de la violence ».
La grande force de Philippe Muray fut en effet, notamment dans deux articles
sur l’auteur de Mensonge romantique et vérité romanesque (« La
résurrection Girard », Art Press 1978, dans Vltima necat I ; «
René Girard et la nouvelle comédie des méprises », dans Essais,
Belles Lettres) d’appliquer à notre temps (quoi donc de plus politique
?) les découvertes de son inspirateur. Notre société, qui a fait du principe
de précaution l’alibi de toutes ses lâchetés et le prétexte juridique de
toutes ses reculades, illustre à merveille la thèse centrale de l’auteur de
La Violence et le Sacré : il faut, pour que tout continue à
fonctionner sans heurt, un bouc émissaire. Qu’un avion s’écrase ou qu’un
écolier, quelque part, souffre d’une indigestion, il faut identifier celui
que l’on sacrifiera, cuisinier, intendant ou chef de bureau. Dans son essai
sur René Girard, en 1998, Muray écrivait : « Nous vivons, selon toute
apparence, la deuxième phase girardienne de la tentative d’échapper aux
effets destructeurs de la violence et de la contagion mimétiques : après le
sacrifice (le lynchage, le meurtre) qui expulse momentanément la violence,
nous voilà dans le rejet de la violence ; ou dans son abolition interminable
(il n’y a plus de lynchage, on le sait, que médiatique). »
Muray savait que l’existence d’autrui était en soi un problème et, averti
par Pascal, il se méfiait des « rôles » : « Nous voulons vivre dans l’idée
des autres, dans une vie imaginaire et nous nous efforçons pour cela de
paraître. Nous travaillons à embellir et à conserver cet être imaginaire et
nous négligeons le véritable ».
Muray se sentait sacrifié par son temps parce que, pour sa part, il
n’acceptait pas de lui sacrifier quoi que ce soit.
Christique, il cherchait dans la littérature une « cicatrisation ».
Pascalien, il se consacra à rechercher « le véritable ».
Stéphane Ratti
Louis Chéronnet : « La publicité, art du XXe
siècle. », édition établie et rédigée par Éric Dussert, Coll. Les Billets de
La Bibliothèque, éditions La Bibliothèque, 2015.
Changez de siècle, changez de pub !
Avouez que l’air vous semble familier… enfants de la pub, nous le sommes
indéniablement, savons-nous cependant que nous avons eu en la matière des
grands-parents qui s’en émerveillaient ou s’en étonnaient ? Tel Louis
Chéronnet (1899 – 1950), historien de l’art, essayiste, critique, qui donna
à lire à ses lecteurs dans les années 1930 de charmantes chroniques
consacrées au développement de la publicité dans les rues et les devantures
toutes parisiennes ou provinciales ; Louis Chéronnet fut toujours émerveillé
par la magie des rues et vitrines parisiennes, et lorsqu’il fut prisonnier
durant la Première Guerre mondiale, pour ne pas sombrer, il se remémorait
une à une rues et échoppes de Paris … Les années 30 marquent le passage de
la réclame, de l’homme-sandwich aux affiches et vitrines innovantes, aux
prospectus à la typographie commerciale, la publicité s’impose alors et
cette évolution ne pouvait échapper à l’historien de l’art. Ah, ces
mannequins plus vivants les uns que les autres, et ces automates ; ces
automates dans les féériques vitrines des grands magasins parisiens lors des
fêtes de Noël, n’ont-ils pas fait rêver, entre flocons blancs et marrons
chauds, tant de générations ? Et puis, Louis Chéronnet nous emmène aussi en
voyage, en chemin de fer, visitant gares et wagons emplis de souvenirs et de
mémoire de guides lorsque photographies, prospectus et graphisme s’y
mêlent…et pour Chéronnet, « les lire, c’est déjà partir un peu ! »
Innovante, élaborée, plus audacieuse aussi, la publicité de ce milieu de XXe
siècle s’affiche et bouleverse la physionomie des rues et devantures avec
force et fierté, la déco toujours plus inventive s’invite et les enseignes
clignent des yeux et se colorent. « Sous ces impulsions diverses, une
conception nouvelle devait naître qui semble bien sous le signe
caractéristique de notre époque, et qui oppose à la tradition l’originalité
et surtout à l’effet de style l’effet décoratif. » écrit-il, mélange de
charme et de lucidité. Avec le concours de grands artistes du dadaïsme,
surréalisme ou cubisme, employant le métal plutôt que le bois, le produit
s’efface déjà derrière la marque et l’image de marque s’annonce. Mais,
au-delà de ces plaisantes flâneries dans ce monde en plein essor de la
publicité, la publicité est un monde sérieux, symptomatique d’une époque, il
tisse des liens étroits entre l’art, l’édition, la typographie, la
photographie ou le cinéma, les sciences et le progrès. Est-il encore
nécessaire de rappeler le vif intérêt de Roland Barthes pour la force
rhétorique de l’image publicitaire ? Se référant aux imprimés publicitaires,
Louis Chéronnet n’écrivait-il pas déjà : « Ils visent moins à être
frappants, agressifs, qu’insinuants et subtils. Ils ne se contentent plus
d’être un fait d’optique. Ils ont à leur disposition toutes les fleurs de la
rhétorique et tous les charmes de la matière. Ce sont des psychologies.»
Pleine de fantaisie, de rêves, la publicité est aussi empreinte de cette
mythologie bien spécifique, plus réelle parfois que les produits qu’elle
entend vanter. Il est plaisant d’y tenter une analyse sémantique et de
passer du dolus-bonus ou malus du droit romain à l’enseigne,
la promotion ou réclame de la fin du XIXe siècle faite de « puff »
(on parle même de « puffistes »), avant de glisser l’air de rien vers
cette publicité du milieu du XXe siècle, elle toute de « bluff » et
qui annonce déjà la com., le design et le fameux « buzz » de notre
époque.
Il fallait l’œil averti et la plume informée d’Éric Dussert, spécialiste des
recoins de la littérature et des pépites oubliées, pour rassembler et
présenter ces textes de Louis Chéronnet édités sous une jolie couverture
Kraft par les Éditions La Bibliothèque, et nous entrainer agréablement dans
cet « Art de la pub » naissant. « La pub de Chéronnet », à lire et à
diffuser.
L.B.K.
Jacques Lèbre « Onze propositions pour un vertige »
Ed. Le phare du cousseix, 2013.
Jacques Lèbre livre avec « Onze propositions pour un vertige » un
recueil d’une fine sensibilité, de cette profondeur qui effleure pour ne pas
bousculer, blesser ou trahir celui dont la mémoire, un jour, vacilla, flamme
chancelante laissée aux tourbillons des vents. Poésie prise dans les affres
du vertige de l’oubli, déboussolée, désorientée et qui se raccroche à la
fragilité des mots pour ne pas elle-même oublier.
Sur le terrain
instable de ta mémoire,
suivais-tu des lignes de faille ?
Vérifiais-tu parfois la solidité
de tel ou tel souvenir
avant qu’il ne s’effondre sous tes pas ?
Réminiscence fragile de cet être dont les souvenirs, la mémoire s’effacent
un peu plus à chaque strophe…
Tu oubliais ce que tu avais noté.
Tu n’avais plus rendez-vous avec personne.
Impuissante tristesse.
Le poète seul, seul face à l’ami somnambule et dont l’univers vacille, seul
face aux mots pour seuls souvenirs, mais avec ce respect, cette pudeur qui
imposent de demeurer au seuil pour ne pas trahir ces moments devenus
instants où la mémoire se dit encore un peu…
afin d’entretenir
encore la conversation
comme on jette une dernière bûche
dans le feu sur le point de s’éteindre.
Ne pas se taire à jamais, mais ne pas crier, seulement murmurer pour se
souvenir encore.
Ne pas effrayer l’ami pris de stupeur aux yeux égarés comme piégés dans «
on ne sait quoi de volatil – qui s’enfuit, ». Surtout ne pas heurter par
les mots les souvenirs de cette vie devenue si fragile, reliée qu’à un fil
et qui sans même se battre, se débattre, se défait et perd pied. Tenir à
distance encore un peu par la poésie et les mots « l’ombre du nuage sur
le sol. » et garder encore la mémoire de l’oubli même si le poète sait,
lui, que viendra pourtant sans pitié, sans remords, le vent glacial des
gares sans retour.
Un recueil de poésie, délicat, touchant comme un dernier et discret signe de
la main du poète.
Lectures, Dossiers...
Ces langues anciennes que l'on ne veut pas voir mourir...
Le grec et le latin sont-ils voués à disparaître totalement ainsi que
pourrait le laisser entendre l’indélicat vocable de langues mortes qui leur
est souvent associé ? Jacqueline de Romilly a, tout au long de sa carrière,
soutenu ces disciplines naguère de première importance dans l'enseignement
et « qui sont peu à peu devenues d'abord des options, puis ont passé pour
être un signe de la bourgeoisie d’autrefois, et maintenant, sont victimes
tout simplement des économies ! » ainsi qu’elle le relevait dans
l’interview accordée à notre revue en 2007. (lien)
Un constat
également établi par Stéphane Ratti, professeur d’Histoire de l’Antiquité
tardive à l’Université de Bourgogne Franche-Comté et qui vient de publier un
petit livre au titre évocateur « A en perdre son latin » (Éditions
Universitaires de Dijon, 2015). Avec la réforme des collèges décidée en
2015, les tristes prévisions de la célèbre historienne de la Grèce antique
ne sont plus des craintes mais des réalités, non seulement il n’est plus
question d’ouvrir de nouvelles classes mais celles existantes sont
elles-mêmes menacées. Les jeunes peuvent-ils alors encore être encouragés à
faire le choix de matières qui n’auront pas même l’avenir d’être maintenues
les années suivantes ? Stéphane Ratti n’hésite pas face à ce sombre paysage
à alerter : les humanités classiques elles-mêmes se trouvent ainsi menacées.
L’auteur de cet essai sait de quoi il parle puisqu’avant d’enseigner
l’histoire antique, il fut professeur de langue et littérature latine à
l’université, une expérience qui lui permet de dénoncer le sabotage en
cours. Face à cela, les réactions des penseurs et intellectuels français
sont pourtant nombreuses et leur constat unanime : perdre l’enseignement du
grec et du latin, c’est d’une manière perdre une part importante des
humanités léguées par les siècles précédents.
Stéphane Ratti
poursuit sa réflexion qui n’est pas un pur plaidoyer pro domo, mais
bien un avertissement qui nous concerne tous, et plus particulièrement la
jeune génération qui risque bien de ne jamais lire de sa vie une ligne d’un
Cicéron, Plutarque ou Tite-Live autrement que par le truchement d’un
publicitaire inspiré… un sentiment partagé par Pierre Judet de La Combe dans
« L’avenir des Anciens » qui vient également de paraître (éditions
Albin Michel), et qui estime que contrairement à ce que laissent entendre
les esprits réformateurs des langues anciennes ces dernières demeurent un
outil d’émancipation et de démocratisation, et non l’apanage de l’éducation
des élites. Il y a, assurément, plus à perdre qu’à gagner en reléguant ces
matières au même rang que celles qui étaient naguère enseignées comme la
théologie ou la rhétorique. L’auteur, helléniste et directeur d’études à l’EHESS
et directeur de recherches au CNRS, soutient ce droit à la lecture, oser
lire les Grecs et les Latins, sous-titre de son livre.
Oserons nous nous
plier à cette proclamation, non sans ironie d’ailleurs, du crieur public de
la ville de Nuoro en Sardaigne « le latin est mort, Deo gratias »
après la création d’une filière d’enseignement sans latin dans les années 60
? C’est la voie que nous prenons alors même que Pierre Judet de La Combe
invite à dépasser les clivages de nos « racines » et autres « origines »
pour inviter à lire et à ne pas perdre ce corpus (encore du latin !)
essentiel de nos civilisations. Il faut inviter à lire ces textes
fondateurs, si possible dans leur langue, qui de Homère à Virgile permettent
au lecteur d’être au contact direct avec cette « créativité effervescente »
qui nous fait si cruellement défaut de nos jours. Même les épopées les plus
antiques ont quelque chose d’actuel et dans lesquelles nombre de
réalisateurs puisent sans vergogne pour les péplums du XXI° siècle. Que se
passera-t-il si l’on omet cette prise de conscience ? Peut-être ce que nous
vivons déjà, et que prophétisait Jacqueline de Romilly dans son interview il
y a presque dix ans : « Si l'on ne distingue pas entre les mots, que ce
soit par jeu, en musique, en plaisanterie, dans un blog, avec un message, ou
tout ce que vous voudrez, on n’exprimera pas sa pensée. Et si l'on ne peut
pas exprimer sa pensée, vous savez quel est le résultat : on remplace par un
coup de poing, par un attentat. Lorsqu’on ne peut pas s'exprimer, alors on
passe aux coups».
Des initiatives dynamiques cherchent à préserver l’apprentissage du latin et
du grec ancien,
parmi elles les éditions Assimil ont tenté le pari de faire d’une langue
ancienne, une langue qui peut être apprise comme une langue vivante, un peu
à la manière des petits Romains qui apprenaient leur langue natale dans un
contexte d’éducation. L’éditeur a repris la formule qui a fait son succès
depuis des décennies en associant grammaire et vocabulaire dans une première
étape qualifiée de « passive » au cours de laquelle l’élève se laisse
imprégner par les structures de la langue et les automatismes acquis. Passée
cette période, l’implication se fait plus fréquente en appliquant les leçons
précédentes avec de nombreux exercices complétés par un grand nombre de
notes. Ces 101 leçons sont élaborées pour la lecture mais aussi l’écoute
avec 5 CD audio (4 CD pour le grec ancien) correspondant à 5 heures d’enregistrement en latin et 1 CD
mp3 (3h50 pour le grec ancien avec une préface de Jacqueline de Romilly) permettant d’emporter avec soi sur son smartphone, tablette ou
ordinateur l’intégralité de cet enseignement de langues décidément bien
vivantes…
BEAUX
LIVRES et CATALOGUES D'EXPOSITION
"Edme Bouchardon (1698-1762) une idée du
beau" sous la direction de Guilhem Scherf, 448 p., 480 ill. Coédition
musée du Louvre - Louvre éditions / Somogy éditions d'Art, 2016.
Ainsi que le soulignent Jean-Luc Martinez et Timothy
Potts dès la préface du catalogue publié à l’occasion de l’exposition
Bouchardon, c’est comme jamais auparavant que l’art de Bouchardon fait
l’objet d’une telle recherche en France, renouant ainsi avec la notoriété
de l’artiste au XVIIIe siècle. Ce fort volume fait entrer le lecteur dans
cette « idée sublime qu’il s’était faite du beau » comme le
relevait en son temps Mariette dans le catalogue de ses œuvres ; Mariette,
ami de Caylus, lui-même protecteur de Bouchardon. Le jeune sculpteur
comprendra vite l’importance des relations et réseaux à partir desquels il
nouera également de sincères amitiés. Il est décrit comme un travailleur
infatigable, un ascète dévoué à son art et pourvu d’un aimable caractère
quoique discret et solitaire. L’amour de l’antique caractérise une grande
partie de son inspiration et de ses créations, un goût de l’antique nuancé
par un attrait incontestable du naturel. Il abandonnera ainsi le
raffinement excessif du baroque comme que le souligne Guilhem Scherf.
L’une de ses forces fut l’expression concentrée et ce point d’équilibre
dans son rendu plastique comme en témoigne la Vierge de Saint-Sulpice.
Bouchardon ne cesse d’inventer des formes, qu’il s’agisse de la statuaire
de jardin, du portrait en buste, du monument funéraire ou du monument
public. Juliette Trey souligne cet autre trait singulier de Bouchardon
parmi les artistes de son temps. Il fut admiré, imité, et ce dès son plus
jeune âge, et parfois même jalousé. Ces années déterminantes pour son art
et sa carrière à Rome sont évoquées par Anne-Lise Desmas. Presque dix
années qui jouèrent un grand rôle pour cet amoureux de l’antique et
pensionnaire du roi à l’Académie de Rome. Dans sa contribution, Édouard
Kopp s’attache quant à lui à décrire les nombreux amateurs qui
collectionnaient au XVIIIe siècle les oeuvres de Bouchardon de son vivant
et bien entendu après sa mort en raison de la renommée de l’artiste. Le
premier d’entre eux fut Pierre Jean Mariette évoqué précédemment comme ami
du sculpteur. Jean de Julllienne appréciait également les œuvres de
Bouchardon, notamment ses dessins, il en possédait une centaine. Il avait
pris l’habitude de les encadrer et de les exposer, pratique originale à
son époque. C’est grâce à ces collectionneurs que ces œuvres nous sont
pour la plupart d’entre elles parvenues dans un état de conservation
remarquable si l’on excepte les œuvres, parfois grandioses, mises à mal
par la Révolution française et à jamais perdues. La deuxième partie du
livre nous fait entrer dans le parcours de l’exposition elle-même et le
catalogue des œuvres présentées offre au lecteur le sentiment d’une plus
grande intimité avec cet artiste attachant dont nous découvrons en début
de parcours les multiples portraits.
Philippe-Emmanuel Krautter
Michel Hochmann « Venise » 496 p., format 24,5
x 31, relié sous jaquette et coffret illustrés, 500 illustrations
couleur, Citadelles & Mazenod, 2016.
L’impressionnant volume consacré à Venise par Michel Hochmann aux
éditions Mazenod est une belle ode à la ville de lumière et de reflets,
reflet du ciel dans l’eau qui se pare de nuages ou de rayons, selon les
saisons. Avec Venise l’auteur n’hésite pas à plonger son lecteur dans
les mythes fondateurs de ce rêve déjà ancien, qui deviendra à l’heure de
sa splendeur synonyme de fête lorsque les palais rient de leur opulence
et d’amour alors que les ombres de Casanova effraient les jeunes
Vénitiennes ou les attirent. Venise a pu connaître des versants sombres,
que l’on songe à cette tragique et lugubre gondole évoquée par Franz
Liszt de manière prémonitoire à la pensée de son ami Wagner qui allait
disparaître quelques mois après ou de La mort à Venise de Thomas
Mann qui inspirera avec le génie que l’on sait le film de Luchino
Visconti. Alors que la cité repose sur de profonds pieux enfoncés dans
la vase, l’onde propage la beauté et la joie aussi rapidement qu’elle
recueille ou noie les larmes les plus sincères versées sur la lagune
éternellement bleue ou verte, selon les heures de la journée, ou encore
grise, noire, à la tombée de la nuit. Venise est plurielle comme le
démontre l’auteur, ce n’est un secret pour personne, et ce pluriel
surprend malgré tout, tant l’espace est à taille humaine ; mais, le
génie qui l’a créée demeure quant à lui, encore insaisissable… Est-ce
encore une ville, un sanctuaire ou bien un mémorial ? Une oasis ou un
mirage de sable sur l’eau ? Le voyageur hésite, trébuche, se rassure et
capitule. Venise n’est à nulle autre pareille, et l’encre versée sur son
mythe emplirait tous ses canaux pour des siècles encore. Venise se vit
au passé comme au présent. Les Cassandre auront beau prédire une
nouvelle Atlantide, il faut vivre Venise. Venise est un plaisir qui
dissout le temps, celui qu’il fait tout comme celui qui passe ;
peut-être est-ce cela, la quintessence du beau que de troubler les
certitudes et de lever les doutes. Venise opère tous ces charmes et bien
d’autres encore. Avec ce livre, Michel Hochmann, directeur d’études à
l’École pratique des hautes études, explore cette richesse historique,
artistique et humaine concentrée en une ville de cent dix-sept îles et
pourtant unique. Les origines historiques avec Attila faisant fuir les
Vénètes dans ces ilots, 828 est l’année de l’arrivée de la dépouille de
l’évangéliste saint Marc qui donnera l’emblème à la ville avec le lion,
le marché du Rialto, les premiers palais et le carrefour du commerce qui
fera la richesse et la renommée de la République, chacune de ces étapes
sont rappelées avec pédagogie et un style allant à l’essentiel :
l’incroyable génie dont est capable l’homme lorsqu’il choisit
l’impossible. Plus de 500 reproductions viennent appuyer les analyses de
l’auteur avec des détails qui n’en sont pas lorsque le Tympan de la
Porta della Carta se trouve à portée de main et laisse apercevoir le
doge Francesco Foscari agenouillé devant le lion de saint Marc, tout un
symbole résumé en sculpture. Les églises se métamorphosent en musées
avec les plus incroyables collections d’art de la Renaissance et du
baroque italien. Les Scuole ou confréries ne sont pas en reste non plus,
leur puissance est telle qu’elles feront également l’objet de commandes
incroyables si l’on en juge par les profusions de chefs-d’œuvre qu’elles
recèlent encore plusieurs siècles après. Rien ou presque n’échappe à la
curiosité et à la sagacité de l’auteur qui invite le lecteur au café
Florian comme à La Fenice… Les plus prestigieux hôtels côtoient les
pâtisseries qui ont su braver le temps sans oublier la modernité avec la
Caisse d’Épargne d’Angelo Scattolin et Pier Luigi Nervi ou encore la non
moins fameuse Biennale…
Chamanes et Divinités dans l'Équateur
précolombien Coéditions Musée du quai Branly/Actes Sud, 2016.
Ils sont là, à chaque page de ce catalogue, les chamanes et les
divinités de l’Équateur précolombien ! Oui ! Dès le sommaire de ce
catalogue d’exposition, le ton est donné et nous serons tout au long de
ses 240 pages sous l’emprise chamanique. Les magnifiques photographies
de Pierre-Yves Dhinaut pour la couverture et de Christoph Hirtz pour les
pages intérieures des œuvres exposées au musée du quai Branly semblent
sortir littéralement du volume et impressionnent immédiatement. Une
force incarnée et bienveillante d’un personnage en méditation, des
hommes animaux, des vases zoomorphes, des figures de rituels, des
masques de céramique ou d’or, une représentation multiple humaine et
animale quasi cubique, des bouteilles et récipients cérémoniels, vases
siffleurs, objets réservés à la consommation de la coca ou autres
plantes hallucinogènes, scènes de rites d’initiation, plats, ornements,
appuie-tête, siège de pouvoir, urnes funéraires… C’est par dizaines que
les objets illustrant les trois grands chapitres de ce catalogue
expliquent l’histoire fabuleuse, au sens propre du terme, des chamanes
et du rapport aux divinités dans les sociétés de la côte centre-nord de
l’Équateur précolombien, et ce entre 1000 av. J.C et 500 apr. J.-C. Dans
sa préface, Stéphane Martin, Président du musée du quai Branly, précise
que l’exposition qu’accompagne ce catalogue présente l’apogée de la
pratique chamanique, combinaison entre mysticismes, interprétations des
phénomènes cosmiques et climatiques, mythologies et rites sociaux qui
permet aux chamanes, après une longue initiation depuis l’enfance,
d’avoir accès au monde des esprits et des animaux sacrés. Voyage garanti
dans une cosmologie inédite et des sociétés régentées par ces
personnages « hybrides » hommes/prêtres ou prêtresses/passeurs de
traditions, d’enseignements fondamentaux et de grandes connaissances
surnaturelles. Ils pouvaient incarner l’esprit d’une divinité, d’un
animal sacré s’identifiant ainsi à des êtres mythiques ou à un esprit de
la nature lors de visions sous hallucinogènes et devenir, par là même,
un médiateur social entre les différents mondes mais aussi un homme
médecine, un guide pour les guerriers, un visionnaire, un astronome, un
climatologue ou un agriculteur… « Écologistes » puissants garant du bon
fonctionnement et de l’intégrité physique et spirituelle de la
communauté, ils sont avant tout les véritables détenteurs de l’équilibre
cosmologique des sociétés, dans le plus grand respect de Pachamama,
la Terre. Mère nourricière et spirituelle, inséparable du quotidien,
chaque être humain avait l’obligation de traiter leur matrice avec le
respect dû à toutes les formes de vie tant visibles qu’invisibles
puisque du bien-être de tous dépendait l’harmonie de chacun dans un
univers où tous étaient intrinsèquement liés. Les chamanes avaient ainsi
cette charge spirituelle qui, ritualisée (cérémonies spécifiques,
sacrifices humain ou animal, prises de décisions importantes, rites
funéraires…) devait garder cet équilibre ou le rétablir si un désordre
le perturbait (maladies, épidémies, guerres, phénomènes climatiques…).
Les chamanes devaient entretenir de bonnes connexions entre les esprits
et le groupe. Santiago Ontaneda Luciano souligne dans sa contribution :
« On peut aisément expliquer le fonctionnement des sociétés
millénaires à travers la pratique du chamanisme, car celui-ci, outre
qu’il témoigne de l’organisation des relations sociales dans leur
ensemble, est le reflet de la pensée et de la philosophie des peuples
ancestraux. C’est en effet grâce à l’implantation d’un système de
croyances que s’est organisé leur monde social, économique et politique.
» Le chamanisme et la philosophie qu’il implique s’étendent sur
toute la période pré-hispanique jusqu’à l’arrivée de conquistadors en
1532 sur les cultures de Bahía, Jama Coaque, et plus particulièrement La
Tolita. Toutes ces régions pratiquaient des rites identiques, et malgré
quelques légères variantes, toutes les créations plastiques montrent
bien la similitude des croyances et des idéologies en place de « ces
sociétés millénaires qui prirent les éléments de la nature pour
symboliser leur conception du monde. Leur compréhension de l’ordre
naturel servit à structurer l’ordre social. C’est pourquoi elles
sacralisèrent et ritualisèrent la vie sociale. »
Au fil des chapitres, les chamanes représentés (statuaires de terre
cuite et de céramique) ouvrent une porte d’accès à leurs savoirs sacrés,
à leur longue formation, à la symbolique des emblèmes et ornements dont
ils se paraient ainsi qu’aux postures (méditation), aux peintures et
décorations corporelles à base de scarifications et tatouages aux
sceaux-tampons. Ils nous mènent sur les lieux sacrés ou demeures des
divinités, sortes de temples où se déroulaient fêtes et cérémonies et
font résonner les instruments (flûtes de pan, maracas, rondador,
tambours). La mort demeurait un important passage qui supposait un
retour dans le ventre de la Terre Mère pour pouvoir renaître. Cette
réincarnation reposait sur des pratiques mortuaires qui différaient
selon la position de l’individu au cours de sa vie. Bien sûr, on ne peut
écarter l’arrivée sur ces terres des conquistadors et son impact sur les
pratiques du chamanisme tous au long des siècles suivants et jusqu’à
aujourd’hui où dans les sociétés modernes, les Yachak, Poné
ou Uwishin sont reconnus comme des hommes possédant encore les
connaissances chamaniques des anciens. Le catalogue « Chamanes et
divinités de l’Équateur précolombien » complète idéalement l’exposition
et poursuit longtemps encore ce beau voyage initiatique.
Sylvie Génot
« Hubert Robert (1733-1808) – Un peintre
visionnaire » catalogue d’exposition, Louvre éditions – Somogy éditions,
2016.
L’iconographie retenue pour la première de
couverture de ce volumineux catalogue consacré au peintre Hubert -
Projet pour éclairer la galerie du musée - résume assez bien tout
l’univers du peintre. Cette Grande Galerie du Louvre, telle que
représentée, associe en effet la monumentalité des lieux, la réunion des
toiles des plus grands maîtres, les sculptures et les colonnes à
l’antique, un peintre ayant posé son chevalet ainsi qu’un dessinateur
croquant un détail sur ses genoux, des visiteurs d’un jour, sans oublier
l’architecture et cette trouée de lumière voulue par celui qui sera
également le responsable du prestigieux musée. Guillaume Faroult,
commissaire de l’exposition et conservateur en chef du Patrimoine,
département des Peintures musée du Louvre, rappelle que si Hubert Robert
est souvent présenté avec un caractère aimable et inspirant la
sympathie, sa vie ne fut cependant pas exempte de malheurs si l’on songe
qu’il perdit tous ses enfants, ses amis enlevés par la tourmente
révolutionnaire, et lui-même faillit disparaître sous le couperet de la
guillotine lorsqu’il connut les prisons de la Terreur…
Le catalogue et l’exposition tendent à
mieux rendre en profondeur ce que furent la vie et l’œuvre de cet
artiste à la fois connu et souvent néanmoins négligé par l’histoire de
l’art, le reléguant à ses seules évocations de ruines et de jardins qui
le rendirent célèbres au XVIIIe siècle. Hubert Robert n’aura pourtant de
cesse de renouveler son œuvre ainsi qu’en témoigne l’impressionnant
ensemble de ses créations dans ce volume de 540 pages comprenant 300
illustrations. Catherine Voiriot nous fait, pour sa part, entrer dans
l’intimité de cet « opiniâtre sympathique », et en quelques riches pages
réussit à dresser le portrait d’un homme qui, à partir de ses années
déterminantes de formation en Italie, gagnera la confiance de la
toute-puissante Académie royale dont il sera membre. Joseph Bailio,
quant à lui, revient sur les débuts du peintre à Rome et à l’École de la
même ville.
C’est en effet dans à Rome que son regard fixera à
jamais les compositions qu’il n’aura de cesse de restituer sur ses
toiles en un continuel poème symphonique. Mais, Hubert Robert est,
aussi, un habile dessinateur et la diversité de ses œuvres réunies dans
le catalogue et l’exposition permettent de se faire une idée de
l’étendue de son art, ainsi que le soulignent Margaret Morgan Grasselli
et Sarah Catala dans leur contribution. A la lecture de ces études, nous
découvrons effectivement toute la profondeur d’un artiste qui sait aussi
bien évoquer les paysages que les ruines sans oublier une part
importante de sa création souvent méconnue quant à la création de
mobilier et d’ensembles décoratifs.
Gustave Moreau – Georges Rouault Souvenirs d’atelier, Somogy, 2016.
Le catalogue qui accompagne l’exposition Souvenirs d’atelier
consacrée aux rapports étroits entretenus par Gustave Moreau et son élève
Georges Rouault débute par un brouillon écrit de la main de Georges
Rouault, brouillon qui sera celui du fameux Miserere, ouvrage commençant
par ces phrases éloquentes : « Je n’ose sous votre protection placer ce
livre ô mon patron. Parfois, il est le reflet de plus d’un de nos
entretiens discrets et intimes et vous-même ne disiez-vous pas, on
n’explique pas l’art », touchant paradoxe de ces longues conversations
sur un aveu partagé de l’incommunicabilité de ce qui les réunissait.
Marie-Cécile Forest, directrice du musée Gustave Moreau et commissaire de
l’exposition, avoue que s’attaquer aux relations Moreau-Rouault, c’est
évoquer un sujet mythique tant leur rapport dépasse largement celui
classique du maître à l’élève.
Ce sont plutôt deux vies vouées tout entières à l’art dans ce qu’il a de
plus intime et en même temps universel qui font l’objet de ce livre où ce
qui rapproche les deux peintres n’empêche pas des perceptions et des
expressions bien propres au génie de chacun d’eux. Le catalogue parvient à
dégager quel fut l’enseignement de Moreau à l’École des beaux-arts dans
cette dernière décennie du XIX° siècle (Emmanuel Schwartz) et évoque les
premiers salons de Georges Rouault (Emmanuelle Macé) à Bruxelles avec le
cercle Pour l’Art et de manière plus déterminante le Salon de la Rose +
Croix pour lesquels l’aide matérielle et amicale de son maître sera
précieuse.
Son brillant élève puis ami le lui rendra bien, Georges Rouault sera en
effet dès la mort de Gustave Moreau le défenseur de sa mémoire comme le
souligne la contribution de Marie-Cécile Forest. Rémi Labrusse évoque
quant à lui cette communauté rêvée de l’atelier Moreau à partir d’une
photographie datant de 1897 où Georges Rouault se détache de ses
camarades. De cette effervescence artistique, le lecteur pourra découvrir
dans la deuxième partie du catalogue les œuvres réunies dans l’exposition,
certaines connues et incontournables, d’autres plus intimes et discrètes,
toutes animées par une ferveur qui témoignait d’un passé sans cesse
revisité tout en préfigurant ce que l’art du XX° siècle manifestera.
« Saint-Denis - Dans l’éternité des rois et des reines de France »,
Préface d’Alain Erlande-Brandenburg, Comité scientifique : Jean-Paul
Deremble, Brigitte Lainé et Michaël Wyss, Photographies de Pascal Lemaître,
Collection La Grâce d'une Cathédrale, La Nuée Bleue, 2015.
Avec la dernière parution des éditions La Nuée Bleue, la basilique
Saint-Denis entre dans la collection La grâce d’une cathédrale
désormais riche de 14 volumes. Ce lieu qui dans la mémoire collective est
synonyme de l’endroit où reposent les rois et reines de France est aussi un
haut lieu de la mémoire la plus ancienne du christianisme et un joyau de
l’art gothique. Placé sous la direction de Mgr Pascal Delannoy, évêque de la
basilique, ce volume impressionnant fait intervenir soixante auteurs sous la
direction scientifique de Jean-Paul Deremble, Brigitte Lainé et Michaël
Wyss, et est illustré par de magnifiques photographies de Pascal Lemaître.
L’Histoire de France s’inscrit dans les pierres et les vitraux de
Saint-Denis, depuis son origine, et tout au long de son histoire
mouvementée. En ces lieux, en effet, nous sommes en présence d’un des plus
anciens sites chrétiens de France, ainsi que le souligne l’historien
Jean-Paul Deremble. Ce sont les saints évangélisateurs de la Gaule avec
saint Denis et ses compagnons qui sont honorés depuis toujours dans cet
espace, un legs qui justifie le choix de ce lieu pour le repos des monarques
défunts ultérieurement, ces derniers désirant reposer au plus près du saint.
L’abbé Suger a joué un rôle essentiel dans la mise en l’espace de la
basilique, telle que nous connaissons encore aujourd’hui, en y intégrant le
legs mérovingien et carolingien à l’époque des Capétiens. Cette figure
incontournable de son époque, parallèlement à celle de saint Bernard ayant
choisi la voie cistercienne plus austère, va d’une certaine manière
réactualiser cette succession des apôtres en osant une modernité dont notre
époque contemporaine a du mal encore à en apprécier toute l’audace. Suger
reconstruit, en effet, l’édifice en ayant recours à de nouvelles techniques,
en ouvrant l’édifice à la lumière comme jamais cela n’avait été fait
jusqu’alors. L’audace architecturale doit servir le pouvoir politique et
c’est tout le génie de l’abbé Suger que d’avoir non seulement perçu cette
dimension, mais aussi de l’avoir réalisée avec autant de génie. La basilique
doit être la face visible du rayonnement chrétien dans un cadre urbain et
non plus seulement dans le choix d’une vie monastique selon le modèle
bénédictin. Les arts vont être, bien sûr, également associés à cette
impulsion unique à cette époque en faisant mémoire du passé et en anticipant
le devenir souhaité par le politique dans cette société émergente. La
liturgie sera, elle aussi, au cœur de ce projet unissant le peuple dans le
culte divin. Pour servir ce but ultime, Suger va élaborer une architecture
aussi étendue dans son horizontalité que dans sa verticalité, ces deux
dimensions spirituelles et temporelles se rencontrant au cœur de l’autel,
lieu ultime de la célébration liturgique. Pour magnifier cette rencontre
renouvelée, semaine après semaine, la lumière est invitée au cœur de
l’édifice par le filtre de ses vitraux. L’homme peut ainsi, grâce à cet
éclairage céleste, non seulement prendre conscience du message de la foi par
la narration suggérée sur les vitraux, mais également se laisser saisir par
les reflets changeants de leurs couleurs selon les temps de l’année. Ce
message est ouvert au plus grand nombre, en une palette d’interprétations
allant des subtilités théologiques les plus fines aux messages les plus
simples de la foi. Cette théophanie n’exclut pas, elle ne se veut nullement
limitée aux puissants, mais entend intégrer la disparité de la société
médiévale de cette époque. Ainsi que le relève Jean-Paul Deremble, la
lumière lie les éléments composites d’une église et d’une société en une
ecclesia. 9 kg d’or fin, un nombre impressionnant de pierres précieuses,
des vitraux commandés aux meilleurs artisans vont ainsi progressivement
composer ce cadre architectural unique initié par Suger, et qui se
poursuivra après lui. Le message iconographique sera au cœur de cet élan
avec une lecture de l’Ancien et du Nouveau Testament associé aux dimensions
terrestres et célestes. Le Christ est au centre de ces dimensions suivant en
cela la pensée des Pères de l’Église. L’Écriture est ainsi transposée dans
les plus beaux chefs d’œuvre de l’art sacré que nous pouvons encore admirer
dans les nombreuses photographies réunies au fil des chapitres. Les
multiples références à la Bible sont transposées en un réseau symbolique non
seulement quant à la façade de la basilique, mais également dans le chœur,
l’ordonnancement et la représentation des vitraux comme en témoigne le
fameux vitrail de l’Arbre de Jessé que l’on peut encore admirer dans les
murs de la basilique. Cet ouvrage s’avèrera non seulement indispensable à la
compréhension des cathédrales de France quant au mouvement initié en ses
murs, mais également, et de manière plus générale, à l’art gothique et à
l’histoire de France.
A noter également la parution aux Editions La Nuée Bleue de deux autres
fort beaux ouvrages :
Albi, Joyau du Languedoc, sous la direction de Mgr Jean Legrez, archevêque
d’Albi, direction scientifique et coordination générale : Matthieu Desachy,
Sylvie Desachy et Céline Xifra-Vanacker, photographies de Michel Escourbiac,
2015.
Cathédrales de Provence, sous la direction de Yann Codou et Thierry Pécout,
préface de Mgr Georges Pontier, photographies de Jean-Pierre Gobillot,
dessins de Jean-Marie Gassend, 2015.
Sandrine Lajus et Raphaëlle Orsini : « Iconic, la
mode incarnée. », Editions La Martinière, 2015.
Rêver, se souvenir et convoquer ces fabuleux objets, accessoires, vêtements
indissociables des icônes de la mode de 1930 à nos jours, c’est cet
extraordinaire parcours que nous proposent Sandrine Lajus et Raphaëlle
Orsini dans cet ouvrage nommé « Iconic, la mode incarnée » et paru
aux éditions La Martinière. Qui ne se souvient et aime surtout à se souvenir
de Brigitte Bardot avec ses fameuses petites ballerines Repetto ou sa jolie
et légère robe vichy rose ? Qui n’a pas le cœur qui accélère en retrouvant
la beauté de Marilyn Monroe et sa si frivole robe blanche ? Audrey Hepburn
et sa robe noire ? Même les plus jeunes connaissent ces photographies
inoubliables fixant dans une éternelle jeunesse ces icônes de la mode
inséparables de cet objet inimitable, ce vêtement ou accessoire à jamais
attaché à son image. Ils sont aujourd’hui encore présents dans les codes de
la mode, incontournables, ils ne cessent d’être réappropriés encore et
encore. Ces objets ou pièces cultes révèlent l’immense pouvoir de séduction
de ces célébrités ancrées de par leur style et leur allure dans la mémoire
collective. Silhouettes, images de la mode de 1930 à nos jours, leurs
vêtements ou leurs accessoires, chapeau, foulard, sac, etc. sont devenus des
pièces fétiches à jamais indissociables de leur élégance et image. C’est
Humphrey Bogart et son Borsalino, c’est le chapeau signé Vivienne Westwood
de Pharrell Williams ou encore la marinière de Picasso… Ce sont ces objets,
accessoires ou vêtement ayant aussi contribué à faire ces icônes modernes de
la mode qui nous sont donnés à voir dans cet ouvrage ; Et, gardant tout leur
pouvoir magique, sortilège inépuisable, nous font encore rêver au travers de
ces pages et clichés ….
Gâteaux, un livre de Christophe Felder et
Camille Lesecq, photographies de Laurent Fau, Editions La Martinière, 2015.
Christophe Felder, l’ancien chef du Crillon, signe un nouveau livre sur sa
passion de toujours et qu’il a su faire partager avec un rare talent par de
nombreux ouvrages aujourd’hui devenus des classiques. Pour ce dernier livre,
il s’est associé avec un autre génie de la pâtisserie en la personne de
Camille Lesecq, qui fut chef pâtissier du Meurice et aujourd’hui associé de
Christophe Felder. Avec ces pages illustrées par des photographies «
succulentes » de Laurent Fau, c’est aux classiques que nous sommes invités,
ces recettes incontournables, trop souvent reléguées injustement au titre
des souvenirs d’antan, et qui pourtant enchantent encore aujourd’hui petits
et grands…. Ce sont des délices classiques que les auteurs invitent de
nouveau à notre table grâce à des recettes aux difficultés variables. Pour
les novices, autant commencer par les gâteaux simples, la pâtisserie ne
souffrant pas de l’à-peu-près. Chaque étape est détaillée, les conseils
prodigués sont ceux que l’on pourrait avoir avec un maître à ses côtés, ce
qui est bien le cas avec ces deux grandes figures de la pâtisserie
française. Une tarte au citron ou aux pommes, des madeleines ou un kouglof
sont des expériences culinaires toujours appréciées des convives lorsqu’il
s’agit de plats fait maison et dans les règles de l’art. Bien entendu, ces
pâtissiers de génie savent aussi dispenser leur art dans des préparations
plus complexes, mais qui restent toujours clairement expliquées, étape après
étape. Le temps, la concentration et surtout le désir de faire plaisir sont
souvent les ingrédients clés pour la réussite de ces recettes qui promettent
de grands moments de partage entre les convives. Un fraisier
verveine-vanille, une polonaise ananas-citron vert ou une brioche nid
d’abeille comptent parmi ces 150 recettes que l’on aura plaisir à réaliser,
au moins recette après recette un jour sur deux de l’année.
« Bouillons » un livre de William Ledeuil,
photographies de Louis Laurent Grandadam, Editions La Martinière, 2015.
Envie de bouillons
? Le livre de William Ledeuil sera alors le compagnon quotidien pour entrer
dans cet univers bien plus coloré et diversifié qu’il n’y paraît de prime
abord. Réaliser un bouillon est certainement un des gestes les plus anciens
de la cuisine de l’humanité et il n’est guère de peuple en effet qui ne
l’ait pratiqué. L’Asie, bien entendu, est très présente dans l’inspiration
et les réalisations de William Ledeuil, comment pourrait-il en être
autrement ? Avant tout chose, il faut une base, c’est-à-dire un jus qui
servira de ligne directrice pour toutes les réalisations, des plus simples
aux plus perfectionnées, il pourra alors s’agir d’un bouillon à la volaille,
au bœuf, aux poissons ou simplement aux légumes. A partir de là, une
symphonie peut se mettre en place où chaque ingrédient sera pensé, pesé et
introduit dans un rapport étroit et toujours réfléchi avec les autres
produits réunis. Un bouillon réussi n’est pas un pot-pourri où serait jeté
tout ce qui serait à portée de main et c’est tout l’art de l’auteur de cet
ouvrage que d’inviter son lecteur à cette prise de conscience. 80 recettes
sont ainsi proposées et donnent un bel aperçu de l’inspiration de William
Ledeuil, un aperçu servi par les prises de vue appétissantes du photographe
Louis Laurent Grandadam. Que diriez-vous de linguine au beurre d’algues,
yuzu et pourtargue, d’un bouillon de palourdes aux pommes de terre grenaille
et tomates confites ou encore d’un bouillon « esprit » umami qui semble
aussi bon que beau à voir ! On a l’eau ou plus exactement le bouillon à la
bouche, de toutes ces saveurs mitonnées, et il n’y a plus qu’un pas à faire,
à se jeter à l’eau pour concocter les plus beaux bouillons grâce à ce livre
inspiré.
« Parmigianino – Dessins du Louvre » catalogue sous la direction de
Dominique Cordellier, Louvre éditions, 2015.
Dominique Cordellier dans son étude introductive au catalogue «
Parmigianino – Dessins du Louvre » souligne combien l’aisance de
Parmigianino dans le dessin fut grande, et ce dès son plus jeune âge ainsi
que le releva son premier biographe Giorgio Vasari. Doué, le jeune homme le
fut assurément ainsi qu’en témoignent ses autoportraits à la sanguine ou
celui peint dit au miroir, inoubliable en ce que l’artiste se
représenta sur une surface convexe. L’influence de Raphaël sera également
précoce sur le jeune artiste fougueux et embrassant tout par le génie de son
art. Et s’il fut peut-être tenté de se représenter dans les traits de saint
Jean Baptiste, c’est avec le grand maître qu’il partagea cependant le plus
de points communs. Le jeune homme ne bénéficiera pas pourtant de l’appui
d’un prince ou d’un autre puissant de son époque, et ce sera avec la musique
et l’alchimie qu’il partagera son art. Son choix pour le luth n’étonnera
guère si l’on considère le raffinement de son trait au dessin, cette
précision et délicatesse communes aux deux arts. Son goût pour l’alchimie
fut, quant à lui, cependant quelque peu plus douteux ainsi que le relève le
jugement sévère de Vasari décrivant l’artiste perdant toute son allure pour
une barbe longue et mal peignée et des cheveux hirsutes… Laura Angelucci,
dans sa contribution au catalogue, étudie le style de Parmigianino et la
transformation dont il fit preuve entre ses premières œuvres à Parme, Le
Baptême du Christ, et les dernières pour Santa Maria della Steccata avec
ses Vierges. Entre l’évolution de son temps marqué par la crise que
connaît la Renaissance à la mort de Raphaël en 1520 et l’évolution de la
propre vie de l’artiste, le génie de Parmigianino s’exprime dans des
créations répondant à sa curiosité insatiable et à une esthétique élégante
et raffinée.
Le peintre
élaborera ainsi son style entre « règles » et « licence » à partir de
modèles antiques et modernes. Parmigianino recherche insatiablement une
beauté imaginaire et abstraite qui trouvera sa pleine expression dans la
deuxième moitié des années 1520 en un maniérisme qui correspondait peut-être
enfin à ses aspirations artistiques personnelles. Les figures se font
idéalisées, les traits s’allongent pour une abstraction novatrice sous les
influences des grands maîtres tels Corrège, Podernone, Michel-Ange, sans
oublier Raphaël. Un article de Roberta Serra complète enfin cette étude en
soulignant les techniques graphiques de l’artiste, celui-ci ayant laissé un
millier de dessins à ce jour. Sanguine, plume, encre, pierre noire et lavis
abondant sont au service de l’artiste qui manifestera très tôt une attirance
pour la gravure. Parmigianino suivra également Ugo da Carpi présenté par
Vasari comme étant l’inventeur du chiaroscuro (reproduction en
couleur à partir de plusieurs bois avec des couleurs différentes). La
deuxième partie du catalogue permettra d’étudier la soixantaine de dessins
réunis à l’occasion de l’exposition consacrée aux dessins de Parmigianino
(1503-1540) du Louvre et qui se tient actuellement au musée du Louvre.
Nicole Brugier « Les laques de Coromandel » format
24x32cm, 224 pages, 220 illustrations couleur, relié pleine toile, couture
au fil sous jaquette couleur, La Bibliothèque des Arts, 2015.
Si le titre de cet ouvrage n’est peut-être pas immédiatement explicite pour
le lecteur, ce dernier comprendra vite, cependant, dès les premières pages
que c’est avec ce procédé même – la laque de Coromandel – qu’ont été
réalisés les plus somptueux paravents de la Chine aux XVIIe et XVIIIe
siècles. Nicole Brugier, auteur de l’ouvrage, a une connaissance intime de
ces témoins du passé qui ont traversé les mers pour parvenir dans les salons
d’Europe prisant tant ces objets exotiques. C’est en effet son père, André
Brugier, qui créa en 1920 les Ateliers Brugier, référence de la période Arts
déco et connus de bien des amoureux et collectionneurs des laques et
paravents venus de Chine. Depuis des décennies, les pièces les plus
précieuses sont-elles ainsi passées par leurs mains, pour les restaurer ou
les céder aux plus grandes institutions. Ces paravents ont donc une riche
histoire, celle du pays et de la culture qui les a vus naître, comme celle
des compagnies commerciales qui les feront voguer sur les mers vers
l’Europe, enfin celle des collections des amateurs qui leur ont donné une
nouvelle vie, et souvent une nouvelle signification. C’est donc à ce voyage
en Extrême-Orient auquel nous invite Nicole Brugier dans ces pages de
paravents, livres d’art à eux seuls en raison de la minutie du dessin gravé,
l’art de la laque appliquée qui nécessite des dizaines de couches
successives, finement abrasées et renouvelées pour laisser enfin
transparaître une surface immaculée, dont la profondeur n’a d’égal que les
reflets. Mais les laques de Coromandel sont aussi l’occasion d’une
narration, avec ses codes, ses évolutions, ses styles rendus accessibles
grâce à leur étude dans ces pages signées Nicolas Brugier. Les Jésuites
rendront possible cet échange grâce à la confiance acquise difficilement
auprès d’empereurs conscients de l’importance de cette ouverture tel
l’empereur Kang-Hi (1662-1723) qui encouragera cette communication même si
cette dernière sera considérablement freinée par la fin de règne de Louis
XIV interdisant dans un protectionnisme ombrageux leur commerce alors même
qu’il en avait apprécié l’esthétique auparavant. Le goût de l’exotisme
résistera cependant à ces royales limitations et le XVIIIe siècle connaîtra
lui aussi de belles heures pour ces paravents entrant désormais dans le
patrimoine culturel occidental. Voici donc un livre remarquable pour voguer
en des contrées lointaines, celles des laques et de ces précieux témoins de
l’art de l’Extrême-Orient dans lequel se reflète le goût occidental depuis
plus de trois siècles.
« Moïse : figures d'un prophète » Relié, 198 pages, 26 cm X 29 cm,
Flammarion, 2015.
Les deux premières illustrations du catalogue consacré
à « Moïse : figures d’un prophète », placées en vis-à-vis, offrent une idée
de l’extrême diversité des représentations du grand prophète de la Bible.
Sur la gauche, une gravure d’Amsterdam pour une Haggadah du XVIII° siècle et
sur la droite le tableau de Pierre Patel, Josabeth exposant Moïse sur le Nil
(1660), deux représentations bien différentes d’un même acte fondateur,
celui de la figure du prophète abandonné au destin des flots. Anne Hélène
Hoog souligne qu’au regard de cette juxtaposition des représentations juives
et chrétiennes de Moïse à celles de l’époque moderne, un déséquilibre
certain s’établit notamment dû à la richesse des œuvres de Nicolas Poussin,
Nicolo Dell’Abate ou encore Philippe de Champaigne. Cependant, la présence
de Moïse dans l’art occidental a été paradoxalement plus importante pour les
juifs que pour les chrétiens, et ce depuis l’Antiquité comme le prouvent les
peintures murales de la synagogue de Doura Europos en Syrie. La vie de Moïse
sera vite synonyme de celle du peuple juif, chacune de ses étapes ayant de
ce fait une valeur fondatrice. Matthieu Somon approfondit le legs si
important laissé par Philon d’Alexandrie avec sa Vie de Moïse au début de
notre ère. Son allégorie de Moïse en idéal du roi-philosophe, de grand
prêtre et législateur va en effet influencer pour longtemps l’exégèse
chrétienne de la Bible. Le lecteur comprend rapidement au fil des pages le
pluriel utilisé pour le sous-titre de l’exposition et de son catalogue,
c’est bien d’une multitude de figures dont il est ici question, dans toute
la complexité que le personnage biblique impose. Les enjeux soulevés par le
personnage de Moïse ne sont jamais mineurs et les contributions réunies pour
ce livre témoignent que le prophète revêt tout aussi bien une dimension
théologique, politique et sociale. Moïse d’une certaine manière, informe
plus sur ceux qui l’ont peint, décrit, commenté ou « utilisé » que sur
lui-même. Il accompagnera la naissance du sionisme au tournant du XXe siècle
et sera même le porte-parole des minorités noires aux États-Unis dans les
années 40 et 50. Le destin de Moïse n’est pas près de s’arrêter là, son
regard porte loin et ce riche catalogue permet de mieux comprendre son
destin qui s’écrit, siècle après siècle.
"Kimonos", collectif sous la direction de
Anna Jackson, 320 pages, format :24 x 30 cm, Illustration : 340 en
couleurs, La Bibliothèque des Arts, 2015.
Tout l’art du kimono concentré en un bel ouvrage de 320 pages et 340
illustrations en couleur vient de paraître aux éditions La Bibliothèque
des Arts. Véritable œuvre d’art et peinture textile, le kimono est depuis
les temps anciens synonyme du statut social, de l’identité et du goût de
celui ou de celle qui le revêt. Réalisée sous la direction d’Anna Jackson,
cette somme couvre 300 ans de l’histoire de cette passion textile, un art
qui a largement rayonné au-delà des limites du pays du Soleil-Levant
puisque ce beau livre retrace la Collection Khalili du nom du
collectionneur Nasser D. Khalili, la plus complète hors du Japon… Ce
collectif réunit, qui plus est, les meilleurs experts pour conter
l’histoire de ce textile qui fit rêver des générations alors même que sa
coupe est demeurée à peu près la même au fil des siècles. Sa richesse est
au cœur des admirables représentations qui ornent le tissage et prennent
forme en de véritables œuvres d’art sous les doigts des artistes les plus
habiles. Il n’est pas un kimono qui se ressemble et c’est avec pédagogie
que cet ouvrage suggère cette promenade dans un univers bien particulier,
qui à l’image de nombreux domaines au Japon, possède ses codes spécifiques
et que l’Occidental ignore la plupart du temps. Afin de dépasser la simple
admiration esthétique des kimonos, que ce soit ceux de cérémonie, les
modèles précieux destinés à la cour impériale, des redoutables samouraïs
ou encore des opulents marchands de la période Edo, l’ouvrage,
remarquablement illustré par les plus beaux modèles, permet de mieux
comprendre cet art du kimono selon les périodes chronologiques de
l’histoire du Japon. Ainsi le lecteur se familiarisera-t-il avec l’art du
kimono (ki : habiller et mono : chose), un art qui s’étend du simple
vêtement quotidien à la parure la plus officielle qui soit. Cette palette
si étendue déjà, se trouve encore élargie par l’échelle chronologique
étirant entre la période Edo et l’ère Meiji. Et si l’art du kimono est des
plus complexes, celui de le revêtir l’est tout autant, mais ceci est une
autre histoire…
La dichotomie des forces du bien et du mal remonte à la plus haute
histoire de l’humanité, probablement même à sa préhistoire. Comme la
pénombre succède à la clarté, la bonté à la méchanceté, le bien au mal,
les anges et les démons eurent tôt fait de structurer les récits
fondateurs des sociétés, le manichéisme en étant une des plus notables
illustrations. Mais c’est essentiellement sur le christianisme que cet
impressionnant volume se concentre sous la plume alerte de Maria-Christina
Boerner. Il faut dire que le sujet suffit amplement à nourrir ce livre de
plus de 800 pages illustrés par les plus beaux chefs-d’œuvre de l’art
occidental. Le lecteur sait-il que cette science porte un nom depuis le
Moyen-âge, la démonologie, et que les séparations entre les anges et les
démons sont plus subtiles qu’il n’apparaît en notre XXI° siècle blasé de
fantasmagories ? C’est à une invitation haute en sensations et en émotions
à laquelle nous convie cette somme hors du commun, à la mesure de la
démesure du sujet retenu…
Rolf Toman souligne dans sa préface combien les pages qui suivent peuvent
sembler si éloignées de l’univers mental de nos contemporains. Il fut un
temps où les représentations mentales du monde visible et invisible
étaient peuplées d’une multitude d’êtres et d’esprits chargés de
prolonger, d’atténuer, d’exacerber ou d’étouffer les angoisses et les
peurs, de raviver et encourager l’espérance et la joie en un monde
meilleur. Ces êtres si particuliers seraient-ils nés de nos pensées et
disparus avec elles ? Ce livre d’art remarquable a fait sien le choix
d’offrir une cartographie artistique de ces représentations : les anges et
les démons font bien partie du quotidien des siècles passés et ont de ce
fait donné naissance à des chefs-d’œuvre nourris de leur imaginaire. Qui
sont les anges et quelle apparence prennent-ils lorsqu’ils émergent du
marbre ou des pigments broyés par l’artiste ? Heinrich Heine, cher à
l’auteur, confesse : « Pourtant je n’ai jamais mis en question
l’existence des anges : Créatures lumineuses et sans tache, Ils cheminent
ici-bas sur la terre ». Ces anges sont nés de l’unique vocation à
servir Dieu, ce qui explique sans doute la naissance de leurs ailes et la
promptitude à porter son message en tout point de l’univers. Et s’ils
adoptent une attitude hiératique sur les mosaïques byzantines, leur visage
est capable des plus étonnantes métamorphoses sous le pinceau d’un Giotto
qui semble bien les avoir aperçus. Ils sont aussi lumière dans les plus
belles Annonciation conçues de l’esprit des artistes et leurs influences
sont manifestes chez Rembrandt comme chez Masolino da Panicale lorsqu’il
s’agit de servir la gloire divine. Leurs missions ont été immortalisées
par les plus grands artistes, depuis l’Annonciation jusqu’à la Nativité,
sans oublier la Passion et la Résurrection avant la Pentecôte. Chaque
instant spirituel est précédé, accompagné et suivi de leurs services ainsi
qu’en témoignent sculptures, fresque, mosaïques, peintures, vitraux et
autres tapisseries célébrant leur omniprésence dans l’histoire de l’art
occidental. Mais la liberté de l’être humain créé par Dieu nourrit le
choix qu’il a d’aller vers le bien, comme vers le mal. De lui-même ou aidé
en cela ? Le débat est aussi vieux que le récit de la Genèse et même
au-delà si l’on considère les textes plus anciens de la Mésopotamie. Et
alors, la chute des anges peut donner naissance à un de leurs princes, le
Diable, dont le lecteur lira avec profit « les débuts de la carrière
iconographique » dans la deuxième partie du livre… Celui qui divise,
l’étymologie de son nom est en effet légion. Il se métamorphose sous la
plume ou le pinceau des artistes en une multitude effroyable de
représentations qui ne cesseront d’étonner, même le lecteur le plus blasé,
contemplant le fameux triptyque Le Jardin des délices de Jérôme Bosch,
sans oublier bien entendu l’incontournable Jugement dernier de Michel-Ange
à la Sixtine.
Timothy Verdon « Fra Angelico » 28,0 x 33,0
/ 386 pages, Imprimerie Nationale Editions, 2015.
Il ne fallait pas moins qu’un livre d’exception signé par un auteur
talentueux afin de rendre hommage à Guido di Pietro (vers 1400-1455), plus
connu en France sous le nom de Fra Angelico. Le grand historien de l'art
Timothy Verdon signe en effet avec cette monographie luxueuse une
contribution importante au fameux « peintre des anges ». Le directeur du
Museo dell’Opera de Florence souligne dès sa préface - ce qui pourrait
apparaître paradoxal - le nombre important d’études et de monographies qui
ont été consacrées à ce peintre né en Toscane au début du XVe siècle.
Pourquoi ajouter alors une étude de plus ? L’auteur a la conviction qu’en
élargissant à une lecture d’ordre culturel les œuvres de Fra Angelico, il
serait alors possible d’avoir une meilleure idée de celui qui fut présenté
par Vasari comme « un modèle pour les ecclésiastiques de son temps ».
L’historien de l’art a choisi pour cette étude de joindre ces deux
approches, l’artiste et le moine, l’un ne se concevant pas sans l’autre.
Le frère Giovanni du couvent de San Domenico de Fiesole fait rayonner sa
peinture d’un élan mystique sans limites. A l’image de l’éclat de La
Transfiguration que tout un chacun peut admirer au musée de San Marco
de Florence, l’ensemble du travail de Fra Angelico aspire à cette
élévation de l’âme de l’artiste au travers de ses créations pour tenter
d’approcher la « gloire contemplée sur le visage du Christ ».
Cette tension vers la transcendance imprimée à son œuvre est bien à
rapprocher de cette attitude pieuse du peintre rappelée par Vasari : Fra
Angelico « n’aurait jamais touché ses pinceaux sans avoir auparavant
récité une prière ». Familier de la lectio divina, étude
exégétique et méditative des Ecritures, Fra Angelico associe de manière
jusqu’alors inédite son œuvre à la parole écrite. Timothy Verdon rappelle
que près de la moitié des créations de Fra Angelico font référence
directement à des épigraphes ou indirectement à un livre. Ainsi le moine
et le peintre ont décidé de manière inextricable de vivre au plus près du
Christ, les admirables reproductions de ses œuvres en témoignent dans ces
pages. La lumière occupe une place importante dans son œuvre, une lumière
qui bien évidemment est à rapprocher de ce rayonnement divin évoqué
précédemment.
Cette lumière spirituelle, nourrie par la pensée augustinienne, inonde les
créations de l’artiste non seulement grâce aux ors, mais aussi avec ces
rayons représentés dans Le Jugement dernier. Fra Angelico profitera
de la générosité des Médicis qui lui permettront de dépasser les cadres
classiques de la composition et d’ouvrir vers une perspective jamais
réalisée jusqu’alors ; perspective qui s’observe notamment dans la «
Sépulture des Saints Côme et Damien, et de leurs trois frères » avec
cette splendide évocation des saints de la famille des Médicis pour une
profondeur de l’œuvre jamais atteinte avant lui. Celui que l’on surnommait
Angelicus compte ainsi « parmi les maîtres qui ont élaboré les
présupposés et préparé l’« âge d’or » du milieu du XVe siècle »
souligne encore Timothy Verdon dans cet ouvrage indispensable non
seulement à la pleine compréhension de l’artiste mais aussi de ces temps
qui ouvrent vers la Renaissance.
Philippe-Emmanuel Krautter
Giovanni
Careri « Caravage » Citadelles & Mazenod, 2015.
Giovanni Careri, directeur du CEHTA, directeur d’études à l’EHESS et
professeur à l’École des beaux-arts de Lyon nourrit depuis longtemps une
vision singulière de l’art. Responsable avec Bernhard Rüdiger du groupe de
recherche « Art contemporain et temps de l’histoire » (CEHTA-EHESS / École
des beaux-arts de Lyon), il n’a pas hésité à rapprocher l’anthropologie ou
la sémiotique pour comprendre la manière dont le Bernin a pu concevoir ses
chapelles baroques ou encore la fabrique de l’histoire chrétienne au
regard de la Chapelle Sixtine. Et, c’est avec le même angle novateur que
ce chercheur infatigable nous invite à une ample réflexion sur un peintre
pourtant tant étudié : Michelangelo Merisi da Caravaggio, le Caravage, ce
fameux artiste né en 1571 à Milan et mort dans les conditions tragiques
que l’on sait en 1610. Ce livre, également somptueux par la qualité de son
iconographie, débute par une succession de détails d’œuvres fameuses de
cet artiste dont le destin sera une succession de fuites et de combats,
une course-poursuite avec son génie qui n’est pas sans ressemblances avec
la vie de Pier Paolo Pasolini qui s’inspirera d’ailleurs des œuvres du
Caravage pour certaines de ses créations. Giavanni Careri part de la
position assignée au spectateur lorsqu’il est amené à découvrir une œuvre
de Caravage, reflet en forme de miroir original et que souligne
discrètement ce détail de Marthe et Marie Madeleine placé au début
du livre. Suivent encore une série de détails des œuvres du peintre qui
font justement entrer le lecteur-spectateur dans cette intimité de la
réflexivité, condition selon Careri d’une approche fertile de la création
caravagesque. Cet angle inédit à partir de la réflexivité provoquée par le
miroir invite ainsi au dialogue entre l’œuvre et celui à qui elle est
destinée, entre la création et la conscience de celui qui l’observe. Cette
conversation, ou fréquentation de l’œuvre, débute avec L’incrédulité de
saint Thomas où les regards foisonnent de diagonales pour une action
déterminante, le toucher, manifestation de la quête de la vérité entendue
en son sens humain, ainsi que le souligne Caravage. Et qu’en est-il de
notre regard dans tout ce réseau de significations et signifiés ? Giovanni
Careri démontre qu’il ne saurait être neutre, suivant en cela l’impulsion
inaugurée par le génie de l’artiste. Notre regard se saisit en effet de
l’œuvre, cette dernière soulignant d’une certaine manière nos propres
doutes et hésitations quant à la scène représentée. L’œuvre de Caravage
établit donc « un jeu de positions dont le tableau dicte les règles
» souligne l’auteur. Avec Caravage naît ainsi une subjectivité nouvelle
que reflète de manière éclairante cette réversibilité entre voir et
toucher. Le génie de Caravage sera alors de repousser les limites
de la construction narrative de son époque avec l’élaboration d’un «
réalisme chrétien » qui ne cessa d’étonner – et choquer- ses contemporains
et nourrit encore aujourd’hui notre admiration. Les représentations les
plus sacrées se réalisent dans les conditions les plus profanes, cette
inversion loin de désacraliser, renforce paradoxalement l’immixtion de la
transcendance dans les scènes les plus triviales de la vie où la violence
est toujours présente. Ce livre remarquable invite ainsi à une relecture
de l’œuvre de Caravage, relecture où nous est assignée une part active
propre à renouveler notre perception non seulement du peintre, mais encore
de l’art de manière plus générale.
Philippe-Emmanuel Krautter
"Chagall et la musique", ouvrage
collectif publié sous la direction d'Ambre Gauthier et Meret Meyer,
Coédition Gallimard - Philharmonie de Paris/Cité de la musique, 2015.
Les liens de Chagall à la musique ont toujours été étroits et intimes chez
l’artiste ainsi qu’en témoigne le très riche catalogue paru aux éditions
Gallimard à l’occasion des deux expositions sur ce thème à la Philharmonie
de Paris et à La Piscine de Roubaix. Le lecteur ne s’étonnera alors plus
de ces envolées lyriques sur la toile, ces fugues extraordinaires où les
références à la musique sont parfois explicites avec la présence
récurrente d’un violoniste, ou plus masquées par le rythme même de la
composition picturale. Viendra bien entendu également à l’esprit ce
monumental plafond de l’Opéra Garnier commandé au peintre par le ministre
de la culture en 1962, couronnement d’une carrière riche en
reconnaissances. La musique est omniprésente dans la vie du jeune Chagall
: chants, violon et psalmodies rythment très tôt l’éveil culturel de celui
qui rêvera d’être chanteur en chantant, ou violoniste en s’essayant aux
rudiments de l’instrument… Chagall sera finalement peintre, mais
n’oubliera jamais ses amours de jeunesse qui l’accompagneront tout le long
de sa vie et seront ses muses pour ses « récits » ainsi que Bachelard
nommait ses toiles. « Les Sources de la musique » et « Le
Triomphe de la Musique » qu’il réalisera pour le Metropolitan Opera de
New York composent une véritable peinture symphonique qui suggère autant
de notes que de palettes de couleur. C’est à partir d’un choix de 300
œuvres de l’artiste que nous pouvons suivre l’inspiration artistique de
Chagall qui se déploie dans ses rapports à la musique, qu’il s’agisse de
peintures, de costumes, de sculptures et céramiques, sans oublier bien sûr
les décors évoqués des grandes commandes (incluant ceux pour le Théâtre
juif de Moscou en 1920). La culture yiddish est certainement la tonalité à
partir de laquelle se met en place l’ensemble du processus créatif de
l’artiste. Chagall explore ce lien entre le monumental et la musique ainsi
que le relève Éric de Visscher, une musique appréhendée comme un art de
l’espace sans limites. Le lecteur pourra alors réaliser combien ces
explorations se sont matérialisées dans l’inspiration de l’artiste avec
les nombreuses maquettes préparatoires reproduites dans le catalogue où la
musique rayonne de ses images nées du génie de Chagall, ce qu’avait bien
compris André Malraux malgré le déchaînement qu’une telle commande
entraîna contre lui et l’artiste. Mikhaïl Rudy sait de quoi il parle lui
aussi lorsqu’il évoque la musicalité de l’écriture picturale de Chagall.
Le directeur musical, et brillant pianiste d’origine russe, sait mieux que
quiconque partager cette tonalité de l’œuvre du peintre, avec des «
sonorités » qui ont évolué avec la chronologie de son œuvre. À la lecture
de ce catalogue riche en contributions, il apparaît alors manifeste que
les liens entre Chagall et la musique vont bien au-delà d’une affinité
culturelle, mais touchent ce que Malraux nommait l’insaisissable et
que ce brillant catalogue permet de mieux appréhender.
Philippe-Emmanuel Krautter
À noter également la parution
d’un Découvertes Gallimard sur le même thème réalisé par Ambre Gauthier,
historienne de l’art et commissaire de l’exposition de la Philharmonie. Ce
livre étudie à l’occasion du trentième anniversaire de la mort de Chagall
les liens très forts unissant la peinture de l’artiste à la musique, thème
retenu pour les deux expositions à la Philharmonie et La Piscine de
Roubaix.
Alexandre Séon - La Beauté
idéale » de Jean-David Jumeau-Lafond, Delphine Durand, Guillaume Ambroise,
Jacques Beauffet, Hélène Moulin-Stanislas, Silvana Editoriale, 2015.
Le nom d’Alexandre Séon n’est guère connu de nos jours et pourtant il
compta en son temps, à la fin du XIX° siècle, parmi les artistes renommés
du mouvement symboliste français. L’homme était épris des plus hautes
inspirations esthétiques et il fallait une exposition ainsi qu’un
catalogue pour honorer sa mémoire grâce à l’élan initié par l’historien de
l’art et arrière-petit-fils du peintre symboliste Carlos Schwabe,
Jean-David Jumeau-Lafond (lire notre
interview). La recherche du beau est ancienne, certainement sœur de
l’émergence de la conscience. Elle fut l’objet des questions les plus
discutées dès la philosophie antique avec Platon et Aristote, jusqu’aux
plus récentes réflexions du pape émérite Benoît XVI rappelant que : «
Le beau ne peut être réduit à un simple plaisir des sens : ce serait
s’interdire d’avoir la pleine intelligence de son universalité, de sa
valeur suprême, transcendante. Sa perception requiert une éducation, car
la beauté n’est authentique que dans son lien à la vérité ». Ce besoin
d’éducation à l’art, souligné tant de fois par l’académicien Pierre
Rosenberg et objet d’une récente étude de l’exégète de la Bible Pierre
Gibert concernant les peintres du Cinquecento vénitien rejoignent la
question posée par Max Jacob : « Le beau ne serait-il pas la route la
plus sûre pour atteindre le bien ? ». Ces interrogations fondamentales
ont été au cœur de la réflexion et de la vie d’Alexandre Séon, proche de
Puvis de Chavannes. Cet artiste, de l’avis de ses partisans comme de ses
détracteurs, avait donc une considération élevée de l’art et de son art.
C’est tout le mérite de Jean-David Jumeau-Lafond que de contribuer par une
exposition et le présent catalogue à sortir de l’oubli un peintre qui ne
fit l’objet d’aucune exposition monographique depuis 1901. Celui-ci
souligne combien pourtant l’œuvre de Séon est singulière. L’artiste est mû
par une recherche absolue : « Je veux l’Idéal avec la science pour
guide ». L’homme, mystique, n’avait pas d’attirance pour une Église
dont il ne partageait pas la sensibilité saint-sulpicienne. Nul rejet de
la tradition pourtant dans l’attitude d’Alexandre Séon dont le dessin
révèle une maîtrise extrême, et les sources d’inspirations un goût certain
pour le classique. La ligne chez cet artiste est d’une épuration extrême
comme en témoignent l’Ave Maria ou encore ses études pour Jésus crucifié
dont les verticalités ne cessent d’impressionner. Séon fut très influencé
par la mer, Bréhat notamment dont il n’hésitera pas à dire « c’est
littéralement le décor de la Joconde en tonalité rousse »… L’huile sur
bois Marine, la Vague n’a bien entendu rien de commun avec celle de son
contemporain Carlos Schwabe mais témoigne d’une spiritualisation de son
travail. L’artiste se sert de la trivialité du réel que pour s’élever vers
les mystères du beau ainsi que le démontre avec force son Croquis-journal,
véritable laboratoire de la création de l’artiste. Le lecteur de ce riche
catalogue pourra ainsi partager la vision de cet artiste qui «
contemple le monde avec la souveraine distance d’un albatros baudelairien
qui ne se serait jamais laissé capturer par les hommes d’équipage »
comme le souligne Jean-David Jumeau-Lafond.
Philippe-Emmanuel Krautter
à noter que le musée de Valence, après le musée des Beaux-Arts de
Quimper, accueillera l'exposition consacrée à
Alexandre Séon "La beauté idéale" du 8 novembre 2015 au 28 février 2016.
« Fragonard amoureux – Galant et libertin » sous
la direction scientifique de Guillaume Faroult, Musée du Luxembourg Sénat
– Réunion des Musées Nationaux, 2015.
C’est à la rencontre d’un Fragonard amoureux auquel invite ce généreux
catalogue qui suit le parcours de l’exposition qui se tient jusqu’au 24
janvier 2016 au Musée du Luxembourg à Paris. Guillaume Faroult, le
commissaire de l’exposition et directeur du présent catalogue, souligne
dès son avant-propos en guise d’hommage tout ce que l’évènement doit à ces
grands spécialistes de Fragonard que sont Pierre Rosenberg (lire notre
interview), Jean-Pierre Cuzin ou encore Mary D. Sheriff qui contribuèrent
à faire progresser la connaissance du peintre et de son œuvre. C’est
d’ailleurs Pierre Rosenberg qui signe l’introduction avec un titre
évocateur « Un autre Fragonard » dans laquelle l’ historien de
l’art et académicien relève combien il a fallu de détermination pour
mettre au jour ce Fragonard différent de celui qu’avaient connu nos aïeux
avec ses « polissonneries ». Avec Le Verrou, acquis si
difficilement par le Louvre, c’est en effet un autre Fragonard qui est
présenté depuis une quarantaine d’années et dont la présente exposition se
fait le prolongement. Il est bien
entendu qu’il ne s’agit pas d’oublier Les Hasards heureux de
l’escarpolette et encore moins La Gimblette si provocante un
siècle à peine après l’esprit de dévotion de la fin de règne du Roi
Soleil… Fragonard aime la vie et l’amour et si certaines évocations sont
explicites telles Le Feu aux poudres, son art saura ouvrir sa
palette à bien d’autres nuances. Ainsi que le souligne Marie-Anne Dupuy-Vachey,
Fragonard a longtemps souffert de cette chronique nécrologique le
présentant, le 22 aout 1806, comme « un peintre justement estimé dans
le genre gracieux et érotique ». Or, Fragonard est plus que cela, ce
dont témoignent les articles consacrés à ce peintre. Certes, le peintre
est artiste de son temps et se doit de répondre à l’esprit du siècle en
jouant le jeu du libertinage entendu en son sens le plus léger. Mais
Fragonard saura également décliner avec sa palette toutes les nuances du
désir comme en témoigne L’Instant désiré, émouvant instantané où
les corps entrelacés ne prêtent aucune attention au peintre… Fragonard
permet, avec son art et ses passions, de parcourir un siècle qui a la
prescience de son terme. Le temps est compté, la cadence s’accélère, en
musique, comme en peinture. Le lecteur de ce catalogue retrouvera
l’intégralité des œuvres présentées dans l’exposition avec leur notice
complète, une bien belle manière de suivre ce galant et libertin
Fragonard.
« Luxe, cuir et volupté – Histoire de la
chaussure », collectif, Flammarion, 2015.
Rentrée oblige, vous avez rangé vos tongs et remis au premier
plan de votre garde-robe vos ballerines, escarpins, derbys et boots. À vrai
dire, ce choix ne vous a, à peine, chagriné, car, avouons-le, comme beaucoup
de femmes, nous a-do-rons les chaussures : les hautes, les plates ou
vertigineuses sur plateau ou non, les cuirs, daims ou tressées, et puis
toutes ces couleurs, le rouge surtout. Ah ces escarpins rouges, et ces noirs
si féminins ! L’ouvrage « Luxe, cuir et volupté ; Histoire de la
chaussure » ne s’y est pas trompé entre son titre aux douces sonorités
et cette ballerine noire sur hauts talons pour illustration de couverture.
Cependant, le soulier n’est pas et n’a jamais été l’apanage des femmes, et
le soulier masculin présente, également pour sa part, une exigence de
qualité, de matière et de modèles qui font rêver plus d’un amateur ou
collectionneur. L’ouvrage ne s’y est pas trompé non plus et aborde dès lors
tant la chaussure pour femme que pour homme. Qu’elle soit cependant pour
homme ou pour femme, pointue ou ronde, à talon ou plate, la chaussure
demeure un objet bien spécifique qui concentre à lui seul toute une histoire
et une culture. Et c’est en véritable livre de référence et fort d’une riche
iconographie, pour une large partie inédite, que cet ouvrage se propose de
retracer cette histoire et culture bien particulière de la chaussure :
Passant de continents en domaines, des « souliers de lotus » aux ballerines
de danse ; passant de siècles en modes et célèbres Maisons telle que
Louboutin ; passant, encore, de la conception, aux techniques de
fabrication, à l’étude des talons ou aux chaussures-sculpture
contemporaines, l’ouvrage aborde de nombreux aspects de cet « accessoire »
fabuleux qu’est la chaussure n’oubliant ni les collectionneurs en tout genre
ni même les fétichistes. « Accessoire » qu’il n’est ou ne devrait pas être,
car comment en effet réduire le soulier à un simple accessoire de mode
lorsque ce dernier signé par de grands stylistes et célèbres maisons de
haute couture devient par le savoir-faire unique de l’artisan et sous
l’éclat de joailliers un véritable bijou et œuvre d’art unique ? Ainsi que
le soulignent les auteurs de cet ouvrage « Aussi belle qu’essentielle, la
chaussure est plus qu’un accessoire de mode : elle agit comme un révélateur
; distillant des indices relatifs au genre, au statut, à l’identité et aux
goûts de celui qui les porte ; » En effet, peut-on oublier que nos
chaussures en disent souvent long et sont bien plus bavardes qu’on le pense
sur nous, révélant nos goûts, notre statut, certes, mais aussi nos fantasmes
et notre dextérité à être en phase avec nous-mêmes. De surcroit, les
chaussures ne sont pas toutes à chausser n’importe où et n’importe quelle
heure de la journée. Une cambrure excessive, mal équilibrée, des chaussures
mal adaptées ou non accordées à votre tenue ou à une situation se révéleront
souvent dommageables non seulement pour votre dos ou vos pieds, mais
également pour votre image, silhouette et élégance. Ainsi qu’aiment à le
rappeler les auteurs « Et si les pieds sont faits pour marcher, ce n’est
pas forcément le cas des chaussures. » À bons entendeurs, à vos
chaussures, donc ! A noter que ce tient actuellement jusqu’au 31 janvier
2016 à Londres au Victoria & Albert Museum l’exposition « Shoes, Pleasure
and Pain ».
« Gérard Garouste – En chemin » collectif,
Catalogue exposition Garouste à la Fondation Marguerite et Aimé Maeght, 288
pages, 22 x 30 cm, coédition Flammarion / Fondation Maeght, 2015.
Le lecteur du catalogue de l’exposition
consacrée à Gérard Garouste à la fondation Maeght et intitulée En chemin
approuvera très certainement les propos d’Adrien Maeght qui relève combien
exposer Gérard Garouste est une expérience passionnante. La passion est très
certainement le maître mot de ce travail tant le peintre, mais également le
sculpteur, invite l’héritage de la tradition picturale dans une œuvre
profondément contemporaine. Cette alchimie des temps modernes où mythes,
initiations, histoire et vécu tissent tout un réseau de correspondances,
explicites ou implicites, qui structurent la singularité de cette œuvre. Ce
vécu personnel associé à une paléographie picturale de sources les plus
anciennes compose une complexité déroutante comme en témoignage l’œuvre Jeux
de malin reproduite dans les premières pages.
Prestidigitateur de génie Garouste ? c’est à
n’en pas douter ! Olivier Kaeppelin suit les méandres suggérés par l’œuvre
de ce voyageur symbolique et spirituel arpentant le monde. Le lecteur pourra
découvrir l’intimité du laboratoire de l’artiste avec les carnets jamais
montrés jusqu’alors (plus d’une centaine de pages) et présentés par Hortense
Lyon.
Cette aventure passionnante relève tout
autant de la longue tradition des carnets d’esquisse que du journal intime.
L’artiste et son double, Don Quichotte et Sancho Panza, le Classique et
l’Indien sont autant de dichotomies qui surgissent de la pointe de la mine
en traits spontanés. De multiples références rythment ces esquisses, Dante,
Kafka, Cervantès, en autant de points de convergence ou au contraire de
diffractions. L’ouvrage à la riche iconographie (une soixantaine de
peintures de 1980 à nos jours) réserve également une large place au Talmud
si essentiel pour Gérard Garouste, texte sacré qu’il ne cesse de lire et de
relire en une éternelle exégèse dont les variations nourrissent ses œuvres
les plus inspirées.
Philippe-Emmanuel Krautter
« Thé, café ou chocolat ? Les boissons exotiques à
Paris au XVIIIe ème siècle » de Rose-Marie Mousseaux, Patrick Rambourg et
Guillaume Séret. 176 pages - Illustrations couleurs et noir et blanc, Paris
Musées, 2015.
C'est sous la direction de Rose-Marie Mousseaux, directrice du musée
Cognac-Jay, en collaboration avec Patrick Rambourg, historien spécialiste de
gastronomie, et Guillaune Séret, spécialiste de la porcelaine de Sèvres, que
nous est contée l'histoire de ces trois boissons exotiques, thé, café,
chocolat, et arrivées en Europe aux XVIIe et XVIIIe siècles ; Il faut
imaginer les « nouveaux trésors » dans les cales chargées des navires
rentrant après de longs mois passés sur les océans et les mers à la
découverte de nouveaux territoires... et le thé, café ou chocolat ou plutôt
feuilles de thé, cerises ou grains de café et fèves de cacao débarquant
alors sur les tables des cours européennes. Avant de devenir aujourd'hui,
indispensables à notre quotidien, ces nouveaux aliments (ou alicaments) ont
du passer outre de nombreux aprioris médicaux et religieux. C'est cette
épopée, il y a quelques siècles, que nous conte en parallèle de l'exposition
présentée au musée Cognac-Jay, ce beau catalogue, livre d'histoire à part
entière, délicieusement illustré de reproductions de belle facture, de
gravures, toiles, dessins, photographies de bibelots, de porcelaines,
théières, chocolatières, tasses et soucoupes, moulins à café, coffrets
d'ustensiles et autres cahiers de recettes, imprimés sur un papier blanc mat
et vert amande ou thé matcha, doux au toucher lorsque l'on tourne les pages
des différents chapitres agrémentés d'extraits de correspondances comme
celles de Madame de Sévigné, ou de réflexions d'auteurs « Le café est très
en usage à Paris : il y a grand nombre de maisons publiques où on le
distribue. Dans quelques-unes de ces maisons, on dit des nouvelles, dans
d'autres, on joue aux échecs. Il y en a une où l'on apprête le café de telle
manière qu'il donne de l'esprit à ceux qui en prennent... » (Charles-Louis
de Secondat, dit Montesquieu).
C'est avec un plaisir non dissimulé, tasse d'un de ces élixirs à portée de
main, on feuillette les cahiers de recettes du XVIIIe siècle, s'imaginant
alors invité privilégié de la Reine de France, dans un salon intime, pour
une dégustation d'un cacao savamment râpé et parfumé de cannelle, vanille et
autres épices ou bien encore au Procope, conversant avec les écrivains,
philosophes et intellectuels des Lumières, tous consommateurs de café. C'est
là le bon côté des choses qui pourrait faire oublier les conditions de
cultures liées à l'esclavagisme entre les Antilles françaises et l'île de
Bourbon (actuelle île de la Réunion) où pour le bon plaisir des grands de ce
monde, la moyenne d'âge des esclaves ne dépassait pas seize ans... Pour
servir et déguster ces boissons luxueuses, les plus grands artisans d'art se
mirent à chercher les volumes les mieux adaptés, à revisiter les objets
adaptés à chacune d'elle dans les plus belles matières, parfois précieuses,
et ainsi sublimer ce nouvel art de la table. Les très belles reproductions
des manufactures royales aux décors étonnants sont cataloguées et commentées
comme une nouvelle visite dans les salles du musée Cognac-Jay.
Acquérir ce catalogue donne envie de prendre le temps de redécouvrir ces
trois boissons exotiques et d'approfondir leur connaissance tant historique
que gustative.
Sylvie Génot
« Peinture de Sienne, ars narrandi dans
l’Europe gothique » commissariat général et direction scientifique Mario
Scalini, Anna Maria Guiducci, Bozar Books, Silvana Editoriale, 2014.
Cela faisait plus
de trente ans qu’une exposition n’avait évoqué l’importance et le
rayonnement de Sienne dans l’histoire de l’art et la Renaissance italienne.
Accompagnant les expositions de Bruxelles et de Rouen sur ce thème porteur,
le présent ouvrage nous mène dans cette région de Toscane, à la croisée des
routes historiques qui ont vu naître les plus belles œuvres d’art de leur
temps. Mario Scalini insiste sur cette dimension historique dans sa
contribution Sur les routes de l’archange Michel. La fécondité de l’art
siennois à partir du milieu du XIII° siècle jusqu’au début du XVI° siècle
doit, en effet, beaucoup à cette croisée des chemins de commerce et de foi
si empruntés en cette fin du Moyen-âge. L’ange protecteur de tous ces
échanges s’avérait être l’archange Michel. L’époque moderne apprend ainsi à
reconsidérer ces espaces et ces frontières que l’on pensait jusqu’alors plus
étroites et qui s’avèrent au contraire dépasser largement les positions
établies jusqu’à maintenant. Sienne est un lieu idéal pour cette étude dans
la mesure où la ville a su conserver jusqu’à nous ce beau et émouvant
témoignage qui peut ainsi faire l’objet de récentes recherches ainsi que le
prouve les parutions, colloques et expositions qui lui sont aujourd’hui
consacrés. Anna Maria Guiducci s’attache quant à elle dans cet ouvrage à
caractériser l’ars narrandi des peintres siennois des XIVe et XVe siècles.
Cet art manifeste en effet à la fois une virtuosité technique qui ne cesse
de rivaliser en chefs-d’œuvre sans pour autant occulter la poésie du récit,
cette narration picturale qui deviendra une constante de cette peinture
ainsi que le souligne l’auteur. Les frontières s’élargissent aussi avec les
échanges et Dominique Vingtain rappelle combien les peintres de Sienne de
cette époque eurent à élargir leur champ d’intervention en suivant la
papauté à Avignon pour y appuyer par leur art un pouvoir spirituel mis à mal
par le pouvoir temporel du roi de France. Ainsi, Duccio, Filippo, Pietro di
Lippo, Simone Martini œuvrèrent-ils à Avignon. Le questionnement sur ces
transferts artistiques, de part et d’autre des Alpes, est ainsi l’objet de
recherches depuis de nombreuses années, mais Dominique Vingtain insiste sur
le fait que peu d’indices nous permettent de connaître la perception
qu’eurent ces artistes siennois de cet atelier avignonnais. La deuxième
partie de l’ouvrage permettra de redécouvrir toutes les œuvres présentées
avec des notices particulièrement détaillées exposant contexte et analyse
afin de mieux apprécier quelle fut la portée de cet ars narrandi dans
l’Europe gothique.
« La fabrique des saintes images Rome-Paris 580-1660 » sous la direction
de Louis Frank et Philippe Malgouyres, Somogy, 2015.
Le catalogue, écho de l’exposition du musée du Louvre, ouvre les portes de
la représentation du sacré de la Rome des lendemains du Concile de Trente et
de ses influences sur l’Ecole française au XVIIe siècle. Quoi de plus
opposés que les murs silencieux des temples protestants face à la fameuse
Transverbération de sainte Thérèse d’Avila réalisée par Le Bernin à
Santa Maria della Vittoria et qui fit couler l’encre de plus d’un
psychanalyste… Louis Frank introduit sa réflexion sur l’image à partir de la
vie de la sainte, des textes bibliques et d’autres mystiques tel Jean-Joseph
Surin, et ce, afin d’inviter le lecteur à une longue réflexion sur l’image
et l’imitation qui donnera lieu à une (re)naissance incomparable à Rome et
en France. Philippe Malgouyres poursuit, quant à lui, la réflexion sur
l’image non fabriquée aux antipodes de l’idole autoréférentielle. L’image
renvoie paradoxalement à l’absence, elle figure ce qui n’est pas - ou plus-
visible pour inviter le croyant à le retrouver dans sa foi. À partir de
cette quête, la Contre-Réforme encouragera la diffusion des images en une
profusion qui ne cesse d’étonner le lecteur avec cette première section
consacrée à Rome. Images et icônes font l’objet d’une ardente défense et
ornent à l'envi les églises de la ville éternelle. Des jubilés sollicitent
cette création alors que fontaines et obélisques éclosent du sol romain à
l’étonnement même de ses habitants. Des artistes isolés pointent parfois et
bouleversent les conventions de manière irréversible tel le fougueux
Michelangelo Merisi dont le génie ne sera reconnu que plus tard. Nous
entrons au cœur de cette fabrique qui produisit tant d’œuvres restées
gravées à jamais dans le livre de l’art sacré du XVIIe siècle. En découvrant
l’exposition en plein cœur du saint des saints en matière d’art, le visiteur
s’interrogera sur la manière dont cet élan fut perçu par l’âme française et
quel fut son introduction dans les plus grands ateliers du Royaume. Louis
Frank convoque de nouveau les sources les plus inspirantes pour mieux nous
faire comprendre ce sentiment religieux initié à Rome, mais réinterprété
avec la sensibilité française grâce à saint François de Sale, les Jésuites,
Pierre de Bérulle ou encore Jean-Jacques Olier.
Catalogue officiel
de l'exposition Velázquez - Grand Palais, sous la direction de Guillaume
Kientz, Galeries nationales coédition avec le Musée du Louvre, Louvre
Éditions, Nombre de pages 408, Nombre d'illustrations 290, 2015.
C’est un détail du célèbre portrait de l’infante Marguerite réalisé vers
1659 par Velasquez et dont l’intensité des bleus du regard et des soieries
ne laisse d’émerveiller notre propre regard qui introduit le catalogue de
l’exposition consacrée au peintre espagnol au Grand Palais jusqu’au 13
juillet 2015. Les Français sont curieusement coupables d’avoir méconnu
jusqu’à il y a peu l’importance de cet artiste qui compte pourtant parmi les
plus grands ayant marqués l’histoire de l’art occidental depuis des siècles.
Comment comprendre un tel désintérêt ? C’est, sous la direction scientifique
de Guillaume Kientz que cet épais catalogue se charge d’apporter des
réponses ; Guillaume Kientz, commissaire de l’exposition, débute son propos
sur la réception de Velasquez en France - et plus précisément à Paris – avec
une anecdote proustienne tirée de la Recherche révélatrice de la
méconnaissance ou mésestime du peintre à la fin du XIXe siècle. L’influence
de l’Italie depuis des siècles dans l’art français n’est certainement pas
étrangère à cela et il a fallu la sagacité d’Édouard Manet écrivant à
Baudelaire pour reconnaître en lui « le plus grand peintre qu’il y ait
jamais eu ». Il faudra encore l’inoubliable texte d’Elie Faure – lu par
Jean-Paul Belmondo dans une baignoire dans le film Pierrot le fou de
Jean-Luc Godard – pour que le peintre espagnol sorte enfin de l’oubli et que
de nombreuses réattributions de toiles soient réalisées et conduisent à une
réévaluation de son art. Il est pourtant curieux de noter que Velasquez
vivra entre deux accords de paix entre la France et l’Espagne, le 2 mai 1598
et le 6 juin 1660, un signe ?
Le catalogue offre de nombreuses études permettant de mieux comprendre le
contexte du peintre telle la contribution de Vicente Lleo Canal qui
interroge le siècle de Séville en 1600 afin de montrer combien, à la mort du
roi Philippe II, une tout autre époque lui succédera. La ville bénéficiera
en effet dès le début de ce XVIIe siècle d’un essor économique et
démographique incroyable faisant d’elle la capitale de l’Empire. Cette ville
de contraste avec sa richesse opulente et ses misères aussi grandes
connaîtra une renaissance de l’humanisme manifeste dans les lettres et les
arts et dans laquelle s’inscrira le génie du grand peintre. Ce sera aussi
l’époque du naturalisme espagnol, si essentiel dans la formation du jeune
peintre.
Il faut également lire la contribution de William B. Jordan sur la peinture
à la Cour du roi d’Espagne pour mieux apprécier le génie de Velasquez dans
cet art aux règles pourtant si formelles. La deuxième partie du livre
permettra au lecteur de se familiariser et de (re)découvrir les œuvres de
Velasquez présentées dans l’exposition avec leurs notices complètes,
accompagnées d’un index et d’une bibliographie qui font de cet ouvrage le
guide incontournable pour ce grand évènement du printemps 2015 !
Yves Bottineau, grand spécialiste de l’histoire de l’art espagnol, livre
avec cette monographie mise à jour par Odile Delenda depuis la disparition
de l’auteur en 2008, un portrait exhaustif du grand peintre espagnol. Les
premières pages de ce livre d’art admirablement édité par Citadelles &
Mazenod font défiler sous nos yeux des détails de grandes toiles du maître
espagnol donnant ainsi une idée à la fois de la diversité de son
inspiration, et en même temps de la « couleur » et de la lumière qui
l’animent. Velasquez excellera toute sa vie aussi bien dans la
représentation des plus grands de son temps, monarque et sa famille,
princes, mais également dans les scènes plus intimistes des tavernes et du
peuple, sans oublier l’évocation omniprésente du sacré et de la nature.
L’homme est curieux de tout et son regard sera vite baigné par cette lumière
venant de l’Italie où il se rendra à deux reprises ramenant avec lui non
seulement des œuvres d’art pour son monarque, mais surtout l’essence de ce
que les grands maîtres de ce pays avaient offert à ses yeux. Odile Delenda,
elle-même spécialiste de la peinture espagnole, souligne dans l’avant-propos
du livre combien Yves Bottineau - grand et discret savant – sut entrer dans
l’intimité du peintre. Pour Bottineau, le seul nom de Velasquez « éclipse
tous les autres !», c’est dire l’affection du chercheur pour l’artiste. Cet
ouvrage est ainsi l’aboutissement d’une vie consacrée à l’étude et à la
passion de l’art espagnol et plus particulièrement à celui de Velasquez. Le
livre offre ainsi plus qu’une synthèse exhaustive sur la vie et le parcours
du peintre, il permet surtout au lecteur d’entrer dans cette intimité du
peintre, l’intimité de sa création grâce à aux nombreuses analyses
détaillées des œuvres qui ont retenu son attention. L’un des grands intérêts
de cet ouvrage à l’iconographie admirablement présentée est de replacer les
œuvres présentées dans le contexte des lieux et des époques qui les ont vues
naître, l’expérience de l’auteur en la matière étant incontestable, et ses
nombreux titres dans les plus grandes institutions espagnoles en rendent
hommage. Yves Bottineau offre non seulement une lecture habile et éclairée
de ces œuvres, mais il parvient également à les faire revivre dans ces
maisons royales. Grâce à cette somme incomparable et indispensable à tout
amateur et professionnel de l’art, c’est une connaissance plus intime de
l’originalité de Diego Velasquez, non seulement dans le contexte de son
temps, mais également à l’échelle immémoriale de l’histoire de l’art qui est
offerte au lecteur.
« Hauteville House - Victor Hugo décorateur
» Photographies : Jean-Baptiste Hugo, Dessins : Marie Hugo, Textes choisis
par Laura Hugo, Paris Musées, 2016.
Hauteville House est plus qu’une maison de l’exil,
mais aussi le symbole de toutes les valeurs qui animait le grand écrivain
: la liberté, l’amour, la famille, la poésie. Il est coutume de dire que
nous ne possédons jamais une maison, mais que nous n’y sommes que de
passage, avec Victor Hugo il est permis d’en douter tant son empreinte a
marqué pour jamais ce lieu puissant qu’ont décidé d’honorer par cette
belle publication ses descendants Jean-Baptiste, Marie, et Laura Hugo. Car
il semble évident en découvrant ces pages, que Hauteville House est plus
qu’une maison d’exil, mais bien un univers recomposé en une œuvre d’art de
tout ce qui importait à l’écrivain. Il ne s’agissait pas d’un mausolée,
encore moins d’un musée mais de la hiérophanie de la vie dans ce qu’elle a
de plus sacré. La mémoire et la vie y sont indissociables et donnent
naissance aux plus grandes œuvres, littéraires, poétiques ou artistiques
chez Victor Hugo. Cette créativité est nourrie à la sève des temps ainsi
que le souligne Mme Victor Hugo à sa sœur Julie le 3 décembre 1856 : «
Mon mari est très content et complètement plongé dans sa maison. Ce sera
un poème que ce logis. Mon mari grave des inscriptions, met son âme sur
les murs de sa maison, il prend le rabot lui-même et lui donne sa sueur.
Enfin ce sera un monument élevé par le grand exilé ». C’est ce legs
d’une passion sans bornes que nous offrent deux de ses arrières petits
enfants, Jean-Baptiste, photographe, et sa sœur Marie, peintre. Leur
regard d’artiste converge avec celui de leur aïeul, l’image, la lumière
mais aussi les sons composent une poésie manifeste qui défile à chaque
page de ce livre et qui invite à découvrir ou revoir à Guernesey ces lieux
chargés de mémoire.
« Le Musée de la mode », édition augmentée et mise à
jour, Editions Phaidon, 2016.
Les passionnés de la mode se réjouiront de la toute nouvelle
publication augmentée et remise à jour de l’ouvrage « Le Musée de la
mode » aux éditions Phaidon. Véritable bible, saluée tant par Vogue
que par Elle, c’est toute la mode, son histoire, les styles, ses
icônes et symboles que ce fort ouvrage de plus de 580 pages met à portée
de mains et des yeux ; Le Monde de la mode réuni en un seul ouvrage pour
le plus grand bonheur des fashions passionnés, étudiants en art,
professionnels ou tout simplement curieux. Référence devenue
incontournable, l’ouvrage couvre, à lui seul, plus de 200 ans de mode et
de créations avec rangés par ordre alphabétique quelque 500 noms de
créateurs, stylistes, mannequins, mais aussi chapeliers, joailliers ou
encore grands photographes ou rédacteurs de mode. Cette nouvelle édition
2016 ne compte pas moins de soixante-neuf nouvelles entrées dont Nathalie
Massenet ou encore Scott Schuman, photographe et créateur du fameux blog
The Sartorialiste. Des noms ou entrées marquant le monde de la mode
d’aujourd’hui, celui de 2016, et qui rendent cette nouvelle parution plus
qu’attrayante. De Coco Chanel à Alexander Wang, de Madame Agnès à Koji
Tatsuno ou de plus récentes stars et consécrations, c’est toute l’histoire
et le monde de la mode rangé, cartographié qui se dévoile ainsi page après
page, entrée après entrée offrant, il est vrai, parfois quelques cocasses
et inattendues juxtapositions. Chaque entrée propose, outre un texte clair
et concis, des références croisées, une illustration représentative (plus
de 500 illustrations couleur et n&b) dans une mise en page claire et
sobre.
Picasso. Sculptures, catalogue sous la
direction de Cécile Godefroy et Virginie Perdrisot, format : 21 x 26,5 cm,
352 p. 270 illustr. couleurs, relié, Somogy, 2016.
Le riche
catalogue Picasso. Sculptures s’ouvre sur les propos tenus par
Picasso à Brassaï : « On ne peut vraiment suivre l’acte créateur qu’à
travers la série de toutes les variations », point de départ de la
grande rétrospective consacrée à cet aspect de la création chez Picasso.
L’artiste ne s’était jamais formé à la sculpture auparavant dans ses
jeunes années de formation, aussi c’est avec une liberté certaine qu’il
aborde cet art comme extension de « sa pensée artistique en volume
» comme le rappellent Cécile Godefroy et Virginie Perdrisot. Il ne s’agit
bien évidemment pas d’une expression séparée de sa production picturale,
mais au contraire un incessant dialogue entre elles, même si la création
de sculptures sera plus confidentielle chez Picasso que chez d’autres
artistes. Picasso avait une préférence pour ses plâtres, même si leur
fragilité et l’entrée en guerre de la France pousseront l’artiste à faire
fondre ses œuvres en bronze, ce qui ne l’empêchera pas par la suite de se
passionner tout autant pour des créations à partir de papiers découpés et
déchirés, puis transposés dans la tôle ou le béton. Ce catalogue richement
illustré suit une chronologie rappelant les grandes lignes de la création
générale chez Picasso tout en réservant de pleines pages pour les
sculptures s’intégrant dans cette échelle temporelle avec comme point de
départ Femme assise, première œuvre sculptée connue chez Picasso en
1902 avant le fameux Fou, en 1905, et l’envoûtante Tête de femme
(1906) anticipant les métamorphoses futures. Le travail sans limites
initié par l’artiste touche tous les supports et rapproche madones
médiévales et art totémique sans contrainte chronologique ou géographique.
L’œil reste surpris par cette application du cubisme en trois dimensions
où les lignes préfigurent les œuvres majeures qui feront la notoriété de
l’artiste et dont les chefs-d’œuvre sculptés sont présentés tout au long
du catalogue. Des études ponctuent cette fertile et vertigineuse
progression telles Le Verre et ses buveurs de Laurence Bertrand
Dorléac, Fondre en bronze pendant la guerre de Clare Finn ou encore
Colorier la sculpture de Pepe Karmel permettant de mieux entrer
encore dans cette intimité de la création de l’œuvre sculptée de Picasso.
A noter en annexes, un utile glossaire détaillant les entrées techniques
ou essentielles à la compréhension des sculptures de l’artiste ainsi que
la liste des œuvres exposées.
Georges Dorignac –
Dessins rouges et noirs, Galerie Malaquais, Paris, 2016.
La Galerie Malaquais à Paris consacre une rétrospective, qu’accompagne le
présent catalogue, à un artiste, Georges Dorignac, de nos jours à tort un
peu oublié et dont les dessins rouges et noirs réunis pour
l’occasion témoignent pourtant de la qualité de son art. Dorignac nait en
1879 et bénéficie très jeune (treize ans) d’une formation aux beaux-arts à
Bordeaux avant de s’inscrire à Paris à l’école des Beaux-Arts. Il entrera
pour quelque temps à l’atelier du peintre Léon Bonnat avant de voyager un
an en Espagne. Influencé par l’impressionnisme et le néo-impressionnisme,
il réalisera des paysages en petits formats. C’est à la Ruche où il
s’installe qu’il fera la connaissance de nombreux artistes tels Pinchus
Krémègne, Chaïm Soutine, Marc Chagall, Amadeo Modgliani et bien d’autres
encore dans cette pépinière d’artistes ainsi que le rappelle Danielle
Damboise, petite-fille de l’artiste dans sa contribution au catalogue. La
période qui intéresse l’exposition à la Galerie Malaquais et le présent
catalogue correspond aux années avant-guerre de 1912 à 1914. C’est à cette
époque où Dorignac délaisse la couleur au profit du dessin et de la
sanguine. Apollinaire, André Salmon ou encore Raymond Bouyer seront saisis
par cette écriture à la fois puissante dans ses contrastes et subtile par
les nuances apportées par les gestes et les attitudes des modèles. Cette
Femme assise de profil datée de 1912 dont le repli sur soi est
encore accentué par la main droite ramenée au sommet du front et les draps
remontés à mi-jambe ou cette Paysanne qui essuie ou cache son
visage toujours de sa main droite traduisent également la pudeur de
l’artiste dans le rendu des sentiments et des formes. Préférant les
profils aux visages de face, Dorignac surprend par l’omniprésence de ces
lavis noirs qui obligent l’œil à d’autres regards sur l’œuvre. Des
métamorphoses étonnantes surgissent de ces masses sombres où soudainement
la forme humaine laisse place à d’autres possibles et à d’autres
temporalités tel cet admirable Portrait de femme aux accents
antiques. A faire défiler toutes ces planches des dessins de Dorignac, le
lecteur pourra remarquer que l’artiste aurait pu être un sculpteur de
génie ainsi que le suggèrent de manière très puissante ses créations dans
un format certes plus modeste, du moins autre.
Icone dell’Uomo – Arte e fede a Firenze nel
Rinascimento, sous la direction de Timothy Verdon, Mandragora, 2015.
C’est à la rencontre de l’art et de la foi à Florence à l’époque de la
Renaissance auquel nous invite cet ouvrage réalisé sous la direction de
Timothy Verdon et paru aux éditions Mandragora. Ainsi que le souligne le
cardinal Betori, archevêque métropolitain de Florence, dans son
introduction, il peut sembler ambitieux de concentrer en quelques pages le
message d’une époque aussi essentielle pour l’histoire de l’art mondial.
Et pourtant, celui-ci de poursuivre et de relever combien cette
contribution parvient à ouvrir les portes de cet univers de l’humanisme et
de la Renaissance par le biais de la présentation de quelques une des
œuvres d’art déterminantes réunies dans ces pages. Les auteurs, tous
éminents spécialistes de l’histoire de l’art italien, ont accepté de
relever ce défi et parviennent en effet avec ce choix drastique mais
efficace de quelques chefs d’œuvres les plus connus de Florence et dans le
monde à démontrer comment l’art et la foi se rejoignent en une
manifestation du sacré à partir du geste fondateur de l’artiste. Timothy
Verdon (lire
nos interviews) souligne combien cette synthèse est possible à
partir de la ville de Florence qui rend possible non seulement cette
lecture mais la situe pleinement sur une échelle historique allant de
l’antiquité classique au troisième millénaire. L’héritage classique est
essentiel pour comprendre l’art florentin, un art où le christianisme
inspire et structure depuis longtemps déjà l’artiste avant l’émergence de
l’humanisme florentin. Cet humanisme saisira avec une vitalité à nulle
autre pareille ce qui détermine l’homme dans sa fin ultime, une démarche
que l’on retrouvera avec une saisissante réalité dans la Divine Comédie
de Dante tout autant que dans l’incrédulité de saint Thomas
d’Andrea del Verrochio. Une carte resitue les œuvres commentées dans les
différentes rues de Florence en un périmètre pouvant être idéalement
refait à pied par le lecteur lors de sa prochaine visite. Ces études
commencent sous le regard essentiel de Giotto di Bondone avec son
inoubliable Madonna col Bambino, angeli e santi aux Offices qui
introduit cette mutation qui annonce la fin du hiératisme byzantin pour
une nouvelle expression plastique chargée d’exprimer tout ce que l’homme
sorti du moyen-âge espère en ces temps de transition. Antonio Paolucci,
Cristina Acidini (lire
nos interviews) ou encore Antonio Natali font ainsi défiler
sous nos yeux ces pages où les œuvres les plus significatives gravées dans
le marbre, peintes sur les fresques ou moulées dans le bronze vont
témoigner de cette incroyable concentration d’art et de foi dans la
Renaissance florentine, une rencontre où l’homme, l’art et la spiritualité
vont sceller un pacte dont les siècles suivants sont encore redevables.
« Georges Desvallières ; La peinture corps
et âme » catalogue d’exposition Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la
Ville de Paris, Paris Musées, 2016.
A la lecture du
catalogue qui accompagne l’exposition consacrée au peintre Georges
Desvallières et intitulée « Georges Desvallières ; La peinture corps et
âme » qui se tient actuellement au Petit Palais à Paris, on peut se
demander comment un artiste comme Georges Desvallières a pu rester dans
l’ombre aussi longtemps alors que Georges Rouault et Maurice Denis, au
parcours parallèle, eurent moins à souffrir de ce silence. Les combats
d’un peintre engagé corps et âme dans le premier conflit mondial ont-ils
eu raison de la notoriété d’un artiste qui avait décidé de vouer son art à
Dieu s’il réchappait au champ de bataille ? Peu importe car dès à présent
nul ne pourra ignorer le nom de Georges Desvallières, né en 1851 et
disparu en 1950, peintre indépendant et dont le fil de la créativité est
comme un long fleuve évoquant les joies d’une fin de siècle comme les
peines du plus grand désastre qu’ait connu l’humanité au début du siècle
suivant. Sa passion pour l’art s’est forgée à l’école italienne, ainsi que
le rappelle Catherine Ambroselli de Bayser.
Si son évocation
des Femmes de Londres et du Moulin-Rouge démontre que le peintre
sait regarder la gent féminine et saisir sur la toile le côté vénéneux de
leur beauté à la manière d’un Baudelaire, rapidement une vision
transcendante le poussera vers le mystère divin à partir de femmes proches
de Dieu telles Jeanne d’Arc, Geneviève ou Thérèse. Inspiration et parcourt
que l’on retrouvera également chez Georges Rouault, mais, c’est surtout
dans sa manière de repenser l’art sacré que Desvallières surprend, séduit,
et se distingue. Léon Bloy comme Paul Claudel verront vite en l’artiste
leur alter ego pour dépasser l’art sulpicien qui tardait à mourir. Comment
appréhender ce traumatisme de la guerre autrement que par une explication
transcendante ?
Cette question
nourrira des œuvres fortes et puissantes dans lesquelles l’expérience du
conflit auprès de frères d’armes exalte la puissance du corps humain et de
la fraternité face à l’adversité. Cette communion des corps en un élan
patriotique est comme tendue en un élan mystique qui irradie les toiles de
Desvallières. De manière différente de Georges Rouault ou de Maurice
Denis, Desvallières exalte la passion dans l’humain selon le modèle
christique qu’il sait comme nul autre à cette époque représenter si l’on
pense à cette œuvre puissante qu’est Le Sacré-Cœur pourtant peint en 1906
avant la guerre de 14-18, prescience de ce qu’il allait advenir à
l’humanité. L’artiste soulignait combien « la peinture religieuse ne
peut exister qu’en s’appuyant sur la nature, en creusant la nature, en
arrachant au corps humain, à la figure humaine, sa ressemblance avec Dieu
», ce dont témoigne parfaitement ce catalogue inspiré sous la
direction de Catherine Ambroselli de Bayser avec notamment des
contributions de Jean-Paul Deremble, Claire Maingon, Fabienne Stahl.
« Migrations, Eric Guérin ; Voyages,
émotions, cuisine. », Editions de la Martinière, 2015.
Éric Guérin est un chef créatif et inspiré, et les vingt ans fêtés en 2015
de sa Maison La Mare aux oiseaux au cœur des marais de Brière, une
étoile au Michelin, le confirment, s’il en était encore besoin. Mais,
comment fait-il, vous demandez-vous ? Où puise-t-il cette formidable énergie
créatrice aux saveurs entre terre et mer, et l’ayant conduit à ouvrir une
deuxième Maison Le jardin des plumes avec déjà une étoile à Giverny ?
La réponse ou plutôt les réponses se trouvent à l’évidence dans ce bel
ouvrage « Migrations d’Éric Guérin » paru aux éditions de La
Martinière. D’une sensibilité rare, il nous y confie, comme des secrets, à
la fois ses recettes de chef et ses souvenirs et émotions d’évasion. Car Le
chef Éric Guérin a, à l’évidence, plus d’une corde sensible à son arc ;
Ainsi, dans un agencement réfléchi comprenant 7 chapitres, allant de l’amour
à la volupté, en passant par la joie ou l’enchantement, mais aussi
l’angoisse , il mêle avec un rare bonheur ses recettes préférées avec l’aide
de Sophie Brissaud, ses propres photos – de magnifiques prises et clichés -
auxquelles sont venues s’ajouter les photographies de La Mare aux oiseaux de
Matthieu Cellard, et un texte intime riche d’émotions et de sentiments tirés
de ses « Carnets de route » personnels. Ainsi aux recettes de thon, poulet
ou encore d’oursins ou poulpes se glissent ces visages, paysages et
splendeurs de la nature dans un dialogue et récit intimes. Du Maroc, à
l’Inde en passant par la Birmanie ou encore Miami et New York, ces sont ces
mille et une saveurs venues d’ailleurs, s’associant à celles du sud-est, de
son enfance, de sa mère et grand-mère, qui signent plats et recettes.
Attachant une grande attention à la présentation de ses plats, lui qui les
dessine avant leur réalisation, il nous en offre dans ces pages de
magnifiques photographies comme autant de promesses... Une alchimie réussie
qui allie tous les sens pour une cuisine faite avant tout de joie et de
partage. Allant bien au-delà d’un strict ouvrage de recettes culinaires, «
Migrations d’Éric Guérin » est à l’évidence une très belle invitation
aux douces saveurs de liberté…
« Maisons de haute couture »,
Désirée Sadek et Guillaume de Laubier, Éditions de La Martinière, 2016.
La haute couture, cette haute valeur française, a toujours été un monde de
rêves, et les coulisses de cet univers peut-être plus encore ; qui n’a, en
effet, jamais rêvé de se voir ouvrir les portes des plus grandes et
fabuleuses adresses des maisons de haute couture parisiennes, voire d’être
admis dans ces halls, salons et surtout féeriques coulisses ? Vous voilà
exhaussé avec ce bel ouvrage nommé « Maisons de haute couture » paru
aux éditions de La Martinière. Par une iconographie remarquable, vous
commencez par entrer au 31, rue Cambon dans le 1er arrondissement, cette
façade blanche aux lettres noires, un jour si audacieusement et joliment
entrelacées par Mademoiselle, par Coco Chanel. En ces lieux divins, les bras
du majestueux et mythique escalier aux miroirs vous accueillent pour vous
conduire de la boutique au 1er étage dans les multiples salons prestigieux
réservés à la clientèle haute couture. Puis, tournant les pages, passant les
nombreuses portes et laissant les photos défiler sur les épais tapis clairs,
vous serez peut-être introduit dans l’intimité de Coco Chanel, dans cet
espace privé et si personnel qui réunissait et réunit toujours tout ce qui
lui était cher. Au 30, avenue Montaigne, autre lieu céleste, vous serez
admis chez Dior, dans cet univers tout aussi empreint de merveilleux et de
prestige avec son incontournable escalier et l’intimité des ateliers où
couleurs, fils, tissus et nouveaux textiles tournoient dans une magie
féerique d’orfèvrerie. Au gré d’un texte signé Désirée Sadek et Guillaume de
Laubier, ce sont ainsi les adresses parisiennes des plus prestigieuses «
Maisons de haute couture » qui vous ouvrent leurs portes pour vous
offrir leurs secrets et intimité de création : Jean-Paul Gauthier rue
Saint-Martin ; Alexis Mabille, rue de Grenelle ; La fondation Pierre Bergé –
Yves Saint-Laurent au célèbre 5, avenue Marceau ou encore Elie Saab au 1er
du rond-point des Champs Élysées, etc. Dans ces antres secrets de la mode où
le miroir est roi, les lignes stylisées, broderies précieuses aux motifs
floraux ou géométriques foisonnent et virevoltent pour vous à chaque page.
De l’intimité de ces lieux personnels des grands créateurs et de leurs
ateliers, vous découvrirez les coulisses des grands défilés – dessins,
perles, broderies, plis et derniers essayages - avant de pouvoir les yeux
emplis de mille et une merveilles les admirer passer, photo après photo, de
toute leur beauté devant vous. Un monde à part, de hautes créations et de
précieuses petites mains, souvent inaccessible au public, riche d’un
patrimoine architectural d’exception et de tant d’autres secrets fabuleux de
créateurs.
Clément Chéroux : « Avant l’Avant-garde ; du jeu en
photographie, 1890 -1940 », Editions Textuel, 2015.
Les ouvrages de photographie, de grands photographes contemporains ou ayant
marqué l’histoire de la photographie foisonnent, mais rares sont ceux qui
dévoilent et abordent des angles qui demeurent encore aujourd’hui trop
méconnus du public de l’histoire de cet art. Tel est précisément l’objet de
ce bel ouvrage paru aux éditions Textuel, signé Clément Chéroux et consacré
à la « photographie récréative », celle « Avant l’Avant-garde » ; Qu’est-ce
donc ? Ce sont ces photographies anciennes, de la fin du XIXe et première
moitié du XXe siècle, le plus souvent – du moins à ces débuts - œuvres
d’amateurs ou curieux du procédé et ayant donné lieu par effets souvent du
hasard au tirage de clichés à la fois ludiques et extraordinaires ; vous
avez forcément en tête certains de ces fabuleux clichés aux créatures
étranges… Expérimentales, maladroites parfois, ludiques, ces photographies
font une large place aux jeux et effets des tirages d’où cette appellation
de « photographie récréative » ; juxtaposition, surexposition, effets de
tirage, et apparaissent alors ces incroyables figures ou silhouettes, ces
siamois, femmes à moustaches ou papillon, succubes et incubes de rêves, etc.
Prisé du grand public de la première moitié du XXe siècle, cet aspect
fantastique de la photographie récréative inspirera et investira le
cinématographe ou la presse illustrée ; certains de ces clichés sont
devenus, de par la littérature fantastique de cette fin du XIXe et début XXe
siècle qu’ils ont souvent illustrée, célèbres, et de grands photographes
tels que Man Ray, André Kertész, Bérénice Abbott ou encore Henri
Cartier-Bresson en feront un objet de travail à part entière. Et c’est là
tout l’intérêt de cet ouvrage de permettre aux passionnés ou amateurs de
photographie de découvrir cet aspect si particulier de la photographie ayant
donné lieu à des courants artistiques un peu foutraques, plus farfelus les
uns que les autres, mais écrivant tous à leur manière l’histoire de la
photographie. Cet ouvrage est le fruit de plus de vingt ans de recherches,
accompagné d’un texte informé signé Clément Chéroux et d’une vaste
iconographie de plus de 300 clichés. Ce sont ces courants artistiques et ces
« photographies récréatives - Avant l’Avant-garde », ce « Jeu en
photographie de 1890 à 1940 », à la fois expérimentale et ayant maille à
partir avec le fantastique de cette fin du XIXe siècle, mais entrant de
plain-pied dans l’histoire de la photographie de la première partie du XXe
siècle que nous donne à découvrir avec plaisir cet ouvrage.
« Itô Jakuchû – Les fleurs précieuses du jardin
mystérieux », Editions Philppe Picquier, 2015.
A ne pas manquer ce très bel ouvrage consacré aux peintures d’Itô Jakuchû,
peintre japonais du XVIIIe siècle, trop souvent méconnu, signé Manuelle
Moscatiello et paru aux éditions Philippe Picquier, éditeur spécialisé dans
les livres sur l’Asie. Ce recueil intitulé « Les fleurs précieuses du jardin
mystérieux » rassemble les peintures dénommées Taku Hanga d’Ito Jakuchû, des
peintures étrangement raffinées représentant blanc sur fond noir des fleurs,
plantes, insectes et animaux d’un tracé stylistique d’une rare intensité.
L’artiste, issu d’une famille d’épicier aisée, put se consacrer très tôt à
la peinture et plus particulièrement à la représentation fidèle de la
nature. Plus tard, adulte, renonçant à la tradition familiale, il
s’entourera dans son jardin d’animaux méticuleusement choisis, paon,
perroquet et de fleurs ou espèces rares savamment cultivées. Adepte du
bouddhisme zen, il se retirera plus tard dans un monastère. L’artiste
demeure, certes, plus connu du grand public occidental pour ses grandes
peintures, aujourd’hui chef-œuvres des collections impériales ou du temple
de Saifuku-ji d'Osaka, aux couleurs vives rehaussées d’or représentant
oiseaux, coqs, hortensia ou cactus. Les peintures, ici, présentées dans
l’ouvrage s’inspirent quant à elles de la technique chinoise de l’estampage,
takuhanga, technique chinoise fort ancienne, variante de l’estampage
classique. D’une beauté stylisée, pure et dynamique, elles étaient avant
tout offertes par le peintre à ses amis proches lettrés, et demeurent donc
aujourd’hui rares et précieusement conservées dans des collections privées.
Bien qu’inspirées de cette technique fort ancienne, ces peintures présentent
une modernité et un pouvoir de suggestion aujourd’hui encore inégalés. La
précision des formes blanches se détachant sur les fonds d’un noir profond
donne assurément vie et souffle à ces fleurs, oiseaux, ou autres espèces.
Empreintes d’une grande spiritualité et d’une fine connaissance de la
nature, elles font d’ Itô Jakuchû assurément un grand artiste japonais du
XVIIIe siècle, entre réalisme et naturalisme, trop souvent négligé, et dont
il convient de découvrir toute la beauté et le raffinement.
Michel Orcel "Le Val de Sigale. Pays d'Esteron et de Chanan à travers six
siècles d'histoire" Michel Orcel "Le Val de Sigale. Pays d'Esteron et de
Chanan à travers six siècles d'histoire" Arcades AMBO, 2015.
Marc Tanzi « Pays d'Esteron. Aux confins des terres niçoises » Album photos
Marc Tanzi, Arcades AMBO, 2015.
Est-ce un jardin secret ou bien celui des Hespérides dont nous ouvre les
portes Michel Orcel avec la publication de deux livres consacrés au pays d’Esteron
? Le lecteur aura plaisir à découvrir dans ces pages, "Le Val de Sigale.
Pays d’Esteron et de Chanan » signées Michel Orcel, ces six siècles
d’histoire de cette vallée niçoise aux charmes si peu connus et dont
témoignent les photographies de Marc Tanzi. Ce dernier, répondant à l’appel
de Michel Orcel et émerveillé par cette contrée encore intacte, ne put en
effet résister – et comment ne pas le comprendre ? - à offrir un second
volume, « Pays d’Esteron. Aux confins des terres niçoises »,
réunissant ses plus beaux clichés. Découvrant à la fois ces photographies et
les nombreux documents anciens et inédits de ces ouvrages, le lecteur
réalisera avec bonheur combien il existe encore en France et plus
particulièrement dans cet arrière-pays niçois des terres cachées et dérobées
au tourisme de masse. Nous sommes dans le Comté de Nice, aux limites de la
Provence, dans ces hautes terres sauvages toutes habitées, comme viennent
l’illustrer joliment les photographies de Marc Tanzi, de vieilles pierres et
de cette opposition entre le vert et le bleu si caractéristique de
l’arrière-pays niçois. La cartographie ancienne évoque cette région sous la
dénomination du Val de Sigale, du nom d’un petit village qui naguère fut une
petite place forte en raison de sa position stratégique entre la Provence et
la Savoie. Des éperons rocheux dominés par une Tour de l’horloge, une
paroissiale du XIIIe siècle, une chapelle du XVe siècle ayant conservé ses
fresques et dont les prises de vues de Marc Tanzi révèlent les charmes, une
fontaine érigée un siècle plus tard par un parent de l’auteur Michel Orcel
alors que Nice en était encore dépourvue, composent un paysage enchanteur et
qui garde encore aujourd’hui toute sa beauté et sa mémoire grâce à cette
étude approfondie et somme toute « subjective », ainsi que le souligne
l’auteur. Mais, peut-on vraiment lui en faire grief ? Les archives réunies
par sa persévérance redonnent vie à ces instants du quotidien tel cet acte
certifiant achat d’armes à Nice en 1579 pour la milice de Sigale ou ce
mariage d’un notable avant l’arrivée d’un duc de Savoie… La petite et la
grande histoire cohabitent dans ces pages qui fourmillent de détails qui
n’en sont pas lorsqu’il s’agit d’étudier les sources historiques d’une
région ou d’un lieu. Un acte notarié rédigé en italien révèle bien des
enseignements pour les documents officiels jusqu’alors tenus en latin. La
tempête révolutionnaire ne devait pas épargner ce nid d’aigle préservé et
1792 sera une date sombre pour Sigale mise à sac et devra payer un tribut de
guerre jusqu’en 1920… Une autre épreuve attendait les habitants de la région
avec le tremblement de terre qui toucha gravement l’arrière-pays niçois au
moment même où Nietzsche séjournait à Nice en 1887. Le livre se poursuit
avec une présentation des villages avoisinants tels ces magnifiques villages
d’Ascros, Bonson, Bouyon, Consegudes, Les Ferres et bien d’autres lieux
encore, aussi charmants que rares à notre époque de tourisme destructeur. On
se prend en lisant et parcourant ces clichés à ressentir la douceur, la
chaleur et les senteurs toutes méditerranéennes de ce Val de Sigale, de cet
arrière-pays niçois. Et, on se promet, après lecture et découverte de ces
deux ouvrages se complétant à merveille, de venir parcourir ce si joli Val
Sigale, cette contrée de L’Esteron et de Chanan, lors d’une prochaine visite
en pays niçois, pour leur beauté méconnue, mais aussi grâce à la plume de
Michel Orcel et à l’art de Marc Tanzi pour conter et faire découvrir ces
géographies d’antan et d’aujourd’hui. Deux ouvrages que l’on aimerait à la
fois faire connaître et garder un peu pour soi comme de précieux secrets.
Philippe-Emmanuel Krautter
« 100 tableaux qui racontent Paris au temps des
impressionnistes », Pascal Bonafoux, Éditions Chêne, 2015.
Paris, Ah !, Paris…Oui, Paris a toujours su faire rêver et inspirer les plus
grands artistes, écrivains, poètes, peintres, photographes, etc. Baudelaire
et Meryon, Atget et Abbott, et bien sûr tous les peintres impressionnistes
sans exception de Monnet, Pissarro, à Signac ou Bonnard… C’est vers ces
derniers, ces peintres impressionnistes épris de Paris que le regard de
Pascal Bonafoux s’est tourné pour nous conter l’histoire de ce Paris
naissant, de ce Paris du XIXe siècle, avec ce dernier ouvrage présentant «
100 tableaux qui racontent Paris au temps des impressionnistes » paru aux
éditions Chêne. L’auteur, historien de l’art, professeur, avait déjà
rencontré un vif succès avec « 100 tableaux qui ont fait l’impressionnisme »
; Il récidive pour le plaisir des lecteurs avec cette fois-ci l’histoire de
Paris par le prisme et les pinceaux des plus grands peintres
impressionnistes. C’est donc avant tout le Paris du XIXe siècle qu’il nous
offre de parcourir, un Paris qui se métamorphose, au rythme des immeubles
haussmanniens, des nouveaux grands boulevards, des Expositions Universelles
et de la Tour Eiffel dont celle de Seurat. Cette métamorphose comme une
chrysalide laissant derrière elle son ancienne peau ne pouvait bien sûr ne
pas interpeller les artistes, tour à tour, mélancoliques d’un monde qui
disparaît ou enthousiasmés par ce nouvel univers urbain et naissant plein de
trépidations. Monet, Manet, Renoir, mais aussi Degas, Caillebotte, Sisley ou
encore Vuillard donneront de ce Paris une expression picturale nouvelle
cherchant ce « merveilleux moderne » de Charles Baudelaire. Élan
artistique intournable, inégalé pour certains, qui s’impose au même titre
que cette nouvelle capitale. Paris est évoqué sous toutes ses facettes,
celui du Louvre de Napoléon III représenté par Chavet, la Seine et
Notre-Dame de Paris peintes par Jongkind et par Luce, le Parc Monceau par l'oeil
de Monet, l'animation de l'avenue de Clichy vécue par Anquetin, c’est avec
le regard et les couleurs de ces peintres impressionnistes que s’écrit dans
cet ouvrage signé Pascal Bonafoux l’histoire de ce Paris du XIXe siècle. A
noter que cet ouvrage, par une approche très pédagogique et ludique,
comprend les flashcodes renvoyant aux sites internet des musées où sont
présentées les œuvres référencées par l’ouvrage.
"Blanc & Demilly : le nouveau monde" François
Cheval (Auteur du texte) ; Xavier Fricaudet (Auteur du texte) ; Céline Duval
(Auteur du texte) ; Antoine Demilly (Photographe) ; Théodore Blanc
(Photographe), Éditeur : Lieux Dits, 2015.
Indissociable de l’histoire de Lyon, mais surtout de cette grande épopée des
studios de photographie du milieu du XXe siècle, Blanc & Demilly,
association mythique, a su se faire une place, s’imposer et surtout créer ce
nouveau mode auquel est aujourd’hui consacré cet ouvrage « Blanc & Demilly,
le nouveau mode » paru aux éditions Lieux Dits. C’est en effet, en 1935, que
Théo Blanc & Antoine Demilly ouvrent leur première galerie entièrement
consacrée à la photographie au cœur de Lyon après plus de dix années déjà
d’activité et de création photographique et avoir largement assis leur
notoriété auprès des notables et artistes lyonnais. De là, c’est avec Blanc
et Demilly que l’histoire de la photographie devra s’écrire… Audacieuse,
inventive, cette association féconde n’aura cesse, en effet, de rechercher
dans ses œuvres cette modernité créatrice qui fera de ce duo un nom à part
entière dans le monde de la photographie. Pourtant bien que prolifiques,
au-delà de leur activité commerciale, nombres des clichés de cette aventure
de toute une vie ont été éparpillés, dispersés et demeurent pour certains
difficilement datables, c’est donc une heureuse initiative que d’avoir fait
choix d’une telle édition consacrée exclusivement à Blanc & Demilly.
Portraits, bien sûr, incontournables en ce milieu de XXe siècle, mais aussi
vues de Lyon et de ses alentours, œuvres plus picturales ou plus abstraites
surtout où s’exprimera avec une affirmation toujours recherchée et voulue le
réel, parfois imprévu ou mystérieux, cette réalité expérimentée dans ce
qu’elle offre de plus étrangement sublime et de beauté…. Et c’est cet élan
créateur de plus de quarante ans (1924-1962), ce « nouveau monde »
signé Blanc & Demilly que nous propose de parcourir ce bel ouvrage (bilingue
français-anglais) grâce aux recherches incessantes réalisées par Julie
Picault, fille d’Antoine Demilly et avec des textes signés François Cheval,
Xavier Fricaudet, Céline Duval.
« L’annuel 2016 de l’AFP, Le monde en images
», La Découverte, 2016.
« Le monde en images de l’AFP 2016 », vous attend ! Est-il encore besoin de
présenter cet incontournable dont le succès, comme chaque fin d’année, et ce
depuis 2001, n’est plus à prouver ? Rassemblant les meilleures photos de
grands reporters et photographes de l’AFP ayant mis leur talent et leurs
appareils photographiques au service de l’information et de l’actualité
mondiales, cet « annuel de l’AFP 2016 » vous permettra de retrouver et de
garder traces et mémoire des événements majeurs ayant marqué l’année
écoulée. Rappelons que l’AFP est présente dans 150 pays avec deux cents
bureaux de par le monde. Avec une actualité et information internationales
24h sur 24, ce sont plus de 3 000 photos par jour qui sortent de cette
célèbre agence. Images fortes avec ce souci professionnel et le talent de
plus de 400 journalistes récompensés chaque année par de nombreux prix
internationaux. Attentats de janvier en France conte Charlie Hebdo et
l’Hyper cacher, arrivée massive des migrants, conflits du Proche-Orient et
d’Afrique, ce sont des images toujours saisissantes et poignantes de ces
violents événements ayant secoué la France et le monde entier qui ouvrent ce
livre. Illustré par des clichés pris souvent dans des conditions extrêmes ou
difficiles, parfois au risque de la vie du photographe, chaque chapitre ou
thème est présenté en bilingue (français/ anglais) par un photographe
revenant sur le contexte et les circonstances des images. Mais 2016, ce sont
aussi des photographies de people ou du pape François, des images plus
souriantes, réconfortantes venant en contrepoint d’une actualité lourde et
violente, ou des images de fraternité et de résilience venues du monde du
sport, de la nature ou du sourire d’un enfant.
« Fantastique ! L’estampe visionnaire de Goya à Redon » Catalogue
d’exposition sous la direction de Valérie Sueur-Hermel, ouvrage relié, 192
pages, Editions BNF Paris-Musées, 2015.
Valérie Sueur-Hermel, commissaire de l’exposition
Fantastique ! L’estampe visionnaire de Goya à Redon au Petit Palais à
Paris, souligne dans son avant-propos au catalogue paru aux éditions Paris
Musées combien l’univers fantastique proposé par les estampes du XIXe siècle
a su attirer un public croissant ces dernières années. Air du temps, remède
à la morosité ? Peu importe car toute occasion est bonne pour redécouvrir
cet imaginaire fertile qui, de la morbidité et de l’ombre, n’a retenu que la
lumière de la créativité et le talent artistique. Observons Le sommeil de
la raison engendre des monstres de Goya pour mieux comprendre l’univers
de la Causerie de Baudelaire et réaliser combien les artistes de ce
siècle ont appris à considérer cet espace non plus comme le seul
déséquilibre des humeurs mais bien les lieux où convergent la noirceur de
l’encre et celle de l’âme…
Le terme « fantastique » est ainsi étudié dans ce catalogue inspiré à la
lumière de ces ombres et tréfonds des affres de l’homme du XIXe siècle et de
ses artistes. Valérie Sueur-Hermel cherche à aller au-delà de ce terme
souvent galvaudé et développe la manière dont il faut considérer cette
notion si fertile par le filtre des artistes, de Goethe à Balzac, Gérard de
Nerval ou Théophile Gautier, sans oublier un peu plus tard le fameux Edgard
Poe. Quel meilleur support que l’estampe afin de rendre ces entrelacs de
l’angoisse et ses multiples nuances : effroi-peur-inquiétude-crainte, une
longue liste que les meilleurs artistes conduiront à allonger par leurs
créations les plus sombres, aidés en cela par leurs précurseurs, Jacques
Callot, Rembrandt ou Dürer. Les artistes du XIXe puiseront aux sources
littéraires nourrissant ainsi leur art, les liens unissant Delacroix à
Shakespeare et Goethe étant d’une rare fertilité et « un véritable manifeste
romantique » comme le souligne encore Valérie Sueur-Hermel, un témoignage
pourtant peu partagé l’époque. Les arts populaires sont également une source
d’inspiration féconde pour ces artistes romantiques avec ses diableries.
Le réalisme n’est pas à l’abri des assauts du fantastique, Félix
Bracquemond, génie de l’eau-forte, anticipe ce mouvement avec cette
singulière évocation Le Haut d’un battant de porte gravée à l’âge de
dix-neuf ans. Félicien Rops dans son frontispice des Épaves de
Baudelaire (1866) foisonne de références où l’arbre de la vie se
métamorphose en arbre de mort dont le tronc est un squelette les bras levés
au ciel en autant de branches sans vie. Les peintres-graveurs de cette fin
de siècle étendront ces visions en des « germinations symbolistes » et
autres visions macabres comme le développe cette section où l’art de Redon
ne cesse de surprendre. Nous sommes dans les années 1870 et 1880 et ces yeux
perdus dans l’encre des lithographies observent notre surprise, que de
chemins parcourus avant notre XXIe siècle.
« Kuniyoshi, le démon de l'estampe » de Yuriko Iwakiri, Gaëlle Rio,
Broché: 301 pages, Editeur : Paris Musées, 2015.
Kuniyoshi ou le démon de l’estampe, voici un titre
bien choisi si l’on pense à l’impression générale qui demeure après avoir
visité l’exposition au Petit Palais à Paris et consacrée à cet artiste aussi
génial que tourmenté. Kuniyoshi (1797-1861) va, en effet, par une synthèse
extrêmement puissante, condenser en son art l’héritage de la culture
classique des récits guerriers et de ses mythes tout en anticipant sur le
développement à venir de la culture manga et de la puissance évocatrice de
l’image à partir de la fin du XIXe siècle. Visionnaire Kuniyoshi ?
Assurément. Son inspiration puise en une exubérance sans limites dans ce que
fut et sera le Japon, avec toutes ses conventions (le fameux Bushido),
mais aussi toutes les extravagances peuplées de démons marquant l’imaginaire
collectif nippon et dont l’art du manga a su être le relais avec le succès
que l’on connaît… L’Occidental sait maintenant combien l’art de l’ukiyo-e
a su diffuser tout un art fondé sur les mœurs populaires et qui au XIXe
siècle succède avec une grande diffusion aux œuvres plus raffinées – et donc
recherchées – des Utamaro ou Sharaku, ainsi que le souligne Yuriko Iwakiri,
commissaire scientifique de l’exposition. Gaëlle Rio, également commissaire
de l’exposition, retrace, quant à elle, les rapports de Kuniyoshi avec la
France. Il a été l’un des artistes japonais qui sut peut-être le plus se
situer au carrefour de l’occident et de l’extrême orient en réinterprétant
dans son art les principes de la représentation pratiquée en occident. Le
japonisme du dernier tiers du XIXe siècle en France tardera à reconnaître
cependant son art jugé trop « grossier » ou « dégénéré » jusqu’à ce que
Jules Chéret ne retienne l’une de ses œuvres afin d’illustrer l’affiche de
la fameuse rétrospective de 1890 organisée par Siegfried Bing et consacrée à
l’estampe japonaise à l’École des beaux-arts de Paris. Le beau catalogue
réalisé à l’occasion de cette exposition par les éditions Paris Musées
retrace cette aventure extraordinaire avec un aperçu particulièrement
complet de l’art de Kuniyoshi grâce à une sélection d’estampes remarquables
par leur fraîcheur et leur état de conservation. Des légendes aux guerriers,
en passant par les démons et autres dragons, le lecteur découvre également
les grands acteurs du kabuki, ce théâtre populaire dont les protagonistes
jouissaient d’une grande notoriété, sans oublier les plaisirs d’Edo ou son
art se fait plus raffiné. Le catalogue n’omet pas non plus des instants de
beauté avec ces inoubliables paysages au bord de l’eau évoqués avec
délicatesse par l’estampe de Kuniyoshi, un art qui surprend par sa modernité
par rapport à ses prédécesseurs, signe des temps et de l’ouverture vers
l’Occident qui devait s’accélérer.
Chefs-d’œuvre d'Afrique, dans les collections
du musée Dapper. 319 pages annexes et cartes géographiques comprises -
illustrations couleurs et noir et blanc, Éditions Musée Dapper, 2015.
Lire et se laisser aller au fil des pages du superbe catalogue de
l’exposition « Chefs-d’œuvre d’Afrique dans les collections du musée Dapper
» proposée jusqu’au 17 juillet 2016 au musée du même nom, c’est comme
déambuler au sein des secrets de cette collection unique et avoir le
privilège de partager les recherches des spécialistes passionnés qui ont
participé à son élaboration. S’arrêter médusé devant une figure de
reliquaire du Congo (pages 30,31, et 32) ou kota du Gabon (pages 26 à 43),
être impressionné par un masque kwele du Gabon/Congo (pages 89, ou du
Cameroun page 151), peut-être effrayé par ceux de la Côte d’Ivoire (Wé/kran
masques to von gla pages 231, 233, 235), ou séduit par l’esthétique de ceux
du Mali (pages 191, 193,197), nul besoin d’être anthropologue ou ethnologue
pour s’interroger sur l’histoire d’une statuette nkisi de la RDC (page 109)
ou kuyu du Congo (page 95), de s’étonner des arts ancestraux de la Côte
d’Ivoire, centre de création des plus féconds et prolifique du continent
comme l’explique Alain-Michel Boyer, coauteur de cet ouvrage, autour de
Christiane Falgayrettes-Leveau, Jean-Paul Colleyn, Christiane Owusu-Sarpong,
Anne van Cutsem-Vanderstraete et Jean-Pierre Warnier. Être séduit par la
beauté du travail d’orfèvrerie des akan/asante du Ghana, se sentir apaisé
devant les portraits funéraires en terre cuite akan ou reconnaître les
chefs-d’œuvre le plus souvent présentés au public et découvrir avec
curiosité et émotion ceux qui nous étaient encore inconnus, voilà ce que
propose ce catalogue aux photos parfaitement réalisées qui donnent à voir
tous les détails des objets sélectionnés. On y rappelle également, en
référence, les noms des grands découvreurs et collectionneurs qui ont été
propriétaires de certaines pièces (Charles Ratton, Lester Wunderman, Jacob
Epstein ou encore Joseph Herman). C’est aussi l’occasion de voir et revoir à
loisir toutes ces œuvres collectées à différentes époques, une partie de
leur histoire, et qui constituent aujourd’hui le fonds du musée Dapper.
Divisé en deux grands chapitres, l’Afrique Centrale et l’Afrique de l’Ouest,
neuf articles illustrés, traitant de la découverte des figures de reliquaire
dites kota (Michel Leveau), des arts du Gabon au Congo (Christiane
Falgayrettes-Levaeu), de ceux du bassin du Congo (Anne Van Cutsem-Vanderstraete),
du Cameroun et Nigéria (Jean-Pierre Warnier), des Dogons du Mali (Christiane
Falgayrettes-Leveau), de l’art Bamana du Mali (jean-aul Colleyn), des arts
ancestraux de Côte d’Ivoire (Alain-Michel Boyer), des arts de l’Asante -
Ghana et de ceux du Danhomè - république du Benin (Christiane Owusu-Sarpong).
Observer, comparer, comprendre et apprendre des autres cultures, voilà un
exercice sur l’histoire de l’humanité et sur l’art qui s’illustre ici à
chaque page et se plonger dans ce livre unique par son contenu, nous donne
le sentiment de partager l’intimité de ces hommes ouverts aux autres
cultures qui, comme Michel Leveau, ont porté haut celles de l’Afrique
subsaharienne et ont ainsi pu modifier de manière certaine le regard parfois
méprisant que les Occidentaux leur portaient, du 19e siècle jusqu’à il y a
une trentaine d’années.
Cet ouvrage, plus qu’un catalogue d’exposition, est le livre hommage à un
homme d’exception, Michel Leveau, créateur du musée Dapper, à travers une
collection d’exception acquise sur des décennies de recherches, de mise en
valeur des arts et des différentes cultures africaines, et comme bien des
nombreuses publications du musée, est à conserver précieusement dans sa
bibliothèque afin de voyager à chaque fois aussi loin que possible dans les
arts d’Afrique.
Sylvie Génot
Louise Elisabeth Vigée Le Brun « Souvenirs »
Citadelles & Mazenod, 2015.
Patrick Wald Lasowski, un des plus éminents spécialistes du XVIIIe siècle,
vient de publier chez Citadelles & Mazenod une magnifique édition des
Souvenirs signés de la main de l’artiste Louise Élisabeth Vigée Le Brun.
C’est au retour d’une longue période d’exil qui la tiendra éloignée douze
années de France qu’elle rédigera cette somme en trois tomes réunis pour la
première fois en un seul volume richement illustré par ses plus beaux
chefs-d’œuvre. Si la peinture de Vigée Le Brun évoque d’elle-même l’esprit
d’une époque et ses évolutions, la narration à la première personne pour
l’exercice de ces mémoires témoigne d’un regard aussi lucide sur son temps
que dans son art. Patrick Wald Lasowski souligne combien jusqu’alors la
plupart des peintres se contentaient de rechercher la ressemblance du visage
alors, qu’ainsi que le soulignait Diderot, il fallait que l’artiste «
attrape » la vérité du vrai visage ce que parviendra à faire Vigée Le Brun
tout au long de sa vie. Qui sut, en effet, mieux qu’elle représenter le
regard de la reine Marie-Antoinette ? L’artiste évoque dans ses Souvenirs
justement les grands de son époque, lisse parfois aussi les caractères comme
elle le fit pour ses portraits et tait la plupart du temps les écarts de
leurs mœurs, restant également discrète sur sa propre vie sentimentale. Une
présence cependant se fait sentir dans ses écrits, présence pourtant absente
de ses toiles, la mort qui éteint ces visages qu’elle avait su jusqu’alors
préserver de toute altération. Le regard est d’une saisissante acuité, Vigée
Le Brun n’avait-elle pas remarqué un changement dans l’œil du roi de Pologne
la veille de sa mort par une attaque ? De même, elle saura par ce sens de
l’observation exceptionnel noter les signes inquiétants chez la duchesse de
Mazarin qui mourra dans le mois… Il n’est pas étonnant alors que Louise
Élisabeth Vigée Le Brun fuit la mort révolutionnaire avec effroi pour lui
préférer les incertitudes de l’exil. Il ne reste alors à l’artiste, destin
incontournable, que d’être le témoin de son temps, témoignage lucide sur un
Siècle des lumières qu’elle contribua à faire rayonner, évocations sensibles
et toujours informées sur ces cours européennes qu’elle côtoya. A son retour
d’exil, le peintre découvrira dans un coin du château de Versailles le
portrait qu’elle fit de la reine avec ses enfants, il est tourné face contre
mur sur ordre de Bonaparte, Élisabeth obtiendra du gardien qu’il le retourne
quelques instants, le temps d’un dernier regard, comble de l’ironie pour
celle qui toute sa vie durant aura fait rayonner dans le monde entier ces
instantanés d’éternité.
Bénédicte Garnier « Rodin intime ; la Villa des
Brillants à Meudon », Editions Chêne – Musée Rodin, 2015.
Il y a des lieux devenus indissociables d’un artiste, indissociablement liés
parce qu’il les a choisis, comme il aurait choisi un marbre, qu’il les a
aimés, façonnés, sculptés au même titre que son œuvre, telle la Villa des
Brillants à Meudon liée à jamais à Auguste Rodin et abritant encore
aujourd’hui une grande partie de ses œuvres. Cette belle et grande villa
devenue partie inhérente de l’œuvre et de l’artiste, imprégnée par cette
présence presque magique telle que seul Auguste Rodin par sa grandeur et son
génie pouvait l’imposer, lui demeure encore aujourd’hui intimement liée par
ce lien secret, cette intimité créatrice, que nous reconstitue Bénédicte
Garnier dans ce bel ouvrage « Rodin intime » paru aux éditions Chêne
en collaboration avec le musée Rodin.
Rodin s’installa dès 1893 à Meudon avec Rose, il ne devait acquérir aux
enchères la Villa des Brillants qu’en 1895, il y demeura jusqu’à sa mort en
1917. Lorsqu’il en prend possession, il a 55 ans et est au sommet de sa
gloire. Il veut se rapprocher de la nature, décide de s’y établir et surtout
d’y transporter son atelier et sa collection d’antiques. Fort d’une riche
documentation en grande partie inédite, l’ouvrage nous invite dans le
quotidien et l’intimité d’Auguste dans cette vaste demeure d’artiste
restaurée à partir de photographies d’époque en 1997. Agrémenté d’anecdotes,
on y croise son entourage et ses amis, et y dîne en bonne compagnie dans sa
salle à manger. Surtout, servi par une belle iconographie, l’auteur nous
ouvre les portes de ce grand et magnifique atelier à la vue imprenable. «
Cette vaste halle claire où toutes ces sculptures blanches, éblouissantes
semblent vous regarder derrière les hautes portes », écrira le poète
Rainer Maria Rilke, alors secrétaire de Rodin, avant d’ajouter : « une
grande, une immense impression… ». Et, c’est bien cette impression que
nous livrent les pages de ce bel ouvrage. A cette époque, ce ne sont pas
moins de cinquante personnes qui travaillent ici pour ou avec Rodin. Certes,
il a gardé ses ateliers parisiens, mais Meudon, la Villa des Brillants, est
déjà un lieu incontournable, modèles, amis, célébrités parisiennes ou
étrangères s’y croisent. C’est ici, dans ces lieux grandioses, à son image,
que sa force créatrice va pleinement s’exprimer. Séries de plâtres, statues,
sculptures témoignent de cette effervescence. C’est en ces lieux magiques
que s’effectueront les choix ultimes des marbres les plus délicats, de ses
modèles, et que l’œuvre de Rodin puisera toute sa puissance créatrice,
permettant ainsi à ce génie de s’imposer au titre de l’un des plus grands
sculpteurs, et bien sûr d’y laisser plus vivant que jamais intacte le mythe
du grand maître qu’il fut et que cet ouvrage nous donne à lire et à voir
dans une belle intimité.
Picasso.mania, catalogue de l'exposition, 340
pages, 370 illustrations, dimensions : 25,3 × 29,8 × 2,8 cm, Commissaire
général : Didier Ottinger, directeur adjoint du Musée national d'Art moderne
- Centre Pompidou; commissaire de l'exposition Hopper au Grand Palais en
2012. Commissaires : Diana Widmaier-Picasso, historienne de l'art; Émilie
Bouvard, conservatrice au Musée national Picasso-Paris. Contributions
exceptionnelles de Philippe Sollers et Catherine Millet, Format relié,
Éditions Rmn-Grand Palais, 2015.
Picasso a connu de son vivant gloire et reconnaissance pour l’art qu’il sut
si brillamment proposer à son siècle. Mais notre époque a tendance à oublier
que le consensus ne fut pas toujours absolu, et si le génie de l’artiste fut
manifeste, la portée de son œuvre fit l’objet de débats, controverses et
remises en cause à partir des années 1960 jusqu’aux années suivant la
disparition du peintre. Avec les années 1980, en revanche, c’est un peu à
une « Picasso mania » à laquelle on assiste et le catalogue publié à la Rmn-Grand
Palais, parallèlement à l’exposition consacrée à ce même thème au
Grand-Palais à Paris, cherche à prendre du recul et à offrir une réflexion
sur la portée de l’œuvre du génie du XXe siècle. La question est complexe
malgré son apparente simplicité : qu’a eu – et a encore- à dire Picasso pour
les artistes des XXe et XXIe siècles ? Y a-t-il un avant et un
après Picasso ? C’est ainsi toute l’histoire de l’art moderne qui est
interrogée à partir d’un artiste dont le génie protéiforme ne cesse de
surprendre. La réflexion laisse bien entendu la priorité aux artistes pour
répondre à ces interrogations à partir de plus de trois cents œuvres aux
supports variés (peintures, sculptures, vidéos, photos…).
En ouverture, Stéphane Guégan et Didier Ottinger ont recueilli le témoignage
de l’écrivain Philippe Sollers, l’un des premiers en France à avoir invité à
réévaluer positivement le dernier Picasso dans la revue Tel Quel
qu’il dirigeait alors. L’écrivain, prolongeant ce qu’avait déjà anticipé
Malraux avec La Tête d’obsidienne, voit dans l’œuvre de Picasso «
une dimension physique, et donc métaphysique […]. On y voit s’y
développer le réel de tous les côtés à la fois, c’est du cubisme à puissance
mille, une sorte de transposition picturale ou sculpturale des cinq sens
dans un esprit que je ne peux comparer qu’à l’expérience élargie du «
surhomme » de Nietzsche ». Nietzschéen Picasso ? Voilà une piste de
départ audacieuse et qui peut assurément aider à mieux comprendre cette
fascination, cette attraction presque gravitationnelle qu’il provoqua chez
les artistes qui lui succéderont, une attirance non seulement dans la
peinture et la sculpture mais aussi dans le cinéma, la danse et la vidéo
ainsi qu’en témoignent les créations de Jean-Luc Godard, d’Orson Welles ou
encore d’Agnès Varda. Le cubisme avait initié cet espace « polyfocal »
auquel faisait référence Philippe Sollers, Picasso s’exprime dans toutes les
faces de son art, une vision qui a manifestement eu une grande influence sur
l’art de David Hockney avec sa diffraction de l’image. A l’image des maîtres
de la Renaissance dont les œuvres étaient reprises explicitement par leurs
successeurs, des créations appartenant aux classiques de l’art du XXe siècle
telles que Les demoiselles d’Avignon ou Guernica se
métamorphosent en véritables phrases musicales qui scandent les créations
contemporaines d’artistes aussi différents que Wangechi Mutu ou Faith
Ringgold. L’ouvrage invite ainsi à réévaluer cet extraordinaire atelier de
création ouvert par le génie d’un homme dont le nom n’a pas fini de rayonner
sur l’art ainsi qu’en témoigne la vitalité d’une telle réflexion.
« Artisans de luxe français », Caroline
Clavier, Jean-Marc Palisse, Pascale Richard, Editions de La Martinière,
2014.
La France est, incontestablement, le pays du faste et du luxe, et on peut
supposer qu’il le demeurera ou espérer qu’il le demeure encore longtemps.
Cette image du luxe français a toujours réjoui autant les touristes
étrangers qu’il n’éblouit encore aujourd’hui les Français eux-mêmes, curieux
et fiers de ce savoir- faire qui caractérise le luxe français. Qui ne s’est,
en effet, jamais exclamer devant la beauté de créations de joailliers aux
mille reflets, devant des marqueteries inouïes ou encore devant une robe
d’une Maison de haute couture faisant du modèle une véritable œuvre d’art ?
Mais, sait-on vraiment ce qui se cache, comme de véritables trésors,
derrière ces objets d’art et de luxe ? Quels sont ces petites mains,
artisans et ateliers du luxe français ? Et, c’est justement une agréable
invitation à découvrir et à entrer dans ces fabuleux antres secrets de
l’artisanat français du luxe auquel nous convie cet ouvrage, beau et
passionnant, paru aux Éditions de La Martinière. Mené sous la direction de
Caroline Clavier avec des photos signées Jean-Marc Palisse, continuant ainsi
leur heureuse collaboration, et un texte sous la plume de Pascale Richard,
l’ouvrage nous ouvre les portes cachées de douze ateliers du luxe, ateliers
d’exception pour la plupart inaccessibles au public. S’ouvrent ainsi
discrètement pour nous les portes de célèbres Maisons telles que Baccara,
Hermès, John Lobb ou encore la célèbre Maison Charvet, fleuron de l’élégance
depuis plus de deux siècles. Fort d’une jolie iconographie et une mise en
page soignée, on y découvre toutes ces mains de fées aux doigts si fins et
ces gestes quasi ancestraux initiés aux rituels de la perfection. Cristal,
cuir, porcelaine, souliers, cravates ou encore lingerie d’exception nous
révèlent leurs secrets de fabrication et leurs mystères de création. Ainsi,
ce savoir-faire de tradition et de perfection - tannage, teinture, lissage,
peaufinage, etc. - de la maroquinerie d’exception de la célèbre Maison
Hermès n’aura plus de secret pour vous. Page après page, s’appuyant sur un
texte informé agrémenté d’interviews, se dévoile à nous ce monde de la
beauté fait de matières précieuses, tissus, pierres, cuir, etc. comme des
confidences et des secrets précieusement gardés. Une très jolie invitation
au voyage dans ce mode le plus souvent inconnu, confidentiel et presque
impénétrable qu’est le monde des « Artisans du luxe français ».
Marie-Laure Bernadac, Denis Hollier, Agnès de La Beaumelle Leiris & Co
Coédition Gallimard/Centre Pompidou-Metz Livres d'Art, Gallimard, 2015.
L’exposition au
Centre Pompidou-Metz célèbre avec Michel Leiris (1901-1990) la mémoire d’une
figure intellectuelle majeure du XXe siècle, plus connue des cercles
universitaires pendant longtemps, mais dont la modernité de la pensée peut
être appréciée par un plus large public grâce à une telle initiative. Près
de 350 œuvres d’artistes ont été réunies afin de suggérer un parcours dans
la pensée de celui qui fut l’ami de Picasso, de Miro, Giacometti, Bacon et
bien d’autres encore… Objets, œuvres d’art africains et antillais sont
également invités à ce travail de mémoire alors que de nombreux manuscrits,
livres, films et musique tentent de cerner cette pensée en avance sur son
temps et qui œuvra tant afin d’élargir le cercle des sciences
anthropologiques au grand public. Ce beau catalogue à l’iconographie soignée
débute par un clin d’œil qui aurait très certainement plu au poète, écrivain
et ethnographe : un rabat présente un portrait de Leiris pris par Man Ray
vers 1930, alors qu’une fois déplié, la couverture laisse apparaître un
autre portrait réalisé par Francis Bacon en 1976 et pour finir l’envers du
rabat affiche celui réalisé par Picasso en 1963, habiles jeux de miroir…
Car c’est en effet une pensée plurielle que consacre le catalogue de cette
exposition, une pensée aux frontières de la poésie, de la littérature, de
l’ethnographie et des arts. Le titre complet de l’exposition est d’ailleurs
Leiris & Co afin de ne pas omettre les artistes de son temps aux
côtés desquels Leiris élaborera la plupart de ses réflexions. Leiris
déchiffre la modernité qui s’écrit alors que le jeune homme s’éloigne du
surréalisme, embrasse des horizons exotiques tout en conversant avec les
plus grands artistes de son temps. La tauromachie, l’opéra ou le jazz sont
autant de thématiques qui pourraient chez d’autres apparaître comme
éclectiques mais, qui, chez Leiris, prennent sens en tissant un maillage
d’analyses et d’idées associées à de nombreux témoignages autobiographiques
; témoignages que l’on retrouvera dans ses écrits L’Afrique noire,
L’Âge d’homme ou encore La Règle du jeu (lire
notre chronique Pléiade). Les pages de ce riche catalogue font défiler
les années en une chronologie étourdissante d’inventivités et de
questionnements sans cesse renouvelés. À chaque étape, documents et œuvres
des artistes majeurs du XXe siècle liés à Leiris évoquent ces multiples
ramifications qui invitent à voir chez l’autre une partie de soi-même et
parfois bien au-delà. Cette sacralité toujours présente, le sacré dans la
vie quotidienne, titre d’une contribution de Leiris, donne tout son sens
à cette profusion d’ idées, de pensées et d’interrogations du XXe siècle, et
les rapporte au réel et à l’humain comme le souligne Agnès de La Beaumelle
co-commissaire avec Marie-Laure Bernadac de cette exposition et dirigeant
avec Denis Hollier cet ouvrage indispensable pour mieux suivre l’originalité
de la pensée de Michel Leiris dans l’univers labyrinthique de la pensée de
l’homme des temps modernes.
Fourvière - La grâce d'une basilique, sous la
direction de Jean-Dominique Durand, Bernard Berthod, Véronique Molard-Parizot
et Nicolas Reveyron, Préface du cardinal Philippe Barbarin
Reportage photographique : Jean-Pierre Gobillot, La Nuée Bleue, 2014.
Le touriste pressé
de gagner le soleil et le sud de la France sait-il lorsqu’il traverse le
fameux tunnel de Fourvière à Lyon qu’il passe au cœur d’une colline sacrée
que couronne depuis la fin du XIXe siècle une basilique des temps modernes ?
Les lieux sont pourtant connus depuis l’antiquité et c’est avec saint Pothin
au IIe siècle que débute ici l’histoire chrétienne, histoire ininterrompue
jusqu’à nos jours et qu’un nouveau volume de la fameuse collection La grâce
d’une cathédrale – Fourvière l’âme de Lyon - se propose de narrer. Le
cardinal Philippe Barbarin, archevêque de Lyon et primat des Gaules, évoque
« la présence, la douceur et le sourire de la Toute-Sainte » lorsqu’il parle
de Fourvière. L’endroit est en effet considéré par tous les Lyonnais comme
la maison de Marie et c’est la Vierge Marie qui accueille chaque visiteur
dans cet espace conçu selon la forme de la croix comme un rappel de la
présence de son fils et de manière plus générale de la Sainte Trinité. Mais
Fourvière est également un carrefour, non seulement pour tous les croyants
de la région, de France et de l’étranger, mais aussi pour les laïcs ainsi
que le souligne Philippe Desmarescaux, président de la fondation Fourvière.
« Véritable catéchèse en trois dimensions », la basilique rayonne de loin
dans le paysage lyonnais à l’image du Sacré-Cœur de Montmartre ou Rio de
Janeiro avec le Christ du Corvado. Nous sommes trop habitués en France à
considérer les basiliques et autres cathédrales du haut de leurs siècles
vertigineux et c’est toujours un fait intéressant que d’observer comme à
livre ouvert un édifice plus proche de nous, édifié il y a seulement – mais
déjà pourtant -un peu plus d’un siècle et qui expose plus volontiers la
genèse de sa conception à notre regard. Les temps modernes et la plus
antique tradition se rejoignent ici, en ces lieux de l’antique Lugdunum
(voir les plans évoqués sur les gravures de l’ouvrage), rendant la
cathédrale ainsi visible à des kilomètres à la ronde. Ce phare dressé au
regard de tous est devenu l’un des symboles de la ville de Lyon. Il faut
cependant se méfier de l’apparente simplicité de la situation, à savoir la
construction moderne d’un lieu de culte au sommet d’une colline à la fin du
XIXe siècle, car la réalité est beaucoup plus complexe. La basilique de
Fourvière ne saurait se concevoir sans l’enchevêtrement complexe que chaque
siècle a apporté sur ce site comme le rappelle Nicolas Reveyron. Toujours
est-il que l’historien des temps modernes peut se rassurer en suivant, pas à
pas, la construction au sommet d’une colline qui sera placée sous l’évidence
mariale. Elisabeth Hardouin-Fugier évoque un chef-d’œuvre d’équilibre et de
virtuosité quant à l’architecture même de la basilique conçue par
l’architecte Pierre Bossan. Nefs et tours composent en effet un savant
équilibre alors que l’extraordinaire façade occidentale étonne le regard peu
habitué à de telles réalisations à cette époque. Les inspirations sont
nombreuses pour ce projet, l’histoire du site comme cela a été évoqué impose
presque ses références culturelles et spirituelles aux concepteurs, mais
aussi des expériences personnelles de l’architecte avec ces influences de
Sicile et de l’Orient, et faisant de Fourvière la croisée des chemins entre
les mondes latin, byzantin et arabe comme le rappelle Philippe Dufieux.
L’ouvrage illustré par l’iconographie la plus récente fait entrer le lecteur
au cœur même des chantiers de la basilique, y compris ceux les plus
nouveaux. Toits, voutes, escaliers, façade sont ainsi rythmés par cet
extraordinaire « poème marial » souligné par une iconographie
impressionnante. Les découvertes seront nombreuses dans ce bel ouvrage
consacré à un édifice qui, malgré son jeune âge au regard de ses illustres
aînés, perpétue la longue tradition des constructions qui transcendent les
âges.
« Poussin et Dieu » sous la direction de Nicolas Milovanovic et Mickaël
Szanto, Louvre éditions – Hazan, 2015.
C’est avec une
couverture ornée de l’œuvre Le Printemps ou le Paradis terrestre que
s’ouvre ce très beau catalogue consacré aux rapports de Nicolas Poussin au
sacré. Le Paradis terrestre y est évoqué avec la tentatrice Eve pointant le
doigt vers les pommes de l’Arbre de la connaissance au lieu de diriger sa
main vers les altitudes sacrées où Dieu apparaît de profil chevauchant un
nuage… Temporel et spirituel sont intimement liés dans l’œuvre de ce
peintre, une dimension souvent occultée dans l’évocation de celui qui fut le
plus grand peintre français du XVIIe siècle. Il est incontestable que
Nicolas Poussin, en homme et artiste de son temps, s’inscrit dans le
contexte de la Contre-Réforme après le Concile de Trente du siècle
précédent. Mais comment cette interprétation va-t-elle s’organiser chez
l’artiste et à partir de là, quel est le rapport qu’entretient de Nicolas
Poussin à Dieu ; telles sont les questions abordées par Nicolas Milovanovic
et Mickaël Szanto au début de ce catalogue richement illustré. Poussin et Dieu ? est la première interrogation qui a animé le monde
de l’histoire de l’art depuis quelques décennies et dont est née la présente
exposition. Pour certains, tel Jacques Thuillier, cette foi n’était pas au
cœur du peintre, alors que pour d’autres, Antony Blunt et Marc Fumaroli,
elle ne faisait pas de doute et était centrale dans sa création. Libertin ou
dévot Nicolas Poussin ? La question divise et a le grand mérite de faire
naître bien d’autres interrogations qui ont permis cette réflexion
interrogeant les sources mêmes d’inspiration du grand peintre français.
L’académicien Marc Fumaroli souligne combien on peut parler de « goût
gallican » chez le peintre, toujours acquis à la cause des Jésuites, et
réformant la peinture par un retour à l’Antique ; un goût qui le rapproche
de Richelieu et qui ne sera pas étranger à sa réputation. Le livre explore
ainsi toutes les facettes de la religion dans les tableaux du grand peintre
français, que celles-ci soient dans la tradition catholique ou qu’elles
laissent place à l’originalité de son génie, y compris dans des écarts
profanes qui auraient pu paraître à tort des incartades. Le lecteur, par ce
riche catalogue, pourra ainsi à loisir non seulement retrouver l’analyse de
toutes les œuvres reproduites de l’exposition, mais aura surtout à cœur
d’approfondir sa connaissance des œuvres par les analyses particulièrement
détaillées qui les accompagnent.
Jean-Luc Martinez, Marianne Hamiaux, Ludovic
Laugier « La Victoire de Samothrace », Editions Somogy, 2014.
Françoise Gaultier, directrice du département des antiquités grecques,
étrusques et romaines du musée du Louvre, souligne dans la préface de cet
ouvrage consacré à la Victoire de Samothrace combien ce monument de l’art
grec forçait déjà l'admiration des savants dès ses premières expositions
dans la salle des Cariatides entre 1866 et 1880, et ce, alors même qu'elle
était encore privée de la partie supérieure de son buste et de ses ailes.
C'est cependant à partir de son installation au sommet de l'escalier Daru
dès 1883 qu'elle prendra valeur d'icône, et où le visiteur peut encore
l'admirer aujourd'hui après une restauration exemplaire. Est-ce le nettoyage
de fond en comble de l'inégalable marbre de Paros faisant ressortir ses
veines où coule encore le génie du sculpteur ou bien le retrait si bénéfique
pour l'œil et l'équilibre général de ce socle -prothèses incongrues- qui lui
avait été ajouté en 1933 afin de la rendre visible de loin ? Ou est-ce
encore ce vaisseau patiemment démonté puis réassemblé dans les règles de
l'art en faisant disparaître les différences de niveau de jointage de ses
éléments ?
Toujours est-il
que c'est une nouvelle victoire que nous pouvons admirer aujourd'hui et dont
le détail de la restauration fait l’objet de ce livre. L'actuel président du
Louvre, Jean-Luc Martinez, et Ludovic Laugier évoquent dans le détail cette
restauration ainsi que celle de l'escalier Daru qui en constitue l'écrin.
Cette restauration fut le résultat d'une collaboration de plusieurs unités
de spécialistes. Ce projet ne peut être apprécié à sa juste valeur qu’en
l'associant aux anciennes restaurations dont les étapes successives
détaillées dans ce livre servirent de base aux travaux menés en 2013 2014.
Il suffit pour s'en convaincre de lire dans le détail le parcours de cette
nouvelle restauration pour comprendre combien la plus récente technologie a
été appelée au chevet de l'antique sculpture. Ainsi que le soulignent les
auteurs : « restaurer une sculpture antique, c'est se confronter aux talents
des anciens ; restaurer une œuvre grecque complétée au XIXe siècle, c'est
tenir compte de sa seconde vie ; restaurer un chef-d’œuvre du Louvre, c'est
avoir à l'esprit l'attachement que chacun lui porte », synthèse habile de la
complexité de la tâche…
Le lecteur pourra ainsi apprécier, grâce aux analyses et aux études
détaillées proposées par cet ouvrage abondamment illustré, non seulement ce
qui a contribué à faire de la Victoire de Samothrace un chef-d’œuvre de
l'art grec antique, mais également une icône indissociable d'un des plus
grands musées du monde qui a ouvert dans ces pages l'atelier de cette
restauration exemplaire.
Beauté divine ! – Tableaux des églises
bas-normandes, 16e-20e siècles, sous la direction d’Emmanuel Luis, Editions
Lieux Dits, 2015.
Une réflexion
collective remarquable sous la direction d’Emmanuel Luis vient de paraître à
l’occasion de l’exposition Beauté Divine au musée de Normandie à Caen.
Remarquable à plus d‘un titre ainsi que le souligne l’historien de l’art
spécialiste de l’image sacrée François Boespflug : tout d’abord parce qu’il
s’agit de résultat d’enquêtes sur le terrain concernant la peinture
religieuse patiemment menées depuis 2008 et que cette belle exposition vient
également consacrer. C’est ainsi la synthèse de cette recherche qui est
présentée pour la première fois en France sur ce patrimoine religieux qui
sommeille souvent dans de petites églises fermées et qui ne demande qu’à
s’exprimer de nouveau dans un contexte élargi de sécularisation. Les
peintures présentes dans les églises du Calvados, de l’Orne et de la Manche
peuvent à nouveau parler au visiteur et au lecteur grâce aux explications
réunies dans ces différentes manifestations. Ces œuvres parlent en effet de
nouveau et respirent également mieux pour certaines d’entre elles (300
tableaux) grâce à une restauration d’une vaste ampleur décidée à cette
occasion, une démarche plus qu’utile dans certains cas si l’on réfléchit aux
conditions habituelles de ces œuvres dans des églises non chauffées et
souvent humides.
Emmanuel Lis dans
son introduction souligne combien cette « aventure de l’esprit » reprenant
l’expression d’André Malraux fut pionnière et collégiale. Elargissant la
notion aux tableaux à thème religieux, Emmanuel Lis montre combien, au-delà
du caractère a priori mineur du thème retenu, ce patrimoine est
vecteur perçu dans son ensemble et sa globalité de leçons et
d’enseignements. La démarche retenue de coopération ente collectivités afin
de mener cette ambitieuse enquête est également instructive et pourra faire
exemple de précédent dans cette discipline et d’autres d’ailleurs. Aude
Maisonneuve pour sa part expose l’important travail de restauration des
tableaux d’églises en Basse-Normandie qui a accompagné cette enquête de
terrain. Souvent très abimés, voire même illisibles, ces témoins du passé
religieux de la Basse-Normandie retrouvent un nouvel éclat et sont porteurs
d’un nouveau dialogue grâce à ce projet collectif de restauration rappelé
par l’auteur. Etienne Faisant expose la situation des peintres dans la ville
de Caen au XVIIe siècle alors que Christine Gouzi s’intéresse à l’aspect
plus rural des peintures d’autel des églises de campagne au XVIIIe siècle et
montrant la complexité des notions de centre et de périphéries avec des
peintres religieux provinciaux et parisiens à la fois. Les tableaux
religieux bas-Normands se caractérisent par une reprise de modèles connus à
leur époque, cadre formel dans lequel a pu se développer une originalité
créative plus ou moins étendue selon les artistes et les époques. La
deuxième partie de ce livre richement illustré propose enfin la découverte
de 143 tableaux provenant des églises de 112 communes de Basse-Normandie et
donne au lecteur un aperçu de l’immense travail réalisé par toutes ces
personnes qui ont contribué à cette recherche. Cet ouvrage remarquable donne
assurément l’envie de partir découvrir par des chemins de traverse, à
travers futaies et haies normandes, ces petites (et grandes) églises
recélant des trésors que l’on ne pourra plus dire endormis.
Catalogue Charles de La Fosse, le
triomphe de la couleur sous la direction de Béatrice Sarrazin, Adeline
Collange-Perugi et Clémentine Gustin-Gomez, Somogy, 2015.
Le lecteur de ce catalogue dédié à Charles de La Fosse sera comme happé par
ces harmonies de couleur et de lumière qui se dégagent de ses œuvres
réunies, ici, à l’occasion de l’exposition au Château de Versailles
consacrée à ce peintre, certes, moins connu que Charles Le Brun ou Philippe
de Champaigne, mais ô combien lumineux. Que l’on s’attarde à ce détail de ce
tableau qui ouvre le catalogue -Le Sacrifice d’Iphigénie (1678-1680)-
et l’on comprendra les raisons pour lesquelles la critique a pu dire très
tôt au XVIIIe siècle qu’il ouvrit ses toiles à la couleur. Alain Mérot
explique que La Fosse eut à souffrir pourtant de cette image erronée de
peintre de transition qui lui a parfois été attribuée alors même qu’il
appartient à part entière au Grand Siècle, et ce, même si son originalité et
son talent ouvriront sur des horizons repris par le XVIIIe siècle.
Clémentine Gustin-Gomez revient, quant à elle, dans sa
contribution, sur le parcours lui-même novateur de Charles de La Fosse dont
la longévité fut exceptionnelle puisque l’artiste travaillera en effet
jusqu’à son dernier souffle. Il sut progressivement s’émanciper de l’aura du
tout puissant Charles Le Brun. Béatrice Sarrazin montre, pour sa part,
combien la vie artistique de La Fosse peut être appréciée au regard de ses
créations pour Versailles avec ses contraintes et en même temps ses
novations gagnées par le génie de l’artiste, un écrin que l’actuelle
exposition reproduit à merveille. Le dessin, enfin, n’est pas en reste, et
est étudié par Bénédicte Gady dans une étude qui permettra de mieux
apprécier les œuvres présentées dans cette section de l’exposition dans
laquelle le trait laisse la priorité aux estompes et nuances. Pierre
Rosenberg revient, en dernier lieu, sur la rencontre de La Fosse et Watteau
avec près de cinquante années les séparant. La rencontre entre les deux
hommes fut un coup de foudre, l’historien posant la question de savoir si le
peintre âgé vit effectivement en Watteau son successeur. La deuxième partie
de l’ouvrage est réservée au catalogue des œuvres, une quarantaine de
peintures et autant de dessins qui permettront de découvrir cet artiste à la
fois classique et original, et dont il importe de retrouver les œuvres à
Versailles jusqu’au 24 mai 2005.
« Les Bas-fonds du baroque – La Rome du
vice et de la misère » catalogue de l’exposition, Officina Libraria, 2014.
Francesca Cappelletti et Annick Lemoine ont assuré la
direction du catalogue de l’exposition Les Bas-fonds du baroque – La
Rome du vice et de la misère présentée initialement à la Villa Médicis
l’automne dernier puis à Paris au musée du Petit Palais. Le point de
départ de cette réflexion est le rôle crucial qu’eut en son temps
Michelangelo Merisi da Caravaggio dans la ville de Rome. D’un tempérament
sanguin, courant après son art comme il fondait sur ceux avec qui il était
en différent, l’artiste porta le premier cet éclairage si particulier sur
la vie du peuple qu’il côtoyait au quotidien. La vie est en effet comme
saisie instantanément dans les peintures du Caravage sans que nul affect
ne soit nécessaire. Même s’il fut loin d’être le seul artiste à porter un
tel regard sur l’autre versant de la ville, celui des tavernes et des
laissés-pour-compte, il laissa néanmoins pour ses contemporains et
successeurs une manière de traiter les choses du quotidien qui marquera
pour longtemps la peinture italienne et étrangère. Ce sont d’ailleurs des
étrangers réunis au sein de la Bent, majoritairement issus des Pays-Bas, qui vont à leur tour offrir
un autre regard que celui souhaité par les puissants de l’époque avec
cette extraordinaire production sacrée de la Rome « baroque » comme le
soulignent les deux auteurs dans leur introduction. C’est cette face
occultée de Rome qui est mise en avant dans ce catalogue dont les
protagonistes ne sont plus des papes, des princes et autres puissants,
mais des vagabonds, des joueurs, des marginaux qui tour à tour aspirent à
l’ivresse et à l’oubli même par les moyens les plus sordides. Cette
exacerbation de la vie dans ce qu’elle a de plus extrême rejoint la
sensibilité de l’artiste qui peut voir dans ces tableaux du quotidien un
absolu, tels ces moines de l’Extrême-Orient méditant sur des cadavres pour
dépasser la condition de l’être mortel. Mais avant d’atteindre ces
dimensions hypothétiques, le pinceau n’hésite pas à braver les conventions
morales de l’époque, joue de l’obscénité avec un rare bonheur, évoque
l’ébriété aussi sûrement que la brièveté de la vie, dans un rire que
Gargantua n’aurait pas renié. Les nombreux essais réunis dans la première
partie de ce riche catalogue ouvriront les portes de ces tanières où
Bacchus est maître. Les sites antiques apparaissent comme l’arrière-plan
tragique ou comique selon les scènes de ce quotidien des habitants de la
Ville éternelle. La violence y est analysée tout autant que ces « paysages
sonores » exprimés par ces images de la musique populaire à Rome au XVIIe
siècle. La deuxième partie de l’ouvrage permettra enfin de retrouver les
différentes sections de l’exposition avec la reproduction des œuvres
présentées jusqu’au 24 mai 2015 au Petit Palais.
Pierre Bonnard (1867-1947) Peindre l’Arcadie sous
la direction de Guy Cogeval et Isabelle Cahn, Coédition Musée d’Orsay /
Hazan, 2015.
A l’occasion de la très belle exposition Bonnard au musée d’Orsay, un
catalogue paru aux éditions Hazan accompagne le visiteur tout au long de
cette évocation de la continuité de l’œuvre du peintre (1867-1947). C’est à
partir du thème porteur de l’Arcadie qu’a été également conçu ce livre qui
rend gloire à la lumière et à la vie de Pierre Bonnard. Il ne s’agit pas de
viser à l’exhaustif, mais bien plutôt tenter de saisir quelques faisceaux de
cette lumière si particulière que sût rendre le peintre très tôt influencé
par la nature dans toutes ses manifestations. Guy Cogeval, sous forme
d’introduction, souligne l’importance de cette chronologie de l’œuvre d’un
peintre pour lequel un certain flou présidait jusqu’alors dans la manière
d’évoquer le cours de son œuvre, « une histoire sans date en quelque sorte
». Ces jalons seront posés tout au long du parcours retenu, tout en gardant
en mémoire que, même si l’artiste cherchera inlassablement à faire rayonner
cette lumière picturale dans son œuvre, il conservera toute sa vie durant
une certaine distance par rapport aux choses, diluée parfois par une
mélancolie. Cet angle retenu n’empêchera pas aux différentes études réunies
pour ce catalogue d’approfondir certaines thématiques comme cette
riche étude d’Isabelle Cahn de la
mécanique du bonheur chez Bonnard qui laisse bien loin les images
réductrices de dernier des impressionnistes dont il a si souvent été
affublé. Bonnard a combattu toute sa vie le naturalisme pour lui préférer
cette poésie de la lumière. Il est à la fois en dehors de tout système et de
toute théorie, et en même temps son atelier est une expérience permanente de
la palette du monde. Le bucolique est une condition pour faire « jaillir
l’imprévu », un imprévu captant le fugace, l’éphémère éternel. Entre
chaque article, des analyses d’œuvre font entrer le lecteur dans l’intimité
de la création du peintre avec bien des surprises là où on croyait régner la
quiétude d’un bonheur sans taches (La Palme, 1926). Nous plongerons
dans l’univers japonisant si essentiel pour l’artiste dans ses jeunes années
qui lui valut cette fameuse apostrophe par Fénéon de « Nabi très japonard »,
il suffira pour s’en convaincre de comparer cette estampe de Kiyonaga à
l’œuvre Le Peignoir datant de 1892. Mais Pierre Bonnard est aussi
homme de son temps, fait partie de La Revue blanche, se lie d’amitié avec
Redon et voue une passion précoce pour l’art de la photographie dont
certains clichés sont ici présentés comme un contrepoint idéal des œuvres
qui les entourent.
Pier Paolo Pasolini Romanzi e
racconti 1946-1961, I Meridiani, Arnoldo Mondadori Editore.
L’Italie a honoré l’un de ses intellectuels les plus créatifs et subversifs
dans la célèbre collection I Meridiani des éditions Mondadori, l’équivalent
de La Pléiade en France. Celui par qui le scandale est arrivé à presque
chacune de ses créations voit enfin la valeur et la diversité de son talent
reconnu par le plus grand nombre et ses écrits enfin réunis en plusieurs
volumes dans cette collection réputée pour l’excellence de ses éditions
critiques. Le premier volume réunit en deux tomes les romans et histoires de
celui qui fut également un poète apprécié, un prosateur curieux, un
polémiste redoutable, sans oublier sa contribution essentielle pour le
cinéma mais aussi le théâtre… Le regard porté par Pier Paolo Pasolini sur le
monde de son temps est non seulement d’une troublante lucidité (lire
l’interview et le dossier consacré à Pasolini), mais également porté par une
connaissance profonde et indéfectible des structures du passé. Walter Siti,
l’un des meilleurs spécialistes de la pensée de Pasolini a dirigé cette
vaste entreprise en faisant appel selon les volumes et les domaines abordés
de l’œuvre de l’écrivain à différents spécialistes. Les romans et autres
récits de Pasolini sont présentés selon une démarche chronologique en deux
volumes, accompagnés d’un impressionnant travail critique sous la forme non
seulement de notes, mais également de nombreuses variantes et de matériels
inédits présentés, proposant ainsi une véritable archéologie de la pensée de
Pasolini renouvelant le regard que l’on portait traditionnellement sur son
œuvre. Ce n’est pas un hasard si Walter Siti introduit ce premier volume en
mettant en évidence les traces écrites d’une œuvre vivante et soulignant par
là même toute la difficulté et le paradoxe à enfermer la pensée de
l’écrivain dans un cadre formel qui ne saurait le contenir à lui seul.
Pasolini ne se plaignait-il pas d’ailleurs que rares étaient les cas où ce
qu’il avait dit n’ait été mal interprété : « non c'è stata una sola
parola che io abbia scritta o detta che non sia stata fraintesa ».
Aussi, la présentation en un ensemble cohérent, chronologique et accompagné
des notes permettant de mieux comprendre les différents niveaux de lecture
des œuvres romanesques de Pasolini sera essentielle au lecteur du XXIe pour
apprécier l’importance et la valeur qu’a eu cet écrivain non seulement pour
les lettres italiennes, mais de manière plus générale pour la compréhension
d’un grand nombre d'idées du XXe siècle. La chronologie particulièrement
détaillée permettra également de mieux saisir le parcours incroyablement
fertile d’un homme qui aura tout dit en une trentaine d’années, et qui
devait disparaître dans les conditions obscures que l’on sait à l’âge de 53
ans…
Le volume n° I débute par Atti impuri – actes impurs – suivi par
amado mio, le premier récit étant largement autobiographique puisqu’il
se passe dans le Frioul natal de Pasolini et évoque les amours du narrateur
avec de jeunes adolescents dont il s’éprend dans une Italie en guerre. Les
références directement autobiographiques sont très rares chez Pasolini et il
n’est d’ailleurs pas étonnant que ce roman d’une finesse dans le traitement
de son thème brulant n’ait pas été publié du vivant de son auteur. Le
lecteur retrouvera également avec joie le roman porté avec le succès que
l’on sait à l’écran Ragazzi di vita. La narration empruntant au
romanesco, dialecte des faubourgs de Rome et du Latium, évoque les
tribulations du Frisé – Il Riccetto – que l’on découvre faisant sa
première communion et qui un peu plus tard commettra son premier larcin en
volant un aveugle… Véritable leçon de vie, dont les témoignages directs
avaient été recueillis de première main par Pasolini dans ses nombreuses
enquêtes auprès des mauvais garçons de Rome, Ragazzi est très
certainement le premier roman du genre sur le sous-prolétariat de Rome né
des écueils du libéralisme que l’écrivain italien a pourfendu durant toute
sa vie. Une vita violente évoque lui-aussi l’histoire d’un jeune
homme vivant avec ses compagnons de larcins et d’une criminalité
grandissante. Les occasions que la vie lui présente de se racheter et de
commencer une nouvelle vie échouent à chaque fois, selon les lois d’un
destin tragique. Ce premier volume offrira également enfin la découverte
d’un récit très différent que celui de L’odore dell’India écrit lors
d’un voyage en Inde avec Elsa Morante et Alberto Moravia, une narration à la
fois d’ordre géographique et sociologique. Pasolini interroge ce pays
capable des extrêmes en même temps qu’il mène une interrogation sur lui-même
avec cette acuité propre à un écrivain doué d’une sensibilité rare et dont
chaque rencontre est l’occasion non seulement d’analyses passionnantes, mais
également d’une rare poésie. Volume I (1946-1961): Tracce scritte di un’opera vivente. Descrivere,
narrare, esporsi. Cronologia. Nota all’edizione. Atti impuri. Appendice ad «atti
impuri». Amado mio. Appendice ad «amado mio». [Frammenti per un Romanzo del
mare]. Il disprezzo della provincia. Ragazzi di vita. Appendice a «Ragazzi
di vita». Una vita violenta. L’odore dell’India. Racconti, abbozzi e pagine
autobiografiche. Note e notizie sui testi.
LA PLEIADE
Jules Verne Voyages
extraordinaires Voyage au centre de la terre et autres romans
Édition publiée sous la direction de Jean-Luc Steinmetz avec la
collaboration de Jacques-Remi Dahan, Marie-Hélène Huet et Henri Scepi
Bibliothèque de la Pléiade, n° 612, 1376 pages, 247 ill., rel. Peau, 105 x
170 mm, Gallimard, 2016.
C’est à une aventure sans frontières à laquelle nous invite ce dernier
volume de La Pléiade consacré à Jules Verne. Celui qui naquit à Nantes, puis
séjourna au Crotoy où la passion de la mer ne le quitta plus, appréciait ces
ambiances franches des marins avec qui il aimait être en compagnie. Des
bateaux de plaisance et même une embarcation de plus grande envergure avec
sa goélette à vapeur à deux mats, le conduiront vers de multiples voyages en
mer, sans oublier bien sûr sa croisière vers New York, puis les chutes du
Niagara où il écrira un grand nombre de notes et de carnets. Jules Verne est
un personnage complexe, pétri de contradictions, secret et renfermé et en
même temps poussé vers les choses du peuple – on pense bien entendu au
cirque qu’il fit construire à Amiens - et à un certain progressisme. C’est
avec ce caractère à l’esprit qu’il faut aborder cet écrivain pour lequel la
géographie, les récits de voyage et les sciences occuperont toujours une
place de choix et où il puisera allègrement pour ses romans. Son écriture
demeurera cependant toujours marquée de sa première passion, le théâtre, où
l’art du dialogue et la théâtralité récurrente y sont omniprésents. Le
voyage en poésie qu’il abordera dans ses romans manifeste un écrivain
styliste, reprenant constamment ses œuvres pour les affiner, même si l’on
retient plus facilement son approche scientifique, mis plus volontiers en
avant chez cet auteur le plus traduit dans le monde. Or, Jules Verne,
écrivain contemporain de la Révolution industrielle en Europe dans le
dernier tiers du XIXe siècle, aura recours à la science pour faire œuvre
littéraire, et non l’inverse. Ainsi, poésie, aventure, rêveries
scientifiques naissent dans l’esprit de Jules Verne à partir de témoignages
de voyages qu’il découvre, et grâce à une imagination débordante, à
l’inverse d’Herman Melville qui très jeune aura une vie aventureuse sur
différents navires et en tirera pour une grande partie son inspiration
littéraire. La présente édition sous la direction de Jean-Luc Steinmetz
concentre cet univers vernien avec bonheur puisque ce volume regroupe trois
œuvres incontournables avec Voyage au centre de la Terre, De la
Terre à la Lune et Autour de la Lune, sans oublier un ouvrage
plus méconnu et singulier Le Testament d’un excentrique. Pour ce
dernier, le lecteur découvrira un aspect souvent négligé des lecteurs de
Jules Verne : L’écrivain avait, en effet, un goût prononcé pour les
calembours et l’ironie qui pouvait atteindre parfois des niveaux cryptés
assez impressionnants. Ce trait de caractère parsème régulièrement son
œuvre, l’homme se moquant de tout le monde, y compris de ses propres romans,
une habitude qu’il retient certainement du théâtre de boulevard qu’il
affectionnait. Dans Le Testament d’un excentrique, Jules Verne
conçoit les États-Unis comme un terrain de jeu à part entière, six
concurrents - plus un septième en cours de route - parcourront en un
gigantesque jeu de l’oie le territoire américain, avec à la clé, un héritage
espéré d’un riche milliardaire organisant ce jeu inhabituel… Cette œuvre
tardive (1899) fourmille de non-sens et de développements originaux et
singuliers chez le romancier, une liberté qui impressionnera plus d’un
écrivain au XXe siècle si l’on pense à Queneau, Cortazar, Perec, sans
oublier Ray Bradbury. La carte du Noble Jeu des États-Unis est même
fournie pour le lecteur en fac-similé détaché du volume, une véritable
découverte. Avec ce troisième volume de La Pléiade, Jules Verne apparaît
plus que jamais comme le génie de l’épopée du monde moderne, une épopée qui
tient du rêve avec une prescience pour ses voyages improbables, une ironie
qui rythme son écriture en une distance aux choses du monde, et, plus que
tout, une liberté qui dépassera toutes les contradictions de l’homme et de
son œuvre.
Henry James Un
portrait de femme et autres romans, trad. par Anne Battesti, Claude Grimal,
Évelyne Labbé et Louise Servicen. Édition d'Évelyne Labbé avec la
collaboration d'Anne Battesti et Claude Grimal, traductions nouvelles,
Bibliothèque de la Pléiade, n° 609, 1600 pages, rel. Peau, 104 x 170 mm,
Gallimard, 2016.
C’est avec un séjour dans la ville de Florence en 1880 qu’Henry James
entreprend la rédaction d’Un portrait de femme et qui marquera
l’apogée de son inspiration internationale. Dans ce roman, Isabel Archer est
en effet au cœur d’une relation entre Europe corrompue et une Amérique
encore innocente. Ce n’est pas le premier essai littéraire de ce genre pour
l’écrivain féru de Balzac et qui avec L’Américain paru en 1877
opposait déjà l’Ancien Monde au Nouveau à partir de son héros, un américain
à Paris. Les années qui suivent voient la consécration d’Henry James, celui
qui ne cessa de « capter et retenir quelque chose de la vie » et «
le souvenir des impressions fugitives » et qui est désormais reconnu.
Ainsi que le souligna Lyall H. Powers, chez Henry James la voix du romancier
s’exprime à partir d’impressions enrichies en expérience. Ce que confirme
l’écrivain lui-même dans L’art de la fiction : « Dans sa plus
vaste définition, un roman est une impression directe et personnelle de la
vie : là réside avant tout sa valeur, qui sera grande ou petite suivant
l’intensité de l’impression ». A la même époque, Claude Monet pressé par
Edmond Renoir donna à son célèbre tableau de la vue du Havre le titre non
moins fameux Impression… « L’air de réalité », à savoir la solidité
de tous les détails, est la vertu suprême d’un roman pour James, encore une
convergence avec le mouvement pictural naissant en cette fin de siècle qui
au-delà du visible induit l’invisible. Henry James sait avant la publication
d’Un portrait de femme que ce livre fera date, ou tout au moins
l’espère-t-il sincèrement. Son rapport à l’Europe est fait de nostalgie, un
sentiment renouvelé à chaque fois qu’il se rendra dans l’Ancien Monde. Ce
dernier lui rendra bien et alors que la réussite aux États-Unis est longue à
venir, il ne faudra à Henry James que quelques mois passés à Londres pour
voir sa consécration, signe de cette attirance pour les racines européennes
que ne cessa de rappeler le jeune écrivain, lucide toute fois des limites de
cette attraction. Les mouvements entre le Nouveau et l’Ancien Monde trouvent
leurs parallèles dans les mouvements du cœur et des sentiments, avec parfois
des résonances complexes ainsi que le relève Evelyne Labbé dans son
introduction à ce dernier volume paru de La Pléiade. Isabel Archer,
l’héroïne d’Un portrait de femme, « est écrite dans une langue
étrangère » selon ses proches, une singularité qui ne pouvait qu’être celle
de l’œuvre tout entière de l’écrivain. Ce roman ne fut pas toujours compris
et beaucoup jugèrent que ce portrait vivant d’une conscience relevait de la
froide vivisection. C’est avec le thème international qu’Henry James «
élabore avec une subtilité et une complexité inégalées la représentation des
« registres » de consciences aux prises avec les signes instables du réel et
le mystère de leurs propres profondeurs » toujours selon Evelyne Labbé.
Les abîmes du cœur jouxtent de manière vertigineuse la maîtrise ou l’emprise
et Henry James excelle pour rendre ces distorsions entre destin espéré -si
ce n’est maîtrisé- et réalité de manipulations comme en témoigne la
conversation entre l’héroïne d’Un portrait de femme et Caspar Goodwood
espérant sa main : « Je n’ai pas envie de n’être qu’une simple brebis au
milieu d’un troupeau ; j’ai envie de choisir mon destin et de connaître un
peu les affaires humaines au-delà de ce que d’autres estiment bienséant de
me dire ».
Les quatre romans réunis dans ce volume – Roderick Hudson, Les
Européens, Washington Square et Un portrait de femme -
explorent en un nœud inextricable les ressorts de l’âme, avec ses
aspirations, ses espérances, mais aussi ses doutes, ses distorsions et ses
dévastations qu’il importe de découvrir dans ces heureuses traductions qui
en perpétuent l’écho.
Michel Foucault Œuvres
Tome I Édition publiée sous la direction de Frédéric Gros avec la
collaboration de Jean-François Bert, Daniel Defert, Francois Delaporte et
Philippe Sabot, Bibliothèque de la Pléiade, n° 607 1712 pages, rel. Peau,
105 x 170 mm ; Tome II Édition publiée sous la direction de Frédéric Gros
avec la collaboration de Philippe Chevallier, Daniel Defert, Bernard
Harcourt, Martin Rueff et Michel Senellart, Bibliothèque de la Pléiade, n°
608 1792 pages, rel. Peau, 105 x 170 mm, Gallimard, 2015.
Le philosophe Michel Foucault (1926-1984) entre dans la collection de La
Pléiade avec deux volumes qui réunit, dans une œuvre protéiforme,
l’essentiel de ses livres devenus, depuis les années 70, des classiques :
Histoire de la folie à l’âge classique, Naissance de la clinique, Les Mots
et les Choses, L’archéologie du savoir, Surveiller et punir, Histoire de la
sexualité… Cette édition publiée sous la direction de Frédéric Gros est
certainement l’une des meilleures portes d’entrée à la pensée d’un
intellectuel atypique et souvent inclassable. Cela fait plus de trente ans
que Michel Foucault s’est éteint, mais il ne se passe pas une année depuis
sans que l’on ne découvre la profondeur de ses intuitions et la portée,
insoupçonnée jusqu’alors, de ses écrits portant sur des domaines si
éclectiques en apparence – si ce n’est de les réunir sous le nom même de
Michel Foucault - et qui rebutent bien des spécialistes. La pensée de Michel
Foucault, cet agrégé de philosophie indomptable, est à la confluence de la
philosophie, de la littérature, de l’histoire, sans oublier bien entendu la
psychanalyse ou encore les sciences juridiques. C’est avant tout une
histoire des problématiques, celle de la folie, de la sexualité et bien
d’autres encore… Tous ces champs labourés par cette pensée fertile ne
demandent qu’à produire de nouveaux fruits, un regain que la recherche
contemporaine ne néglige pas, redécouvrant un corpus sans cesse éclairé par
de nouvelles archives (léguées récemment à la BnF). Sa pensée est à
considérer dans l’époque qui la reçoit et il paraît manifeste que la lecture
de ses grands textes, notamment ceux de la Naissance de la clinique
et son Histoire de la folie s’éclairent à la lumière des
développements réalisés depuis dans de nombreuses disciplines. Ainsi, une
archéologie notamment médicale, impensable avant Foucault, s’ouvre sous nos
yeux (Les Mots et les Choses), nous amenant à regarder désormais la
maladie non seulement comme un désordre, mais également comme « un
phénomène de nature avec ses régularités, ses ressemblances et ses types
». Foucault ouvre la voie à de multiples autres approches et interactions
possibles. Des champs variés et précis, sensibles, sans conceptualisation
excessive, et où rien d’anonyme n’est pour lui négligeable dans ses combats
– la soumission, le pouvoir, la justice, etc. ; ce qui le mènera notamment à
des ouvrages comme « Surveiller et punir », dégageant ainsi de
nouveaux objets de réflexion politique sans jamais omettre la question
essentielle de l’homme en tant que sujet (Histoire de la sexualité).
Foucault, cet intellectuel nomade, surprend, étonne et provoque un
foisonnement d’idées chez celui qui découvre ou retrouve sa pensée. Cet
intellectuel engagé dans tous les combats de son époque – immigrés,
travailleurs clandestins, etc. aux côtés de Sartre, Deleuze, Genêt et
d’autres, n’a pas, en tant que tel, inventé une nouvelle philosophie, ainsi
que le souligne Frédéric Gros dans son introduction, mais bien une nouvelle
manière de faire de la philosophie. Cet immense esprit couronné par une
chaire au Collège de France intitulée « Histoire des systèmes de pensée
» entendait avant tout découvrir les structures sous-jacentes de la pensée,
le mettant ainsi, par son approche structuraliste, en porte à faux avec
l’existentialisme ou l’humanisme de son époque. Mettre en contact ce qui ne
l’est pas, rapprocher notamment les subjectivités et les savoirs pour une
analogie féconde, une histoire sans frontière de la connaissance
(rapprochement de l’Antiquité avec les communautés gay de Californie, en une
recherche exigeante de la construction de soi, au-delà de l’usage du LSD ou
des pratiques SM). Michel Foucault transgresse et étend le champ territorial
de chaque savoir.
Sans lui, toute une méthode désormais classique dans les laboratoires de
recherche serait encore à inventer et un de ses apports – au-delà des textes
essentiels réunis dans cette édition – est certainement d’avoir suscité une
voie à suivre jusqu’alors impensable avant lui. Cette effervescence,
thématisation de la pensée, mérite à elle seule que le lecteur ose ouvrir ce
qui pourrait paraître comme des sommes ardues et parfois difficiles d’accès,
mais qui grâce à l’appareil critique et notes réunies ne pourront qu’offrir
de belles expériences non seulement sur le « court terme » de la lecture
(3.400 pages tout de même…), mais surtout sur une bien plus longue distance.
Car Michel Foucault invite à penser différemment, autrement, des catégories
qui jusqu’alors étaient indiscutées et indiscutables : « Chacun de mes
livres est une manière de découper un objet et de forger une méthode
d’analyse » soulignait le philosophe. C’est en concevant l’histoire avec
de nouveaux objets, qu’un grand nombre d’analyses devenues désormais
classiques seront initiées grâce à sa pensée. Le regard porté sur la folie,
la prison, la clinique ou encore la sexualité ne peut plus faire aujourd’hui
l’impasse de la pensée foucaldienne avec ces communications transversales et
pluridisciplinaires qui nous semblent presque aller de soi, cinquante ans
passés. Pour Michel Foucault, le livre se reproduit à chaque lecture, avec
ses répétitions, ses doubles, « ni tout à fait leurre ni tout à fait
identité » (préface de l’Histoire de la philosophie à l’âge classique),
même si le philosophe rêvait d’un livre improbable qui ne serait rien
d’autre que des phrases dont il est fait. Avec cette édition réunissant les
écrits essentiels de Michel Foucault, le lecteur du XXIe siècle n’aura dès
lors de cesse de découvrir ce maillage extraordinaire d’une pensée
labyrinthique en perpétuelle unité.
Cervantès "Don
Quichotte de la Manche" Édition et trad. de l'espagnol par Claude Allaigre,
Jean Canavaggio et Michel Moner. Préface de Jean Canavaggio, Bibliothèque de
la Pléiade, 1264 pages, rel. Peau, 105 x 170 mm, Gallimard, 2015.
Il est des lectures initiatiques, qui transforment et créent un avant et un
après. Homère, Dante, Proust sont autant de protagonistes de ces
métamorphoses et le Don Quichotte de Cervantès tient une place
d’honneur parmi eux. D’où vient cette magie qui fait que tout cheval dont on
décrit la maigreur prend immédiatement nom de Rossinante, qu’un moulin se
transforme en géant à sa seule évocation ? C’est tout le génie de la langue
de Cervantès qui au XVIIe siècle pose ce récit haut en couleur et qui n’aura
cessé depuis de hanter la mémoire collective à l’image des héros grecs de l’Iliade
ou de Virgile en compagnie de Dante pour la Divine Comédie. Et
pourtant si Jean Canavaggio dans la préface de ce tirage spécial réalisé
avec Claude Allaigre et Michel Moner souligne combien l’apparition du
personnage central au début du roman n’avait rien d’attrayant tout change
pourtant lorsque ce dernier perd l’esprit en dévorant des romans de
chevalerie… Méta-roman que le Don Quichotte ? Assurément et chaque siècle
réinventera en quelque sorte cette narration à nulle autre pareille et dont
il faut accompagner la lecture par l’inoubliable enregistrement réalisé par
Jordi Savall de musiques contemporaines de ce récit. Les métamorphoses
structurent la narration servie par une langue que les traducteurs de la
présente édition ont su restituer avec un art consommé des nuances et
subtilités qu’impose la prose cervantine. Don Quichotte est écrit à la fin
du XVe siècle et publié en 1605 à Madrid. Il sera complété d’une deuxième
partie par l’auteur dix ans plus tard. C’est un roman de chevalerie que veut
conter Cervantès, mais un roman à part où de la fiction naît une certaine
réalité qui fera de Cid Hamlet Benengeli, Don Quichotte de la Manche, un
chevalier errant aux nobles aspirations face à celles pragmatiques et
égoïstes de son écuyer Sancho Pança. De ces incessantes, mais vivifiantes
confrontations nait une certaine beauté, celle des idéaux rarement partagés
et plus souvent tournés en dérision mais qui révèlent peut-être en fin de
compte toute l’incompréhension qu’il peut y avoir lorsque l’amour est absent
des relations humaines. Toujours dans sa préface, Jean Canavaggio évoque les
lectures que feront les siècles suivants la parution de cette grande œuvre,
et à cette lecture, on se prend à se dire que là réside le génie de
Cervantès laisser le lecteur trouver dans ce grand texte ce que son âme y
apportera…
Anthologie de la poésie chinoise Choix de
poèmes par périodes : l’Antiquité (la dynastie des Zhou, les deux dynasties
des Han, ~XIe s.-~IIe s.), les Six Dynasties et les Sui (de la fin des Han à
la fin des Sui, 196-618), la dynastie des Tang (618-907), les Cinq Dynasties
(907-960) et les Song (960-1279), la dynastie des Yuan (Mongols, 1279-1368),
la dynastie des Ming (1368-1644), la dynastie des Qing (Mandchous,
1644-1911), les époques moderne et contemporaine. Trad. du chinois par
Chantal Chen-Andro, Stéphane Feuillas, Florence Hu-Sterk, Rainier Lanselle,
Sandrine Marchand, François Martin, Rémi Mathieu et Martine Vallette-Hémery.
Édition publiée sous la direction de Rémi Mathieu avec la collaboration de
Chantal Chen-Andro, Stéphane Feuillas, Florence Hu-Sterk, Rainier Lanselle,
Sandrine Marchand, François Martin et Martine Vallette-Hémery, Collection
Bibliothèque de la Pléiade (n° 602), Gallimard, Paris, 2015.
Que savons-nous de la Chine ? En découvrant l’Anthologie
de la poésie chinoise publiée sous la direction de Rémi Mathieu dans la
Bibliothèque de la Pléiade, le lecteur réalisera rapidement la richesse qui
s’ouvre à lui, un univers indispensable à la compréhension des autres arts
de la Chine et sans qui une calligraphie ancienne ou un paysage de montagnes
brumeuses à l’encre de Chine resteront incomplets. Des premiers temps de
l’Histoire de ce vaste pays, un siècle avant Homère, jusqu’à l’époque
contemporaine, c’est à l’âme lettrée de la Chine qu’invite ce recueil nourri
des plus belles pages de poésie. Rémi Mathieu rappelle que de nos jours
encore les petits écoliers peuvent scander les vers d’un poète de la
dynastie des Tang tel Li Bai (701-762)… Si la Chine a de tout temps nourri
une forte hiérarchie entre les membres de la société, la poésie s’avère être
un liant dépassant ces clivages pour une recherche de l’harmonie, notamment
culturelle. C’est un peu en pays d’évasion que le lecteur pourra aborder ce
vaste répertoire où les aspirations les plus diverses côtoient la morale
omniprésente, un poète comme Fu Yi (42-90) ne disait-il déjà pas :
« J’éclaire l’humanité et le devoir pour
m’inciter
A en faire usage en vue de m’approcher toujours plus des miens ».
L’art poétique chinois peut se révéler ainsi une porte d’entrée idéale de la
société chinoise et cette anthologie y invite de la plus belle manière. Le
travail de traduction est à lui seul remarquable tant la diversité des
systèmes de transcriptions de la langue chinoise est déjà une difficulté
pour une telle entreprise, sans oublier l’harmonisation des noms propres. La
présente édition a souhaité, contrairement à ce qui est généralement
pratiqué, donner une importance plus grande aux trois dernières dynasties de
l’Empire. À travers les filtres de huit périodes dynastiques, le lecteur
pourra relever de profondes évolutions, voire mutations, dans les
productions culturelles et notamment poétiques. Chaque grande période
confiée à un seul spécialiste fait l’objet d’une présentation historique et
esthétique permettant ainsi la compréhension immédiate des poésies retenues,
riches en allusions qui pourraient échapper au lecteur occidental. Plus de
390 poètes accompagnés de nombreux anonymes offrent ici l’éventail de la
richesse et de l’évolution de la langue chinoise qui a su changer en dépit
des graphies moins évolutives. Les XXe et XXIe siècles contribueront,
notamment sous l’influence de l’Occident, à ces profonds changements en
s’allégeant des contraintes du passé. Mais, malgré ces mutations et en guise
de conclusion, osons ces rapprochements de quelques vers de Gu Cheng
(1957-1993) avec ceux de Qin Guan (1049-1100) :
« Il y a toujours un
bateau en partance, regard qui te suit.
L’autre rive est partance, le ciel est axiome inversé.
Dans l’entre-deux des pictogrammes un fleuve coule
Devient silence, la mouette, sémaphore blanc, musqué. » (Gu Cheng La maison
sur l’estuaire)
« Léger froid, dense et calme, je monte au petit pavillon,
Les nuages de l’aube sans raison comme ceux d’un automne tardif.
Une brume clairsemée et des eaux claires sur un écran peint qui secrètement
isole ». (Qin Guan Léger froid, dense et calme…)
Virgile « Œuvres
complètes », Traductions nouvelles ou révisées Édition et trad. du latin par
Jeanne Dion, Philippe Heuzé et Alain Michel Édition bilingue, Bibliothèque
de la Pléiade, n° 603, 1488 pages, rel. Peau, 105 x 170 mm, Gallimard, 2015.
Qui de nos contemporains ne connaît le nom de Virgile ? Les Bucoliques,
les Géorgiques peut-être et surtout l’Enéide viennent tout de suite à
l’esprit. Mais, à l’image de nombreux classiques, cet auteur latin est
peut-être plus cité que lu. Avec cette nouvelle édition latin-français des
œuvres complètes de ce grand nom de la littérature antique, La Pléiade offre
le rare plaisir de redécouvrir ces monuments dans une édition établie par
Jeanne Dion et Philippe Heuzé. Virgile excelle dans des genres aussi variés
que l’évocation des pâturages, des campagnes et des héros, traduction de
l’épitaphe attribuée au poète : « Cecini pascua, rura, duces ». Le
lecteur intrépide sera peut-être tenté de commencer par ce dernier aspect,
la dimension épique de l’Enéide, tant sa lecture parlera certainement
plus facilement au contemporain du XXI° siècle. Ainsi que le relevait Paul
Veyne (lire notre interview), L’Enéide
« est en effet intéressante à lire pour son aspect romanesque, ce côté
film d'action très rapide. N'oublions pas ces scènes de bataille digne du
Far West ! Et la fin de l'Énéide est un véritable péplum… ». L’écriture
de cette vaste fresque qui fut source d’inspiration pour des générations
jusqu’au XX° siècle dépasse la prose pour atteindre une poésie éclatante et
pourtant jugée perfectible par son auteur qui souhaita même sa destruction.
Le poète Properce qualifia l’Enéide d’aussi grande que l’Iliade,
un jugement peut-être un peu rapide même si cette épopée brille par ses
combats singuliers et ses interventions de divinités qui rythment le texte.
A l’image de l’œuvre d’Homère, Virgile compose un récit qui se divise en
deux parties, une « Odyssée » en quelque sorte avec allant de la
chute de Troie jusqu’au rivage italien, puis une nouvelle « Iliade »
pour les combats sur le sol italien ainsi que le rappelle Jeanne Dion dans
sa préface. Virgile se fait patriote avec cette œuvre qui intervient à la
fin des guerres civiles et qui sera une reconnaissance d’ Auguste. Sa
rédaction prit dix ans de la vie de son auteur et fut en retour saluée par
l’empereur qui en interdit la destruction. Les aventures maritimes et les
épreuves guerrières du héros Enée, fils d’Anchise et de la déesse Vénus,
composent un récit rapide où les valeurs héroïques du fondateur mythique de
Lavinium, future Rome, sont exacerbées, notamment lors de cette mémorable
descente aux enfers. La dernière œuvre du poète fut celle qui lui prit le
plus du temps, plus de dix années, avec une exigence du style poussée au
plus haut degré. Avec les Bucoliques, nous remontons le temps
puisqu’il s’agit de la première grande œuvre du poète né dans l’Italie du
Nord. La naissance du poète se serait faite en pleine nature selon la
tradition dans la province de Mantoue, signe que l’homme était destiné à en
vanter les beautés. Les affres de la guerre civile sont encore loin d’être
terminées et les terres sur lesquelles vit le poète sont l’objet des
répressions entre partisans d’Antoine et d’Octavien. Les Bucoliques
chantent la terre des origines et l’univers de la vie pastorale avec un
retour à la nature influencé par le contexte social et politique de
l’époque. Mais le génie de Virgile est de dépasser les malheurs qu’il peut
connaître personnellement pour en élargir la dimension en une poésie
universelle. Les bergers d’Arcadie, déjà évoqués par le poète sicilien
Théocrite, prennent vie dans les Bucoliques avec la destinée que l’on
sait auprès d’un peintre comme Nicolas Poussin. Cette œuvre invite le
lecteur à dépasser le quotidien des guerres civiles pour s’élever en une
contemplation paisible :
« Sources moussues,
herbe plus souple que le somme,
vert arbousier qui d’un peu d’ombre vous protège,
défendez le troupeau du solstice, voici l’été qui vient,
torride, et les bourgeons déjà gonflent sur les sarments joyeux »
(Septième Bucolique)
Avec les Géorgiques, Virgile déplace son art vers un temps plus
contemporain où les arts de la terre et de l’élevage sont abordés d’une
manière plus didactique. Le propos du poète dépasse cependant celui de
l’homme de sciences avec une description du monde animal et végétal qui
ouvre parfois à des comparaisons en filigrane avec le monde de son époque.
En 29, Virgile en lira même des extraits à Octavien, le futur Auguste, venu
en Sicile pour s’y soigner et qui quatre jours continus en demanda la
lecture par le poète ! Nul ne s’étonnera alors que Virgile soit loué par les
chefs d’œuvre de la littérature et de la peinture ultérieurs, n’aura-t-il
pas encore une place de choix dans La Divine Comédie du XIIIe siècle
florentin et bien au-delà ? Et, c’est ce « bien au-delà » que la Pléiade,
avec cette publication, affirme.
Casanova « Histoire
de ma vie » Tomes 2 & 3, édition établie sous la direction de Gérard
Lahouati et Marie-Françoise Luna, Bibliothèque de La Pléiade, Gallimard,
2015.
La parution, il y a deux ans, du premier volume de la nouvelle édition de la
Pléiade consacrée à Casanova établie sous la direction de Gérard Lahouati et
Marie-Françoise Luna de Casanova « Histoire de ma vie » avait déjà contribué
à une relecture de Casanova en se penchant plus sur l’écrivain qu’il était,
que sur les frasques de sa vie que l’Histoire a souvent plus retenues. Cette
redécouverte de Giacomo Casanova se poursuit aujourd’hui avec les tomes 2 et
3 de la bibliothèque de la Pléiade qui viennent d’être publiés mettant ainsi
en valeur le style et la valeur littéraire du Vénitien qu’il n’a jamais
cessé d’être, même dans les lieux les plus éloignés de la célèbre lagune. Il
ne s’agit pas pour autant d’occulter la personnalité de l’auteur de «
Histoire de ma vie », elle reste au cœur même d’une œuvre rédigée au soir de
la vie d’un personnage souvent caricaturé et en même temps fantasmé par le
cinéma et l’opinion publique. Mais comme le soulignent Gérard Lahouati et
Marie-Françoise Luna, il appartient à notre époque de concilier le « mythe »
Casanova qui demeure et perdure avec l’écrivain qui reste à toujours à
redécouvrir. Il faut savoir que Casanova a écrit cette Histoire en français,
langue du XVIII° siècle par excellence, et qu’en 2010 la Bibliothèque
nationale de France a fait l’acquisition de ce manuscrit. Était dès lors
disponible la version originale du texte, expurgée de toutes les
transformations qui avaient pu émailler les éditions précédentes. Écrit en
Bohème à l’âge de 65 ans, épuisé et inquiet de cette mort qu’il sent se
rapprocher, « Histoire de ma vie » est rédigée dans un contexte difficile de
solitude. L’écriture devient une nouvelle manière de penser sa vie, en en
retenant les aspects les plus flamboyants. La langue de Casanova surprend
par le style où les néologismes et emprunts à l’italien offrent une écriture
à la fois libre et ciselée, loin de toutes rigidités. Comme le souligne
Gérard Lahouati, la lecture de « Histoire de ma vie » donne d’une certaine
manière à entendre la voix de Casanova avec ses accents et ses passions ;
passions particulièrement vivantes qui lui permettent en homme de grande
culture de passer allègrement de la philosophie à la théologie en s’arrêtant
bien entendu, longuement, à l’élément féminin… Si le premier volume
présentait, toujours selon Gérard Lahouati, cet « Arlequin des Lumières »
dans la ville de Venise où masques et bals constituaient les décors d’une
scène où être libertin permettait de faire oublier les rigueurs de la
politique de l’époque, le tome II d’Histoire de ma vie voit un Giacomo
Casanova exilé à l’âge de trente-deux ans dans « le grand Paris ». Ses
résolutions pleines de sagesses en guise de bagage, et toujours précédé par
ses habitudes de libertinage et d’aventures, ouvrent les années fastes de
Casanova entre 1757 et 1763. Introduit auprès des puissants de l’époque, il
mènera une vie opulente et brillante grâce à la marquise d’Urfé. Cette vie
est émaillée cependant par l’envers de cette flamboyance qui revient au
galop, comme à Venise : jeux, combines, escroqueries diverses, cabales… Il
mène une vie insouciante, certain de son génie mais l’argent vient à
manquer. L’homme brille, tour à tour diplomate manquant d’être enrôlé dans
l’armée, doute parfois en pensant à une vie retirée au couvent, revient au
galop pour de nouvelles intrigues. Ce n’est pas un roman, mais bien la vie
de celui qui devient de ligne en ligne « Casanova » dans ces pages
époustouflantes et inoubliables. Le tome III, quant à lui, débute alors que
Casanova est installé à Londres en 1763, cloué par une syphilis et devenu
indésirable à Paris. Commencent alors de longs voyages à travers l’Europe
qui sont, à chaque fois, de nouvelles situations où l’homme doit démontrer
son habileté à satisfaire les gouts des puissants alors que le temps et la
fortune opèrent leur ravage sur cet homme qui interrompra son récit à la
date de 1774, à la veille de son retour à Venise. Cet inachèvement, à la
manière d’une Piéta de Michel-Ange, en dit long sur le destin de cet homme
dont l’aventure ne pouvait à l’évidence s’interrompre sur un point final.
La publication des trois tomes dans la bibliothèque de la Pléiade consacrés
à Giacomo Casanova suggéraient, si ce n’est imposaient, la parution
simultanée d’un Album de la Pléiade qui lui serait également consacré ;
c’est fort heureusement aujourd’hui chose acquise. Complément en effet
indispensable des trois tomes de « Histoire de ma vie », l’Album Pléiade
Casanova réalisé par Michel Delon fait entrer de plain-pied dans l’univers
de cet écrivain dont le génie fut injustement limité à ses frasques
érotiques. Insistant sur l’importance de reconsidérer la place de Casanova à
partir de son manuscrit trop longtemps appauvri et banalisé, Michel Delon
souligne combien le français savoureux de son auteur garde un accent italien
dont le diapason sert les propos les plus graves comme les plus légers.
C’est aussi l’histoire de l’Europe qui, sous l’angle bien particulier de ce
séducteur, ressort de ces pages savoureuses servies par une riche
iconographie entre magie, philosophie, littérature, politique, diplomatie et
bien d’autres qualificatifs qui ne suffisent jamais à embrasser la totalité
du personnage. Ainsi que le souligne Michel Delon, Casanova vit dans un
monde d’images et cet album parvient à suggérer ces scènes dignes du cinéma
ou du théâtre dans lesquelles la magie Casanova opéra et opère encore et
toujours grâce à cette publication à l’iconographie soignée.
Michel Leiris L'Âge
d'homme précédé de L'Afrique fantôme, Édition publiée sous la direction de
Denis Hollier avec la collaboration de Francis Marmande et Catherine Maubon,
Collection Bibliothèque de la Pléiade (n° 600), Gallimard, 2014.
La Pléiade honore la mémoire de Michel Leiris (1901-1990) avec la
publication de ses écrits couvrant la période allant de sa rupture en 1929
avec André Breton et le mouvement surréaliste et le début de la rédaction de
La Règle du jeu en 1940. A la lecture de ces textes, à redécouvrir en ce
début de XXIe siècle grâce à cette édition, nous réalisons combien la pensée
de Leiris a su évoluer, s’amender, et suivre les circonvolutions d’une
pensée protéiforme, entre expérience et poésie, altérité et miroir, jeux du
je en filigrane du nous… Celui qui était en effet aux
frontières de nombreuses disciplines, en un équilibre toujours fragile, a su
ainsi livrer des œuvres aussi complémentaires que différentes comme
l’illustrent L’Âge d’homme et L’Afrique fantôme. Cette édition
réalisée sous la direction de Denis Hollier, avec la collaboration de
Francis Marmande et de Catherine Maubon, invite le lecteur à plonger dans
ces longues digressions, entre souvenirs et autobiographie. Leur auteur file
avec autant de discrétion entre les méandres du souvenir et ceux de
l’interdisciplinarité à laquelle il s’est familiarisé très tôt ; arts,
littérature, ethnographie, sans oublier la musique avec le jazz et l’opéra,
ou encore la tauromachie font de lui un penseur en avance sur son temps, et
que notre époque commence à redécouvrir (voir l’exposition du Centre
Pompidou-Metz). Proche de Masson et Miro, il connaitra également avec
Picasso une relation passionnelle qui lui fera dire à la mort de son ami en
1973 « Le grand Pan est mort ! », en écho au long sanglot évoqué par
Plutarque… La pensée de Leiris, que nous redécouvrons dans les textes de
cette édition, correspond ainsi aux années 1930 « et au-delà de leur
différence générique, ce sont des textes qui forment un bloc intertextuel
dont la consistance se nourrit d’échanges thématiques et de chevauchements
chronologiques », ainsi que le souligne Denis Hollier dans sa préface.
Trouvant leur terreau dans le surréalisme, ces écrits s’en démarquent
néanmoins, tant Leiris saura adopter un parcours initiatique qui l’éloignera
des débats théoriques et des querelles d’avant-garde : « Hier nous [Limbour
et lui] avons vu Desnos. Il a l’intention de fonder une revue : la
Révolution surréaliste. Le groupement dada ne va pas tarder à devenir une
sorte de succursale freudienne aussi ennuyeuse que furent les pires
chapelles littéraires. » Assurément, il est plus à l’aise dans la communauté
d’écrivains, de peintres ou encore de poètes où il aime à dialoguer,
échanger et surtout étudier dans ces laboratoires de la création. Celui qui
allait être le grand ethnologue aux multiples voyages en Afrique et membre
influent du musée de l’Homme était cependant d’une grande timidité, mais
cette sensibilité à fleur de peau allait également lui permettre
d’entretenir avec l’art comme avec d’autres sociétés un dialogue d’une rare
fertilité, Leiris étant persuadé qu’il fallait à tout prix travailler à la
diffusion des sciences anthropologiques pour qu’un nouvel humanisme soit
possible. Lucrèce, Judith et Holopherne, dans sa version originelle
de 1930, est ici proposé, et fait une large place au souvenir d’enfance et
d’extrême jeunesse. En 1934, L’Afrique fantôme paraît, suite à la
mission ethnographique Dakar-Djibouti à laquelle il participera, et cette
évocation, si elle laisse bien entendu une large part au récit
ethnographique, s’avèrera être également une belle introspection au revers
de ce qui fut initialement un carnet de route… 1939 voit la parution de
L’Âge d’homme où l’auteur reprend le texte de 1930 et l’adoucit, alors
que la tauromachie fera l’objet d’une interrogation grandissante, « art
tragique » qui entretient des liens déterminants avec le sacré (Leiris
insistera sur cette idée de sacrifice du taureau) et l’érotisme (la virilité
du toréador). A la lecture des textes allant de 1930 à 1940 et réunis
aujourd’hui dans la Pléiade, c’est bien une pensée en perpétuel mouvement,
évolution et interrogations que Leiris nous a transmise et qui est donnée à
redécouvrir en ce XXIe siècle.
François Villon Œuvres complètes Édition et
trad. de l'ancien français par Jacqueline Cerquiglini-Toulet avec la
collaboration de Laëtitia Tabard Édition bilingue, Bibliothèque de la
Pléiade, n° 598, 992 pages, 68 ill., rel. Peau, 105 x 170 mm, Gallimard,
2014.
Une édition remarquable des Œuvres complètes de François Villon dans la
collection de La Pléiade interroge le lecteur, ses innombrables lecteurs
depuis le XVe siècle, sur l’identité de ce poète, père des poètes. Nos
contemporains retiennent souvent quelques images d’Epinal telles celle de
mauvais garçon, de vagabond ou encore de voleur que l’homme a laissé courir
à son propos. Villon a certes connu les malfaiteurs de son temps, s’est plu
à en connaître leur argot, argument à charge de cette proximité. Mais cette
langue du peuple des bas-fonds fait-elle pour autant du poète le complice de
ces marginaux ? Pier Paolo Pasolini aurait probablement souri à cette
interrogation et l’édition « bilingue » établie par Jacqueline Cerquiglini-Toulet
avec Laëtitia Tabard apporte quelques éléments de réponse à ces questions
sans pour autant lever le mystère ; n’est-ce pas, en fin de compte, le
Testament légué dans un goût certain du paradoxe par le poète né en 1431
? Le lecteur pourra – afin de se faire une idée plus précise - lire cette
Ballade II qui commence ainsi :
Coquillards, vous qui ruez à Rueil
Moi je vous chante de prendre garde
A ne pas y laisser la peau,
Car l’on fit bavarder
Colin l’Ecailler devant la justice.
Il cracha le morceau, pensant se sauver :
Mais il ne savait pas en faire accroire,
Et le bourreau lui casse la nuque.
Cette Ballade II donne le contexte dans lequel le poète évoluera sa vie
durant, celui des malfaiteurs et de la rue, dans lequel François Villon sera
à la fois l’acteur et le greffier, avec une érudition qui ne laisse de
surprendre. Poursuivons notre parcours et lisons quelques vers de la
Ballade de la Grosse Margot :
Puis la paix se fait ; elle me fait un
gros pet,
Plein de gaz plus qu’un bousier venimeux.
En riant, elle m’assène son poing sur la tête,
M’appelle jobard et me frappe le membre.
Plusieurs siècles plus tard, n’a-t-on pas l’impression d’entendre le même
écho chez Jean Genet :
« Je me suis voulu traître, voleur,
pillard, délateur, haineux, destructeur, méprisant, lâche. À coup de hache
et de cris, je coupais les cordes qui me retenaient au monde de l’habituelle
morale, parfois j’en défaisais méthodiquement les nœuds. Monstrueusement, je
m’éloignais de vous, de votre monde, de vos villes, de vos institutions.
Après avoir connu votre interdiction de séjour, vos prisons, votre ban, j’ai
découvert des régions plus désertes où mon orgueil se sentait plus à l’aise.
»
Dans sa préface qui aidera à démêler cette pelote, Jacqueline Cerquiglini-Toulet
souligne combien François Villon a fréquenté aussi bien les cours que les
prisons. Ce raccourci montre bien l’univers complexe du poète qui s’articule
dans les ruelles de sa ville de toujours. L’architecture de la ville du XVe
siècle contribue-t-elle à la langue poétique de l’auteur du Testament
? C’est certain au regard des discontinuités et autres hiatus qui parcourent
sa poésie. Le poète interroge la vie où bruissent parfois la nostalgie et
l’inquiétude du cueur qui s’affoiblist. La danse macabre a ses heures
de gloire à l’époque où François Villon rêve de généalogie de fées, et les
rires et débauches de ses « compains de galle » ne suffiront pas à
écarter celle qui rend tout égal devant elle. Si Le poète questionne la vie
et sa compagne la faucheuse, il n’en demeure pas moins qu’au cœur de ces
questions, la connaissance de soi ne cesse de se poser : « En mon pays
suis en terre lointaine ». La présente édition a eu l’heureuse idée de
compléter ce portrait par le regard croisé des écrivains qui l’ont suivi,
avec Clément Marot qui établira le premier une édition de son œuvre en 1533,
Rabelais, Boileau, Gérard de Nerval, Rimbaud, Huysmans, Verlaine,
Apollinaire et bien d’autres encore jusqu’à Philippe Sollers. Le legs est
incontestable au regard de ces regards portés sur le poète, et c’est
peut-être ce prisme qui redonne paradoxalement une certaine unité à la
poésie de François Villon en montrant combien sa fragilité si ténue ne tient
qu’à notre lecture, celle renouvelée siècle après siècle dans le cycle tout
aussi éphémère de la vie.
Souvenons-nous juste de ce qu’écrit le poète à la fin de son Testament au
moment de quitter ce monde ? Ung traict but de vin morillon, quant de ce
monde voult partir.
Aristote Œuvres
Éthiques, Politique, Rhétorique, Poétique, Métaphysique Trad. du grec ancien
par Richard Bodéüs, Auguste Francotte, Philippe Gauthier, Marie-Paule Loicq-Berger,
André Motte, Christian Rutten, Pierre Somville et Annick Stevens. Édition
publiée sous la direction de Richard Bodéüs avec la collaboration d'Auguste
Francotte, Philippe Gauthier, Marie-Paule Loicq-Berger, André Motte,
Vinciane Pirenne-Delforge, Louise Rodrigue, Christian Rutten, Pierre
Somville et Annick Stevens Traductions nouvelles, Bibliothèque de la
Pléiade, n° 601, 1664 pages, rel. Peau, 105 x 170 mm, Gallimard, 2014.
Aristote a marqué indéniablement l’histoire des idées, des sciences et de la
philosophie depuis vingt-cinq siècles. Au-delà, la transmission de la pensée
aristotélicienne demeure instructive sur la manière dont la société «
occidentale » a appréhendé cette pensée et s’est progressivement constituée.
C’est à partir de cette pensée unique et fondatrice, accompagnée d’un legs
enrichi par des siècles de commentaires, que cette nouvelle édition des
œuvres d’Aristote sous la direction de Richard Bodéüs propose au lecteur de
(re) découvrir Ethiques, Politique, Rhétorique, Poétique ou encore
Métaphysique, des œuvres essentielles dont l’appareil critique réuni
n’interdit pas une lecture moins savante. Comme le souligne Richard Bodéüs,
chaque nouvelle traduction des œuvres d’Aristote conduit à une nouvelle
interprétation de la pensée du penseur antique. Nous vivons encore
aujourd’hui – malgré et avec les technologies modernes – avec les catégories
patiemment dégagées par celui qui fut surnommé le Stagirite en raison de sa
naissance à Stagire en 384 (ou 385). Disciple de Platon à Athènes, on
retient de son parcours biographique lacunaire le fait qu’il fut en charge
de l’éducation du jeune Alexandre sur invitation du roi Philippe II. Ce sera
d’ailleurs avec une coïncidence troublante que le grand philosophe
disparaîtra peu de temps après la mort du grand conquérant et qu’à l’inverse
de ce dernier, il laissera un legs impérissable aux générations futures.
Lorsqu’on évoque les œuvres d’Aristote, rapidement les images de dédale et
du Fil d’Ariane surgissent. Les origines du corpus aristotélicien sont en
effet confuses et mystérieuses. Et si nous n’avons que peu d’informations
sur l’apparition de ces textes – certainement diffusés par un cercle d’amis
et de confidents, leur transmission se révèle plus connue à partir du
Moyen-Âge. Une certitude caractérise néanmoins chacune de ces sources,
aucune d’entre elles ne provient directement de leur auteur. Aussi, sur une
aussi longue période, imagine-t-on sans peine les pertes et les ajouts,
voire les intrusions intentionnelles extérieures à la pensée d’Aristote.
Chaque nouvelle édition des œuvres d’Aristote se doit dès lors de poser ces
questions au premier plan, tenant compte de ce qui a disparu et soupesant la
masse toujours importante des textes ayant subi les vicissitudes du temps.
La philosophie est au cœur des textes choisis pour cette édition avec pour
chacun d’eux une nouvelle traduction bénéficiant d’un nombre remarquable de
notes. Il n’en fallait pas moins pour permettre l’accès à la pensée de
l’initiateur du Lycée à Athènes au IV e siècle. Plutôt que d’approfondir une
fois de plus ce qui oppose Platon et Aristote en écho à la fameuse fresque
de L’Ecole d’Athènes de Raphaël, Richard Bodéüs a estimé plus
intéressant d’analyser ce que ce dernier retenait de son ancien maître tout
en sachant s’en distinguer sur de nombreux autres points. Aristote est sans
conteste l’un des premiers à avoir élaboré une pensée sur le raisonnement
scientifique et les textes réunis pour cette édition montrent combien le
réel ne saurait être appréhendé que par une « irréductible multiplicité »,
ainsi que le souligne l’introduction à ce volume rendant plus accessible la
pensée du Stagirite en tant que philosophe de la vie avec toutes les leçons
que nous pouvons encore aujourd’hui en tirer.
Charles Péguy Œuvres poétiques et
dramatiques, Édition publiée sous la direction de Claire Daudin avec la
collaboration de Pauline Bruley, Jérôme Roger et Romain Vaissermann,
Nouvelle édition, Collection Bibliothèque de la Pléiade (n° 60), Gallimard,
2014.
Le 5
septembre 1914, Charles Péguy meurt tragiquement sur le champ de bataille.
L’Histoire retient souvent, avec cette fin qui couronne un engagement sans
concession, le philosophe, le moraliste, le socialiste humaniste, bref
l’intellectuel engagé dans tous les combats de son temps. Or, une nouvelle
édition des œuvres poétiques et dramatiques de Péguy dans la collection de
La Pléiade invite à redécouvrir la poésie de celui qui naquit à Orléans en
1873 et qui considérait tant la beauté et en même temps les exigences du
vers régulier. La préface de Claire Daudin qui a dirigé cette édition pose
très clairement la question : « … le prosateur des Situations, des
Dialogues et des Notes, est-il capable de passer sans dommage de
la phrase au vers ? ». Au-delà de l’image facile d’un Péguy catholique et
patriote, oscillant entre dévotion et nationalisme, le rapport à la poésie
qu’entretint le poète dépasse, en effet, ces réductions et révèle une âme
sensible, née à la poésie avec son amour impossible pour Blanche Raphaël.
Afin de dominer ces passions et ce jaillissement, Péguy s’impose une
discipline à l’école du vers, comme il le faisait pour l’entrainement
physique en tant que sportif, puis soldat. Et c’est avec l’alexandrin qu’il
trouve son équilibre, ce qui ne l’empêchera pas parallèlement d’utiliser le
vers libre et même d’être à l’origine de nouvelles formes. La poésie de
Péguy peut sembler cependant accessible avec ses références à la culture
classique et son vocabulaire appartenant au quotidien. La répétition de
certains vers, l’usage des nombreuses allitérations dans Les Armes de Jésus
soulignent cependant la lancinante souffrance de La Passion du Christ
alors que quelques vers plus loin le poète a recours à des images
familières, et adopte même un ton ironique entre Rabelais et Villon :
Mais Satan les regarde et fumant du naseau
Ce serpent venimeux, cet immonde pourceau
S’est juré d’empester le faubourg Saint-Marceau
Ce serpent à sonnette avec sa sonnerie
S’est vanté qu’il ferait (voyez sa hâblerie)
Jeter par ses suppôts les saints à la voirie ;
Péguy fait également surgir des images fortes qui bouleversent l’âme de
celui qui compose et de celui qui découvre ces interrogations :
Avons-nous étendu comme un manteau de fleurs
Nos oraisons, nos vœux et nos recueillements.
Avons-nous étendu le rideau de nos pleurs
Entre le fils de l’homme et nos délaissements.
(Eve)
Aussi, avons-nous beaucoup à découvrir dans cette belle édition où les pages
retranchées de certains manuscrits nous offrent Péguy, tout Péguy a-t-on
envie de dire, ce qui n’est que justice pour un écrivain et un poète qui a
refusé très jeune la notoriété qu’il aurait pu connaître de son vivant au
profit d’un anonymat derrière les fameux Cahiers de la Quinzaine. Nous
partagerons, ainsi, l’avis d’Henri Meschonnic qui à propos de l’écriture de
Péguy évoquait une « épopée de la voix ». Cette nouvelle édition ouvre sur
le drame Jeanne d’Arc de 1897 touchant de près le problème du Mal qui
l’occupait. Mais le théâtre chez Péguy fusionne tout aussi bien les
questions les plus essentielles avec le quotidien jusqu’aux nombreuses
références populaires. La tragédie à l’antique n’est jamais loin où le
social souligne les questions cruciales sans pour autant sombrer dans le
lyrisme. Il y a beaucoup à découvrir donc dans ces textes réunis, ceux que
nous connaissions déjà et qui trouvent leurs échos dans notre société
contemporaine malade de ses excès, mais également tout un pan poétique plus
masqué et dont le voile se lève progressivement à la lecture de cette
nouvelle édition…
Madame de Lafayette
Œuvres complètes édition établie par Camille Esmein-Sarrazin Bibliothèque de
la Pléiade, n° 595, 1664 pages, rel. Peau, 105 x 170 mm Gallimard, 2014.
Madame de Lafayette serait-elle l’auteur d’une seule œuvre et encore non
signée d’elle ? Camille Esmein-Sarrazin en préparant et en introduisant
cette édition pour La Pléiade s’inscrit fermement en faux contre un tel
jugement si réducteur sur l’une des femmes de lettres les plus connues et
reconnues de l’Ancien Régime. La renommée de Madame de Lafayette ne tient
pas d’un simple surgissement éphémère et du fruit de contingences élégamment
complaisantes, mais bien d’une fine plume appréciée pour ses qualités tant
pour les choses sérieuses que plus légères, ainsi que le relève La
Rochefoucauld qui faisait partie de ses proches : « il n’y a rien de plus
naturel et de plus délicat » que ce que produit sa plume, laquelle
réunit heureusement « la bagatelle et le sérieux ». La jeune femme
compte parmi ses proches l’épistolier Pierre Costar, le grammairien Gilles
Ménage, l’érudit Pierre-Daniel Huet… Madame de Lafayette est présentée selon
les documents d’époque comme faisant partie des Précieuses de son temps,
fort appréciée non seulement par un cercle d’amitiés féminines, mais
également par celui de la Cour. En 1662, La Princesse de Montpensier
parait, sans que l’ouvrage ne soit signé d’elle. Zayde parait en 1669
et il est attribué à Segrais. En 1678, c’est au tour de La Princesse de
Clèves d’être publié de manière anonyme, ce qui provoqua curiosité et
débats pour non seulement connaître son auteur, mais également afin de juger
si le personnage central de ce récit, qui allait devenir célèbre jusqu’à nos
jours, devait ou non avouer à son mari ses préférences pour un autre homme…
Le lecteur du XXIe siècle sera bien entendu tenté de commencer par la (re)lecture
de ce texte qui sait encore faire parler de lui au temps des livres
numériques et des communications planétaires. Il aura alors le bonheur de
découvrir un roman historique passionnant sur la Cour des Valais, mais
aussi, et surtout, d’être porté par une analyse d’une rare finesse tissée
par la passion, le tout servi par une langue à son apothéose. Le Jansénisme
omniprésent tempère et livre une guerre sans merci aux tentations du
mouvement libertin dans une œuvre d’une rare modernité démontrant toute la
complexité de cette époque. Doit-on consentir à l’amour ou le refuser pour
des raisons encore plus impérieuses ? Refuser ce plaisir peut-il être un
plus grand plaisir ? Les interrogations sont nombreuses dans cette œuvre où
la princesse de Clèves avoue à M. de Nemours « Mon devoir me défend de
penser jamais à personne, et moins à vous qu’à qui que ce soit au monde,
pour des raisons qui vous sont inconnues. » dixit. Mais, comme le
soulignait Camille Esmein-Sarrazin, Madame de Lafayette n’est pas l’auteur
d’une seule œuvre, aussi célèbre soit-elle, et cette édition met à la
disposition du lecteur ses autres œuvres éclairées par de nombreux
documents, un appareil critique notamment sur la langue de ce brillant XVIIe
siècle et enfin la correspondance intégrale permettant ainsi de multiples
perspectives sur la manière de lire ces œuvres à l’époque de leur écriture
et de nos jours. Et, oui, le lecteur ne pourra qu’acquiescer avec Madame de
Sévigné lorsqu’elle estimait que ce petit livre ne serait pas de si tôt
oublié !
Contient
Portraits - Histoire de la Princesse de Montpensier sous le règne de Charles
IXe, roi de France - Histoire de Madame la Comtesse de Tende -
Lettres-pastiches - Zayde - La Princesse de Clèves - Histoire de la mort
d'Henriette d'Angleterre - Correspondance (1652-1692). Appendice : Mémoires
de la cour de France pour les années 1688-1689 [œuvre attribuée]. Autour des
œuvres : Préfaces, sources et documents - Réception aux XVIIe et XVIIIe
siècles.
Stendhal Œuvres
romanesques complètes Tome III, Nouvelle édition par Yves Ansel, Philippe
Berthier, Xavier Bourdenet, Serge Linkès, Bibliothèque de la Pléiade, n° 16,
1520 pages, rel. Peau, 105 x 170 mm, Gallimard, 2014.
Ce troisième tome de la Pléiade consacré aux œuvres romanesques de Stendhal
achève ainsi dans un ordre chronologique l’intégralité de la publication
dans la fameuse collection des œuvres de l’écrivain avec pour ce dernier
volume La Chartreuse de Parme complétée par la passionnante
correspondance à son sujet entre Stendhal et Balzac ainsi que la belle
recension de l’œuvre par ce dernier. Stendhal, le lecteur aura toujours
peine à le croire, aura dicté cette œuvre en cinquante-trois jours, une
œuvre qui marquera à jamais le paysage littéraire même si son auteur tentera
de tenir compte des corrections suggérées par Balzac et qui conduira à une
seconde édition du roman qui ne parut jamais comme le souligne Philippe
Berthier, grand stendhalien et responsable de cette édition avec Yves Ansel,
Xavier Bourdenet et Serge Linkès. Stendhal pouvait-il et devait-il réécrire
La Chartreuse ? A la lecture de l’incroyable « recension » de Balzac parue à
la Revue parisienne le 25 septembre 1840, tout pouvait encourager l’écrivain
à suivre les conseils de son prestigieux aîné et maître en roman. Balzac
soulignait en commettant une erreur sur l’orthographe de son pseudonyme
combien « M. Beyle, plus connu sous le pseudonyme de Stendalh [sic], est,
selon moi, l’un des maîtres les plus distingués de la littérature des
Idées » au rang de laquelle il range Musset, Mérimée, Nodier… Balzac trouve
l’œuvre extraordinaire et représente selon lui le chef-d’œuvre de cette
littérature à Idées, une œuvre qu’il a lue trois fois et dont il estime
qu’elle reste limitée à une petite élite qui seule saura la comprendre et
l’apprécier à sa juste valeur… L’article de Balzac invite cependant Stendhal
à revoir le style du roman, à « polir » certaines imperfections. Lire La
Chartreuse à notre époque semblera parfois bien éloigné des remarques et
suggestions proposées par Balzac, mais constituera toujours une expérience
unique et dont l’alchimie tient non seulement à l’écriture, mais aussi à
l’intrigue, à l’analyse des caractères des différents protagonistes, une
apothéose romanesque jamais atteinte jusqu’à cette œuvre et comme le
souligne Philippe Berthier dans une belle évocation : « Et c’est pourquoi
La Chartreuse de Parme, malgré les catastrophes en série sur
lesquelles elle se clôt, laisse dans l’esprit, comme par un effet de
persistance rétinienne, le sillage long à se refermer d’un sourire ». Ce
sourire, nous le retrouverons également, d’une autre manière avec certaines
des œuvres réunies ici dans ce troisième volume accompagnées de notices et
de notes rendant leur lecture encore plus passionnante. On pense à Lamiel,
œuvre souvent remise sur le métier et qui sera sans fin avec ces fragments
épars réunis par l’auteur et ne correspond pas à un plan programmé ou unifié
par son auteur. Cela n’enlève rien au charme de ce récit qui débute en
Normandie, dans un petit village où une jeune fille nommée Lamiel, est
passionnée par les récits d’aventures et de brigands. A la recherche du
plaisir, le rire de la jeune fille vaut d’être entendu à l’encontre
de toutes pudibonderies…
PHILOSOPHIE - SOCIETE - ESSAIS
Baudouin de Bodinat : « Au fond de la couche
gazeuse ; 2011-2015 », Editions Fario, 2015.
« Au fond de la couche gazeuse ; 2011-2015 », le dernier ouvrage de
Baudouin de Bodinat paru aux éditions Fario qui fait suite à « La Vie sur
Terre » (T. 1 & 2, Ed. de l’Encyclopédie des nuisances) est un livre
lumineux à l’écriture implacable dont la lecture, certes exigeante, ne
pourra laisser le lecteur indifférent. C’est, en effet, un regard lucide que
pose l’auteur sur le monde « comme il va ». Désastres écologiques,
pollution de l’air et des mers, effets dévastateurs méconnus ou volontiers
ignorés du numérique, des nanotechnologies, etc. rien n’échappe vraiment à
Baudouin de Bodinat. L’auteur n’a de cesse, non de dénoncer, mais bien de
penser. Ne posant ni jugements, ni procès, il mène une inlassable réflexion
comme d’autres respirent ; une pensée comme quelque chose de vital, dans ce
monde où la pollution lumineuse laisse l’homme moderne s’engloutir dans un
somnambulisme numérique d’où la mémoire de la voie lactée et de l’homme
lui-même se perdent sans bruit. Dans cette vaste réflexion menée sur
plusieurs années, il s’interroge notamment sur l’abîme qui se glisse
inexorablement entre l’intelligence émotionnelle et le numérique, le partage
de la prétendue intelligence des Smartphones dans ce monde panoptique
ou encore sur ce temps numérique « en simultanéité planétaire, dans ce
présent stationnaire où l’histoire est rentrée en phase gazeuse (un gaz
explosif) ; qui substitue ainsi à la durée psychique de la rotation des
aiguilles (en analogie à la course du soleil, à la succession des jours et
des nuits) sa chronométrie d’instants égrenés au compteur du processus en
cours, où nous n’importons pas avec nos allées et venues… »
Baudouin de Bodinat ne se complait cependant pas dans un pur et sombre
pessimisme, mais propose, dans une langue ciselée, une prise de conscience,
un avertissement, « une expansion de la conscience, qui puisse la nourrir
et l’accroître, étendre ses perspicacités dans les choses d’où dépend la
conduite de la vie », souligne-t-il à propos des livres « papiers
». Laisser encore un peu de place à la pensée, à l’imagination, aux
fantasmagories qui font le temps et les mystères de la vie. Enrayer cette
vaine course folle à la performance et au « toujours plus ». Il y a
chez lui comme une volonté de conjuration face au sort de ce monde dévasté.
Comme Eugène Atget, à qui il a consacré un petit ouvrage (éd. Fario 2014 ;
notre chronique),
il capture par son écriture les dernières images d’un monde qui s’éteint, et
se souvient d’une rangée de haricots, des pois de senteur, ou de la valeur
d’un livre papier tenu entre les mains comme un éveil des sens ; «
certains matins la beauté inaugurale du ciel s’illuminant au levant infuse
l’âme tout entière, et profondément alors nous accorde à notre partie
terrestre » écrit-il. Et de son regard, comme par la lucarne d’un
téléobjectif, il nous décrit ce monde déjà présent qui nous apparaît à tort
comme l’impensable ; une cartographie de cet indéniable saccage qualifié
étrangement d’inimaginable. Sa pensée n’est pas éloignée d’autres
philosophes engagés tel que Miguel Benasayag dont les écrits, dans une
tonalité certes différente, avertissent des mêmes dérapages et dangers
imminents. Perdre de vue la terre et tout ce qui fait l’homme. Car si
l’humanité du XXe siècle fut la première à aller, certes, sur la lune, mais
aussi à acquérir la capacité de s’autodétruire, elle est surtout, en ce
début de XXIe siècle, la première à ne plus savoir comment arrêter ce compte
à rebours d’un suicide généralisé et autoprogrammé.
Un ouvrage qui interroge, interpelle et rappelle combien il est nécessaire
et urgent pour l’homme d’aujourd’hui de ne plus se vouloir aveugle et de
regarder « au fond de la couche gazeuse », en se souvenant que la «
chose qui surprend les astronautes […] – souligne Baudouin de Bodinat
- c’est la minceur de la couche d’atmosphère entourant notre globe ; la
ténuité de cette enveloppe gazeuse autorisant la vie en bas, la respiration
de la nature ensoleillée en rotation dans l’obscurité intersidérale ;
l’existence de ces milliards d’humains s’activant sans relâche dans leurs
villes énormes, leurs fumées, leurs radiations. »
L.B.K.
François Jacob : « Voltaire », Gallimard, Coll.
Folio biographies, 2015.
Voltaire, oui, bien sûr. Cité de gauche à droite, de haut en bas, toujours.
Mais connaît-on pour autant au-delà des citations la vie de François-Marie
Arouet (1694-1778) destiné à devenir Arouet de Voltaire puis Voltaire, «
notre » Voltaire ? Connaît-on, en effet, celui qui se plaisait à affirmer,
même encore à 83 ans l’année de sa mort, qu’il n’était pas né contrairement
à ce que mentionnait son certificat de baptême le 21 novembre 1694 ?
Connaît-on la vie de celui qui par ailleurs n’avait pas écarté d’être le «
bâtard » du noble et ombrageux mousquetaire du roi Claude Guérin de
Rochebrune, et qui enfin préféra pour des raisons demeurées encore
énigmatiques choisir le pseudonyme de Voltaire ? Voltaire quel choix ! La
vie du grand philosophe, figure emblématique de la pensée française et qui
fut plus que salué lors de son retour à Paris après presque trente ans
d’absence, méritait bien une biographie supplémentaire accessible, claire et
faisant le point sur de nombreuses questions plus que jamais d’actualité.
C’est cette biographie inédite parue dans la collection Gallimard-Folio
biographies que nous propose aujourd’hui François Jacob dans un style
vif et non dénué d’humour pour ce grand penseur qui aimait et maniait si
bien cet art difficile qu’est l’ironie. L’auteur, conservateur de la
Bibliothèque de Genève en charge de l’Institut et du Musée Voltaire de
Genève, spécialiste du XVIIIe siècle, a consacré déjà de nombreux ouvrages
au philosophe et à son plus fervent ennemi à partir de 1660 Jean-Jacques
Rousseau admis au Panthéon trois ans après Voltaire. Suivant une ligne
biographique strictement chronologique, on y retrouve les amitiés et les
influences marquantes du jeune François-Marie au Lycée jésuite
Louis-le-Grand, les affinités et inimitiés du penseur, les démêlés du
philosophe, les ambitions de l’écrivain, œuvres philosophiques, théâtrales,
conteur, romancier, poète, grand épistolaire et historien. Il fut
contemporain et historien de Louis XIV ; il a, en effet, 21 ans lorsque
Louis meurt et il regarde passer le cortège royal, quarante ans plus tard,
il écrira « Le siècle de Louis XIV »… (Folio classique, 2015). C’est
une vie indissociable d’une pensée et d’une œuvre immense que nous donne à
lire François Jacob dans cette biographie ; des pages où s’enchaînent les
rencontres du penseur avec les grands et les plus influents intellectuels de
son siècle faites de positions anticléricales, de débats pour une monarchie
modérée et libérale, de luttes contre le fanatisme religieux et de combats
pour la tolérance, la liberté, la justice, pour cette pensée éclairée des
Lumières.
Elisabeth de Fontenay « La prière d’Esther » Seuil,
2014.
Élisabeth de Fontenay signe avec La prière d’Esther un livre très
personnel, à mi-chemin entre l’évocation cathartique et la digression
savante invitant pour ce faire l’Ancien Testament, Racine ou encore Proust à
ces conversations intimes. La philosophe incite à ouvrir la Bible, celle de
Sacy de préférence pour son admirable traduction qui nous transporte à
Port-Royal et à sa sobre élégance, afin d’y relire la mémorable prière
d’Esther, personnage éponyme du livre de l’Ancien Testament. La prière
d’Esther, épouse du roi de Perse Assuérus et originaire de Judée, débute
ainsi :
O roi, si j'ai trouvé grâce devant vos yeux, je vous conjure de
m'accorder, s'il vous plaît, ma propre vie pour laquelle je vous prie, et
celle de mon peuple pour lequel je vous supplie. Car nous avons été livrés,
moi et mon peuple, pour être foulés aux pieds, pour être égorgés et
exterminés. Et plût à Dieu qu'on nous vendît au moins, hommes et femmes,
comme des esclaves ! ce mal serait supportable, et je me contenterais de
gémir dans le silence ; mais maintenant nous avons un ennemi dont la cruauté
retombe sur le roi.
Racine reprit dans sa tragédie Esther, en écho cette antique
supplique commémorée chaque année lors de la fête de Pourim, et dont les
premiers vers commencent ainsi :
Ô mon souverain Roi !
Me voici donc tremblante et seule devant toi.
Mon père mille fois m’a dit dans mon enfance
Qu’avec nous tu juras une sainte alliance,
Quand pour te faire un peuple agréable à tes yeux,
Il plut à ton amour de choisir nos aïeux.
Même tu leur promis de ta bouche sacrée,
Une postérité d'éternelle durée.
Hélas ! ce peuple ingrat a méprisé ta loi.
La nation chérie a violé sa foi.
Elle a répudié son époux, et son père,
Pour rendre à d'autres dieux un honneur adultère.
Maintenant elle sert sous un maître étranger.
Mais c'est peu d'être esclave, on la veut égorger.
Élisabeth de Fontenay a dès son plus jeune âge retenu par cœur cette prière,
dans laquelle elle se réfugiait inconsciemment avant d’apprendre le terrible
secret de famille : élevée dans la religion catholique afin de la protéger
de la barbarie nazie, une grande partie de sa famille maternelle fut
exterminée dans les camps de la mort. Petite, Élisabeth de Fontenay s’est
identifiée à cette prière, jusqu’à la savoir par cœur, tout en « ignorant »
qu’elle était issue de cette antique lignée célébrée dans la prière. Les
raccourcis sont toujours rapides lorsqu’il s’agit de rechercher là son
attachement avec les sans-voix que l’on mène chaque jour à l’abattoir, la
philosophe est prudente et nous comprendrons mieux pour quelles raisons en
découvrant cet essai inspirant à plus d’un titre. Le premier d’entre eux
vient très certainement de cette idée évoquée par Walter Benjamin selon
laquelle « entre les générations passées et la nôtre existe un rendez-vous
mystérieux ». Ces instants de rencontre se font souvent à l’insu des
protagonistes comme le démontre cette prière venue de la plus ancienne
Histoire biblique aux oreilles d’une jeune enfant pourtant bercée par le
rite catholique romain. Et cette fulguration, comme le rappelle la
philosophie, a choisi un intermédiaire de choix en la personne de Racine. Ce
n’est en effet pas par le texte biblique directement, mais par son heureuse
variation léguée par le théâtre racinien que la jeune fille put en fin de
compte cristalliser ce message par une anamnèse irréversible. Qu’allait-elle
en faire cependant ? L’ensemble de l’œuvre d’Élisabeth de Fontenay en est en
quelque sorte la réponse et cet essai, cette forte « prière d’Esther » en
donne en filigrane une belle démonstration. L’intellectuelle, par-delà la
mémoire particulière, est consciente des risques que font courir les
enjambements temporels comme elle les nomme, ainsi que la continuité à
travers les temps. Aussi, se garde-t-elle des généralisations qui réduisent
et ouvrent les voies aux faux prophètes. Nous la suivrons alors dans ces
habiles sinuosités d’un texte dont les multiples traductions sont autant de
témoins convoqués à cette brillante conversation avec elle-même, et avec ses
lecteurs…
Philippe-Emmanuel Krautter
Miguel Benasayag avec la collaboration d’Angélique
del Rey : « Clinique du mal-être ; la psy face aux nouvelles souffrances
psychiques », Editions La Découverte, 2015.
Après le livre La fragilité réédité en 2014, Miguel Benasayag avec la
collaboration d’Angélique del Rey propose avec ce dernier ouvrage
Clinique du mal-être de nouvelles réflexions sur les souffrances de
l’homme moderne, mais ici confrontées à la psychanalyse, psychiatrie, et
autres pratiques de psychothérapie, ou dit plus rapidement face au monde de
la psy selon le titre de l’ouvrage. Comme à son habitude, Miguel
Benasayag – philosophe et psychanalyste - ne prend ni détours ni gants pour
dresser un bilan et les défis que doit aujourd’hui relever la psy face
aux nouvelles souffrances psychologiques. Pour ce faire, l’auteur
expose, en premier lieu, la solitude profonde qui touche l’homme et les
femmes, mais aussi les enfants et ados dans notre monde occidental
contemporain. Or, s’il existe bien une solitude existentielle inévitable
propre à la condition humaine, à la condition d’être vivant limité,
pour le psychanalyste Miguel Benasayag, l’homme moderne se cogne cependant
aujourd’hui à une solitude ontologique. Les auteurs soulignent combien les
liens qui structurent l’être sont de nos jours brisés voire absents,
faussement remplacés par des liens ou réseaux toujours plus factices,
oubliant ainsi la question de la séparation, et laissant l’homme moderne,
seul, coupé de tout, de tous, et en premier lieu de lui-même ; Or, cette
solitude ontologique est productrice de souffrances originales au sens où
elle engendre l’impuissance. L’agir est en effet profondément attaché à nos
liens éprouvés avec le monde, avec l’étendue de notre surface d’affection
[…] souligne l’auteur qui s’inscrit dans la lignée de la psychiatrie et
des psychothérapies alternatives ; or, pour répondre à cette souffrance,
l’homme moderne est de plus en plus conduit à choisir une adaptation
excessive, une mobilité intérieure, qui ne peut entraîner
malheureusement qu’une détérioration de sa propre intériorité aggravant
ainsi ses maux psychologiques. Bien plus, note encore Miguel Benasayag, la
souffrance de l’homme moderne est elle-même dénoncée comme déviance,
déviance bien vite récupérée et prise en charge par le corps médical ; une
médicalisation et médication conduisant à une désubjectivation de la
souffrance engendrant ainsi encore une plus grande souffrance.
La psy se doit donc de répondre à ces nouvelles afflictions psychiques de
l’homme du XXIe siècle qui se traduisent par de nouvelles demandes. Car,
aujourd’hui, ce ne sont plus les classiques interrogations, Pourquoi je
souffre ? D’où vient cette souffrance ?, qui sont posées au psy, mais
comment recoller, comment être performant, réparer ? … comme on répare
ou booste un moteur ! Car l’homme, la femme, l’ado sont bien perçus
aujourd’hui – et se perçoivent – comme un pur mécanisme ou agrégat qu’il
suffirait de démonter et de remonter dans le sens souhaité. Il y a, souligne
Miguel Benasayag, une déconstruction, désintégration de l’intériorité de
l’homme, ce dernier étant devenu – avec plus ou moins de complicité –
toujours plus transparent et panoptique. Dépliant avec délectation, il est
vrai, à l’aide de son smartphone, son appareil photo ou autres, sa vie, ses
plaisirs et son propre divan, à tout moment et en tous lieux… Plus de plis
pour reprendre Deleuze, plus de jardin secret, mais bien un dépliement
quotidien de l’homme moderne. Face à ces nouvelles souffrances, nouvelles
demandes, c’est à une véritable obligation de résultat à laquelle sont
confrontés les psychiatres, psychanalystes et cliniciens. La vie de
l’individu est devenue de plus en plus une stricte petite affaire
personnelle n’aspirant plus qu’à trouver de pures techniques de bien-être
sur la table de chevet du divan… Néanmoins, Miguel Benasayag, s’appuyant sur
ses nombreuses années de pratique, n’entend pas pour autant dédouaner la
psychanalyse ; selon lui, cette dernière avec ses querelles de clocher, ses
dogmes, a raté également bien des rendez-vous, et notamment celui essentiel
de sa dimension de recherches et de questionnements, et au lieu de
participer - souligne-t-il - à la déconstruction de la figure de
l’homme moderne, comme son origine pourtant l’y destinait, la psychanalyse
se mit alors rapidement – ou disons cycliquement (elle finissait toujours
par revenir à ce geste de restauration) – à fabriquer de l’individu. Et
si la psychanalyse, par tradition, a trop tendance à recentrer l’individu
sur son petit moi, les autres psychothérapies ont, quant à elles, en
revanche, trop vite fait de le disloquer, le diluer dans des techniques qui
lui demeurent trop souvent extérieures voire exotiques.
Or, pour l’auteur, le défi essentiel de la psychanalyse aujourd’hui est de
remettre l’homme moderne, ni au centre ni à l’autre bout du monde, mais bien
en situation, l’amener à reconsidérer ses souffrances eu égard à
l’imbrication des circonstances, une mise en perspective tant individuelle
que sociétale ou idéologique. C’est cette imbrication situationnelle, et non
dislocation ou autocentrage de l’individu, que doivent rechercher en commun
tant l’analyste que le patient dans une ouverture de non-savoir, de
non-déterminisme ou quadrillage préétabli. Du ça m’arrive vers la
compréhension du ça arrive… souligne l’auteur. Aborder, ou plus
exactement accueillir la thérapie avec notamment un temps multidimensionnel
et une recontextualisation permettant à l’analyse d’être pleinement
situationnelle. Dans une approche spinoziste, se plaçant sur une
connaissance du second genre, ce n’est plus un Connais-toi toi-même
stricto-perso que préconise le philosophe et psychanalyste Miguel Benasayag,
mais bien un Connais-toi dans ce monde et connais comment le monde se
manifeste à toi. Pour l’auteur de Connaître, c’est agir (La
Découverte 2006), l’analyse situationnelle doit amener le patient et
l’analyste à appréhender – ensemble - les possibles concrets pour un agir
tout aussi concret. Dépasser le narcissisme, tendre vers une «
désidentification » des rôles sclérosés et sclérosants pour mieux connaître
cette géographie intérieure (avec ses failles, son corps, ses ruses
pour refouler sa propre négativité…) n’excluant ni réalité psychique ni
extérieure, mais entendre ce qui cogne et ne demande qu’à déborder et happer
chacun de nous. Ma vie ce n’est pas moi, souligne le philosophe et
psychanalyste, telle est sans doute la conclusion à laquelle on arrive
quand on se laisse capturer par les traits de singularité qui nous
traversent. Plus je m’oublie, plus j’existe, car le moi est la prison
de la vie. La thérapie situationnelle a précisément comme objectif d’aider
cet « oubli » comme on permet à la porte de la cellule de s’ouvrir. Cet
ouvrage captivant et stimulant, qui invite à un autre regard sur la
thérapie, l’analyste et le patient, ne saurait être réservé aux seuls
professionnels, mais captivera toute personne s’interrogeant sur l’humain,
sur ce qui le traverse, sur la vie.
L.B.K.
Aristote Œuvres complètes, sous la direction de
Pierre Pellegrin, Flammarion, 2014.
C’est l’ensemble des œuvres attribuées à Aristote qui se trouvent réunies en
un impressionnant volume de 2925 pages dans cette nouvelle édition réalisée
sous la direction de Pierre Pellegrin. L’introduction qu’il a rédigée à
l’occasion de ce travail dont on imagine l’ampleur permet de revenir sur
certains points de la vie de celui qu’il faut toujours appréhender par des
intermédiaires, antiques, médiévaux ou plus contemporains. Aristote ne peut
être perçu de manière indépendante, par un témoignage direct, mais bien plus
par le regard de ceux qui se sont eux-mêmes penchés sur lui. Aristote aurait
pu être médecin s’il avait suivi la voie de son père, mais c’est à dix-sept
ans qu’il ira suivre à Athènes les enseignements de l’Académie platonicienne
pendant vingt années, avec les conséquences que cela aura pour les idées qui
les réuniront, et celles qui les distingueront. Cette formation jouera
beaucoup sur les branches du savoir qu’il étudiera et sur lesquelles le
Stagirite deviendra l’incontournable référence pour les générations et
civilisations à venir, de l’Occident, comme de l’Orient. Pierre Pellegrin
insiste, bien sûr, également sur la différence entre le corpus platonicien
et aristotélicien. Si le premier est né essentiellement des notes dictées
par lui, les sources collectives qui caractérisent les textes attribués à
Aristote rendent plus délicates les attributions exclusivement nominatives
surtout avec la redistribution réalisée sur eux par Andronicos de Rhodes au
Ier siècle av. J.-C., une donnée qui n’était pas rare dans l’Antiquité, même
si elle ne peut que surprendre nos contemporains. Si Aristote appréhende
tous les domaines du savoir, il ne prône pas pour autant une raison unifiée.
Sa curiosité le portera à étudier tous les domaines de la connaissance comme
en témoigne l’extrême diversité des textes réunis dans cette édition,
diversité qui ne devra pas faire oublier que seule une petite partie de ces
textes est parvenue jusqu’à nous. A la différence de Platon évoquant une
science universelle, Aristote distingue les domaines des connaissances, et
pour chacune d’elles des règles spécifiques : celles des sciences
théorétiques qui visent à la connaissance (les mathématiques, la physique,
la théologie) et celles des sciences pratiques où l’on prescrit des
conduites. Comme le souligne Pierre Pellegrin, « Aristote est un philosophe
critique envers les unités factices ». Aussi, notre époque moderne, après
une relative désaffection pour la pensée aristotélicienne ces derniers
siècles, réapprend à interroger selon chaque discipline, et sans recherche
de synthèse, les leçons léguées par le fondateur du Lycée en une archéologie
du savoir à laquelle cette édition contribue d’admirable manière.
Cette édition comprend la totalité des œuvres authentiques d’Aristote,
ainsi que la traduction inédite en français des Fragments. Elle comporte en
outre une introduction générale, des notices de présentation pour chaque
groupe de traités, un index des notions et un index des philosophes.
Régis Debray, Un Candide à sa fenêtre.
Dégagements II. Paris, Gallimard, collection « Blanche », 2015.
Le paradoxe du Candide
Dieu que ce livre est paradoxal ! Il respire l’intelligence et semble en
sourdine et, parfois, à voix haute, dire avec dépit l’insuffisance de son
auteur. Il dénonce l’abaissement contemporain de la littérature dans le
temps même qu’il prouve par sa seule existence le contraire, son
rehaussement. Il propose d’appeler son propre père en écriture un «
aigrivain » alors qu’il résonne d’humilité authentique et éclate à chaque
page d’enthousiasmes communicatifs. Il se donne comme le fils d’un homme
libéré par l’âge (celui d’un tout jeune retraité de bien des métiers) et
parfois accablé par le poids des renoncements alors qu’il fleure bon la
jeunesse de ton et des idées et éclate à chaque page de nouveauté dans le
jugement. Il voudrait célébrer la littérature et les idées de gauche alors
que ce sont des convictions de droite et des écrivains du même bord qui sont
fêtés à de nombreuses reprises : « La bonne littérature nous arrive assez
souvent du mauvais côté » (p. 332). Il aimerait approuver la fin des
systèmes, des « Tableaux », des ensembles et des constructions axiologiques
savantes et viciées alors qu’il dénonce de fait le déclin de la langue
française (« Le maire d’Angers vante, sur ses affiches, la Loire Valley,
p. 28), la déconstruction historique, l’éclatement culturel, « la mise au
piquet des filiations » et l’amuïssement des ambitions : « Le nœud se défait
» (p. 41). Il dénonce l’instrumentalisation mémorielle de l’histoire mais
célèbre la « France romance » (p. 17) et n’hésite pas à parler de son « âme
». Il ne tait pas les dangers de toute Maison de l’Histoire de France mais
sait que « notre sainte frousse devant tout ce qui peut ressembler à une
histoire sainte n’est pas de bon augure » (p. 41). Et c’est en historien des
idées qu’il décrit les « pseudomorphoses » qui ont délité « l’édifice
républicain » (p. 163-167), non sans se fonder sur un essentialisme qui
défrisera les relativistes (« Le portable de quatrième génération a pour
usager le même mammifère nativement angoissé, doté de la même carcasse
ostéomusculaire et du même système nerveux que le plantigrade effaré
guettant le mammouth dans la savane », p. 166).
Paradoxal encore parce que son auteur fait l’éloge du genre de la maxime et
semble dans le même mouvement regretter d’avoir abusé de « l’écriture
fragmentaire », et ce dans le temps même qu’il a bâti un ensemble d’une
cohérence absolue (« Frances », « Mondes », « Politiques », « Philosophies
», « Arts », « Littératures ») dans lequel la présence des marques un peu
conventionnelles de pluriel (même une radio s’est appelée un jour « France
Musiques ») n’empêche en rien le lecteur de conclure à la parfaite
solidarité des parties au sein d’un vaste « Tableau » qui pourrait porter ce
titre : Où en sommes-nous aujourd’hui des déconstructions ?
Paradoxal toujours parce qu’il est habité de culpabilité et d’interrogations
: à quoi bon parler des morts si la postérité, qui seule y pourvoit, a
décidé de les oublier ? Pire encore : dois-je m’en prendre à moi-même de
participer à des célébrations par trop conventionnelles et quelque peu
ridicules (celle du souvenir de Julien Gracq à Saint-Florent-le-Vieil) ?
Définitivement coupable enfin : ai-je le droit de dire du bien de la
Correspondance entre Jacques Chardonne et Paul Morand que je sais hommes
si peu fréquentables ? Désabusée aussi : le succès n’a rien à voir avec le
mérite, Jules Renard était de gauche mais « il captait le monde en homme de
droite » (p. 351) ; Léon Daudet, odieux, avait su prendre parti deux fois
pour Proust en vue du Goncourt (« Les réactionnaires ont le nez creux en
matière d’art », p. 327). Paradoxal, enfin, car ce livre respire un parfum
de nécrologie qui imprégnait déjà les précédentes Modernes Catacombes
de son auteur. On y part à la recherche de tombes, celles de Jules Roy,
Maurice Clavel et Max-Pol Fouchet à Vézelay, celle de Walter Benjamin à
Port-Bou et encore, plus symboliquement, de celle de Romain Rolland, qui,
toutes, n’existent pas, soit physiquement, soit littérairement. Or ces
hommages émouvants à des hommes de lettres les rendent à la vie et Régis
Debray sait que les efforts de mémoire, s’ils sont toujours éreintants, ne
sont jamais absolument vains.
L’auteur n’aime ni la Novlangue (encore moins en milieu culturel et
institutionnel, où elle prospère) ni le bruit (au Salon du livre de Paris,
où il étouffe les écrits) ni, au fond, la bêtise. Oui, il y a du Flaubert
dans ce Journal et, ici ou là, autant de méchanceté que dans le
Dictionnaire des idées reçues : « Le maniérisme de la nuance qui
stérilise notre âge réflexif fait d’une pierre deux coups : suprématie de la
recherche sur la trouvaille, et de l’alambiqué sur le brut » (p. 348). Régis
Debray dirige une excellente revue, Médium, dont le sous-titre est :
« Transmettre pour Innover ». Or ce Candide à sa fenêtre doit être
inscrit dans une tradition littéraire, celle du Journal, dans laquelle il
innove totalement. Ces Dégagements appartiennent de plein droit à la
lignée du Journal de Gide (en moins autocentré), du Bloc-Notes
de Mauriac (en moins chrétien), des Propos comme ça de Chardonne (en
moins droitier), ou encore du tout récemment exhumé Journal de
Philippe Murray, Ultima necat (en moins destructeur). Le talent en
littérature est au-dessus des idées, mais ces dernières, ici brillantes,
font nécessité à l’homme de lettres qui, sans cela demeure sans carburant :
« Vouloir convaincre à tout prix donne du cœur à l’ouvrage » (p. 384) et on
ne saurait reprocher à l’écrivain de « tremper sa plume dans le scandale »
(p. 319). Ce n’est pas le moindre mérite de ce livre magnifique, écrit et
construit (il veut parfois donner l’impression du contraire), que de
célébrer par antithèse ce qu’il condamne – la littérature inoffensive et
anodine – en nous offrant ces pages décidément offensives et, au sens
propre, inouïes.
L’ultime paradoxe offert par ce livre est d’y lire le désir de son auteur de
céder à la tentation du retrait, de se livrer à un « recentrage terminal »
(p. 349), alors qu’en réalité personne, depuis longtemps, ne nous avait
aussi largement ouvert les yeux.
Stéphane Ratti
L’Ultima
intervista di Pasolini Furio Colombo, Gian Carlo Ferretti, Traduit de
l'italien par Hélène Frappat. Allia.
Les éditions Allia offrent aux lecteurs français la chance de lire le
dernier témoignage de Pier Paolo Pasolini sous la forme d’un entretien
accordé par l’écrivain italien à Furio Colombo le samedi 1er novembre 1975,
quelques heures avant son assassinat. Ce dernier témoignage ne vient bien
entendu pas remplacer des années d’interventions, la plupart du temps
engagées et volontairement provocatrices, mais il a -en quelques lignes- le
mérite d’offrir un instantané dans lequel s’est engagé celui qui pouvait en
effet se sentir menacé lorsqu’il faisait remarquer à son interlocuteur pour
le choix du titre à cette rencontre : « Voilà le germe, le sens de tout,
a-t-il dit. Toi, tu ne sais même pas qui est en train d’envisager de te
tuer. Choisis ce titre, si tu veux : ‘Parce que nous sommes tous en
danger’. » Et même si nous ignorons encore aujourd’hui, la nature exacte du
danger qui a réellement pesé sur l’auteur du dernier roman subversif
Pétrole, et la véracité des thèses des complots politiques qui auraient
souhaité la disparition d’un esprit trop libre, l’essentiel est à la fois
ailleurs sans pour autant être absent de ces interrogations. Pour Pasolini,
l’Italie, et bien entendu le reste du monde occidental, est en danger depuis
longtemps déjà. Et même si l’intellectuel est bien conscient des limites de
son combat avec les armes pourtant variées de son art (poésie, littérature,
cinéma, théâtre…), il reste persuadé que la résistance n’a pas besoin du
nombre et de l’influence pour porter ses coups à un système qui reste sourd
aux cris de l’humain. Il n’hésite pas d’ailleurs à souligner combien le
refus a toujours constitué un geste essentiel, celles et ceux qui ont
toujours su dire non… Car c’est bien de l’humain dont il s’agit et qui
touche le cœur même des angoisses de Pasolini : « La tragédie est qu’il
n’y a plus d’êtres humains, mais d’étranges machines qui se cognent les uns
contre les autres », cela pourrait faire sourire, si cela n’avait pas
été prononcé en 1975, il y a bientôt quarante ans…
“The Vatican
manuscript of Spinoza’s Ethica » by Leen Spruit & Pina Totaro, Brill,
2012.
12838, tel est le numéro de la Bibliothèque Vaticane indexant l’un des
manuscrits les plus importants de Spinoza puisqu’il s’agit du texte complet
de l’Éthique, seul manuscrit restant de l’auteur. Or, Leen Spruit et
Pina Totaro ont réalisé une véritable redécouverte, en retrouvant les traces
de ce manuscrit qui s’avère être le plus ancien connu de Spinoza. Le lecteur
pourra ainsi suivre le parcours de ce texte depuis la main de son auteur
jusqu’à son transfert dans la Bibliothèque vaticane apostolique en 1922,
après être resté dans les archives du Saint-Office depuis 1677. C’est, en
effet, cette incroyable aventure qui est retracée dans ce livre en
introduction, avant de proposer le texte latin de l’œuvre majeure du
philosophe hollandais. Cette œuvre fut interdite alors même que son auteur
souhaitait démontrer que l’homme devait dépasser l’esclavage de ses
déterminismes et de ses passions pour atteindre la liberté, une position qui
ne devait pas rencontrer l’assentiment du Saint Office.
Une édition critique de ce manuscrit est également proposée dans cet ouvrage
parallèlement à l’étude détaillée de la vie de ce précieux document archivé.
Cette parution permettra également au lecteur du XXI° siècle, à condition
qu’il sache lire le latin, de prendre connaissance de la plus ancienne
version du texte de l’Éthique dont nous puissions disposer aujourd’hui.
MUSIQUE
Clément Janequin : un musicien au milieu des
poètes, Olivier Halévy, Isabelle His et Jean Vignes (direction
scientifique), Symétrie éditions, 2013.
Tout
mélomane ayant écouté la première fois Le chant des oyseaulx de
Clément Janequin, passée la surprise des étonnantes onomatopées, aura
découvert tout un univers où langue, poésie et musique tissent un étonnant
paysage qui fut celui du XVIe siècle et de cette fameuse Renaissance. C’est
à ce grand musicien (ca 1485-1558) qu’est consacrée pour la première fois
depuis 1948 une réflexion collective de grande ampleur faisant le point sur
les connaissances, mais aussi les recherches en cours, sous la direction
d’Olivier Halévy, Isabelle His et Jean Vignes. Ce volume imposant de près de
500 pages a choisi une approche pluridisciplinaire réunissant historiens,
musicologues et littéraires. La polyphonie qui caractérise la musique de
Clément Janequin, et celle du XVIe siècle, atteint souvent des niveaux de
complexité que cache parfois la partie musicale plus connue du grand public
avec les chansons descriptives évoquées précédemment. Il serait, en effet,
réducteur de ne faire de Clément Janequin qu’un compositeur de plus d’airs à
boire et à manger tant son art va pousser à l’extrême les intrications entre
musique et bruit, description et évocation, une démarche essentielle pour
comprendre les mentalités et goûts de cette époque cruciale de l’Histoire
européenne. Les études de ce livre soulignent combien Clément Janequin
réussira à dépasser l’expressivité de son temps en réduisant les frontières
entre poésie et musique, cela grâce à son écriture musicale et à l’écriture
littéraire, les deux domaines unissant avec Clément Janequin leurs forces
pour dépasser le réel. Les textes des chansons deviennent dès lors musique
alors que la composition musicale créée à son tour un nouveau langage. Cette
analyse fait d’autant mieux ressortir la place de la singularité de cette
expression vocale à la Renaissance que cette époque était paradoxalement
plus « sonore » que la nôtre : imagine-t-on encore le cri des marchands dans
les foires à l’heure de nos « musiques » d’ambiance dans les grandes
surfaces, les chansons à tout moment de la journée, les interjections
omniprésentes dans le théâtre comique… Mais l’art de Janequin fut de maître
en musique de la plus heureuse manière ces bruits de la nature et des hommes
en poussant cet art à un point tel qu’il en marquera son contrepoint. C’est
donc à une approche faite de nuances et de subtilités qu’invite cette étude
collective qui souligne cet art singulier de Clément Janequin dans son
époque, tout en le replaçant dans un contexte historique où la belle
littérature (Marot, Ronsard, Saint-Gelais) côtoie les bruits de la ferme et
des forêts ; une heureuse invite à redécouvrir « Le chant du Rossignol
» avec Dominique Visse et son Ensemble Clément Janequin (lire
notre interview) !
Pascal Bouteldja « Un patient nommé Wagner »
Editions Symétrie, 2014.
Pascal Bouteldja est docteur en médecine et consacre une vaste étude à
Wagner, deux domaines a priori éloignés. Et pourtant, le compositeur bien
connu pour ses opéras qui surent révolutionner le paysage musical de son
temps et des décennies à venir peut également être perçu comme un cas
intéressant la médecine si on se réfère à de nombreuses sources inédites
réunies, dans cet ouvrage, par l’auteur, wagnérien passionné. Aussi, le pont
est-il posé entre ces deux domaines, Wagner a, à l’image de son contemporain
Nietzsche, un corps souffrant, un mal qui n’est pas sans influences sur sa
vie et sur son art. Le lecteur est emporté grâce à une écriture fluide, et
fort heureusement épurée du style médical, dans cette biographie de Richard
Wagner avec ces anecdotes et cet éclairage que l’on ne connaissait pas de
l’auteur de Tristan et du Ring. Christian Merlin dans sa
préface cite Marcel Proust pour avertir des dangers qu’il pourrait y avoir à
entreprendre une interprétation biographique des œuvres du compositeur, tout
en poursuivant et citer cependant Wagner lui-même qui rappelait combien on
ne pouvait comprendre son œuvre sans comprendre son auteur. Nous voilà alors
pris dans une lecture stimulante qui ne vise pas, loin de là, à faire tomber
le compositeur du piédestal où il fut placé dès son vivant, mais bien au
contraire d’entrer plus encore dans l’intimité de ce génie par un angle
inhabituel et rarement suivi jusqu’à cet ouvrage. Lors de ses premières
années, l’enfant est chétif, puis quelques années plus tard, sujet à de
multiples angoisses. Crainte des fantômes, de nuit comme de jour, caractère
qui deviendra vite turbulent et colérique, aptitude précoce pour les
acrobaties sont autant de traits de caractère notables de la personnalité du
jeune Richard, sans que ces traits ne révèlent pour autant le génie de sa
personne. A partir de là, l’étude menée par Pascal Bouteldja fourmille de
données impressionnantes, le lecteur suivant tel un médecin le carnet de
santé de Wagner au fil des étapes de sa vie et de ses nombreuses
pérégrinations. Les liens entretenus entre ce corps souffrant et son œuvre
sont plus ténus qu’il n’y parait, ainsi cette lettre de Wagner à son ami de
toujours Franz Liszt est-elle symptomatique : « Ma santé vient de
décliner au point que depuis dix jours que j’ai terminé l’ébauche du premier
acte de Siegfried, il m’a été littéralement impossible d’écrire une mesure
de plus sans être chassé de mon travail par des maux de tête les plus
inquiétants. […] Je suis (en ce qui concerne mon système nerveux) comme un
piano détraqué, et c’est d’un pareil instrument qu’il faut que je tire le
Siegfried. » Nous ne sommes pourtant qu’en 1857 et Wagner aura encore 26
années à vivre… Ce livre offre une étude passionnante à plus d’un titre :
pathologies et remèdes de l’époque, psychologie du musicien et son rapport
avec son entourage, soulignant plus encore le rapport du génie avec son
œuvre, et laissant apparaître combien le corps reste encore trop souvent un
élément sous-estimé et que cet ouvrage contribue avec justesse à éclairer.
L’usage de l’office des Ténèbres s’est peu à peu perdu, avec les siècles, et
la sécularisation de la société. Et pourtant, aux XVII° et XVIII° siècles,
ce rituel marquait la fin de la période de Carême et l’entrée dans les jours
saints précédant la fête de Pâques. Associant liturgie et musique, les
Ténèbres participaient de ce mystère divin célébré par toute la société de
l’Ancien Régime à cette période majeure du calendrier liturgique. Jean-Yves
Hameline (disparu en 2013) a consacré une étude incontournable et publiée
aux éditions Ambronay, non seulement destinée aux musiciens qui auront à
interpréter ce riche patrimoine musical – on pense bien entendu à Couperin
et Charpentier – mais également pour tout mélomane qui aura tout autant
plaisir à le découvrir. L’ouvrage est technique, certes, mais parfaitement
accessible, reposant sur un important travail de recherche sur les sources
d’époque, et de nombreuses reproductions d’ouvrages anciens intégrées dans
le livre avec tous les commentaires et explications nécessaires à leur
compréhension et à l’interprétation du chant des Leçons de Ténèbres en
France à l’époque baroque. Jean-Yves Hameline a justement souhaité partir de
ces récitatifs notés des Lamentations de Jérémie pour mieux exposer en quoi
ils ont su inspirer l’écriture musicale des compositeurs du baroque
français. Ce texte de l’Ancien Testament, d’un caractère sombre dû au
contexte qu’il l’a vu naître, évoque la destruction de Jérusalem en 586
avant Jésus-Christ. C’est à partir de ces récitatifs canoniques que le livre
retrace non seulement l’esprit, mais également les pratiques et rituels qui
se développeront jusqu’aux siècles du baroque et dont les grands maîtres de
la composition reprendront l’essence avec le talent qu’on leur connaît.
C’est tout cet héritage qui est ici non seulement réuni et présenté avec une
finesse d’analyse remarquable. Cette heureuse initiative peut seulement
faire quelque peu regretter que ce riche patrimoine soit tant ignoré dans
les liturgies actuelles de l’Église, catholique et, qu’heureusement, le
monde actuel de la musique préserve totalement de l’oubli grâce à de telles
démarches.
Richard Wagner « Ecrits sur la musique » traduit
par Jean-Louis Crémieux-Brilhac et Jean Launay, préfacé par Richard Millet,
Gallimard, 2013.
Richard Wagner, Franz Liszt « Correspondance » préface de Georges Liébert,
collection Blanche, Gallimard, 2013.
Franz Liszt « Lectures et écritures » sous la direction de Florence Fix,
Laurence Le Diagon-Jacquin et Georges Zaragoza, Hermann, 2013.
Un grand nombre d’écrits sur la musique de Richard Wagner n’était
malheureusement plus disponible et cette nouvelle édition permettra-
heureuse initiative - non seulement aux mélomanes, mais également à un
public plus large de découvrir ou redécouvrir des sources souvent
importantes pour la compréhension de l’œuvre et de l’époque du musicien. Car
Richard Wagner est un homme de son temps et l’a même devancé sur bien des
points en musique grâce à des novations qui étonnent encore aujourd’hui.
Mais la littérature a également occupé une place importante chez Wagner,
avec un gout particulier pour le théâtre qui nourrira le drame qu’il
transposera si souvent en musique. Une des inspirations principales en
musique fut cependant la personne même de Beethoven dont les symphonies
détermineront la vocation musicale du jeune Wagner. C’est donc à ce
compositeur de génie que sont consacrés les premiers écrits réunis dans ce
volume et notamment cette Visite à Beethoven datant de 1840, nouvelle
imaginant un jeune compositeur partant à pied à la rencontre du grand
maître… Puis viennent des textes sur la Neuvième Symphonie qui avait
littéralement plongé dans une extase mystique celui qui prendra lui-même
conscience de sa propre force créatrice à l’école de ce brillant modèle.
Mais il faut surtout relire cet essai datant de 1870 sur Beethoven, époque à
laquelle le compositeur voit L’Or du Rhin et La Walkyrie créés
à Munich. L’essence de la musique, la spécificité du musicien en tant
qu’artiste, les rapports de la patrie et du musicien sont autant de thèmes
abordés dans cet essai qui développe également une partie théorique dans
laquelle les idées de sublime, de beauté et de perfection caractérisent ce
langage universel qu’est la musique.
L’importance de l’écriture et notamment de la correspondance a aussi uni
deux grands musiciens du XIXe siècle que furent Wagner et Liszt comme en
témoigne le fort volume publié par les éditions Gallimard. Ce furent les
mêmes éditions qui avaient déjà publié cette correspondance il y a 70 ans et
qui fait aujourd’hui l’objet d’une nouvelle édition, revue et augmentée d’un
appareil critique remarquable et accompagnée de documents souvent inédits.
L’admiration portée par Franz Liszt à Richard Wagner était immense et le
virtuose accepta bien des entorses à leur amitié en raison de ce génie qu’il
avait perçu chez celui qui allait devenir son gendre. Nous découvrons ainsi
au fil de ces lettres, toujours vivantes et pleines de fougue, les joies et
les peines de ces deux génies que tout pouvait opposer sauf l’amour des arts
et de la musique. Richard Wagner souligne d’ailleurs la valeur du silence
pour mieux le comprendre dans une lettre écrite de Zurich le 2 juillet 1858
et il ajoute : « Tu apprendras le plus caché en faisant connaissance avec
mon Tristan ». Suivront également de nombreuses informations permettant
de mieux apprécier la genèse des œuvres évoquées. A travers le prisme de ces
lettres, toujours soignées, le lecteur entend d’une certaine manière les
compositions en cours et parfois même à venir. Le génie s’écrit devant nos
yeux avec des mots, des maladresses et des incompréhensions souvent, mais
toujours dans un élan passionné qui unit ces deux âmes vouées
indéfectiblement à leur muse. Autre mérite, et non des moindres, de ce livre
est de nous faire entrer au cœur même de la vie musicale, et plus
généralement artistique, de l’Europe du XIXe siècle que parcourent ces deux
génies.
A souligner, enfin, que les éditions Hermann ont également publié les actes
de trois colloques de trois universités françaises associées afin de rendre
hommage au plus européen des musiciens en cette année 2011, année du
bicentenaire du musicien hongrois, Franz Liszt. Chaque colloque a souhaité
aborder un aspect spécifique de la personnalité du grand virtuose. Liszt et
la littérature ont, il est vrai, toujours été associés tant le musicien
chérissait les lettres qui, bien souvent, nourrissaient directement ou
indirectement un grand nombre de ses compositions. Franz Liszt était un
grand lecteur et il suffit de lire quelques-unes de ses correspondances ou
alors de parcourir les titres d’un grand nombre de ses œuvres pour y
retrouver des références à Pétrarque, Dante, Goethe, Byron ou Lamennais, la
liste exhaustive serait longue à continuer…
Liszt avait également une passion pour l’écriture que celle-ci prenne forme
dans ses préfaces aux Poèmes Symphoniques, dans ses innombrables
correspondances, ou encore pour la rédaction d’ouvrages – souvent méconnus –
tels Des Bohémiens et de leur Musique en Hongrie, Lettres d’un
bachelier es musique, … Mais Liszt est également le sujet d’écrits sur
sa personne, souvent romancés, on peut penser au Contrebandier de Georges
Sand, au dandy baudelairien, sans parler des nombreuses œuvres
contemporaines qui ont su trouver leur inspiration dans cette personnalité
complexe, à la fois champion de la virtuosité, héraut des plus grands
idéaux, et touchée par une forte spiritualité au point de devenir abbé…
Ivan Wyschnegradsky « Libération du son _
Écrits 1916-1979 » textes réunis, présentés et annotés par Pascale Criton
(édition scientifique), traduction de Michèle Kahn, Symétrie éditions, 2013.
Les textes théoriques du compositeur d’origine russe Ivan Wyschnegradsky
sont enfin réunis en une seule édition critique grâce au beau travail
réalisé par Pascale Criton et nous permettent ainsi d’entrer au cœur même de
l’espace pansonore théorisé par celui dont le travail fut soutenu par
Olivier Messiaen ou encore Henri Dutilleux . Ivan Wyschnegradsky est né à la
fin du XIXe siècle à Saint-Pétersbourg et émigrera en France après la
révolution bolchevique, pays où il demeurera jusqu’à la fin de sa vie et où
il réalisera l’essentiel de son œuvre. Il fait figure de pionnier de l’ultrachromatisme
et de la musique microtonale. C’est en effet à Ivan Wyschnegradsky, mais
aussi Julián Carrillo et Alois Hába, que l’on doit cet emploi de
micro-intervalles, une manière de dépasser et d’aller au-delà du chromatisme
selon ces théoriciens. Carrillo inventera ainsi une notation avec tiers,
quarts, huitièmes et seizièmes de ton, ce qui encouragera ces musiciens à
construire des instruments qui répondent à cette nouvelle approche.
Wyschnegradsky élaborera en effet un piano spécial à quart de ton, premier
d’une longue série d’instruments bien particuliers.
Il apparaît vite indispensable à la lecture de cet important volume de
replacer cette réflexion dans le contexte plus général du symbolisme, du
futurisme et des constructivistes. Dans son introduction, Pascale Criton
souligne en effet combien il restait à étudier dans le domaine de la musique
ce qui a déjà été défriché dans le domaine de la peinture (de Malevitch à
Kandinsky), de la danse (Diaghilev et les Ballets russes), ou de la
littérature (de Biély à Mandelstam) entre la Russie et l’Europe de cette
époque.
Conçu en quatre parties chronologiques, cet ouvrage, premier du genre en
français, couvre l’ensemble de la création du théoricien avec, pour
commencer, ses années russes, déterminantes pour son parcours futur et
éclairant la gestation d’une œuvre qui sera pleinement développée à partir
de son émigration en France en 1920. C’est en effet dès le début des années
20 que Wyschnegradsky soulignera dans ses écrits la nécessité d’une
révolution dans la musique à laquelle il s’emploiera dés ses premiers
articles, avec en 1924, un article au titre essentiel : la musique à quarts
de ton. La troisième partie du livre développe justement cette microtonalité
si essentielle dans la pensée du théoricien. Particulièrement instructive,
cette partie montre combien Wyschnegradsky s’impliqua personnellement dans
le développement de ses théories, allant même jusqu’à la controverse avec
d’autres théoriciens pourtant proches de sa pensée, et notamment celle
l’opposant à Alois Haba quant à la réalisation de la musique à quarts de ton
au moyen de deux pianos accouplés (l’un au diapason normal, l’autre d’un
quart de ton plus haut).
La quatrième partie du livre couvre la période des années 50 – si
essentielles si l’on pense à la musique sérielle – jusqu’à la mort du
compositeur en 1979. L’ultrachromatisme se développe ainsi au-delà du quart
de ton, et s’élargit à d’autres instruments. Wyschnegradsky développe
également une belle réflexion dans un article intitulé continu et discontinu
en musique et où le théoricien souligne combien le Xxe siècle a connu le
passage de la conscience tonale (parenté acoustique des sons) à celle
post-tonale, et élargit son propos à la dimension spatiale. Afin de mieux
apprécier encore la portée de ce compositeur et théoricien hors du commun,
on lira avec profit la dernière étude intitulée Perspectives par Pascale
Criton et qui invite à évaluer le rayonnement de la pensée et de l’œuvre d’
Ivan Wyschnegradsky, une œuvre dont l’importance fut très tôt appréciée par
Olivier Messiaen, et à sa suite Claude Ballif, et que cet ouvrage nous
invite à découvrir de bien belle manière.
Sciences
Trésors de la terre – Galerie de Minéralogie,
Muséum d’Histoire Naturelle, Artlys éditions, 2014.
L’académicien, et amoureux de la minéralogie, Roger Caillois estimait que «
De tout temps, on a recherché non seulement les pierres précieuses, mais
aussi les pierres curieuses, celles qui attirent l’attention par quelque
anomalie de leur forme ou par quelque bizarrerie significative de dessin ou
de couleur ». Ces temps de l’homme sont infinitésimaux si l’on considère
l’immensité géologique, véritable matrice d’où sont nés ces trésors réunis
dans le dernier livre paru « Trésors de la terre – Galerie de Minéralogie »
du Muséum d’Histoire Naturelle. La remarquable collection de Roger Caillois
a d’ailleurs fait l’objet d’un don à ce Museum et, en attendant que
l’ensemble de la Galerie ouvre au public après sa réorganisation, une
sélection accompagnée de pièces des collections du Muséum sont actuellement
présentées sous forme d’exposition, et ce livre vient l’accompagner à point
nommé. Ainsi que le soulignent Gilles Bœuf et Thomas Grenon, respectivement
président et directeur du Muséum, c’est de découvertes dont il s’agit avec
ces « Trésors de la Terre » exposés au public dans la galerie de
Minéralogie. Découverte, bien entendu, en raison de ce qu’évoquait en
préambule l’écrivain, cette curiosité qui retient le regard pour différents
motifs : beauté, étrangeté, bizarrerie, particularités... et où se glisse
l’imaginaire et le rêve. Découverte également de leur origine, de leur
formation et de leur conservation jusqu’à notre époque, car on l’oublie trop
souvent qu’un minéral vit et peut malheureusement mourir également. C’est
enfin de découvertes au pluriel auxquels invite ce beau livre avec pour
chaque spécimen retenu, non seulement son identité, mais aussi les
catégories et classification qui le concernent. L’iconographie est
remarquable et, si elle ne dispense pas bien entendu de découvrir ces
chefs-d’œuvre de la nature sur place au Muséum, elle invite au rêve et à
cette curiosité qui furent si chers à Roger Caillois et que nous pouvons
faire nôtre grâce à ce beau livre.
Guide des insectes des prés et des prairies de Vincent
Albouy, Belin éditions, 2014.
Vincent Albouy a décidé de nous convier à une balade bucolique en pays
d’entomologie. L’été est propice à ce genre de découvertes même si l’univers
des insectes bruisse de vie tout au long de l’année de mille et une
manières. Le Guide des insectes des près et des prairies est conçu de
manière très pratique afin qu’il soit non un livre de table ou de chevet de
plus, mais bien un compagnon de découvertes dans les prés et autres prairies
où « fourmillent » une vie extraordinaire de diversités et qui pourrait bien
donner le vertige si le spécialiste qu’est Vincent Albouy n’y mettait pas un
peu d’ordre. Aussi l’ouvrage – dès ses rabats indiquant les formes
principales d’insectes pouvant être identifiés assez facilement – renvoie
pour chaque espèce à un descriptif détaillé accessible et néanmoins complet.
Vous avez décidé de vous promener le soir à la nuit tombée et vous restez
interdit devant ces petites lumières d’un vert incroyable ? Vous vous doutez
qu’il s’agit des fameux vers luisants ou lucioles, mais connaissiez vous la
forme de cet insecte pour le moins étonnant et saviez-vous que seule la
femelle émettait cette étrange lumière visible de loin l’été afin d’attirer
les mâles pour la reproduction ? Les promenades diurnes ou à toute heure
réservent bien entendu de nombreuses autres surprises telles ces nombreuses
chenilles que l’on apprendra vite à différencier grâce aux belles
reproductions accompagnant leur description. Des plus beaux insectes tel le
somptueux Turquoise au plus étrange Aphrophore de l’aulne digne d’un film de
science-fiction, l’univers des insectes développe sous nos yeux ébahis la
diversité de la forme animale, une belle leçon !
Trinh Xuan Thuan "Dictionnaire amoureux du
Ciel et des Etoiles" Editions PLON / FAYARD.
Trinh Xuan
Thuan a réussi ce pari extraordinaire de rendre l'astrophysique et les
origines de notre univers comme étant une mélodie familière à nos oreilles
! Le célèbre astrophysicien d'origine vietnamienne, professeur
d'Astronomie à l'Université de Virginie à Charlottesville, est également
un francophone convaincu puisqu'il partage sa vie
entre les Etats-Unis et la France. Il est auteur de nombreux ouvrages de
vulgarisation en français sur l'Univers et les questions philosophiques
qu'il pose.
Thuan est également chercheur à l'Institut d'Astrophysique de Paris.
Rencontre avec un grand scientifique, mais également avec un troubadour de
l'immensité galactique !
Benoît XVI avec Peter Seewald « Dernières
conversations » Fayard, 2016.
C’est un pape émérite serein et habité plus que jamais par la prière
confiante que le journaliste Peter Seewald a rencontré pour de Dernières
conversations entamées il y a longtemps déjà lorsque celui qui allait
devenir le pape Benoît XVI et était alors Préfet de la Congrégation pour la
Doctrine de la Foi. Il ne faudra pas s’attendre à des révélations
fracassantes dans ces pages, la personnalité du pape retiré n’y invitant
guère, mais plutôt à des précisions et des ajustements par rapport aux
nombreux « commentaires » et autres interpolations qui ont pu être faits
après sa démission. Avant de retracer avec le pape le parcours d’une vie
riche en responsabilités, Peter Seewald souligne les premières impressions
qu’il eut lors de sa rencontre avec Benoît XVI. Il évoque un pape vivant
dans la quiétude d’une vie monacale en cultivant « ainsi davantage mon
amitié avec les psaumes, avec les Pères » confie Josef Ratzinger
lui-même décrivant ses journées au couvent Mater Ecclesiae dans les jardins
du Vatican où le pape émérite réside depuis sa démission. Silence,
méditation, prière – parfois plus difficile à prolonger en raison du grand
âge -, lectures et rencontres avec des amis, et de nombreux visiteurs
souhaitant témoigner leur affection à ce « philosophe de Dieu » comme le
nomme justement Seewald. C’est donc un homme apaisé qui livre une dernière
fois un témoignage sur les raisons de sa renonciation au ministère de
Pierre, après un pontificat actif et réussi dans sa lutte contre
l’étiolement de la foi, une de ses priorités malgré les dénigrements et
autres attaques médiatiques dont Benoît XVI a pu faire l’objet. C’est aussi
une humilité profonde et sincère qui ressort des premiers propos d’un homme
qui se sait affaibli par l’âge, lucide sur ses forces qui diminuaient, alors
que les enjeux de la foi ne faisaient que s’accroitre. Nul regret, nul
remord dans les propos du pape émérite et ce ne sont certainement pas les «
scandales » du Vatileaks qui ont eu un poids sur la balance dans cette
décision prise dans la solitude d’un homme face au Dieu qui a été sa raison
de vie et de foi depuis son baptême. Le but du pontificat de Benoît XVI
reposait sur la foi et la raison rappelle-t-il, deux priorités qui ont
incarné sa mission, et pour laquelle il a su offrir une réflexion à la fois
de haut niveau et en même temps accessible, le pédagogue qu’il fut toujours
n’étant jamais loin. Sa proximité avec le Seigneur, une fois de plus dans
l’humilité d’un témoignage spontané, touchera le lecteur avec cet aveu
d’être « éloigné de la grandeur du mystère » tout en avouant que le Seigneur
n’est jamais loin de lui dans le quotidien de sa vie retirée des
responsabilités de l’Église.
Peter Seewald tint à recueillir un témoignage direct de celui qui décida de
manière incroyable de renoncer à son pontificat. Le lecteur apprendra que
cette décision fut prise en aout 2012, au moment des grandes vacances, dans
le plus grand secret jusqu’à son annonce devant ses cardinaux atterrés le 11
février 2013, une annonce faite en latin, une langue que le pape maitrise
plus que l’italien à l’écrit, et probablement pour assurer sa
confidentialité avant sa diffusion. La motivation profonde rappelée par le
pape émérite pour cette décision réside principalement dans cette conviction
qu’il n’était plus en mesure d’assurer pleinement sa mission en raison des
nombreux engagements exténuants qu’imposait son ministère. Il n’y eut nulle
reculade devant la pression dans son choix mais bien « libérer ce siège »
qui devait revenir à un successeur plus à même de pouvoir réaliser tous ces
actes concrets que Benoît XVI estimait ne plus pouvoir assumer pleinement.
Le pape émérite avoue d’ailleurs sa surprise lorsque Jorge Maria Bergoglio
est apparu sur la loggia de la basilique Saint-Pierre, un évènement que le
pape récemment retiré suivait alors à la télévision comme des millions de
personnes… Étonnement, mais pas désapprobation tant Benoît XVI a accueilli
avec un profond bonheur le fait que l’Église soit désormais représentée dans
ses plus hautes responsabilités par un prélat issu de l’Amérique du Sud. Une
fois de plus, il ne faudra pas s’attendre à des divergences ou à des
critiques insidieuses dans les propos de celui qui tout de suite affirma son
obéissance absolue à son successeur. Bien au contraire, Benoît XVI approuve
le style et le charisme du pape François et si des différences sont bien
évidemment possibles, aucune opposition ne peut être relevée selon le pape
émérite avec son successeur. L’homme apparaît d’une lucidité émouvante dans
ces propos consignés avec pudeur mêlée d’audace parfois de la part du
journaliste qui connaît bien son interlocuteur, un homme qui sait pleurer
lorsqu’il évoque son départ en hélicoptère, plus pour la peine qu’il pouvait
faire peser sur ses proches que sur lui-même, un homme beaucoup plus humain
que les caricatures ont malheureusement voulu faire croire et que ce livre
émouvant contribuera à écarter.
Philippe-Emmanuel Krautter
Livret Lectionnaire de la Passion format : 18 x 24,
96 pages, AELF, Desclée-Mame, 2016.
Les jours de la Passion célébrés, année après année, depuis plus de XXe
siècles, sont au cœur de la liturgie chrétienne. Les éditions Mame ont à cet
effet édité un coffret rouge comme la couleur du sang versé par le Christ et
couleur retenue pour certains offices de la Passion réunissant quatre
livrets réunissant l’ensemble des lectures retenues pour la Semaine sainte.
D’un format 18 x 24, ces quatre livrets intègrent les lectures des années A
(Passion selon saint Matthieu), B (Passion selon saint Marc), et C (Passion
selon saint Luc - année en cours actuellement), ainsi que la Passion du
Vendredi saint selon saint Jean commune aux trois années. Cet ensemble sera
particulièrement adapté aux lectures à plusieurs voix faites pendant la
Semaine sainte, chaque lecteur pouvant disposer d’une édition en gros
caractère avec une signalétique en rouge distinguant bien chaque
intervenant. Ces lectures sont tirées du Lectionnaire pour les messes des
dimanches et des fêtes et solennités pouvant l’emporter sur le dimanche
élaboré par Commission épiscopale francophone pour les traductions
liturgiques, Lectionnaire déjà présenté dans ces pages.
Pape François « Le nom de Dieu est Miséricorde »
Presses de la Renaissance, Robert Laffont, 2016.
Notre société serait-elle malade de la culpabilité et des accusations
qu’elle fait systématiquement reposer sur l’autre, sans jamais inviter à
s’interroger ? C’est sur ce constat que s’ouvre le dernier livre du pape
François sur la miséricorde, en relevant que nous sommes malades de nous
voir mieux que nous sommes, et ravagés par les accusations que nous portons
sur les autres. Se pencher avec compassion sur les misères de l’humanité, la
nôtre en premier, tel est le message essentiel de la miséricorde qui est au
cœur de l’Année sainte célébrée depuis l’automne dernier. Partant d’une
homélie sur la femme adultère évoquée dans l’Évangile (Jn, VIII, 11),
François souligne combien Jésus non seulement ne condamne pas la pécheresse,
mais lui pardonne en la laissant aller en lui enjoignant de ne plus pécher,
le péché n’étant ni nié, ni occulté, mais dépassé par l’amour divin : «
Dieu pardonne non avec un décret, mais avec une caresse » souligne le
pape. Andrea Tornielli est parti d’une homélie passée à laquelle il avait
assisté pour suggérer au Saint-Père l’idée d’une interview sur la
Miséricorde. Celui-ci a accepté en soulignant combien cette dernière n’était
pas le fait d’une circonstance particulière, mais avait muri tout au long de
sa vie de prêtre et se révélait essentielle aux temps que nous vivions
actuellement. François rappelle dans ces pages qu’être miséricordieux, c’est
étymologiquement « ouvrir son cœur au mystère », une ouverture pour
laquelle il n’hésite pas à livrer des exemples concrets tirés de son
histoire personnelle, des prêtres qui ont marqué sa jeunesse par leur
miséricorde sans limites à l’exemple du père Duarte, de Don Enrico Pozzoli
ou encore du père José Ramon Aristi. Quelle voie prendre pour aller vers la
Miséricorde ? Le pape François part de la confession, à la fois parce
qu’elle est le moyen d’obtenir le pardon et par là même le rétablissement
d’un lien social brisé, véritable rencontre avec la miséricorde. Une fois de
plus le Saint-Père démontre que l’humilité doit s’exercer à tous les niveaux
et à commencer par le sien, en s’avouant pécheur et en voyant en chaque
personne incarcérée ou chaque prostitué(e), une situation qui aurait pu être
la sienne. La tolérance dans le regard porté à l’autre est une des plus
belles voies vers la miséricorde qui doit conduire à ne jamais fermer la
porte à quiconque, à commencer également par soi-même.
À l'écoute de la Bible Homélies, Dimanches et fêtes
Année C, Michel Viot, Artège, 2016.
Les lecteurs du père Michel Viot connaissent le parcours atypique de cet
homme qui de pasteur luthérien en 1968 est entré dans la franc-maçonnerie
avant d’être ordonné prêtre pour le diocèse de Blois, curé, vicaire
épiscopal…
Enrichi par ce parcours, il s’est lancé avec toute l’énergie qui le
caractérise dans le commentaire de la Parole de Dieu en proposant des
homélies pour chaque dimanche de l’année. Après l’année A et B, c’est donc
le troisième volume correspondant à l’année C du calendrier liturgique qui
vient terminer cette vaste entreprise. Commentaire vif et inspiré de la
parole de Dieu avec des homélies pour tous les dimanches de l’année ainsi
que les fêtes, l’auteur a retenu pour celui-ci la pensée de Benoît XVI
considérant chaque homélie comme « actualisation du message scripturaire
» dans la vie quotidienne de chaque fidèle. C’est bien évidemment une
mission et une tâche ardues qui incombent aux prêtres dimanche après
dimanche face à une assemblée toujours variée, disparate en âge et en
culture, sans parler du cheminement personnel dans la foi de chacun d’entre
eux. Pour cela, l’interprète et le commentateur se doivent de rendre
compréhensible la Parole aujourd’hui en une prédication qui ne saurait être
un exercice de style mettant en valeur l’orateur. La substance du message
évangélique doit être proposée pour mieux intérioriser l’Évangile ainsi que
le souligne le cardinal Mamberti dans sa préface au livre, une dimension qui
est au cœur de l’encyclique Evangelii gaudium où « l’homélie reprend ce
dialogue qui est déjà engagé entre Dieu et son peuple ». C’est cette
inspiration qui guide chaque prédication proposée par le père Michel Viot en
un engagement franc et inspiré, allant droit à l’essentiel tout en ayant
recours au contexte et explications nécessaires à la compréhension de chaque
texte. Un recueil de prédications engagées qui devrait guider chaque fidèle,
dimanche après dimanche.
Joseph Ratzinger – Benoît XVI « L’enfance de Jésus
» Texte intégral lu par Sylvain Lhermitte, collection Dire la parole CD
Audio mp3, Saint-Léger Productions.
Les éditions Saint-Léger Productions viennent de publier une série de livres
à écouter sur format CD-Audio mp3 avec des références incontournables en
théologie dont notamment certains écrits essentiels de Joseph Ratzinger –
Benoît XVI. Écouter « L’enfance de Jésus » peut être une bonne idée pour les
fêtes de la Nativité, l’ouvrage n’étant pas, en tant que tel, un troisième
volume venant s’ajouter aux deux précédents ouvrages sur Jésus écrits par le
pape Benoît XVI. Celui qui signe cette dernière étude de son nom d’état
civil et de théologien – Joseph Ratzinger – prend soin en effet d’avertir
ses lecteurs que ce petit livre se veut seulement une porte d’entrée à sa
réflexion antérieure consacrée à la figure et au message de Jésus. Et
peut-être pouvons-nous paradoxalement rappeler la fin de la réflexion du
successeur de Pierre pour mieux comprendre la portée de ce livre : Le fin
théologien, loué par ses pairs, et unanimement salué par ses anciens
étudiants pour la justesse et la pédagogie de ses analyses, relève, en
effet, en conclusion de ce dernier livre : « La parole de Jésus est trop
grande pour le moment », et même sa mère, Marie, et Joseph ne comprirent pas
tout le sens des paroles du jeune enfant alors qu’Il se trouvait au Temple
et que ses parents étaient repartis sans lui. Benoît XVI souligne cette
donnée combien essentielle pour notre époque : « Marie ne comprend pas la
parole de Jésus, mais elle la conserve dans son cœur et là, elle la fait
parvenir petit à petit à sa maturité », ce qui peut apparaître, pour
paraphraser saint Paul, un scandale pour notre époque et une folie pour les
rationalistes que nous sommes devenus…
Le pape va ainsi tisser tout au long de ce livre un fin maillage d’exégèse
sur les témoignages de l’Enfance de Jésus, témoignages très parcellaires qui
reposent essentiellement sur les évangiles de Luc et de Matthieu. La
question méthodologique rappelée par le théologien qui a quitté ses chères
études pour le ministère de Pierre est la suivante : qu’ont voulu signifier
les évangélistes en rapportant ces faits et ces paroles ? Et, de nos jours,
au XXI° siècle, quel sens doit-on leur accorder et est-ce vrai pour nos
contemporains ? La complexité de cette approche pourtant a priori simple
apparaît dès la question de l’origine de Jésus : sa généalogie est à la fois
connue et explicitement rappelée par les textes, mais en même temps un
mystère demeure, celui de son Père divin… C’est cette complexité
irréductible qu’il convient d’accepter pour mieux suivre la pensée de Benoît
XVI et qu’il souligne dans l’épilogue de son livre : Jésus a pensé et appris
d’une manière humaine, et en même temps, l’enfant connaît le Père et vit en
sa présence, ce qui le distingue des autres hommes. Il est vrai homme et
vrai Dieu, ce qui est parfaitement résumé par le prologue de l’évangile de
saint Jean « et verbum caro factum est et habivit in nobis » : le Verbe
s’est fait chair et il a habité parmi nous. La foi dans ce Verbe fait chair
confère une nouvelle origine aux croyants et leur donne une nouvelle
naissance : ils sont engendrés par Dieu au nom du Christ. Le « oui » libre
de Marie manifeste cette acceptation qui doit être celle du croyant selon
Benoît XVI, pour que chacun devienne ainsi la demeure de Dieu. Aussi, pour
conclure sur ce livre d’une sensibilité rare à écouter, réécouter et à
méditer, pouvons-nous retenir cette belle image conjuguée du consentement
pleinement libre de Marie qui la conduit avec son époux Joseph dans cette
fameuse grotte de Bethléem et celle des mages, symboles de l’humanité en
marche vers le Seigneur, même point convergent, et point de départ d’une
nouvelle espérance…
Cette porte d’entrée permettra de découvrir les deux autres réflexions du
pape théologien disponibles également en format audio que sont Jésus de
Nazareth 1) Du Baptême dans le Jourdain à la Transfiguration et 2) De la
montée à Jérusalem à la Résurrection (textes lus par Marc-Pierre Galiero)
avant de découvrir un dernier titre essentiel pour aborder les réflexions
théologiques du même auteur « La foi chrétienne hier et aujourd’hui » (texte
lu par Étienne Dahler).
Macha Chmakoff « Les couleurs de l’Avent »
DVD inclus, Fidélité, 2015.
« Les couleurs de l’Avent » de Macha Chmakoff jettent des ponts entre les
deux passions de cette femme, Macha, peintre et psychanalyste. Les œuvres
réunies dans cet album inspiré offrent en effet une belle variation de
couleurs à partir de la vie du Christ, variations où le bleu domine, couleur
orientée vers la transcendance depuis la Renaissance. Les œuvres parlent
pour cette artiste si habituée par son métier à l’écoute. Les formes
élancées, presque flottantes, laissent transparaître au-delà des simples
apparences le message christique. L’artiste diplômée de l’École des
Beaux-arts de Paris élabore ainsi un véritable accompagnement spirituel par
l’image, à l’aide de l’épaisseur de sa peinture apposée au couteau et des
lignes suggérées par les scènes représentées. On imagine sans peine la place
d’une telle œuvre dans une démarche pédagogique auprès des plus jeunes ou
lors d’une retraite avant la Nativité comme l’y invite le titre « Les
couleurs de l’Avent ». À noter que l’album est accompagné d’un DVD
permettant d’approfondir plus encore cette démarche artistique en forme de
quête spirituelle.
Éric Monticolo « Gospel light - Evangile selon la
lumière » méditations d’Eric Vermeer, Fidélité, 2015.
Éric Monticolo partage depuis de nombreuses années la couleur de sa palette
d’artiste avec la lumière du cœur des hommes. Voyageant en France, en Europe
et au Canada, son expérience se bâtit progressivement à partir de l’idée de
partage qui nourrit et éclaire ses œuvres. Il suffit de faire défiler, page
après page, cet Évangile selon la lumière intitulé « Gospel light » pour
réaliser combien de ces irisations naissent des paysages intérieurs à
l’image des secrètes paesine toscanes. Le regard se pose sur ces formes
abstraites, des flammes s’élèvent vers les cieux, comme une âme en prière.
La peinture d’Éric Monticolo se veut ainsi une démarche spirituelle tout
autant qu’artistique, l’une ne se concevant pas sans l’autre. Les
méditations d’Éric Vermeer accompagnent et éclairent elles aussi les 25
aquarelles réunies dans ce livre pour un dialogue où le verbe et la couleur
s’entremêlent en une oraison inspirée.
Enrico Impalà « L’ermite et le mendiant -
biographie du Cardinal Martini » Editions Mediaspaul, 2015.
La route du cardinal Carlo Maria Martini a croisé à deux reprises la vie du
journaliste et écrivain Enrico Impalà. A chaque fois, l’influence de cette
rencontre a été grande, au point de donner naissance à cette biographie du
cardinal, toute première depuis sa disparition en aout 2012. Enrico Impalà a
découvert celui qui était alors archevêque de Milan, à une époque où cet
homme d’études, ce bibliste réputé, était plus connu pour son art de la
lectio divina et ses recherches sur les premiers documents de l’histoire
chrétienne que sur l’art de diriger l’un des plus grands diocèses du monde.
Et pourtant, il sut relever ce défi avec le succès que l’on sait et que
l’auteur rappelle dans des pages pleines d’émotion tant le témoignage a été
vécu non seulement physiquement mais aussi spirituellement. C’est de cette
première expérience ayant marqué Enrico Impalà qu’est née cette volonté de
laisser un témoignage à la fois public et privé d’un homme de foi et
d’intériorité qui a marqué son époque. Le biographe a repris pour son livre
les quatre périodes de vie naguère évoquées par le cardinal : celle où l’on
apprend, celle l’on enseigne, celle où l’on se retire pour approfondir puis
celle où l’on mendie quand on devient dépendant, ce livre retrace les
grandes lignes de celui qui était destiné à l’étude et à la recherche pour
finir par être l’une des grandes figures de l’Église du XX° siècle. Le
propos retenu par l’auteur est sobre, discret, au diapason du cardinal qui
aimait le silence et la méditation ignatienne. C’est une haute qualité qui
émane de ces phrases concises et ciselées évoquant fidèlement celui qui
aurait pu être souverain pontife mais préféra l’intériorité d’une retraite à
Jérusalem, retraite qui sera malheureusement abrégée par la maladie et
l’obligera à venir finir ses jours en Italie. Et même dans ces derniers
moments, le témoignage reste fort chez cette personnalité qui sut maintenir
une lucidité jamais entamée par la maladie. Alors que cette dernière gagnait
chaque jour du terrain, l’esprit du cardinal ne s’avoua jamais vaincu et fut
exclusivement tourné vers la célèbre devise qui résume si bien sa vie :
Ad Majorem Dei Gloriam.
Damiano Modena « La théologie du
cardinal Martini – Le Mystère au cœur de l’histoire » Lessius éditions,
2015.
C’est un témoignage de première main de la théologie de
Carlo Maria Martini que nous livre Damiano Modena, prêtre du diocèse de
Vallo della Luciana en Italie et secrétaire du cardinal dans les trois
dernières années de sa vie. C’est d’ailleurs le cardinal lui-même qui en
signa la préface reconnaissant en un geste de pudeur caractéristique de sa
personnalité combien lui était difficile de parler d’un livre qui parlait de
lui… Et le cardinal de s’étonner, sans fausse modestie, d’être l’objet d’une
telle étude alors qu’il avait toujours eu le sentiment d’être en
inadéquation face aux devoirs qui lui étaient confiés. Celui qui se sentait
pris de panique pour parler d’un texte devant un public nombreux a toujours
fait sienne les paroles du psaume 119, 105 : « Une lampe sur mes pas ta
Parole, une lumière sur ma route ». La Parole de Dieu a toujours été en
effet la lumière qui irradiait la pensée et l’action de l’homme d’Église et
c’est selon cet éclairage qu’il acceptera cette idée d’une théologie qui
pourrait être sienne, miroir de l’Écriture et des Exercices spirituels qui
ont toujours été au cœur de sa vie. La riche expérience spirituelle qui se
dégage de la vie du cardinal Martini repose tout d’abord sur une proximité
toujours plus grande avec la Parole de Dieu, étudiée et méditée chaque jour
au plus près du texte grâce à sa science des langues anciennes et son amour
de l’exégèse. Cette intimité vécue fut renforcée par la familiarité
également grandissante avec la pensée ignatienne et notamment la pratique
des Exercices spirituels que le cardinal n’eut cesse de suivre et de diriger
jusqu’à la fin de sa vie. Cette proximité spirituelle connut un nouvel
enrichissement avec l’expérience pastorale de l’archevêché de Milan, une
mission pour laquelle il pensait ne pas être fait et qui une fois de plus
s’imposa à lui avec les fruits que l’on sait. Damien Modena parvient ainsi à
rendre en des pages fortes l’expérience de cette rencontre et de ce partage
du fruit de l’étude et de l’intériorité avec le plus grand nombre, notamment
lors de la fameuse Scuola della Parole dans le Duomo de Milan empli de
jeunes venus écouter les méditations du cardinal jésuite. Pour Carlo Maria
Martini, le défi de l’Église était toujours à conjuguer au présent, à la
lumière des enseignements du passé, un rôle exigeant et souvent en décalage
avec l’esprit du temps à l’image du Christ qui sut provoquer les repères de
son époque. Les dernières pensées du cardinal avaient suscité quelques
remous dans l’Église, force est de constater qu’elles ont su être partagées
par le magistère actuel, signe de leur force pour les temps présents et à
venir.
Histoire - Ethnologie - Art
Philippe Sers, Kandinsky – Philosophie de l’art
abstrait : peinture, poésie, scénographie, 35 illustrations couleurs, Hazan,
coll. « Bibliothèque Hazan », avril 2016, 384 p.
En 1988 déjà Philippe Sers rappelait, dans sa préface du livre de Kandinsky
« Du spirituel dans l’art et la peinture en particulier », combien
appréhender la pensée du peintre devait se réaliser sous un angle
philosophique, au-delà d’une simple explication de sa pratique artistique.
Démarche féconde si l’on en juge par cette récente parution aux éditions
Hazan de la troisième édition du désormais classique « Philippe Sers-
Kandinsky- Philosophie de l’art abstrait ». Kandinsky par bien des égards
peut être considéré comme l’un des fondateurs de l’art abstrait, art qu’il a
su accompagner d’un grand nombre d’écrits qui ont fait date pour
l’interprétation qu’il en suggéra. Abstraire une représentation, c’est
incontestablement proposer une autre vision du monde, moins immédiatement
perceptible que la figuration. L’interprétation et l’explication prennent
alors valeur de nécessité au regard du spectateur, nécessité qu’a tenté avec
une passion audacieuse, en son temps, Kandinsky avec ses écrits. Aussi c’est
en philosophe et en critique d’art que Philippe Sers est parti des textes de
l’artiste lui-même avant d’aborder son œuvre graphique, un métadiscours
riche en enseignements et en éclaircissements de concepts essentiels à la
compréhension de l’artiste. L’expérience chez Kandinsky rejoint une nouvelle
approche du sacré par une vocation et un contenu prophétique. L’image est
alors considérée sur un plan métaphysique et dans ses rapports avec la
réalité. Pour Kandinsky « On peut se délivrer de l’intermédiaire de la
nature, si l’on parvient à se mettre en rapport avec le Tout. », un
programme d’une richesse insoupçonnée en ce début du XXe siècle et qui aura
une descendance fertile chez un grand nombre d’artistes. Toute expérience de
l’être humain, quelle soit née de la poésie, de la musique, du théâtre ou
bien entendu de la peinture entretient des liens avec l’univers terrestre et
cosmique, une dimension quasi incontournable jusqu’au XIXe siècle et
n’allant plus de soi depuis. La création picturale se réalise ainsi chez
Kandinsky en un élan hiérophanique au-delà du monde sensible. Kandinsky fut
en son temps raillé par ses détracteurs pour sa prétendue abstraction
lyrique, accusation d’autant plus infondée que l’artiste chercha dans ses
écrits à justifier sa position avec de rigoureuses démonstrations reposant
sur une analyse pratique non moins rigoureuse, comme le rappelle Philippe
Sers. Le lecteur du XXIe siècle pourra en un débat moins passionné découvrir
cette pensée fertile grâce à cette très belle édition illustrée par la
reproduction d’une sélection des œuvres de l’artiste, et complétée par un
index ainsi qu’une très utile bibliographie.
Gaëtan Picon : « Admirable tremblement du temps. »,
Essais d’Yves Bonnefoy, Agnès Callu, Francis Marmande, Philippe Sollers,
Bernard Vouilloux, Editions L’Atelier contemporain, 2015.
Immense plaisir que de pouvoir relire l’Admirable tremblementdu
temps, ce texte de Gaëtan Picon réédité aujourd’hui aux éditions de
L’Atelier contemporain et paru en 1970 aux éditions Skira. Plaisir également
de découvrir que l’Atelier contemporain a fait choix pour cette réédition
d’adjoindre au texte initial des textes d’Yves Bonnefoy, Agnès Callu,
Philippe Sollers, Francis Marmande et Bernard Vouilloux. Des contributions
datées de 2014 ou 2015, pour la majorité inédite, proposées comme un hommage
à ce texte profond, d’une richesse de pensée devenue rare, et aujourd’hui
d’une lecture si émouvante.
Texte émouvant, oui, comme son titre même qui n’est pas sans rappeler le
tremblement de cette main de Rembrandt qu’André Malraux sut lui aussi
évoquer ou convoquer. Mais est-ce un hasard ? Ces deux grandes figures du
monde de l’art et du paysage culturel français de cette seconde moitié du
XXe siècle ne pouvaient pas ne pas se rencontrer - Gaëtan Picon fut un
proche d’André Malraux puisqu’il fut le Directeur général des Arts et des
Lettres de 1959 à 1966, la mort les ravira tous deux en cette même année
1976. Émouvant aussi parce que Gaëtan Picon débute son texte justement par
l’évocation de cette autre main tremblante, celle de Nicolas Poussin, celle
qui peignit Le Déluge, évoquée également en son temps par
Chateaubriand, pour laisser se poser, plus que se déposer, la marque du
temps, du temps qui passe - « surgit » écrit Philippe Sollers - et laisse
advenir le peintre à sa création. Car c’est bien ce rapport de l’artiste, de
cette main, et celle du temps qui le laisse advenir à sa propre création qui
interpelle Gaëtan Picon. Cette main ridée, parfois déformée par le pinceau
ou la plume d’un artiste vieillissant, main tremblante de celui qui se sait
mortel et qui pourtant vit encore de quelques battements et traits comme
pour défier le temps, la mort et peut-être le destin lui-même pour l’œuvre
seule, « cet objet devenu tableau » ; mutation, métamorphose des
derniers Titien, transfusion, fusion des derniers Cézanne, du dernier Manet;
c’est ce défi, cet « antidestin » qu’interpelle G. Picon et l’emmène de
Poussin à Léonardo de Vinci, Monet, Corot, Turner pour mieux et encore
interroger cette main de vieillard peignant Le Déluge… « Les
derniers tableaux annulent ce qui précède. Ils inaugurent le temps. Ils sont
les tableaux d’une naissance. » écrit Gaëtan Picon. Une naissance comme
un éclat, un éclatement, une diffraction du temps et de l’instant. Attente,
« tic-tac de l’horloge de la mort », silence. Picon songe alors à Delacroix,
Géricault et bien sûr à L’Eglise d’Auvers de Van Gogh. Effondrement,
sommets, stupeur, effroi. Mais « qui aime la mort aime le temps »,
rappelle-t-il avant de souligner : « Qui a perdu l’éternité se défend
contre la mort par les fictions de l’immortalité » et songeant alors aux
statues grecques, à ces caves athéniennes emplies de secrets antiques qu’il
visita un jour avec Georges Séféris, l’auteur touche de la main, du doigt
presque, comme pour la Sixtine Michel Ange l’eut peut-être voulu, « cette
mort que nous ne cessons de vivre », secrète connivence. Moisissures,
craquelures, patine, œuvre livrée au temps, celui de Masson, de Dubuffet,
reflet de l’espace invisible chez Vélasquez et de ces mains tremblantes où
le temps se mesure aussi à sa propre vie, à sa propre vision. Alors
apparaissent les peintures et rouleaux chinois ou japonais, les Nabis,
Bonnard, le dernier Bonnard L’amandier en fleurs où espace et temps,
instantanés et déroulements se lient et se jouent dans ces pleins et ces
vides. Aspiration, souffle, battements. Chirico, Max Ernst, Proust et
Baudelaire, Balthus, Klee, Stendhal et Tolstoï. Puis, étrangement, le rythme
s’accélère, presque une cassure ou césure, entraînant Gaëtan Picon dans cet
espace-temps devenu « tourment profond », dans cette course folle où la main
du vieillard qui a froid, celle de Poussin, de Rembrandt, de Rubens, et
celle de l’auteur de ses admirables pages dédiées – mais est-ce surprenant ?
– au poète Yves Bonnefoy, ne cessent pourtant de dire et redire l’
Admirable tremblement du temps.
« Le visage humain n’a jamais été peint. Voilà
le vrai. Et il ne faut pas dormir aussi longtemps que nous n’aurons pas
mieux regardé. Ce que l’on rejette comme page lue, message épuisé, en deçà
est un au-delà encore ; nous étions passés trop vite, nous nous étions
détournés trop tôt. Entre le geste et la proie, entre l’affût et la lueur
subsiste la distance, s’étendent les terres de la réminiscence et du mirage.
Je suis prêt à écouter les nouveaux récits du guet et du voyage. Car on ne
me parle, je ne parle que dans l’insomnie du temps. »
L.B.K.
« Pierre Alechinsky », texte de Pierre Daix,
Editions Ides et Calendes, 2015
« Alechinsky – Les Affiches », catalogue raisonné établi par Frédéric
Charron, Editions Ides et Calendes, 2015.
C’est toujours un immense plaisir que de noter la parution de nouveaux
ouvrages consacrés au peintre Pierre Alechinsky, tel est le cas avec ces
deux éditions publiées tout récemment chez Ides et Calendes. Le premier
livre avec
un texte signé de la plume de Pierre Daix - écrivain, historien de l’art et
journaliste, disparu depuis en novembre 2014 - est un régal de nuances et de
subtilités quant à l’œuvre de l’artiste. Ici ce ne sont pas moins de
trente-deux peintures qui ont été proposées par l’artiste et tissent avec le
texte des liens étroits et forts. C’est, en effet, au travers de ces
trente-deux compositions, papier marouflé sur toile (presque toutes du même
format) où s’allient encre de chine et huile sur toile au centre, et
bordures acryliques en couleurs que Pierre Daix nous fait rencontrer le
peintre, le graveur, mais aussi l’immense graphiste qu’est Pierre
Alechinsky.
Intitulé « La trouvaille et les bordures », le texte de Pierre Daix
interroge pour mieux saisir, passant des bordures, si caractéristiques de
ces toiles d’Alechinsky, où le regard s’enroule et s’enfonce, avant de
plonger plus que de se figer au centre lui-même, tempo autonome aux propres
battements. Et, Pierre Daix lui aussi va et vient dans cette séquence de
peintures, passant des bordures aux centres, ici cerclés souvent de noir,
puis revenant des centres aux toiles, et des toiles aux dires même de
L’artiste. Inlassablement, il interroge l’œuvre, les influences, l’histoire
et la pensée de ce peintre Belge, post surréaliste, membre du mouvement
avant-gardiste Cobra ayant ainsi rejoint Appel, Constant, Nieuwenhuis ou
encore Jorn, avant de s’intéresser à partir des années 1950 au mouvement
Action Painting. « J’essaie d’atteindre – écrit-il - au-delà de ma
réflexion sur une peinture spécifique, celle de Pierre Alechinsky,
l’histoire de cette peinture et ce peintre. Son mode de pensée ou/et
d’action. Par-dessus tout, ce renversement qui est le sien, propre à
l’artiste moderne qui, au lieu de reproduire un modèle préexistant, de se
targuer d’en maîtriser, d’en posséder les apparences, se projette bien plus
humblement à la rencontre de son expérience du monde. Pressentant que là est
la source de la nouveauté, il veut d’abord se la donner à voir et nous la
donne à voir. » Mettant l’accent sur la matérialité de la création,
Pierre Daix souligne ainsi combien les toiles d’Alechinsky concentrent,
au-delà du centre et des bordures ou cadre même, un au-delà ou une certaine
transcendance, « faire jaillir –écrit encore Pierre Daix – le
signe jamais vu qui, même temps, prend tout son poids immémorial de
résurrection et d’évidence, comme s’il venait de la grotte Chauvet ». Là
où, la mémoire et les réminiscences les plus inconscientes de l’artiste, la
conscience et cette « spontanéité » se mêlent pour créer leur propre ordre
ou composition et qui, à son tour, ne cessent de nous interroger.
A cet écrit viennent s’ajouter les recensions des principales expositions
personnelles de l’artiste dans des galeries ou centres culturels et musées,
des principaux auteurs illustrés par l’artiste, écrits, monographies et
filmographie, sans oublier des photographies de Pierre Alechinsky notamment
par Martine Franck en 2009. L’ensemble que constitue cet ouvrage complète à
merveille le catalogue raisonné établi par Frédéric Charron, paru également
aux éditions Ides et Calendes, et consacré aux affiches réalisées par
Alechinsky.
« Manet, le secret" de Sophie Chauveau, 382 pages,
Éditions S W Télémaque, 2015.
« Chaque époque est dotée par le ciel d'un artiste chargé de saisir la vie
de son temps et d'en transmettre l'image précise aux époques suivantes.
C'est toujours des pierres dont on a lapidé l'homme qu'est fait le piédestal
de sa statue. » (Jules de Marthold)
Édouard Manet, aujourd'hui un « classique inclassable » dont les toiles
appartiennent au patrimoine de tous les grands musées du monde et autres
collections privées, fit les frais de cette vérité de Jules Marthold toute
sa vie durant. Reconnaissable parmi tous, sa touche, sa palette, sa lumière,
ses sujets nous sont si familiers... Et pourtant Manet fut en son temps
décrié, incompris et même haï du pouvoir, des institutions, de l'académisme
en place, des critiques et pire du public lui-même, car Manet ne peindra
jamais ce que l'on voudrait voir mais il montra toujours à travers son art
ce qu'il voyait. En ce milieu du XIXème siècle, il bousculait alors les
codes de l'art officiel et ouvrait la voie à l'art moderne et à ses divers
mouvements. André Malraux lui-même dit en 1970, 88 ans après la mort du
peintre, le 30 avril 1882, que l'art moderne commença avec l'Olympia. Si on
connaît peu de choses sur Manet, le livre de Sophie Chauveau dévoile
quelques secrets qui firent de cet homme un des plus grands sinon le plus
grand artiste de son siècle. Sa vie d'enfant entouré de ses parents et ses
frères, ses espoirs et blessures de jeunesse, son court mais marquant séjour
dans la marine, ses débuts d'étudiant en peinture dans l'atelier de Thomas
Couture donnent quelques clés pour une meilleure compréhension, hors des
banalités anecdotiques, de son œuvre. « Malheureusement l'art est lent.
L'apprentissage est long, rugueux, âpre. Pénible même. Ses premières œuvres
le déçoivent.... Il détruit tout ce qui ne passe pas au crible du seul
critère qui lui importe : ne pas décevoir son père... Plus son œil s'affûte,
plus le niveau de ses exigences s'élève et le recale à la soumission au
jugement paternel... Où s'est-il forgé une si grande idée de la peinture,
pourquoi a-t-il placé la barre si haut qu'il ne se juge jamais prêt à la
dépasser ? Comment s'est développée chez ce jeune gandin une si excessive
exigence, comment pareil amour de l'art a-t-il pris racine dans cette
famille ? Autant d'énigmes qu'il n'est pas prêt de résoudre mais qui
tapissent le fond de son âme... » (extrait des pages 33-34). Il y a autour
de lui ses amis de jeunesse (Proust en tête de liste), son admiration pour
les poètes (Baudelaire, Mallarmé ami de toujours, Verlaine n'est pas loin),
ses amours interdits et leurs secrets (Suzanne et Berthe qui êtes-vous pour
Edouard ?), ses engagements politiques, ses prises de position artistiques,
son incommensurable besoin de reconnaissance et les systématiques refus de
ses tableaux par le jury du Salon mais « Manet apprend à peindre comme
Manet. Par appropriations successives. Et rejets.» Tant d'œuvres devenues
les plus célèbres dans le monde et autant de censures.
Dans un contexte de grands bouleversements de société et sur fond de guerre
civile prête à se mettre en marche, Manet entouré de fidèles, Renoir, Monet,
Pissarro, Berthe Morisot, Degas, Nadar et tout le « clan des futurs
impressionnistes » donna un véritable statut aux artistes présentant leurs
toiles en créant collectivement le Salon des refusés parallèlement à
l'officiel. Que de grands noms de la peinture sont en pleine création à
cette époque ! Courbet, Fantin-Latour, Rousseau, Bazille, Daubigny, Corot,
Constable, Turner, Whistler, Prins, Moreau, Sisley … L'histoire de ce siècle
fut illustrée par les plus grandes œuvres de ces passionnés qui se
réunissaient dans les cafés où se créaient les nouvelles visions artistiques
mais également les positions littéraires (Baudelaire, Verlaine, Rimbaud,
Hugo, Zola...) et les divergences politiques de l'époque. Tous unis autour
d'Édouard Manet et de son fameux « Bain » qui le rendit définitivement
célèbre et obligea le monde de l'art à accepter (en grinçant des dents) une
nouvelle catégorie d'artistes se regroupant sous le nom de « naturalistes »
ou « modernes ». Manet devint le peintre subversif mais à son corps
défendant, il ne voulait pas être le chef de file de quelque mouvement ou
école que ce soit. Manet voulait juste peindre et montrer sa peinture, il
voulait vivre de son art mais un si grand nombre de joies et de déceptions
entretinrent chez lui, si sensible à son environnement, un état de doute et
de déprime qui ne le quittera jamais. Manet scandalisa l'académisme du
moment par pratiquement toutes ses propositions artistiques. « Il souffre du
scandale mais ne renie pas un cheveu du travail qu'il a déclenché » et c'est
une question de vie ou de mort car : « Pas vu, il est mort, vu, on peut
commencer à parler d'art. »
Nul besoin de faire l'inventaire des œuvres d'Édouard Manet ni celles de ses
acolytes pour comprendre ce qui les a lié, à tout jamais, jusqu'au dernier
souffle du premier d'entre eux, Baudelaire. Enfin les collectionneurs
s'intéressèrent à la peinture de Manet (et à certains autres membres du
groupe) et le plus célèbre d'entre tous, Durand-Ruel va en acquérir un
certain nombre. Manet du haut de ses quarante ans commence à recevoir une
forme de reconnaissance sonnante et trébuchante…
Dans un semblant de mieux être, Manet continuait de peindre avec des hauts
et des bas et luttait contre ses propres démons, sa famille, ses amours
contrariés ou transcendés, et la maladie comme une épée de Damoclès
au-dessus de sa vie et de son œuvre. Jusqu'à son dernier souffle Manet
pensera peinture. Il était le plus grand de son temps et « il n'y avait pas
quatre artistes dans toute la France capable de peindre comme lui. »
affirmait Alexandre Cabanel, peintre académique, considéré alors comme un
des meilleurs classiques.
C'est une page de l'histoire de l'art passionnante écrite par Sophie
Chauveau, qui se lit comme un roman et qui invite à redécouvrir les œuvres
évoquées afin de ne pas oublier à quel point Manet à définitivement changé
les paradigmes de la peinture, le regard des artistes et celui du public.
Sylvie Génot
Antonio Natali « Michelangelo - Agli Uffizi, dentro
e fuori » Maschietto Editore, 2014.
Le 450e anniversaire de la mort de Michel-Ange a été l’occasion pour le
directeur de la Galleria del Uffizi, Antonio Natali, de repenser la lecture
de deux des plus célèbres œuvres du maitre : la « Sacra Familia »
dite Tondo Doni et le fameux « David ». La première est une peinture
circulaire installée au cœur des nouvelles salles rouges des Offices, la
seconde à l’extérieur (d’où le titre du livre) après avoir séjourné dans la
Piazza della Signoria, fut en effet transférée à l’Accademia en 1873. Ces
deux œuvres sont annonciatrices de la manière moderne et d’une
figuration repensée, pour Antonio Natali, s’inscrivant ainsi à l’opposé de
la tendance contemporaine à ne voir dans ces œuvres que des strictes icônes
dont le sens ferait défaut à l’heure de l’industrie du tourisme. De là,
l’auteur invite le lecteur à approfondir notre rapport à ces chefs d’œuvre
en les regardant et en les interprétant comme de véritables œuvres
poétiques. Or, comment cette poésie peut-elle encore avoir un sens et
émouvoir l’âme si sa signification reste obscure ? interroge avec justesse
l’auteur. Par-delà le culte idolâtrique rendu à ces œuvres et qui réduisent
leur capacité à donner sens, les réflexions suggérées par cet ouvrage
invitent à cet effort de dépasser la virtuosité aussi exceptionnelle
soit-elle d’un artiste comme Michel-Ange pour aller au cœur des
significations de ces œuvres d’art. Angelo Natali pose des questions
apparemment simples, mais qui s’avèrent redoutables pour tout observateur de
ces œuvres une fois lancées : pour quelle raison l’artiste a-t-il conçu un
géant pour représenter David lui-même décrit dans la Bible comme le plus
frêle et fragile face au géant Goliath ? Pourquoi le jeune homme triomphant
ne tient-il pas à ses côtés la tête de l’adversaire abattu comme c’est
l’usage dans toutes les représentations artistiques de cet épisode biblique
? Une autre illustration ? Le lecteur pourra analyser cette sculpture d’Ariane
endormie au centre de la salle et dont le corps – avec la perspective -
semble entourer l’ovale de la Sacra Familia en un réseau de dialogues
croisés entre l’arrière-plan du tableau et la statue à la pose lascive.
Accompagné d’une iconographie remarquable, cet essai d’une rare intelligence
invite et sollicite le lecteur à un nouveau rapport aux œuvres d’art qu’il
appartient à tout à chacun de choisir de redécouvrir, un chemin vers
l’essentiel.
Pierre Bonnard "Observations sur la
peinture", préface d’Alain Lévêque, introduction d’Antoine Terrasse,
L’Atelier Terrasse éditions, 2015.
Les éditions L’Atelier contemporain offrent au lecteur d’entrer
subrepticement dans l’atelier de la création du peintre Pierre Bonnard.
Ainsi que le souligne l’écrivain Alain Lévêque dans sa préface, Bonnard
demeure "l’éphémère ébloui" selon les mots du poète Baudelaire, une belle
association pour commencer. Et c’est en effet en un subtil équilibre entre
la joie et l’angoisse d’exister que l’œuvre du peintre ravit le regard comme
l’esprit par cette fraîcheur et cette rencontre avec le monde souligne
encore Alain Lévêque. Ce livre admirablement présenté fait alterner les
nombreuses reproductions de l’agenda du peintre aux notes retranscrites.
Pierre Bonnard y consigne ses rendez-vous non pas avec le temps de la
plupart des mortels, mais avec celui de l’atelier du vivant, l’instantanéité
de l’immédiat. Le petit-neveu du peintre, Antoine Terrasse, récemment
disparu, offre aux lecteurs pour cet ouvrage une introduction à ces "Observations
sur la peinture" titre souhaité par Bonnard à cet ensemble de notes. Ces
lignes rapides comme l’esquisse évoquent tant l’état de la météo du jour que
les couleurs qu’elles suscitent chez le peintre : "Violet dans le gris.
Vermillon dans les ombres orangées, par un jour froid de beau temps." (7
février 1927). Antoine Terrasse rappelle combien ces instantanés préfigurent
une idée de tableau, dont certains prendront vie en effet sur la toile.
La genèse des formes, les couleurs en filigrane, le dialogue des traits
ébauchés anticipent l’épiphanie de la lumière. Si la transparence ou au
contraire la densité de l’air importe tant au peintre dans ses notes du
temps qu’il fait, c’est pour sa création qu’il s’en soucie plus que pour
lui-même : "Le noir comme couleur dans les ensembles clairs"
note-t-il le 17 mai 1928, "Couleur moins éclatante, teintes neutres
exaltées, pour l’unité de lumière". L’artiste est néanmoins vigilant,
voire angoissé, lorsqu’il souligne :"En peinture aussi la vérité est près
de l’erreur" (27 octobre 1935). Plus légères, les réminiscences des
émotions passées pointent au détour d’une entrée d’agenda tel le charme
toujours intact pour les lignes épurées d’une tasse japonaise ou la
fascination pour un dessin de Rubens…
Ces aphorismes de peintures conduiront à n’en point douter le lecteur à une
intimité certaine avec le peintre, une proximité qui renouvelle le regard et
tous les sens en beauté.
Philippe-Emmanuel Krautter
Marie-Anne Lescourret « Aby Warburg ou la tentation
du regard » Biographie, Hazan, 2014.
Marie-Anne Lescourret s’est attachée à une figure étonnante de l’histoire de
l’art, un nom curieusement peu connu du grand public en France, lacune que
cette brillante biographie devrait combler. Quel amoureux des livres
pourrait en effet méconnaître ce personnage qui, à un jeune âge, laissa la
responsabilité de la banque qui devait lui échoir de son père à son frère
cadet en échange de la garantie à vie des finances nécessaires à l’achat des
livres dont il aurait besoin… Derrière l’anecdote que rappelle Alberto
Manguel ( Vr. : L’interview accordée à notre revue) et citée dans tout bon
ouvrage consacré aux livres ou bibliothèque, se cache une personnalité
extraordinaire, née et morte à Hambourg (13-06-1866 / 26-10-1929), et dont
la pensée a été déterminante pour la compréhension de la science des images
qu’il a contribué à fonder et de l’histoire de l’art. L’homme était un
esthète et avait une bibliothèque exceptionnelle – celle justement créée au
détriment des affaires bancaires- riche quant à elle de plus de 80 000
livres et qui faisait l’objet d’un classement bien particulier par son
propriétaire, à savoir un rangement des livres par association d’idées « de
bon voisinage » et non thématique. Cette approche avait en son temps
décontenancé le rigoureux Ernst Cassirer, il ne fut pas le seul d’ailleurs…
Cette première biographie en français explore également des aspects moins
connus du personnage telle cette folie qui valut à Aby Warburg d’être
interné au lendemain de la défaite allemande lors de la Première Guerre
mondiale. Warburg s’écroule alors avec l’Allemagne et lorsqu’il se met à
penser que la solution est d’éliminer ses proches pour leur éviter les
tourments de cette chute, l’enfermement est inévitable. Sa personnalité
excessivement sensible fera l’objet des meilleurs soins possible à cette
époque avec notamment Dr Ludwig Binswanger, parent du médecin ayant soigné
Nietzsche, et ami de Freud… Mais, parallèlement sa lucidité et son acuité
lui permettront de réussir un pari fou : celui de prouver au personnel de la
clinique, ainsi qu’aux patients, l’équilibre retrouvé avec une conférence
sur « le rituel du serpent » des Indiens Hopis mis en relation avec l’art du
Quattrocento italien, signe que sa « folie » cohabitait avec les intuitions
les plus géniales. Par-delà l’anecdote qui pourrait à elle seule offrir un
scénario pour le grand écran, Aby Warburg a surtout légué aux générations
suivantes cette tentation du regard que cette biographie remarquable
invite à découvrir, une tentation qu’Ernst Cassirer avait déjà soulignée
dans cette personnalité dont la force et la particularité incomparables
du regard parvenaient à dépasser ce que voit le commun des mortels.
Philippe-Emmanuel Krautter
Michel De Jaeghere, Les derniers jours. La fin de
l’empire romain d’Occident, Belles Lettres, 2014, 652 pages, 22 cartes en
couleur, chronologie.
La chute de l’empire romain : un engrenage et un avertissement
Les Anglais ont deux mots pour résumer la question : Decline and Fall,
« Le déclin et la chute », ceux de l’empire romain bien sûr, non pas les
nôtres, quoique…
C’est en effet depuis Gibbon et la fin du XVIIIe siècle que les historiens
s’interrogent sur ce phénomène fascinant entre tous. Voici un empire et une
civilisation que les poètes et les historiens latins qui furent
contemporains des pires catastrophes militaires subies par Rome jugeaient
sans hésitation éternels. En Occident, au lendemain de la prise de la
capitale par Alaric en 410, Rutilius Namatianus chantait la capacité de
résilience dirait-on aujourd’hui, de résurrection aurait-il dit s’il avait
été chrétien, en réalité de renaissance perpétuelle dans les vicissitudes de
l’histoire de la divine Roma. En Orient, Ammien Marcellin, malgré la
défaite d’Andrinople en 378, croit lui aussi que l’empire est une idée
éternelle. Que s’est-il passé depuis ce second siècle, l’âge d’or des
Antonins, l’époque où Aelius Aristide, Plutarque, Épictète et d’autres
encore célébraient la prospérité inégalée des temps, qui ait conduit à la
mort d’un Prince sur un champ de bataille en territoire romain, chose
absolument inouïe ?
Michel De Jaeghere, rédacteur en chef du Figaro Histoire et du
Figaro Hors-Série, connaît les sources grecques et latines par cœur et a
lu Ammien Marcellin, Zosime ainsi que les auteurs chrétiens de suffisamment
près pour se rendre compte qu’il n’y a ni explication univoque possible ni
responsabilité unique à définir. Néanmoins sa curiosité intellectuelle et sa
foi en la science le poussent à affirmer, contre un certain scepticisme
moderne chez les spécialistes (l’hyper-spécialisation des universitaires
conduit inéluctablement à faire d’eux, selon la formule de Aldo Schiavone
dans L’Histoire brisée, « les historiographes du fragment »), que des
explications sont plus probables que d’autres. On n’assiste pas à la plus
grande catastrophe de l’histoire universelle sans penser que la
concaténation aléatoire des accidents de l’histoire ne saurait suffire à
éclairer son mouvement. Il faut saluer l’ambition du projet et la somme
immense d’érudition mise au service de cette belle entreprise.
Pour Michel De Jaeghere deux dates peuvent être retenues : 376 et 476
(déposition de l’empereur Romulus Augustule par Odoacre). Mais le livre est
très loin de s’enfermer dans ce siècle puisqu’aussi bien les événements du
IIIe siècle et ceux du Ve siècle sont abondamment et intelligemment racontés
dans des pages très vivantes où les figures de Théodose (379-395), de sa
fille Galla Placidia (future épouse d’un roi goth et d’un empereur romain)
et du régent Stilichon tiennent une grande place. En 376 les Goths
franchissent le Danube pour s’installer, avec l’agrément de l’autorité
impériale, en territoire romain, en Thrace. En 410 Alaric s’empare de Rome,
qu’il met violemment à sac pendant trois jours et trois nuits. L’auteur y
insiste : on n’aurait garde de minimiser ces deux événements, ce que fait
pourtant une certaine historiographie aujourd’hui. Il faut lire le chapitre
consacré à la traversée du Danube par les Goths, prélude à la percée
d’Andrinople et à la défaite de Valens en 378. On y voit un pouvoir
désemparé face aux pressions des barbares : pression démographique,
militaire et politique. La puissance romaine, par son apathie, commet en
l’espèce une forme de suicide, prélude à la mort ignominieuse de l’empereur
deux ans plus tard. On ne dira jamais avec assez de force que saint Jérôme,
côté chrétien, et Ammien Marcellin, côté païen, avaient perçu que le monde
alors basculait puisque le premier a choisi de clore sa Chronique sur
le désastre d’Andrinople comme le second ses Res Gestae. Saint Jérôme
écrit ainsi « qu’avec les barbares qui se déchaînent encore sur notre terre
comme des bacchantes, tout n'est qu’incertitude ». Il y a dans le récit de
cette pathétique bataille par Michel De Jaeghere un réalisme et un souffle
saisissants. Ce qui n’empêche pas l’auteur de proposer des analyses plus
techniques lorsque c’est nécessaire, par exemple dans le cas du traité (ou
foedus) de 382 qui accorde aux Goths un certain nombre d’avantages
matériels et fiscaux, faisant d’eux ce qu’on nommera désormais des « fédérés
», des barbares officiellement installés dans l’empire.
L’ouvrage s’attache aux événements, aux dates, aux personnages, aux
batailles : on revendique à juste titre la dimension pédagogique d’un récit
toujours clair et ordonné. Les chiffres donnés font néanmoins réfléchir :
comment un empire aussi peuplé (malgré des signes d’une longue crise
démographique que l’on a beaucoup de mal à quantifier avec certitude) a-t-il
pu céder devant des armées aussi mal organisées, sans machines de guerre, ne
possédant aucune des techniques de la poliorcétique (jamais les barbares de
ce temps ne vinrent à bout des remparts de Constantinople) ? Là encore
Michel De Jaeghere, tout en racontant avec talent, élève souvent la
réflexion, notamment en ce magnifique chapitre conclusif au titre qui
interpelle : « L’avertissement ». Et c’est pour se démarquer de bien des
idées en vogue : non, l’installation des barbares en territoire romain n’a
pas été un choix libre des autorités romaines mais leur a été imposée par la
force ; si l’apport militaire des fédérés a parfois servi l’empire, les
trahisons ont été plus nombreuses qu’on ne le dit ; si les barbares n’ont
jamais rêvé de détruire l’empire, la civilisation matérielle, avec l’abandon
des campagnes, seule véritable source de création de richesse, n’a cessé de
décliner au Ve siècle tout en constituant le premier attrait pour les
peuples étrangers : « C’est dire que, dans un empire désormais cantonné à
une stricte défensive, la prospérité romaine créait, par le fait même
qu’elle était connue de ceux qui n’avaient pas de part à sa distribution,
les conditions de sa disparition » (p. 591). L’argent faisait désormais
défaut et l’or des Daces jadis pillé par Trajan n’était plus qu’un motif de
gloire morte sur la colonne du conquérant.
Le plus troublant demeure que personne, à l’époque, n’y a rien vu : aucun
signe prémonitoire de la catastrophe finale n’aura traversé la conscience
des Symmaque et autres intellectuels du temps. Valens, joué par de mauvais
conseillers, porté par des espoirs fallacieux, aveugle aux conséquences de
sa politique, le fut aussi aux divers signes envoyés par le ciel. La pluie
avait grossi les eaux du Danube, ce que tout lecteur de l'Antiquité
reconnaît pour un omen défavorable. Aux yeux des Anciens la nature
hostile savait manifester son opposition à certaines entreprises humaines.
Rien n’y fit : un brin inquiet, sans plus, Valens signa avec son ennemi son
arrêt de mort. Mais combien comprirent que l’ancien monde lui aussi allait
mourir ?
Stéphane Ratti
Laurent Theis, Guizot. La traversée d’un siècle,
CNRS Éditions, Paris, 2014, 198 p.
Guizot, l’incarnation d’un siècle
Riche et multiforme figure que celle de Guizot dont on a souvent oublié
jusqu’au prénom, François (il n’y a pas de rue Guizot à Paris). Tout juste
se rappelle-t-on que l’homme fut ministre de l’Instruction publique de la
Monarchie de Juillet en 1832. C’était à une époque (apparemment close depuis
la chute de Luc Ferry en 2004) où les Ministres étaient choisis parmi les
grands professeurs. Guizot l’était à la Sorbonne, en histoire moderne,
depuis 1812. Sa loi de 1833 sur l’enseignement primaire demeure fameuse : si
elle ne retient ni le principe de l’obligation scolaire ni celui de la
gratuité, elle prévoit néanmoins des possibilités d’exemptions pour les
pauvres et définit un contenu minimum et obligatoire dans les classes.
Surtout elle pose le principe de la liberté de l’instruction primaire qui «
est ou publique ou privée ». Guizot ne marchandera jamais son soutien, moral
et financier, aux associations religieuses en charge de l’éducation des plus
jeunes. La politique volontariste en cette matière du ministre conduira aux
résultats tangibles que rappelle Laurent Theis : contre 33 000 écoles
primaires ouvertes en 1834 on en recense 43 000 en 1847, en principe une par
commune, regroupant environ 500 000 élèves de plus que treize ans plus tôt.
Le niveau des instituteurs, déjà issus des Écoles Normales (au nombre de
76), se sera lui aussi élevé.
Mais le livre de Laurent Theis brosse aussi, dans des chapitres thématiques,
bien d’autres aspects de l’activité de celui qui traversa son siècle, au
point d’avoir connu à la fois la Terreur en 1794 et la Commune en 1871. Un
fil rouge paraît s’en détacher : les relations ambiguës de l’homme avec la
Révolution. Le jeune François, issu de la bourgeoisie protestante nîmoise
(une famille de marchands et manufacturiers dans le textile), se souviendra
toujours de la visite que, à l’âge de sept ans, il rendit à son père, dans
le cachot où ce dernier, trop proche des Girondins et pas assez des
Jacobins, attendait d’être guillotiné sous une Terreur qui, en 1794, faisait
fureur jusqu’à Nîmes. Le futur historien et auteur de l’Histoire de la
révolution [noter l’absence de majuscule] d’Angleterre, s’en
souviendra, lui qui ne comprenait décidément pas pourquoi la Révolution
Française ne fut pas close en 1830 comme les Anglais avaient su mettre un
terme en 1688 à une séquence débutée quatre décennies plus tôt. S’il conduit
le 15 décembre 1840, en tant que Ministre des l’Instruction Publique, le
cortège du retour des cendres de Napoléon jusqu’aux Invalides, son jugement
sur l’Empereur demeurait, au rebours de celui de son rival Thiers, réservé,
car pour lui « l’héritage de Napoléon était empoisonné, puisque son nom
sonnait comme guerre au-dehors et révolution au-dedans ». Le modéré attaché
à la liberté de conscience n’avait pas oublié non plus que, du temps de sa
jeunesse, entre « 1809 et 1814, sur tout sujet politique, ou seulement
philosophique, toute conversation un peu sérieuse était frappée de mort ».
Ajoutons que Guizot était aussi un antiquisant de première force, comme le
sera, sous Napoléon III, l’un de ses illustres successeurs au Ministère,
Victor Duruy, et comme l’était à cette époque où culture et héritage
gréco-latin étaient étroitement liés, tout intellectuel digne de ce nom :
c’est dans sa belle traduction que les lecteurs français d’aujourd’hui
lisent toujours le Decline and Fall de Gibbon, un historien peu
enclin à l’indulgence envers les Princes chrétiens qui, à partir de
Constantin, ne furent, pour lui, pas sans responsabilité dans la chute de
l’Empire romain. Le travail de traduction et d’annotation de Guizot lui
ouvrira les portes de l’Université en 1812.
Ce que l’on sait désormais aussi grâce à la minutieuse enquête de Laurent
Theis, c’est que Guizot se fit une réputation à Paris grâce à la publication
de son premier livre signé (il avait déjà auparavant publié un anonyme
Dictionnaire des synonymes), De l’état des beaux-arts en Franceet du Salon de 1810. Il y chroniquait les toiles exposées au Carré du
Louvre, le Musée Napoléon, cette année-là : 1300 œuvres exposées, 100 000
visiteurs ; on s’y piétinait. Guizot voit dans cette floraison artistique
une compensation à l’état d’abandon dans lequel la censure napoléonienne
avait laissé la littérature en dehors de Chateaubriand. Il voit dans le
contre-modèle allemand confirmation de sa thèse et écrit au même moment 43
notices sur des personnalités toutes allemandes pour la Biographie
Universelle des frères Michaud. Il place ses critiques sous l’égide du
célèbre ouvrage de Lessing sur le Laocoon paru en 1776 et alors tout juste
traduit en français. Laurent Theis propose de comparer le point de vue de
Guizot sur les toiles de Guérin, Meynier, Girodet (le célèbre Chateaubriand
« méditant sur les ruines de Rome ») ou encore Granet et Gros avec celui que
défend au même moment un autre visiteur du Salon, Stendhal. Si ce dernier
affirme sans ambages que l’Art « fout le camp », Guizot ne croit pas à sa
décadence. Ce remarquable chapitre ressortit à l’histoire culturelle et fait
revivre avec talent les passions de l’époque.
Laurent Theis sait tout de Guizot et le chapitre qu’il consacre aux
relations entre l’historien et ses éditeurs est absolument passionnant.
Orphelin sans fortune, Guizot, rappelle l’auteur, vécut durant toute sa
carrière des revenus de son activité intellectuelle. On compte cinquante
titres composant plus de cent cinquante volumes parus sous son nom : ces
chiffres laissent un universitaire du XXIe siècle rêveur. Il le sera encore
davantage quand il saura que le tirage du dernier ouvrage de Guizot, achevé
dans sa 85ème année, cette Histoire de France depuis les temps les
plus reculés jusqu’en 1848, racontée à ses petits-enfants, fractionné en une
centaine de livraisons tirées chacune à environ 20 000 exemplaires, dépassa
au total le chiffre énorme de 2 239 000 exemplaires !
Déjà auteur de la biographie de Guizot qui fait autorité (Fayard, 2008),
Laurent Theis offre ici, plus que des compléments, un tableau riche et
vivant des diverses facettes de l’activité multiforme de cet infatigable
intellectuel, incarnation d’un siècle où la politique au plus haut niveau,
la diplomatie, la recherche, l’enseignement, le journalisme et la critique
d’art non seulement ne se nuisaient pas mais s’enrichissaient mutuellement.
Stéphane Ratti
VIE PRATIQUE
Angèle Hernu
Rincheval et Karel Balas : « Inside Fashion ; elles travaillent dans la
mode. », Paris, Éditions de La Martinière, 2016.
Qui n’a pas rêvé un jour de travailler dans la mode, dans LE monde de la
mode ? Mais quels sont ces métiers ? Qui sont-elles ces femmes ayant un jour
eu l’audace d’y entrer ? C’est pour répondre à ces questions qu’Angèle Hernu
Rincheval (déjà auteur de Trésors du vintage en 2013) et le
photographe Karek Balas (cofondateur de la revue Milk) ont eu
l’heureuse idée de signer conjointement cet ouvrage « Inside Fashion
» qui vient tout juste de paraître aux éditions de La Martinière. L’ouvrage
regroupe 18 témoignages de femmes travaillant inside : mannequin,
bien sûr, mais aussi styliste, designer, attachée de presse ou même – et
pourquoi pas – acheteuse ! Ces femmes, pour certaines plus connues que
d’autres, Jeanne, Colombe, Morgane, Fanny, Marie-Laure…ont osé, eu l’audace
d’entrer un jour dans ce monde Fashion ; enviées, convoitées, elles ont
pourtant accepté souvent avec générosité ou du moins sourire de leur ouvrir
leur univers, leur dressing, livrant leur parcours et mille et un secrets
dont le plus secret peut-être, leur carnet d’adresses : adresses shopping,
restaurants, librairies et même leurs adresses préférées pour leurs chers
bambins… Elles aiment shoppinner, chiner, se détendre et surtout
travailler dans cet «Inside Fashion ». Venant de chez Vuitton,
Céline, Hermès, Sézane ou Other Stories ou travaillant pour Elle ou
Le Printemps, elles racontent leurs formations, leur début nous
livrant leurs passions, leurs créations, leur vie. Créatrice de bijoux, hair
stylist, fondatrice d’agence, fashion editor, prises dans leur univers
personnel, clichés intimes et complices de Karel Balas, elles ont chacune
selon leur métier leur personnalité, leur intérieur et leur style ; décor
contemporain ou meubles de famille, ordre ou savant désordre, elles se
nomment encore Pénélope, Suko, Sandrine, Diva et affichent ce style
incontournable, cette allure bien à elles propre à cet « Inside Fashion
», ce monde de la mode à part entière.
« Le Dressing de Rêve des
Parisiens », Coll. Les Guides de Chêne, Ed. Chêne, 2015.
Assurément l’évènement de la rentrée pour tous les passionnés de mode : Un
guide et une expo « Dressing de Rêve des Parisiens » présentant et
regroupant cinquante nouveaux créateurs de mode, parisiens et dynamiques.
Parce que la rentrée, c’est aussi se faire plaisir et trouver hors des
boulevards trop battus ces créateurs de mode et d’accessoires presque pour
soi et dont on a tant rêvés… Trouver le coat ou la robe que vous ne
croiserez pas sur votre voisine de palier ou ce sac à main enfin assorti à
la couleur bien particulière de vos escarpins sans courir tout Paris et
quadriller chaque quartier et rue, compléter vos bonnes adresses sans avoir
à dérober le carnet de vos copines dans lesquels elles gardent jalousement
les leurs, c’est enfin possible ! Ce guide est fait pour vous. Un guide
spécialement rédigé pour un «Dressing de Rêve » et dans lequel vous
pourrez découvrir et trouver 50 adresses à Paris de nouveaux créateurs, que
ce soit des créateurs de prêt-à-porter ou de haute couture, homme ou femme,
dressing ou accessoires, souliers, lunettes ou bijoux… Avec des textes de
Marie Albaud, Philippe Zorzetto, créateur parisien connu pour ses souliers
depuis 2008, et Régis Pennel, fondateur du concept store online
L’Exception, ont ensemble parcouru pour les amoureux de mode les plus
passionnés le So-Pi, le Haut-Marais, la rue Saint-Honoré ou encore le
boulevard Saint-Germain. « Le livre rend compte – soulignent-ils –
de notre admiration et de notre respect pour chacune de ces aventures. Notre
sélection de créateurs n’est pas exhaustive, mais elle offre une
photographie de ce qui se passe aujourd’hui dans la capitale. Nous avons
voulu leur rendre hommage, raconter leurs parcours, leurs univers, leurs
passions et surtout vous donner envie de découvrir leurs extraordinaires
créations, avec de nouvelles adresses et astuces pour shopper hors des
sentiers battus. » Avec ces 140 pages, son plan, ses rubriques et son
rangement alphabétique, ses pages astuces ou glossaires, ses précisons,
adresses et prix moyen, le guide « Le Dressing de Rêve des Parisiens
» vous fera enfin tourner le dos aux vitrines qui vous font frémir
d’horreur. Un Guide de rêve pour un dressing exigeant et unique.
Ainsi que le soulignent encore les auteurs parce que « C’est grâce à leur
talent et à leur énergie que Paris reste plus que jamais un centre vivant
pour la création », parce que Paris ne serait pas, il est vrai, Paris
sans la Mode et ses maisons de créations, à noter que ce guide accompagnera
l’expo du même nom qui se tiendra à l’Hôtel de Ville de Paris du 8 septembre
au 31 octobre 2015 dans le cadre des Paris Rendez-vous et à l’occasion de la
semaine du prêt-à-porter (ateliers, animations et initiatives seront
également au rendez-vous).
Imprimer ses
photographies - Optimiser ses images dans Lightroom et Photoshop de Jeff
Schewe avec la contribution de Volker Gilbert
Collection : Post-traitement des photos, 284 pages, Eyrolles, 2014 .
A l’ère numérique et des écrans plats de plus en plus géants, il reste
cependant une habitude bien ancrée : celle de prendre en main une
photographie pour mieux la voir, l’apprécier et la partager. L’impression
numérique a ainsi assurément encore de beaux jours devant elle, et ce
d’autant plus que le tirage est, depuis de nombreuses années, à la portée de
toutes et tous, et non plus des seuls professionnels. Mais, il serait
réducteur de croire que tout consiste en un seul clic sur l’icône imprimer
de son ordinateur pour avoir en main en quelques clics et secondes une
photographie digne de son précieux appareil photo. L’impression numérique
répond à des exigences et des fonctionnalités que Jeff Schewe a décidé de
partager dans un livre agréable à consulter et fruit de l’expérience du
grand photographe américain, expert renommé de Photoshop avec la
contribution de Volker Gilbert, photographe professionnel. Ce fameux
programme « impressionne » souvent – sans mauvais jeu de mot, et les
conseils de notre guide en la matière ne seront pas inutiles afin d’éviter
de se perdre dans les nombreuses fonctionnalités de ce programme fleuve.
L’auteur nous apprend de manière didactique comment obtenir des tirages
impressionnants, car il est acquis dorénavant qu’entre la prise de la
photographie et sa sortie papier, une étape essentielle est réalisée à
partir du traitement des fichiers RAW, en quelque sorte le négatif
numérique. La préparation des images fait l’objet de toute l’attention de ce
livre complet et illustré par de nombreux exemples évocateurs. Après avoir
expliqué les fondamentaux de l’impression numérique, Jeff Schewe réserve une
partie importante de ses explications à la gestion des couleurs, que cela
soit sur Mac ou sur Pc. Nous apprenons ainsi à maîtriser les étapes
préalables à l’impression avec notamment l’épreuvage sur écran, les
accentuations, le traitement du bruit… Les explications sont conçues pour
une utilisation pratique même si elles n’écartent pas le minimum de théorie
à connaître, le tout dans un langage clair et accessible. Il ne fait nul
doute qu’après avoir lu et pratiqué cet ouvrage indispensable, nos
photographies s’en trouveront embellies grâce à Jeff Schewe et Volker
Gilbert.
CÔTÉ REVUES
Le Figaro Hors-Série «
Picasso, les habits neufs du musée Picasso - Dans l’antre du démiurge »
Ainsi que le souligne Michel de Jaeghere dans l’éditorial de ce hors-série
consacré à la réouverture du musée Picasso de Paris, l’artiste espagnol a
toujours cherché à réconcilier des courants artistiques souvent éloignés
tels l’art africain traditionnel et le classicisme. Cette voracité quant à
la variété des sources inspirant son art a toujours été le préalable
incontournable à l’expression personnelle de Picasso, une expression
novatrice qui renouvellera totalement l’art du XX° siècle. L’hôtel Salé qui
abrite le musée Picasso a fait l’objet d’une rénovation et d’agrandissements
permettant un nouvel accrochage qui évoque la vie de l’artiste à travers ses
œuvres : « Mes toiles, finies ou non, sont les pages de mon journal ». Ce
numéro montre combien le réel chez Picasso est littéralement soumis à une
déconstruction, puis à une recréation, qui s’abstrait des conventions. Le
regard porté par l’artiste sur ce qu’il représente ne cesse d’étonner même
si de nos jours, il ne scandalise plus. Cette dislocation du réel qu’il a
osé peindre sur la toile ou sculpter est en effet aujourd’hui perçue - c’est
entendu ou presque… - comme un état de fait au XXI° siècle, mais replaçons
la démarche de Picasso en son temps, alors l’entreprise parait tout
simplement révolutionnaire. Ce Nu debout ou encore le fameux Homme à la pipe
ont été peints successivement en 1908 et en 1914, cent ans déjà…
Ce numéro à la riche iconographie nous fait entrer dans neuf journées vécues
de la vie du peintre, du 25 octobre 1881, date de la naissance de Pablo que
l’on crut mort-né, jusqu’au 8 avril 1973 où une embolie pulmonaire eut
raison du souffle créateur du génie ; entre ces deux dates, pas une journée
ne s’est déroulée sans qu’elle n’ait été consacrée à l’art dans un vertige
étourdissant de créations protéiformes. La deuxième partie de ce numéro
retrace la saga du musée Picasso, né en 1974, un an après la mort du maître,
musée qui ne se veut nullement – et peut-être plus encore aujourd’hui -un
temple figé, mais bien un laboratoire et un centre d’étude de l’œuvre de
Pablo Picasso.
Hors-série Le Monde « Simone de Beauvoir, une femme libre »
Simone de Beauvoir est devenue femme, nul doute à ce sujet après la lecture
du passionnant dossier paru dans le dernier Hors-série du Monde consacrée à
celle qui aura marqué le XX° siècle quant à ses réflexions sur la femme.
La femme « devenue », et non pas seulement « née », est au cœur de ce riche
dossier réunissant témoignages, analyses et extraits d’œuvres de la compagne
de Sartre, tout en se dissociant parfois de lui quant à ses idées et ses
combats. La vie de Beauvoir est en elle-même un livre dans lequel tout à
chacun peut lire de nombreux témoignages sur ce combat de tous les jours
pour échapper au « destin » d’une femme née au début du siècle passé. On
peut songer à l’effroi et à la colère qui la saisiront lorsqu’elle apprendra
le mariage forcé de sa plus chère amie, Zaza, qui mourra peu de temps après.
Cette révélation, associée au contre-exemple du couple de ses parents,
favorisera la rencontre avec Sartre. Josyane Savigneau signe un très beau
portrait de Beauvoir intitulé « L’aventure d’être soi ». Il apparaît en
effet que ce « devenir » pour être soi a été au cœur de l’action de cette
brillante intellectuelle. Malheureusement, ses combats apparaissent parfois
aujourd’hui comme faisant parti d’une « vieille garde » de féministes
soixante-huitardes, si éloignés des débats et des crises de notre époque. En
sommes-nous si sûrs ? Ses combats ont certes souvent conduit à des droits
acquis qui font oublier leur origine ; mais la grande leçon de liberté qui a
été au cœur de sa vie est-elle également à considérer comme chose acquise ?
Ce beau numéro offre une lecture diagonale de la vie de Simone de Beauvoir,
une lecture qui invite à découvrir l’œuvre très variée de celle qui était
persuadée « qu’à la fin, les femmes gagneront » !
LIVRES A ECOUTER,
DOCUMENTAIRES,...
Marcel Proust A la
recherche du temps perdu - nouvelle version, réuni en 35 CD MP3 et 7 petits
coffrets, Présentation de Jean-Yves Tadié dans le livret d'accompagnement,
lu par : André DUSSOLLIER, Lambert WILSON, Denis PODALYDÈS, Guillaume
GALLIENNE, Robin RENUCCI, Michaël LONSDALE, Editions Thélème, 2014.
Les éditions Thélème ont réussi ce pari impensable d’enregistrer
l’intégralité d’un des romans les plus connus de la littérature, A la
recherche du temps perdu de Marcel Proust. L’entreprise étonne et
surprend tant l’ampleur de la tache aurait pu dissuader d’enregistrer une
œuvre aussi importante. Pour relever ce défi, les plus grands acteurs ont
été invités à cette réalisation exceptionnelle : André DUSSOLLIER, Lambert
WILSON, Denis PODALYDÈS, Guillaume GALLIENNE, Robin RENUCCI, Michaël
LONSDALE prêtent ainsi leur voix au narrateur de la Recherche. Et la
magie opère, car comme le soulignait justement Raphaël Enthoven dans l’entretien
accordé à notre revue «… la Recherche est une machine à
éterniser les instants, même les plus insignifiants » et les voix de ces
enregistrements, faisant revivre les évocations de Marcel Proust dans sa
grande œuvre, offrent à leur tour de nouveaux éclairages, une nouvelle
manière de percevoir le style, les images et les tonalités du roman.
Toujours dans le même entretien, Jean-Paul Enthoven reconnaissait : « A
chacune de ses lectures, il me paraît nouveau. Si je relis Voyage au
bout de la nuit de Céline ou Une ténébreuse affaire de Balzac,
j’ai le sentiment de lire toujours la même œuvre. Il y a chez Proust quelque
chose de très mystérieux qui fait que ce qu’il écrit entre toujours en
résonance avec l’état d’esprit du lecteur et l’état de son développement
sentimental, psychique, intellectuel. C’est une magie. » Et répétons-le,
c’est bien justement cette fabuleuse magie qui opère à l’écoute de ces CD.
Le grand spécialiste de Proust, Jean-Yves Tadié, note également combien il
est difficile de résumer une telle œuvre aussi vaste tant en raison du
déroulement qui n’est pas linéaire chez l’écrivain que par les impressions
et souvenirs du narrateur qui comptent souvent autant que les actions. Ces
enregistrements réunis dans un luxueux coffret sont divisés en sept parties
correspondant aux sept romans du cycle. Pour chacun d’entre eux, les
personnages sont présentés, ce qui est une aide précieuse pour se
familiariser avec les protagonistes de l’œuvre. De même un index détaillé
permet de retrouver immédiatement un passage de l’œuvre dans chacun des CD
par le recours au système des pistes audio. Par cette initiative des
éditions Thélème, les amoureux de Proust pourront ainsi retrouver à tout
instant avec un lecteur MP3, un lecteur CD ou un autoradio, ces voix
magiques qui évoquent les nuits d’insomnie, la chambre du Grand Hotel de la
Plage à Balbec avec les reflets de la mer ponctués par les plinthes en
acajou ou encore le passage guetté de la duchesse de Guermantes et les
désirs voluptueux du souvenir…
A commander sur
www.editionstheleme.com ou en
librairie (liste de points de vente également sur le site)
"Les 7 habitudes de ceux qui réalisent tout ce qu'ils entreprennent" de
Stephen R Covey, un livre audio lu par Benoit Grimmiaux, Audiolib, 2014.
Les 7 habitudes de ceux qui réalisent tout ce qu’ils
entreprennent compte très certainement parmi les livres les plus importants
du XX° siècle en matière de développement personnel. Son auteur, Stephen R.
Covey (lire
notre interview) disparu en 2012, a réuni dans cet ouvrage dense
et exigeant la quintessence de décennies de lectures, travaux, conférences,
séminaires sur le sens de nos vies. Il est aujourd’hui – heureuse initiative
– disponible en audiolivre aux Éditions Audiolib. L’auditeur de ce livre,
admirablement lu par Benoît Grimmiaux, avancera par étapes à la recherche de
ce qui importe le plus dans sa vie, à mille lieues des recettes aussi
faciles qu’inutiles. Stephen R. Covey nous apprend ainsi progressivement à
sortir de nos ornières du quotidien, de ces réactivités qui minent nos
relations et nos vues à court terme qui entament notre vie sans que ces
temps gâchés ne puissent revenir à nouveau. Et c’est bien effectivement à
vivre de nouveau ou autrement que propose R.Covey dans cet ouvrage audio,
sans prosélytisme, ni idéologie, même si l’auteur ne cache pas son
attachement à sa foi, attachement qui n’est nullement ostentatoire ni
indispensable à l’écoute de ces lignes qu’il offre généreusement à ses
lecteurs. Apprenons donc à identifier ces schémas erronés, à redéfinir notre
mission à partir de ce qui importe le plus pour nous – un examen souvent
difficile, mais si indispensable à la vraie vie – puis faisons en sorte que,
jour après jour, notre quotidien se rapproche de cette vue idéale, avec ses
aléas, mais aussi ses victoires. Une belle aventure à écouter avec Audiolib
en téléchargement ou en librairie.
Céline vivant (DVD) de Jean Prat, Alexandre
Tarta, Yvan Jouannet, coffret 2 DVD accompagnés d'un livre par Emile Brami,
Éditions Montparnasse.
Les éditions Montparnasse ont réuni en un coffret DVD l’essentiel des
témoignages de Louis-Ferdinand Céline devant les caméras de télévision,
ainsi que de nombreuses évocations de cette figure si singulière de
l’univers littéraire du XX° siècle. Céline a longtemps souffert de la
réputation d’un écrivain sulfureux dont les écrits antisémites sont restés
définitivement dans la mémoire collective non seulement après la Seconde
Guerre mondiale, mais avant tout après l’effroyable épreuve de la Shoah.
Comment concilier ces phrases marquées à jamais sur le papier – et toujours
objet d’une certaine censure à ce jour – et ce génie littéraire reconnu par
un grand nombre d’intellectuels pourtant non suspects de quelconque
ostracisme ? La réponse vient certainement d’un effort de lecture, de
compréhension de l’homme et de son contexte, effort auquel invite sans
équivoque ce reportage qui ne cherche pas à être complaisant sur ce qui a
été reproché à Céline, mais cherche plutôt à placer le débat sur le plan de
l’écriture et de la création littéraire comme en témoigne ce jugement de
Philippe Sollers :
« Plus tard, même après mes engagements extrémistes, et malgré la réputation
d'homme de droite infréquentable de Céline, alors que son biologisme - c'est
ainsi qu'il faudrait définir son racisme - me paraissait en total désaccord
avec son génie d'écrivain, j'ai persisté à l'admirer avec constance. On peut
dire aussi, et c'est à peine une plaisanterie, que pour le « maoïste» que
j'étais il y avait beaucoup de Chine dans Rigodon! »
Nous entrons ainsi dans l’univers de l’écrivain à Meudon, dans une villa
incroyable, véritable laboratoire littéraire d’un savant fou, s’il n’était
d’une effroyable lucidité sur l’homme. Au-delà des raccourcis auxquels se
prête Céline lorsqu’il évoque sans sourire que sa vocation d’écrivain n’est
due qu’à de seuls soucis matériels, nous réalisons combien l’homme est au
cœur d’un processus créatif nourri à un milieu populaire d’artisans (sa mère
était repriseuse de dentelles), de cabaret, et où la gouaille de la rue –
par une opération qui tient au génie de Céline – fait l’objet d’une
transmutation pour reprendre vie dans l’écriture avec autant de force, si ce
n’est plus. Mais le génie de Céline est aussi d’associer à ce lyrisme
comique, comme il le qualifie lui-même, un attachement indéfectible à la
grande tradition de Voltaire, La Bruyère ou encore Saint-Simon. Le travail
est alors immense et l’on comprend mieux pourquoi l’écrivain restait des
jours et des nuits, pendant de longs mois, sur une œuvre qui faisait l’objet
souvent de six, sept ou huit versions. Nous prenons alors conscience que les
choses ne sont pas aussi simples que ce que l’on aimerait présenter, et ce
remarquable travail éditorial réalisé par les Éditions Montparnasse invite à
plonger au cœur de cette œuvre qui reste encore largement à découvrir ou à
comprendre !
DVD 1
Les grands entretiens de Louis-Ferdinand Céline
Lectures pour tous (1957)
Entretien audiovisuel avec Pierre Dumayet (19 min)
Voyons un peu : Céline (1958)
Entretien audiovisuel avec Alexandre Tarta (18 min)
En français dans le texte (1961)
Entretien audiovisuel avec Louis Pauwels (19 min)
Lecture d’un extrait de Nord de L.-F. Céline, par l’auteur (1960 - 11 min
environ)
Enregistrement sonore inédit, réalisé par Marie Canavaggia, secrétaire de
L.-F. Céline.
DVD 2
Autour de Louis-Ferdinand Céline
En marge du prix Goncourt (1932)
À propos de la non-attribution du prix à Céline (1 min)
Témoignage d’Elisabeth Craig, grand amour de L.-F. Céline et dédicataire de
Voyage au bout de la nuit
Entretien avec Jean Monnier (3 min environ)
D’un Céline à l’autre (en deux parties - 115 min environ - 1969 - de Y.
Bellon et Michel Polac)
Portrait de L.-F. Céline avec les témoignages de Madame Destouches, Michel
Simon, le Dr Villemain, Me Gibault, René Barjavel, Gen Pol, Dominique de
Roux, Michel Audiard…
Les grands
Entretiens « Les lieux de Marguerite Duras » un film de Michelle Porte,
Gallimard / INA, 2009.
Nous entrons avec cette très belle réalisation de Michelle Porte dans
l’univers, les univers devrions-nous dire, de Marguerite Duras. Ce film
divisé en deux parties, dont le texte a été publié aux Editions de Minuit,
ouvre en effet les portes de l’intimité de la romancière, cette intimité où
les lieux et les personnes sont intrinsèquement associés. C’est en 1976 que
Michelle Porte propose à Marguerite Duras de dresser un portrait d’elle à
partir des lieux, sa maison de Neauphle-le-Château qu’elle a tant aimée et
qui reste indissociable de nombreux personnages de ses romans ainsi que de
son film Nathalie Granger tourné dans cette demeure. La réalisatrice,
par un entretien à la fois très discret et en même temps très présent,
parvient à lever certains voiles d’une pensée fascinante et complexe en même
temps. Les silences comptent autant que les mots qui parfois révèlent une
douleur aiguë voire un malaise profond. Cette maison jouxte la forêt à la
fois lieu de l’insouciance de l’enfance et du danger imminent perçu par
l’adulte, lieu historique d’intimité de la femme à l’époque moyenâgeuse des
sorcières et en même temps lieu inquiétant pour la rationalité. Tout est
tendu et à la fois relâché dans ces témoignages à cœur ouvert. Marguerite
Duras est inquiétante de sincérité, ses sourires attirent en même temps
qu’ils font craindre les gouffres de son quotidien, toujours cette tension
créatrice qui a nourri son génie littéraire. Plus qu’une introduction à
l’œuvre et à la personne de Marguerite Duras, ce film est à recommander à
tous celles et ceux qui souhaitent découvrir l’univers d’un auteur majeur du
XX° siècle.
Paul Veyne,
Lucien Jerphagnon "Paul Veyne Sur l'Antiquité - Entretien avec Lucien
Jerphagnon" - Un livre sonore 1 CD Audio, Editions Textuel, 2008.
Écouter Paul Veyne, conteur hors pair, c’est passer quelques moments exquis
à déambuler dans Rome, c’est se retrouver parmi la foule venue assister à un
combat de gladiateurs, c’est s’arrêter un instant sur l’enseignement des
grandes écoles de philosophies antiques, c’est apprendre l’Histoire
autrement. Une écoute jubilatoire et merveilleusement ludique. Un entretien
avec Lucien Jerphagnon, historien de la philosophie, spécialiste de la
pensée grecque et romaine, lève le voile sur la complicité intellectuelle
qui le lie avec le grand historien de l’Antiquité. En aèdes modernes, ces
deux joyeux trublions de l’histoire et de la pensée antique, nous apprennent
avec enchantement à regarder et à comprendre les Anciens.
Archéologue et historien français né en 1930, professeur honoraire au
Collège de France intronisé par Raymond Aron, Paul Veyne est notamment
l’auteur de Comment on écrit l’histoire (Seuil, 1970), Les Grecs ont-ils cru
à leurs mythes (Seuil, 1983), Sexe et pouvoir à Rome (Tallandier, 2005), et
tout récemment, de Michel Foucault, sa pensée, sa personne (Albin Michel,
2008). Il s’est épris d’archéologie à l’âge de huit ans, alors qu’il
découvrait un morceau d’amphore sur un site celtique près de Cavaillon.
Depuis, il n’a eu de cesse de percer le mystère de l’Antiquité.
Lucien Jerphagnon, né en 1921, est philosophe, spécialiste de la pensée
grecque et romaine. Il est l’auteur de Histoire de la Rome antique (Tallandier),
de Histoire de la pensée de l’Antiquité au Moyen-Âge (Tallandier), et d’Au
Bonheur des sages (Desclée de Brouwer). Il a également dirigé l’édition des
Œuvres de Saint-Augustin dans la Pléiade.
Lucien Jerphagnon et Paul Veyne ont correspondu pendant une vingtaine
d’années sans se rencontrer, discutant de points d’histoire, de philosophie
et partageant leur lecture du monde antique. Ce livre-disque lève le voile
sur une complicité intellectuelle et philosophique aussi touchante que
passionnante.
(lire nos interviews des deux historiens sur LEXNEWS dans nos pages
interviews)
Philosophie au
quotidien avec la Librairie Sonore des Editions Fremeaux
Lire en
conduisant ou en préparant un repas n’est pas une activité habituellement
recommandée mais avec les grands classiques de la Librairie Sonore des
Editions FREMEAUX cela devient non seulement possible mais également
vivement recommandé !
Lus par
de grands artistes, ces enregistrements nous font revivre d’une autre
manière des textes découverts par le livre seul. Détaché des lignes à
parcourir, l’ouie prend le relais pour une autre sensibilité, celle des
sonorités des mots, de leurs articulations et de leurs silences.
Découvrons tout d’abord « Le Banquet ou de L’Amour» de
Platon lu par Michel Aumont. « Le Banquet » est avant tout un
éloge de l’amour décliné au pluriel. Les différents discours de ce banquet
particulièrement bien arrosé offrent en effet plusieurs manières de désirer
le Beau, certaines plus crues que d’autres. Mais par cette réflexion sur l’eros,
le « lecteur-auditeur » accède également à une interrogation plus générale
sur ce qui mène au Vrai et au Bien. Ce texte fondateur de la philosophie est
particulièrement bien servi par l’interprétation sobre de l’homme de théâtre
qu’est Michel Aumont.
Le
stoïcisme est à l’honneur avec le fameux « De brevitate vitae »,
De la brièveté de la vie, de Sénèque lu par Jean-Pierre Cassel
récemment disparu. Cette très belle lecture fait parfaitement résonner le
sens de ce texte majeur qui tend à démontrer que si la vie n’est pas si
brève si nous apprenons à la vivre pleinement. Cette leçon de vie comme
pratique philosophique est une exigence de tous les instants. Sénèque nous
rappelle que nous gaspillons trop souvent notre temps au lieu de réaliser de
grandes tâches. Si nous concevons nos journées comme une vie tout entière,
la vie ne sera pas brève en raison de sa richesse…
« Les
Essais » de Michel de Montaigne lu par Michel Piccoli ne
tiennent pas du rêve mais de deux superbes coffrets de la même Librairie
Sonore. Grand prix de l’Académie Charles Cros, cet enregistrement fera en
effet date tant la rencontre du texte et de l’artiste tend à la symbiose
parfaite ! Cette sélection d’écrits ont fait l’objet d’un travail
remarquable de réécriture pour l’oralité. « Que philosopher c’est
apprendre à mourir » ou « De l’inconstance de nos actions » sont
les fruits d’une réflexion qui ne s’est pas donnée de plan a priori.
« Les Essais » occuperont en effet Montaigne jusqu’à sa mort. C’est une
nouvelle fois la connaissance de soi qui est au cœur de ces essais de la
part d’un humaniste qui sut également prendre part à la vie politique de son
temps. Le choix de Michel Piccoli est incontestablement une réussite,
l’intelligence de la voix de l’acteur seyant parfaitement au texte.
Pour
finir, un texte plus moderne d’Albert Camus, « Le mythe de Sisyphe »,
lu par Jacques Pradel, est un moment de véritable découverte. Camus
reconnaissait que c’est lors de la descente pour rechercher la pierre qu’il
aurait à remonter sans cesse que le personnage mythologique de Sisyphe
l’intéressait le plus. Conscient de la vacuité des recherches de l’homme,
Camus regarde son tourment dont il sait qu’il ne connaîtra pas la fin. Mais
c’est également là le génie de ce texte de ne point sombrer dans un
pessimisme nihiliste : le regard est tragique car Sisyphe est conscient mais
la tâche du héros peut également être joyeuse selon Camus car son destin lui
appartient ! La voix de Jacques Pradel met bien en lumière ce texte à
écouter et à partager pour des instants de vrai bonheur !
LE CORBUSIER,
Entretiens avec Georges Charensol (1962), et Robert Mallet (1951),
Collection La Librairie Sonore – Notre Mémoire Collective, Editions FREMEAUX
& ASSOCIES, 2007.
Qui ne connaît le nom de l’un des plus
célèbres architectes au monde, Le CORBUSIER, synonyme de renouveau de
l’architecture après la seconde guerre mondiale. Pour pouvoir approcher de
plus près ce personnage atypique qui refusait les honneurs, ces Entretiens
de la Librairie Sonore FREMEAUX ASSOCIES marquent incontestablement un
témoignage clé dans la mémoire de ce visionnaire infatigable.
Charles-Edouard Jeanneret naquit le 6
octobre 1887 à la Chaux de Fonds et ne prendra son pseudonyme Le Corbusier
qu’en 1920 d’après le nom de l’un de ses ancêtres albigeois. Le Corbusier
est avant tout un peintre avant d’être architecte comme il le rappelle dans
l’un des deux entretiens proposés. Très sensible à l’art pictural (qui aura
sa place dans la conception même de ses créations architecturales), il
fondera un mouvement, le mouvement puriste, avec son ami Amédée Ozenfant.
Ces deux entretiens (avec Georges Charensol en 1962, et Robert Mallet en
1951) montrent bien que l’homme est en rupture avec l’académisme de ses
débuts. Jetant un œil acerbe, et même parfois acide, sur les institutions
académiques trop souvent responsables d’un art figé selon lui, Le Corbusier
soutient une architecture purifiée et revisitée grâce à de nouveaux
matériaux tel le béton armé dont il exploitera toutes les possibilités
techniques et esthétiques. La dimension sociale est essentielle dans le
travail créatif de l’artiste. Il sera même d’ailleurs l’un des rares
architectes à avoir pu concevoir une capitale (Chandigarh). Même si certains
critiqueront ses réalisations, le génie est à ce prix et Le Corbusier est
définitivement entré dans le panthéon culturel du XX° siècle comme en
témoignent ces enregistrements à découvrir absolument.
« Je fais mon architecture comme un
organisme vivant, elle est biologique, il y a un support osseux, des forces
musculaires, des réseaux sanguins lymphatiques nerveux,… » Le CORBUSIER,
1962.
Développement
Personnel, Management,...
Craig Jarrow You Are Stronger Than You
Think & Crush Your Procrastination, ebooks, Time Management
Ninja.
Voici deux
ouvrages numériques en anglais qui pourraient bien vous faire gagner non
seulement du temps, mais surtout des instants précieux de votre vie. Une
recette miracle de plus ? Une méthode farfelue pour manager sa vie selon les
préceptes d’un gourou comme il en fourmille de chaque côté de l’Atlantique ?
Point du tout ! Craig Jarrow est non seulement l’auteur de deux ouvrages
résultant d’une vie et d’une passion vouées au développement personnel, mais
également le créateur du bien connu site Time Management Ninja, un titre
aussi guerrier que la méthode prônée pour attaquer l’ennemi, celui qui nous
fait passer à côté de notre vie, de chaque minute de nos journées.
Il n’a jamais été aussi urgent que de réfléchir à quoi nous passons (perdons
?) notre temps à l’heure de l’ultra connectivité, des réseaux tentaculaires
et des nombreuses chaînes que nous passons volontairement à notre cou. Pour
cela, comme se plaisait à le souligner Sénèque, il ne faut pas attaquer
l’ennemi par petits coups, mais bien avec promptitude, et radicalité, ce à
quoi s’attache l’auteur, spécialiste en gestion du temps pour les
entreprises et les particuliers. En fait, Craig Jarrow est d’une certaine
manière un cobaye actif qui a su tester chaque méthode, chaque outil,
gadgets, censés nous faire gagner du temps et de l’efficacité dans notre
vie. Chaque semaine sous la forme d’un blog, et réunis dorénavant en deux
ouvrages You Are Stronger Than You Think et Crush Your Procrastination,
Craig Jarrow nous livre ses enseignements avec honnêteté et recul. Car il
est loin d’être aisé aujourd’hui de faire la part des choses à moins d’opter
pour la radicalité de l’agenda papier et du bon vieux stylo, encore que…
Craig Jarrow nous montre combien les technologies peuvent nous aider à avoir
une vie meilleure à la condition d’éviter les écueils de la dispersion et de
la procrastination. L’auteur nous fait ainsi gagner du temps sur ce qui est
censé ajouter à notre productivité et non la mettre en péril. Que celui qui
n’a pas passé des heures à synchroniser son smartphone avec son agenda
électronique sur son ordinateur pour réaliser au final qu’un rendez-vous
était passé à la trappe jette la première pierre… Craig Jarrow est un
technophile averti, c’est certain, et comptez sur lui pour vous indiquer
quelles sont les applications qui peuvent vous aider à gagner en efficacité
sans avoir à lire trois tomes de guide d’emploi d’un logiciel en swahili !
L’auteur sait également un amoureux du papier et des instruments d’écriture
et semble avoir un goût certain pour les beaux carnets Moleskine (voir notre
chronique). Nulle radicalité donc dans ses propos, mais une réflexion mure
et éprouvée par la pratique d’années de test et d’analyse de ce qui peut
nous aider à mieux déterminer le sens de notre vie et les moyens d’y
parvenir. Une lecture stimulante, pleine d’humour, à découvrir sur :
http://timemanagementninja.com
Tony Buzan « Muscler son cerveau avec le Mind
Mapping » Eyrolles.
Le Mind Mapping gagne en notoriété ces
dernières années et ce dernier livre de Tony Buzan, créateur du concept, est
là pour en témoigner. De quoi s’agit-il ? Nous pouvons représenter nos
pensées non plus exclusivement par des phrases mais par des représentations
cartographiques, de véritables schémas, plus ou moins complexes selon les
personnes et les situations. Il faut en fait imaginer une représentation
mentale d’une idée, d’un projet ou d’un problème sur un papier, à l’aide de
bulles, de flèches, de petits dessins, la créativité du pratiquant étant la
seule limite. Si l’exercice peut sembler un peu élémentaire de prime abord,
il n’en est rien lorsque l’on approfondit l’exercice. Il s’agit en fait de
développer ce que tout à chacun possède en lui, à savoir sa pensée créative.
Or, pour que cette dernière puisse irradier et développer toutes ses
possibilités, la schématisation organisée de manière spécifique par le Mind
Mapping est redoutable si l’on veut bien accepter cette nouvelle manière de
penser. Un outil à découvrir et à exploiter régulièrement pour accroître ses
fonctions créatives.
J. MESSINGER : « Ces gestes qui vous trahissent.», Paris, Editions FIRST,
2005, 344p.
Ouvrage de référence en la matière, il se présente sous forme d’un guide
alphabétique des différents codes gestuels usuels. Y sont répertoriés,
décryptés avec photos à l’appui dans un style acidulé, pas moins de 500
gestes et attitudes corporelles qui vous trahissent quotidiennement ou vous
révèlent – en si peu de temps - le caractère de votre interlocuteur. Une
vraie bible, qui vous évitera de perdre – entre autre - sans vous en rendre
compte votre interlocuteur lorsqu’il se gratte la main depuis déjà cinq
minutes…, ou de perdre désespéramment votre temps alors même qu’il vous
désigne si souvent de la pointe de son menton…, ou encore de vous laisser
mener en bateau lorsqu’il s’assoit de manière si paternaliste sur le rebord
de son bureau…
Stephen R. Covey
"L'étoffe des leaders" FIRST EDITIONS.
Les éditions FIRST ont décidément
l'heureuse idée que de rééditer les ouvrages de référence du penseur
américain, et ce dernier titre devrait tout spécialement intéresser
l'univers professionnel. C'est à partir de questions simples comme "Savez
vous dire non ?", "Qu'avez vous retenu de vos études ?", "Consacrez
vous assez de temps à vos enfants ?" ou "Pensez vous être apprécié à
votre juste valeur ?" que Stephen R Covey nous rappelle que notre vie
professionnelle repose également sur un parfait accord avec une boussole
qu'il nous appartient de déterminer et de suivre. Déterminer les principes
cardinaux de votre vie professionnelle n'est pas chose facile surtout à
notre époque. L'auteur nous apprend comment découvrir cet univers à portée
de main et qui pourtant est trop souvent remis au lendemain. Une première
idée, demain en allant ou revenant du travail, arrêtez vous chez votre
libraire et acheter ce livre qui pourrait changer votre vie professionnelle
et votre vie tout court !
Stephen R.
Covey "Les 7 habitudes de ceux qui réalisent tout ce qu'ils entreprennent"
avec nouvelle préface et postface de l'auteur, FIRST EDITIONS.
Les chiffres éloquents de plus de 15
millions d'exemplaires vendus dans 27 pays donnent une idée de l'ampleur de
la pensée de leur auteur ! Stephen R. Covey est, sans conteste, l'une des
figures marquantes du développement personnel du XX° siècle. Diplômé de
Harvard et président du Covey Leadership Center, l'auteur a été le
conseiller du Président Clinton. L'ouvrage clé de la pensée de
l'auteur, les 7 habitudes..., n'est pas un livre de plus offrant des
recettes miracles pour réussir sa vie. En fait de miracles, c'est sur le
long terme que se place la démarche de Stephen R Covey. C'est en effet, pas
à pas, jour après jour, que de profonds changements pourront survenir, assis
sur des principes justes et immuables. On l'a compris, c'est à un effort
d'exigence vis à vis de nous tout d'abord auquel nous invite ce magnifique
livre qu'on ne cesse d'ouvrir et d'exploiter, lecture après lecture. Que ce
soit l'approche personnelle, sociale ou professionnelle, rien n'est écartée
dans la démarche globale de l'auteur. Profitons de cette dernière édition,
augmentée d'une nouvelle préface et d'une nouvelle postface de l'auteur,
pour repenser les fondements de notre vie !
Jean-Louis Servan-Schreiber « C’est la vie » Albin Michel, 2015.
Jean-Louis
Servan-Schreiber conclut son dernier essai « C’est la vie » paru chez Albin
Michel par les mots suivants : « Me savoir mortel fait de chaque minute
une chance » bel aphorisme qui résume l’art de son auteur, celui d’un
passeur d’idées. A l’inverse de Charon, la barque va de la mort vers la vie
et l’auteur, tout en étant conscient de l’inéluctable fin, a choisi de
retenir tout ce qui allait vers la vie sans oublier bien entendu son terme.
Le lecteur pourra choisir à l'envi les filiations philosophiques :
manifestement stoïciennes avec Sénèque, mais aussi influences tout aussi
flagrantes de la pensée d’Épicure ou encore forte présence des sagesses de
l’Orient, mais cela n’a finalement pas grande importance dans la lecture de
ce dernier ouvrage tant son auteur cherche à livrer dans ces pages sa propre
expérience de la vie, certes à valeur d’illustration pour les nôtres, mais
pensée à partir de lui. Nul dogmatisme, ni psychologie en direct, mais
plutôt le regard d’un homme lucide qui aborde le dernier virage d’un
parcours qui a toujours été tourné vers la réflexion, celle des hommes dans
leurs rapports à eux-mêmes et à leurs congénères. L’auteur de L’Art du
temps, Trop vite, nous invite à cette réflexion sur soi qu’il a
toujours menée selon des angles certes différents, mais qui arrivent
finalement toujours à la même question : pour quelle raison sommes-nous sur
cette terre et quel sens donner à tout cela ? Le lecteur sera peut-être
surpris par certaines des réponses de Jean-Louis Servan-Schreiber qui, à la
manière d’un koan du zen japonais, surprennent et provoquent un peu
lorsqu’il remarque que chercher le sens de la vie est vain et que le fait de
vivre au quotidien est ce sens que nous recherchons souvent bien loin de
nous. Effectivement, peut-être, vivre pleinement chaque instant de sa vie
est déjà une tâche suffisante pour une seule vie ! L’auteur ne renie pas ses
rêves, et les nôtres, les passions qui animent chaque âge de la vie, nul
scepticisme – bien au contraire – sur la vacuité des choses, mais plutôt ce
regard serein parvenu au stade que l’on dit la sagesse de la vie. Jean-Louis
Servan-Schreiber aime à utiliser dans ces pages l’idée de cordée qui serait
le sens de nos vies : je ne suis pas seul, les autres comptent autant dans
cette ascension, et pourtant j’ai un rôle dans cet ensemble indissociable.
Cet ADN collectif assurant à chaque être vivant à la fois sa singularité et
en même temps son rattachement à un tout qui le dépasse et dont il ne
saurait se séparer ; Réflexions utiles à tous les stades de la vie dans
lesquelles l’auteur présente une sérénité contagieuse ce qui est déjà, en
tant que tel, un témoignage rassérénant en notre époque que l’on présente si
souvent comme troublée.
Philippe-Emmanuel Krautter
Nelly JOLIVET « Le
CalendrierNature
; Traditions, Imaginaire et Inconscient. », Editions Ateliers de
l’Hermitage, 2010.
L’homme moderne a perdu aujourd’hui – qui pourrait encore le
nier ? - la notion du temps ; non, certes, celui des horloges de la
productivité, de la performance, mais bien celui qui passe tout simplement
et toujours au fil des saisons, des solstices et équinoxes, ce temps que
nous offre Dame nature. N’a-t-il pas préféré, depuis déjà trop longtemps,
dans ce temps qui s’accélère, les rouages de l’industrialisation, puis ceux
de la consommation, toujours plus branchée, plus câblée et aux promesses
prométhéennes ? Ce faisant, l’homme moderne a laissé, délaissé toujours plus
loin derrière lui, pour les oublier ses liens privilégiés non seulement avec
la lune et le soleil, mais aussi ses racines et repères avec cette terre qui
a su l’accueillir et l’accueille encore un peu… préférant par là même, se
perdre et s’exclure lui-même. Par cet ouvrage, l’auteur, Nelly Jolivet,
psychologue-psychanalyste, invite son lecteur à renouer avec les saisons,
les lunaisons, et à retoucher terre, cette terre qui nous fait terriens.
Pour ce faire, elle nous livre un calendrier, le Calnate@, où se glissent
cycles, saisons, rites, fêtes, saints, histoires, traditions, coutumes et
anecdotes. Mais, ne vous méprenez pas, cet ouvrage n’est pas un guide de
jardinage ni un « sachez lire votre horoscope avec un rétroviseur », encore
moins un livre proposant une énième nouvelle politique écologique. Non,
l’auteur avant tout psychologue -psychanalyste, propose de retrouver ces
liens profonds qui unissent les saisons, traditions et coutumes à notre
imaginaire et à notre inconscient. C’est, en fait, une fabuleuse boite à
imaginaire que propose Nelly Jolivet à son lecteur, et ce, quelles que
soient sa sensibilité ou ses croyances, pour observer, explorer ses propres
liens avec la terre, les saisons, la nature aux fins de renouer ce dialogue,
l’alliance avec cette merveilleuse planète qui nous fait humains. Ainsi que
le souligne l’auteur, « Vivre avec la terre, c’est faire l’expérience des
saisons, et en fin de compte de soi-même ». C’est avant tout, accepter, pour
retrouver cet équilibre et harmonie perdus, de rechercher non seulement le
sens, les sens, mais bien avant tout ce qui fait sens : les cycles et les
traditions, les saisons et nos ancêtres, la nature, nos observations et
nous-mêmes… une meilleure connaissance de la nature pour une plus
harmonieuse conscience de soi, mais aussi une meilleure connaissance de soi
pour une plus harmonieuse régénérescence de la nature. « Il ne s’agit pas –
souligne la psychanalyste Nelly Jolivet- d’appartenir à la nature, mais d’en
faire partie, nous ne sommes pas des objets et la nature n’est pas notre
jouet. » L’auteur propose ainsi ce calendrier nature, ce Calnate@ - avec ses
rythmes, ses symboles, métaphores, et livrant sa propre expérience, Nelly
Jolivet invite surtout le lecteur à penser ou repenser, imaginer et
compléter ce saisonnier selon vos propres observations, rythmes et
imaginaire pour y puiser et retrouver ces liens privilégiés et sacrés entre
la terre et le ciel. Divisé en trois parties, vous trouverez notamment dans
une deuxième partie consacrée au calendrier et cycles lunaires, des
propositions d’exercices pratiques afin d’harmoniser vos humeurs et états
d’âme… La troisième partie étant, quant à elle, consacrée aux cycles
solaires, cet éternel retour avec ses saisons, ses rites et ses fêtes.
Alors, prêt, en ce dur mois de janvier, cœur de l’hiver, à préparer la venue
du printemps, temps de renaissance, de vie ? Prêt à préparer votre printemps
?
------- L’auteur, Nelly Jolivet, psychologue-psychanalyste, propose également des
stages de Développement personnel, Conscience, Méditation, Relaxation,
notamment « Excursion, expansion de consciences » -
Programme officiel Excursion de l’Institut Monroe (Virginie, USA),
ttp://nellyjolivet.com
« Le développement personnel tout en 1 pour
les Nuls » Editions First.
Ce fort volume regroupe en 656 pages le
meilleur des 4 livres phares de la collection, à savoir La PNL, Les
Thérapies Comportementales, l’Hypnothérapie et le Coaching (déjà présentés
dans ces colonnes). Il est parfois difficile de savoir ce qui correspond le
mieux à ses attentes, ses besoins et sa personnalité. Le fait de regrouper
ces techniques de développement personnel en un seul volume devrait répondre
à un certain nombre de questions et d’interrogations qui reviennent souvent
sur ces sujets. Ecrites par de grands spécialistes réputés pour la pédagogie
de leurs écrits, ces 4 parties vont au fond des choses et ne se contentent
d’aborder superficiellement les choses comme c’est parfois le cas d’articles
ou d’ouvrages de trop grande vulgarisation. Les auteurs savent jusqu’où
aller et prodiguent de nombreux conseils pour éviter des erreurs qui
pourraient être pires que le mal. Il ne s’agit pas d’un encouragement à une
autothérapie sans limites mais plutôt de l’exposé des modes de
fonctionnement de l’être humain et de ses complexités. Des maux de faible
importance gagnent à être pris en considération avant qu’ils ne se
transforment en avalanches de doutes psychologiques. Les auteurs n’hésitent
pas à proposer des outils pratiques, des exercices, des bilans à réaliser
pour dresser une carte de nos représentations mentales quotidiennes.
A découvrir de toute urgence !
Les Rencontres de LEXNEWS
: Un métier, une passion ...
Editions Le Bruit du Temps
Interview d'Antoine JACCOTTET
9 février 2009
Antoine
Jaccottet a longtemps travaillé aux éditions Gallimard jusqu'à l'année
dernière en étant éditeur à la collection Quarto. Il a décidé de franchir le pas
et de créer librement les livres dont il avait toujours rêvé. Libéré de
certaines contraintes économiques, c'est un plaisir personnel que l'éditeur
souhaite faire partager au plus grand nombre. L’acte de naissance des
éditions Le Bruit du Temps est scellé sous le signe d’une amitié pour
certains auteurs et traducteurs. Ces affinités électives littéraires sont au
cœur de ce projet qui voit le jour en ce début de printemps. LEXNEWS a
choisi de présenter cette très belle initiative à ses lecteurs en
interviewant Antoine Jaccottet qui nous a reçus dans une charmante demeure
familiale du XVIIIe siècle rue du Cardinal Lemoine, avec au fond de la cour,
la célèbre enceinte de Philippe-Auguste et de l'autre côté de la rue la
résidence de Valery Larbaud....
LEXNEWS : « Pour quelles raisons avoir choisi pour
votre nouvelle maison d’édition, Le Bruit du Temps, le titre d’un recueil du
poète russe Ossip Emilievitch Mandelstam ? »
Antoine Jaccottet : « Il y a plusieurs raisons à cela. La première est très
simplement biographique. Le premier travail que j'ai réalisé a consisté à
participer à un numéro d'une revue, la revue de Belles-Lettres, dont un
numéro spécial avait été consacré à Mandelstam. J'avais fait ma première
traduction de l'anglais d'un texte d'un grand spécialiste de Mandelstam, le
professeur Clarence Brown qui nous a fait l’honneur d’une postface. C’est
également une raison amicale qui a présidé à ce choix, à savoir la rencontre
de Ralph Dutli qui est le traducteur en allemand des oeuvres complètes de
Mandelstam. Je l'ai connu ici à Paris et il est devenu un très grand ami.
C'est un hommage que je lui rends et cette nouvelle maison d'édition sera le
lieu pour publier ses poèmes et autres réalisations. À cela s'ajoute
l'immense admiration que j'ai pour Mandelstam. Ce titre « Le Bruit du Temps
» évoque une image de la littérature elle-même, un peu comme chez Proust,
tout en incluant mon goût pour la musique. »
LEXNEWS : « Partagez-vous cette nostalgie de la
culture universelle du poète russe et cela influencera-t-il le choix de vos
futures parutions ? »
Antoine Jaccottet : « Oui, c'est une bonne idée de présenter les choses
comme cela. Il y a à la fois le goût des classiques puisque le mouvement
littéraire auquel il appartenait était une revendication du classicisme face
au futurisme de l'époque, et en même temps ce sentiment très profond
d'appartenir à la culture méditerranéenne dont Mandelstam avait une grande
nostalgie avec un goût très marqué pour l'Italie. C'est également cette
approche qui nous a conduits au choix du deuxième livre que nous éditons, le
Browning, qui se déroule à Rome et qui est presque un roman historique.
J'avoue en effet qu'il y a un goût pour l'Italie, la Grèce… »
LEXNEWS : « Quels sont les enjeux d’une nouvelle
maison d’édition au XXI° siècle qui connaît en Occident une crise à la fois
générale et également spécifique au livre dans de nombreux pays ? »
Antoine Jaccottet : « je crois que c'est sans aucun doute une réaction à
cette crise que vous évoquiez. On nous annonce tous les jours la disparition
du livre et je suis profondément convaincu, que contrairement aux
Cassandres, cette disparition n'est pas encore pour demain. Bien entendu,
nous sommes forcés de constater ce qui se passe et nous voyons bien que la
culture littéraire n'occupe plus le premier plan. Cela s’observe notamment
dans les médias et cela devient assez effrayant. Ce qui est encore plus
inquiétant, c'est que cette culture a tendance également à disparaître dans
la conscience générale. Si vous prenez par exemple l'univers politique, il y
a toujours eu une révérence certaine pour la chose littéraire ; or cela même
a sans doute disparu aujourd’hui… Mais, je suis persuadé qu’il existe
parallèlement de nombreux passionnés de littérature, y compris chez les
jeunes gens. Je pense que l'on peut très bien défendre l'idée que le livre a
encore de très beaux jours devant lui en réaction à tout ce qui se passe. Le
véritable amateur de livres aura de plus en plus besoin de petites maisons
d'édition qui défendront l’objet de sa passion. Les réactions des personnes
que nous sollicitons par rapport à notre projet sont tellement positives que
c'est plutôt encourageant ! Il me semble que la curiosité existe encore et
toute la difficulté réside dans le fait de proposer des choses de qualité
avec suffisamment de conviction. Il ne suffit pas de prendre un livre oublié
et de le mettre sous une couverture.»
LEXNEWS : « Vous rappelez que les vrais livres ne
meurent pas, quels sont ceux que vous souhaitez remettre à la lumière du
jour ? et pouvez-vous préciser à nos lecteurs ce qu’est un vrai livre selon
votre subjectivité ?»
Antoine Jaccottet : « Il peut-être très prétentieux de dire que les vrais
livres ne meurent pas et en même temps, certains exemples comme l'histoire
de cette traduction étonnante du poète victorien Robert Browning invitent à
penser en ce sens. Browning était très célébré de son vivant et il a
d’ailleurs encore une gloire certaine dans les pays anglo-saxons. Il est par
contre presque totalement oublié en France. Or, je crois profondément que
c'est un vrai chef-d'oeuvre. Il s’agit d’un livre qui a une histoire
incroyable. Il a été traduit pendant la guerre par un professeur
d'université qui a réalisé cela par pure passion. Il s'était pris d'amour
pour ce livre et l’avait traduit en même temps qu'il faisait de la
résistance !
Par la suite, le
manuscrit a été proposé à Gallimard qui a attendu longtemps avant de le
publier. Pendant ce temps, le manuscrit a été apporté en Belgique puis s'est
perdu pour enfin être retrouvé par un de ses amis... Le livre a été publié
une première fois en 1959 par Queneau chez Gallimard. Nous avons décidé de
ressortir ce livre, car il était quasiment introuvable en dehors des cercles
de bibliophilie. Il s'agit d'une sorte de chronique italienne à la Stendhal.
Browning a été l'inventeur d'un genre au XIXe siècle, le monologue
dramatique. Il faisait parler des personnages historiques dans ses poèmes.
Un jour, il tombe à Florence dans un marché aux puces sur des archives, le
grand livre jaune, qu'il achète pour trois sous. À peine a-t-il commencé à
le feuiller qu'il réalise que c'est la chance de sa vie. Il s'agit d'une
histoire criminelle assez sordide qui se passe dans la Rome baroque peu
après le Caravage. C'est à la fois un poème et un roman historique, et le
premier livre raconte le fait même de cette découverte : comment en rentrant
chez lui, il voit les personnages de cette chronique prendre vie. C'est très
beau, car nous constatons à la lecture du texte cette transition de
l'archive à la chose imaginée. À partir de là, il va construire son poème en
douze chants avec des monologues où chacun des protagonistes vient raconter
sa version. Cela donne une dimension assez moderne au texte avec des points
de vue différents sans qu’il y ait en même temps une seule vérité.
Pour revenir à la deuxième partie de votre question, je crois qu'il existe
des livres utilitaires qui répondent à des fonctions à un moment donné, et à
côté de cela, les vrais livres avec la littérature. Il s'agit d'oeuvres dont
l'ambition est telle qu'il entre en elles une part d'éternité. Il y a des
distinctions en art entre une petite oeuvre et une oeuvre majeure. Il ne
s'agit pas pour autant d'un discours élitiste. Si j'adore écouter du tango,
je n'en conclurai pas pour autant qu'il s'agit de la même chose que la
neuvième symphonie de Beethoven ! C'est ainsi que je souhaite publier des
livres qui manifestent cet effort d'une certaine forme en plus des émotions.
»
LEXNEWS : « Quel est le travail de l’éditeur dans
cette tâche de réincarnation d’un livre dans une nouvelle édition ? »
Antoine Jaccottet : « Nous devons essayer de trouver pour chaque livre la
forme qui le mettra le mieux en valeur. Nous avions envie pour un livre
comme celui de Browning d'avoir un texte bilingue parce que le vers de
Browning est quelque chose de très particulier que je souhaitais faire
partager au lecteur. C'est une oeuvre qui avait l'ambition, à la suite de la
Divine comédie, d'être une grande épopée ce qui nous a conduits à la publier
avec un appareil critique. Je désire que l'on ait un plaisir à goûter à ses
oeuvres et nous avons travaillé sur tout ce qui peut faciliter ce plaisir.
Notre tâche a donc consisté à prévoir des annotations, un grand essai
introductif… À cela s'ajoute un travail sur les traductions et sur les
relectures pour essayer d'être au plus près de l'original. »
LEXNEWS : « Les choix doivent être difficiles pour
certains textes entre la valeur sûre d’une traduction déjà établie et le
risque d’une nouvelle traduction ? Pour Mandelstam et Browning, vous avez
conservé l’existant, alors que pour D.H. Lawrence, vous entreprenez tout un
cycle de traductions de ses Nouvelles complètes. »
Antoine Jaccottet : « C'est un problème insoluble ! Par le hasard des
rencontres, j'ai connu quelqu'un qui avait très envie de retraduire cette
prose très délicate. Dans le cas de Mandelstam, il est publié chez beaucoup
d'éditeurs avec beaucoup de traductions différentes. Nous avons eu la chance
de retrouver une traduction qui était parue dans la revue Commerce par
Larbaud. C'est une sorte de miracle, car deux ans après la parution de
l'original en Russie, cette magnifique traduction a pu être menée à bien par
Georges Limbour, une personne qui avait un grand sens littéraire, ainsi que
le prince Mirsky. À l'inverse, pour D.H. Lawrence, je n'étais pas du tout
satisfait des traductions existantes. Nous allons tenir compte des recueils
anglais existants et nous allons reproduire les recueils originaux tel que
D.H. Lawrence les avait composés à l'époque. Nous publierons petit à petit
et dans l'ordre chronologique la totalité des nouvelles. »
LEXNEWS : « Vous réservez également une place aux
contemporains dans votre programmation. »
Antoine Jaccottet : « L'idée de départ était de publier des personnes ayant
elles-mêmes un lien avec les classiques que nous avons retenus. C'est le cas
des poèmes de Ralph Dutli, traducteur de Mandelstam. Ce n'est pas en
revanche le cas de Gabriel Levin qui est un très talentueux poète israélien
de langue anglaise. Ce poète a un rapport étroit avec la Méditerranée, ces
sujets sont souvent à thème presque archéologique et qui correspond assez
bien ce que j'évoquais tout à l'heure. Vous avez également le manuscrit de
Paulette Choné qui nous est arrivé totalement par hasard et que je ne
connaissais pas. C'est une historienne de l'art, spécialiste de la gravure
du XVIIe, qui au lieu d'écrire une biographie de Jacques Callot a préféré
décrire des mémoires imaginaires de cet artiste. Cela a produit un petit
livre très singulier qui m'a beaucoup plus. »
LEXNEWS : « Vous souhaitez que les fruits de vos
éditions puissent également être appréciés esthétiquement. Quelle importance
cela a-t-il pour vous et le lecteur au XXI° siècle et comment concilier ces
exigences avec les impératifs économiques de ce même XXI° siècle ? »
Antoine Jaccottet : « Nous avons souhaité réaliser des livres si possible
jolis tout en n’étant pas trop chers. Il n'y a pas du tout un désir de
bibliophilie ou d'édition de tête. Nous voulons proposer de jolis petits
livres agréables à avoir en main, simples, mais bien imprimés avec une
couverture avec des rabats. Nous ne voulons pas d'images criardes sur la
couverture ce que l'on va me reprocher, car sur les tables des libraires, on
ne les aperçoit pas forcément ! Peut-être vont-ils justement se distinguer
sans ces images clinquantes du fait de leur simplicité. Si nous choisissons
tout de même une couverture en vélin et du papier bible, nous essayons de
concilier néanmoins cela avec des impératifs économiques. »
Merci Antoine Jaccottet, nous souhaitons
longue vie à cette nouvelle maison d'éditions qui promet de nous offrir de
belles pages à l'image de celles des deux premiers livres qui viennent de
sortir !
Florian Rodari dirige depuis 1981 les Éditions La Dogana
créées dans ce beau pays qu'est la Suisse, à Genève. C'est la poésie qui est
le fil conducteur de ce magnifique travail entrepris dans des domaines aussi
différents que les essais, les souvenirs, des méditations et même des lieder
chantés. L'excellence est au coeur de ce processus créatif, les Éditions La
Dogana ne retenant que ce qui fait écho à la beauté. Beaux papiers, superbe
mise en page, textes raffinés... offrent le plaisir du bel objet, écrin
indissociable de la belle pensée. Voyage en Helvétie avec un esthète du
livre !
LEXNEWS : « Quel a été le parcours qui
vous a mené aux éditions La Dogana ? »
Florian Rodari : « j'ai baigné très tôt dans l'univers des lettres.
Mon père était journaliste, mon oncle (Philippe Jaccottet) était poète et
traducteur, et tous nous aimions les livres à la maison. Nous avons
également découvert que nous avions un cousin célèbre en Italie, Gianni
Rodari, qui écrivait des livres pour enfants. L'environnement a
manifestement joué dans mon parcours ! J'ai assez naturellement commencé des
études de lettres à l’Université de Genève. Pour gagner ma vie, à vingt ans,
je suis entré au musée de Genève, au Cabinet des estampes pour y classer des
collections de gravures anciennes. Il y avait là une équipe à l’esprit très
ouvert. Grâce à elle j'ai vite appris le métier de conservateur puisqu’ils
m’ont généreusement laissé monter seul des expositions et fabriquer leur
catalogue. Quand je suis devenu responsable de la Revue de Belles-Lettres,
en 1971, au moment de la rédaction du numéro consacré au poète Paul Celan,
j’ai aussitôt mis en pratique ce double regard de lecteur et d’amateur
d’art. Conduire une revue littéraire, c’est un atout formidable pour un
futur éditeur, car on apprend à découvrir d’autres voix, à accorder dans un
livre des approches différentes… Je lisais essentiellement des poètes,
j’écrivais un peu et je rédigeais de plus en plus souvent des textes sur
l’art. Cette activité multiple je l’ai menée de front pendant presque
quarante ans déjà. On ne se rend pas toujours compte du temps qui passe,
surtout en ce qui vous concerne ! Je pensais pratiquer chacune de ces tâches
comme des hobbies et finalement je me rends compte qu’elles étaient devenues
des activités principales. Les choses se sont enchaînées : vers 1979 on m’a
demandé de diriger le Musée de l’Elysée à Lausanne, mais cela n’a pas duré
longtemps. A peine quatre ans : le désir de faire des livres et d’écrire
était si obsédant que, devant les surcharges et les tracas administratifs,
j’ai renoncé. Les éditions Skira m’ont alors demandé de travailler pour eux
et d’écrire un ouvrage sur le collage. Ils se sont aperçus que je savais
fabriquer des livres et, c’est comme ça que je suis devenu directeur de
collection chez eux. En 1993, Skira a subi la crise du livre de plein fouet.
Il fallait trouver quelque chose. Depuis longtemps, avec mes amis artistes
de l’atelier de Saint-Prex, avec qui j’avais préparé plusieurs projets dans
le cadre de mon activité à la Fondation Cuendet (où sont conservées des
planches de Dürer, Rembrandt, Corot et de bien d’autres maîtres de
l’estampe, nous avions envie de monter une exposition sur l’invention de la
gravure en couleur. Nous avons proposé de la montrer à la Bibliothèque
nationale de France où, grâce à l’appui de Maxime Préaud, nous avons pu
concrétiser ce projet qui a porté le beau nom d’Anatomie de la couleur.
Cette exposition a été pour moi le point de départ de nombreux autres
engagements. Dans la foulée, on m'a en effet demandé de monter au Drawing
Center de New York une exposition sur les dessins de Victor Hugo, puis deux
ans plus tard sur l’œuvre graphique d’Henri Michaux. Au même moment, Jean
Planque, un oncle de ma femme qui avait travaillé comme conseiller de la
galerie Beyeler, m'a demandé de m'occuper de la Fondation qu’il voulait
constituer à partir de sa collection de tableaux. Voilà pourquoi,
aujourd'hui, je partage mon temps entre cette Fondation et les éditions La
Dogana. Ces dernières prennent une place grandissante ! Nous comptons
aujourd'hui plus de soixante titres avec plus de quarante auteurs, des
traductions, des rediffusions, et nous sommes insuffisamment nombreux pour
cela, il faut ainsi préserver un équilibre toujours précaire. »
LEXNEWS : « Quel a été le point de départ de la création des éditions La
Dogana ? »
Florian Rodari : « Les éditions de La Dogana sont nées en 1981, de la
décision d’un petit groupe d'amis: un imprimeur, un ami peintre et amateur
de musique, et moi-même. L’idée de départ était d’éditer des textes dont
nous n’avions publié que des extraits dans la Revue de Belles-Lettres. Nous
avons mis de l'argent en commun, en nous promettant de ne jamais commencer
un nouveau livre tant que le premier ne serait pas remboursé, mais peu à peu
tout cela s’est emballé ! Et à partir de 2000, les orientations se sont
diversifiées, beaux-arts, musique.»
LEXNEWS : « Le nom La Dogana peut surprendre pour une maison d'édition ?
»
Florian Rodari : «La Dogana signifie « douane» en italien. Comme un
employé des douanes qui ne fait pas que stopper la marchandise, un éditeur
est celui qui permet à un texte étranger d'être vu et partagé, de passer une
frontière. Après l’avoir réceptionné, nous l’examinons et nous lui délivrons
en quelque sorte un visa! Pour moi, un éditeur est essentiellement celui qui
permet à un texte d'être lu. C’est pourquoi nous accordons tant de soin à
l’aspect extérieur de nos ouvrages »
LEXNEWS : « La forme et la présentation sont essentielles dans votre
choix de faire connaître ces textes que vous évoquez, ce qui nous ramène à
votre propre parcours. »
Florian Rodari : « C'est en effet d’une importance capitale ! La
typographie, le papier, la gravure... J'ai toujours marqué une attention
très grande au dessin de la lettre, à la mise en page, aux marges ; mes
recherches dans le domaine de l’estampe m’ont beaucoup apporté. J'aime lire,
je peux dévorer en quelques jours des livres, même mal imprimés, mais je
crois que les textes des poètes ont besoin d’autre chose qu’un simple
contenant, ils ont besoin d’espace pour résonner, pour se déployer, surtout
de nos jours. Je me rappelle qu’un ami avait publié sa version des poèmes de
Leopardi, un des auteurs que je préfère, et que je lui avais reproché
d’avoir confié ces traductions à un éditeur qui n’accordait pas le moindre
soin à la respiration des textes ! Quelques années plus tard, j’ai réédité
ces poèmes sous une forme qui satisfaisait mon goût de la mise en page :
nouvelle édition qui pouvait paraître une opération aberrante sur le plan
commercial, mais qui, malgré tout, s’est avérée être un très beau succès...
».
LEXNEWS : « Le livre n'est pas qu'un
écrin, il fait corps avec le texte... »
Florian Rodari : « Absolument, je crois que l'on avance dans un livre
page par page, que les lettres accompagnent la pensée, formant peu à peu la
magie d’un volume. Le rapport du contenu et de la police de caractère censée
le déployer est primordial à mes yeux et il faut accepter de mettre en page
chaque livre différemment.
Au tournant du siècle, nous avons décidé de renouveler un peu l’aventure.
Peteris Skrebers et moi-même, nous nous sommes dit : pourquoi ne
ferions-nous pas un livre d'art ? L’ouvrage consacré à « Quinche» (un
peintre suisse NDLR) est le fruit de ce pari et cela a très bien marché,
grâce à la générosité de l'artiste qui, en nous offrant des dessins, a
permis de financer cet ouvrage. La qualité de l’impression était telle que
l'on nous a demandé quelques années après de réaliser un nouvel ouvrage
consacré au peintre italien Gregorio Calvi di Bergolo, grand et beau livre à
l'image de ceux que je pouvais réaliser chez Skira, plus de 200 pages et 120
illustrations couleur. Par la suite, nous sommes allés plus loin encore.
Nous avons en effet décidé d’associer poésie et musique dans une série
d’ouvrages consacrés à l’art du lied, en donnant naissance à des livres qui
contiennent un CD enregistré irréprochable sur le plan technique. Nous avons
travaillé pendant près de six mois avec un graphiste afin d'éviter cette
insatisfaction souvent éprouvée devant ces emballages en plastique qui
renferment des textes mal traduits et illisibles. Deux livres d’un nouveau
genre, un Hugo Wolf et un Schumann, sont parus grâce à la participation de
la mezzo-soprano Angelika Kirchschlager. Cette expérience a créé des envies
chez d’autres chanteurs qui sont venus vers nous pour renouveler
l'expérience. Nous avons en projet un Mahler pour lequel Jean Starobinski a
écrit une étude. Nous voudrions multiplier ces approches à l'avenir... »
LEXNEWS : « Vous venez de faire
paraître de très belles éditions consacrées à des œuvres de peintre très
différentes l'une de l'autre…»
Florian Rodari : «Oui, d’un côté une aquarelliste, Anne-Marie
Jaccottet, et de l’autre un graveur au burin, Albert-Edgar Yersin, on ne
peut pas faire plus différent, en effet, même si ces deux artistes, nés en
Suisse, se sont bien connus. Yersin a suivi un parcours assez exceptionnel
dans la mesure où il a exercé la gravure toute sa vie, exclusive et, dans ce
domaine, la technique qui nécessite la plus grande patience, la plus grande
habileté de la main : le burin, presque abandonné aujourd’hui. C’est que cet
artiste aime la résistance du cuivre dans lequel il enfonce son burin. De
même lorsqu’il s’est mis à graver sur pierre, c’est la ductilité du matériau
qui l’a séduit. J'entendais récemment à la radio qu’on disait de lui qu’il
était surréaliste ; ce n'est absolument pas le cas. En conduisant sa pointe,
cet artiste se laisse certes guider par les propositions du hasard, mais
c’est pour retrouver une géographie intérieure. Il est plus proche de Dürer
ou de l’inextricable forêt allemande que des incertitudes du surréalisme. »
LEXNEWS : « On a en effet l'impression à le voir d'une vision
microscopique alternant avec une vision macroscopique. »
Florian Rodari : « C’est très juste, il est toujours en train de
jouer sur l'échelle des proportions, d’opposer les contraires, et en cela,
il est héraclitéen. Il reconnaît l'univers dans l’atome, et inversement,
l’animalcule, le lichen peuvent contenir à ses yeux l’infini stellaire. L’un
de ses textes préférés est L’Aleph de Borges, et il est beaucoup plus
proche, selon moi, d’un Michaux, à qui il dédie une planche, que d'un
Breton. À l'image de Victor Hugo, il aimait recréer à partir du spectacle
des choses vues et de leurs correspondances formelles d'autres possibles.
Grâce à ce don d’observation, Yersin a inventé en gravure des structures qui
n'existaient pas jusqu'alors. Dans les années 60 il a eu la chance de
collaborer avec Pietro Sarto, son élève, qui s’était aperçu que cette
manière de graver « appelait » en quelque sorte la couleur. Ils se sont mis
à tirer ses cuivres en couleurs et c'est à partir de cette époque tardive de
sa vie que les gravures de Yersin ont trouvé leur public.
La deuxième œuvre que nous révélons aujourd’hui, qui est en France aussi peu
connue que celle de Yersin, manifeste du même coup une sensibilité
diamétralement opposée. Contrairement à Yersin qui doit creuser son cuivre
avec une attention de tous les instants, Anne-Marie effleure à peine sa
feuille de papier pour que la lumière y tremble et que tout ce qu'elle aime
voir et qui l’entoure, les fruits, les fleurs, les arbres… soit perçu comme
subrepticement. A ce propos, les pages que Philippe Jaccottet consacre à sa
femme est d’une justesse extrême : il reconnaît à cette artiste qui
travaille depuis toujours à ses côtés, discrètement, une volonté qui a
permis, à force de retours opiniâtres à l’atelier, de capter ce moment qui
passe, si difficile à saisir, si fragile. Ce livre se veut un hommage à
cette peinture qui a été faite en silence à côté de son propre travail et
dans la même direction. Ni l'un ni l'autre n’a jamais cherché à affirmer
quoi que ce soit. Philippe Jaccottet dit dans un poème que l'effacement est
sa manière de resplendir, mais c'est exactement la même chose avec
Anne-Marie. »
LEXNEWS : «Il y a ainsi une convergence entre ces deux esprits créatifs.
»
Florian Rodari : « Oui, tout à fait. Ils ont d'ailleurs réalisé de
nombreux ouvrages ensemble, notamment un livre lumineux, contenant une prose
du poète sur le Cerisier dont les fruits se retrouvent fréquemment dans les
aquarelles d’Anne-Marie Jaccottet. Il y a dans les compositions de cette
dernière qui n’ont l’air de rien une lumière aussi intense que celle que
contiennent les poèmes de Jaccottet, même si chez lui toute méditation
repose sur un socle très sombre, très nocturne. »
LEXNEWS : « Comment entreprend-on de tels livres au XXIe siècle ? »
Florian Rodari : « Le plus dur, c'est de trouver les artisans qui
veulent bien encore vous suivre sur ce chemin. Il est, en effet, de plus en
plus difficile de dénicher des papiers de belle main et tout aussi difficile
de trouver un imprimeur qui prenne le temps de réfléchir à la qualité des
reproductions. Inévitablement, tout cela a un coût ! J'ai la chance de
travailler depuis 30 ans avec le même imprimeur, j'ai ainsi fidélisé des
rapports. De telles entreprises nécessitent énormément de temps et je ne
sais pas si les gens aiment encore ce genre de livres. Je crois tout de même
que la qualité dans ce domaine attire encore les amateurs. Moi-même,
j'éprouve un réel plaisir à faire de tels livres et j’espère que ce plaisir
transparaît d'une certaine manière dans le résultat final. Mon but serait de
faire éprouver ce même plaisir aux autres… »
LEXNEWS : « Vous défendez ainsi une vision d'esthète du livre en
considérant que cela n'est pas dépassé à notre époque. »
Florian Rodari : « Non, en effet, comme je vous le disais, je crois
qu'il y a encore des amateurs. Bien entendu, en terme commercial, nous ne
sommes pas dans la logique qui se développe actuellement. Les artistes dont
nous parlions tout à l'heure travaillent sur du papier, dans une distance et
une temporalité qui est celle du livre d’autrefois, non celle de
l’ordinateur. Mais pourquoi les textes qui les accompagnent devraient-ils
être sur un autre support et dans une autre dimension que ce qui a donné
satisfaction depuis des siècles ? C’est si pratique de tenir en mains un
volume de quelques centaines de grammes à peine ! Changer de support ne se
justifie pas vraiment. Je crois que nous sommes nombreux à croire à cette
réalité, et l'édition ne se porte pas si mal que cela. À la fin des années
90, lorsque Skira a mis la clé sous la porte, il disait : « Je m'en vais
avec le livre ! » Je trouvais cela un peu hâtif et prétentieux. Il est vrai
qu'aujourd'hui il n'est plus guère possible d’entreprendre ce que Skira
réalisait il y a cinquante ans, avec ses chantiers de photographies,
construisant tout exprès des échafaudages pour photographier les fresques de
Piero à Arezzo. Mais, si ce genre d’ouvrages n'est plus possible, il me
semble néanmoins qu’il restera toujours de la place pour des livres qui sont
en relation avec les besoins et les données de l’époque dans laquelle nous
vivons. »
Merci, Florian Rodari, pour ce témoignage
qui laisse une lueur d'espoir pour la beauté et l'excellence au début de ce
XXI° siècle. Grâce à des éditions comme la votre, le beau livre a encore de
longues années devant lui !
Jacques Damade, directeur des Editions La Bibliothèque, est l’un des
éditeurs parisiens les plus charmants ; d’une politesse et d’une prévenance
rares aujourd’hui – chez lui nulle grandiloquence, nulle affectation – il
est tout simplement à l’image de ses éditions. Comme Jorge Luis Borges qu’il
admire et dont une citation - « Me sera-t-il permis de répéter que la
bibliothèque de mon père a été le fait capital de ma vie ? La vérité est que
je n’en suis jamais sorti. » - orne chacun de ses ouvrages, Jacques Damade
a eu pour berceau une bibliothèque, source de sa passion des beaux livres,
des beaux récits et écrits, et de l’édition avec la création des Editions
La Bibliothèque.
Fondées en 1992, les Editions La Bibliothèque
font partie tant par la présentation subtilement choisie et soignée de ses
titres que par l’exigence de leur contenu de ce que l’on nomme dans le
milieu des lettres des « Belles Editions ». Appréciées d’un public averti et
fin connaisseur, les Editions La Bibliothèque, présentées notamment à
la Galerie Rauch à Paris, offrent en effet plus de quarante titres d’une
qualité et d’une exigence éditoriales rares aujourd’hui avec notamment des
ouvrages audacieux tel que « Paris, 1860 », magnifique livre consacré
à Charles Baudelaire et Charles Meryon, des écrits anciens et précieux tels
que le texte inédit d’Alexandre Dumas, « Mes Chasses », le « Traité
de la Concupiscence » de J-B Bossuet ou tel que « Professeur de
Beauté » de R. de Montesquiou et Marcel Proust, ou encore des auteurs
contemporains de plume subtile, légère et raffinée avec notamment les
délicieux ouvrages de l’écrivain Pierre Lartigue. Dans ce souci extrême
d’une esthétique sobre et raffinée, les Editions La Bibliothèque
publient quatre à cinq ouvrages par an toujours très attendus.
Jacques Damade, directeur des éditions La Bibliothèque, fondateur du
Prix Gaillon, participe également à la Revue FARIO, revue de littérature et
d’art ; Il a accepté pour les lecteurs de LEXNEWS de répondre à nos
questions.
LEXNEWS : "Le nom de vos Editions « La Bibliothèque » dévoile à lui
seul les racines de cette belle réalisation puisqu’au delà de votre passion
du livre même, c’est également votre amour pour une magnifique bibliothèque
familiale et votre amour pour un personnage extraordinaire, votre
grand-père, qui vous ont conduit à créer celles-ci…."
Jacques DAMADE
: "Amour
un peu contrarié, puisque cette bibliothèque a en partie disparu en 1982. Il
y a quelque chose d’élégiaque dans beaucoup de choses que l’on entreprend.
On est souvent ces ethnologues de tribus disparues. C’était une pièce
austère où certains livres dataient du XVIe et les plus modernes
de 1830. Pour un enfant, ces reliures serrées, souvent couvertes de
poussière, impressionnaient, étaient hors de portée. Pour mes parents, mes
oncles et mes tantes aussi. On préférait déjà la salle de télévision. Seul,
mon grand-père y vivait, y dormait dans son fauteuil, lisait l’hébreu, le
latin, le grec et semblait en totale familiarité avec ces fantômes. Il est
mort quand j’avais neuf ans, je revois son chapeau, sa canne, ses
cigarettes, son siège près de la fenêtre. Je crois que cette silhouette est
l’intercesseur, celui qui dit qu’on peut ouvrir ces bouquins."
LEXNEWS : "Sans oublier peut-être Jorge- Luis Borges…"
Jacques DAMADE :
"Lui,
je l’ai tout de suite aimé, avant de me rendre compte que c’était un autre
grand-père. Il y a des personnes qui cherchent des substituts du père. Mon
cas est plus désespéré, je cherche des grands-pères. Lui convient
parfaitement. Silhouette aveugle, ironique dans une bibliothèque conversant
avec Cervantès, Kipling ou Chesterton. Ma maladie est aiguë, d’ailleurs,
puisque, quoique j’aie un peu de mal avec l’espagnol, je lis Borges,
comme s’il écrivait en français."
LEXNEWS : "Vos éditions comptent aujourd’hui six collections qui comportent
pour chacune d’entre elles des éditions rares, des ouvrages choisis avec
soin, de beaux textes bien écrits ; quels sont vos critères éditoriaux ?"
Jacques DAMADE
:
"Au début je ne sortais pas de la bibliothèque. Tous mes auteurs étaient
morts et le plus moderne datait de 1830. Cette plaisanterie a duré deux ans.
Maintenant je publie des gens vivants avec plaisir, et ils voisinent avec
les autres. Je crois qu’il n’y a plus de critères. Vous avez cependant
raison, il faut que ce soit écrit, même si on peut trouver dans la
cinquantaine d’ouvrages publiés deux ou trois textes mal écrits. Je pense à
ce témoignage de Leclair dans Histoire des brigands, chauffeurs et
assassins d’Orgères de la collection « Les Bandits de la Bibliothèque ».
Le texte est indigent, il n’en est que plus affreux et c’est ce qu’il faut
dans ce cas, non ? En fait pour essayer de répondre le mieux possible à ce
que vous me dites, à un moment après une ou deux lectures, je vois le livre,
son intérêt, et je le vois quasiment comme une personne, je vois comment il
peut s’intégrer dans mes collections, atterrir chez les libraires, j’imagine
la préface, les illustrations. C’est un procédé de naissance assez bref, une
incubation, puisque après la lecture l’idée se forme, la proposition surgit,
parfois cela vient d’amis, (je pense à Michel Orcel, un bon écrivain qui me
guide parfois) et cela dure une semaine à peu près. C’est un moment exaltant
pour lequel vous acceptez de subir des tâches plus ingrates. Une espèce de
rencontre… Soit le livre entrevu résiste, se dessine, s’étend pour des
raisons tellement diverses ou bizarres qu’il m’est difficile de les
énumérer, soit il s’efface."
LEXNEWS : "Au-delà de ces choix, n’est-ce pas également un intérêt prononcé
pour une recherche qui vous anime ? Recherche qui répond peut-être plus à
un amour immodéré de la littérature que de la seule érudition ?"
Jacques DAMADE
:
"L’érudition m’ennuie. On me croit érudit. C’est amusant comme costume.
Juste parce que je publie un auteur d’autrefois peu connu ou que le livre
est cousu et fait avec du beau papier ! Je pense à Aphra Behn (dont j’ai publié
un récit épatant Oronoko, l’esclave royal), une aventurière anglaise,
féministe, romancière, du XVIIe siècle, une vivace très célèbre
là-bas et dont Virginia Woolf disait que toutes les femmes devraient poser
un bouquet sur sa tombe. Elle n’a jamais vraiment traversé la manche. Alors
je me dis parfois que c’est un quiproquo, les gens confondent curiosité pour
le passé, plaisir qu’un auteur du second rayon peut procurer par son
talent avec érudition. Si on est un peu plus sérieux, on peut juste dire
qu’il y a une offre de spectacle, de divertissement, de loisir à la fois
large et répétitif, qu’on a tellement la religion du grand nombre, du connu
et du veau d’or, que mon parti pris a l’air d’un vice."
LEXNEWS : "Des six collections précédemment évoquées, la collection « Les
Utopie de la Bibliothèque » compte deux petits joyaux : un ouvrage
magnifique consacré à Charles Baudelaire et aux gravures de Charles Meryon,
« Paris, 1860 », et un ouvrage consacré aux jardins d’Albert Kahn, « Albert
Kahn, les jardins d’une idée » ; quels sont vos critères pour ce que
l’on appelle « un beau livre » ? Et, cette dernière collection a-t-elle
votre préférence ?"
Jacques DAMADE
: "Préférence peut-être pas, disons un goût
certain pour cette collection qui est un peu un cousin d’Amérique. Elle est
au-dessus de mes moyens, c’est peut-être pour cela que je l’aime et qu’il
n’y a que deux livres. Ils sont d’un grand format avec des illustrations. Il
me faut pour réaliser ce type d’ouvrage un mécène, un bienfaiteur. Je
l’ai trouvé pour Meryon-Baudelaire et pour Albert Kahn. J’ai un très beau projet
depuis des années qui dort. Il est très coûteux. Ce serait le troisième
livre en quinze ans ! J’attends le prince charmant. En même temps être
éditeur c’est avoir quelques rêves inassouvis dans lesquels on puise une
énergie."
LEXNEWS : "Un auteur tient une place privilégiée dans votre catalogue, je
pense à Pierre Lartigue, avec de très beaux textes d’une rare sensibilité
tels que « L’Inde au pied nu » dans la collection « L’Ecrivain
voyageur », « Léger, légère » dans la collection « Les Billets de la
Bibliothèque » ou encore votre toute dernière parution « L’or et la nuit » ;
Comment avez-vous rencontré cet auteur et de quelle manière aimeriez vous le
présenter à nos lecteurs ?"
Jacques DAMADE :
"Il y a aussi un quatrième livre, Le ciel dans l’eau Angkor. Je vais
être lyrique. Vous me pardonnerez, c’est un homme délicieux. Juste un peu
trop jeune pour que je puisse l’ajouter à la liste de mes grands-pères. Mais
il mérite d’y être. Il faut le lire, son écriture, c’est un gaz plus léger
que l’air, euphorique et grave. J’avais lu son livre Plumes et rafales
et je le reprenais de temps en temps. Il parlait de Montaigne du
seizième siècle. Je croyais entendre Perrault et un peu Nerval. Il y avait
du mouvement, de la lumière, de l’enfance. Je le lisais à haute voix. Je ne
le connaissais pas alors. Une nuit, j’ai croisé Pierre Lartigue, dans une
soirée, chez un ami commun. Je m’en souviens parfaitement. Un petit homme
charmant, élégant, vêtu d’un costume blanc qui s’adressait à moi pour me
dire qu’il avait écrit un livre sur l’Inde (L’Inde au pied nu) où il
venait de voyageret pour savoir si cela m’intéressait. Je n’en
croyais pas mes oreilles. Comment ai-je réussi à cet instant à rester un
éditeur digne, attentif ?"
LEXNEWS : "On ne peut aborder les Editions « La Bibliothèque » sans
souligner l’extrême soin que vous apportez également à la présentation de
vos ouvrages : une présentation sobre, une couverture choisie, un papier et
une typographie de qualité…Pouvez-vous souligner ces étapes essentielles qui
précédent la naissance d’un livre et qui ont leur importance dans le
résultat final ? Et, est-ce là encore votre amour du livre qui vous dicte
cette exigence éditoriale ?"
Jacques DAMADE
:
"Je crois que le livre à des armes qu’on sous-estime parce qu’on a peur de
ne pas être dans le coup ou de rater je ne sais quel TGV (on pense au lapin
blanc avec sa montre dans Lewis Carroll !) : la taille de la main, le poids,
la disponibilité, la douceur du papier sous les doigts, le dessin des
caractères, le silence que tous les casse-pieds, et ils sont nombreux,
oublient, ils nous parlent des écrans, du bruit, du portable, du village
planétaire, de la fin du livre. Comme si on ne savait pas ce que c’était que
le silence, la musique, comme si on ne pouvait pas se retirer, revenir,
repartir. Il y a un texte de Patrick Mauries, l’éditeur du Promeneur, qu’il
place dans tous ses livres, que j’aurais souhaité écrire qui s’appelle LeCabinet des lettrés. Je vous en cite la fin :
« Ils
forment à eux seuls une bibliothèque de vies brèves. Ils s’entrelisent dans
le silence, à la lueur des chandelles, dans les recoins de leur bibliothèque
tandis que la classe des guerriers s’entre-tue avec fracas et que celle des
marchands s’entre-dévore en criaillant dans la lumière tombant à plomb sur
les places des bourgs. »
Pour revenir à ce qu’on disait, je choisis
souvent le papier et la couleur de la couverture avec les auteurs ou les
préfaciers quand les auteurs datent du XVIIIe. On va dans un
entrepôt où il y a des papiers, avec des grains, des couleurs, des grammages
différents. On en sélectionne quatre ou cinq. Puis on délibère. Après la
couverture est composée par un typographe, d’où le léger relief du sigle et
des lettres que l’on sent avec l’œil du doigt : cette façon qu’a l’encre de
pénétrer le papier, de l’épouser, bien différente de celle de la
photocomposition."
LEXNEWS : "Aujourd’hui, les Editions « La Bibliothèque » ont plus de
quinze ans – seize exactement, je crois – ; en qualité d’éditeur
indépendant, vous avez déjà relevé de lourds défis notamment lors de
l’incendie des Belles Lettres ; Quels sont aujourd’hui, vos nouveaux défis
ou projets ?"
Jacques DAMADE
:"ça a été un fameux incendie.
Trois millions de livres, je crois, à proximité de Gasny, dans l’Eure, en
pleine campagne française. Ce que le feu a commencé, l’eau l’a achevé. Les
pompiers ont été terribles. D’après ce que je sais, il n’y a pas un seul
livre qui ait survécu. Je me demande si ce n’était pas plus important en
nombre d’ouvrages que celui de la grande bibliothèque d’Alexandrie. En plus
il y avait énormément de textes bilingues gréco-latins de la collection Budé
des Belles Lettres. César, Pline, Aristote, Platon, Philostrate… L’histoire
aurait plu à Borges qui aimait que le temps joue à se répéter. Moi, j’ai eu
peur que ce soit la fin de la mienne, de bibliothèque. Mais, après s’être
fait un peu tirer l’oreille, le Centre National du Livre nous a sauvés. Je
n’appellerai pas cela un défi, mais plutôt un bref chapitre, pas un des
pires, de L’Histoire de l’Infamie. Aussi est-ce avec le sourire du
survivant qui remercie le ciel que je poursuis mon activité artisanale,
saisonnière, quasi agricole de deux ou trois livres au printemps et à
l’époque des vendanges."
LEXNEWS : "J.M.G. Le Clézio relevait récemment qu’il avait besoin de voyager
pour écrire, être dans des lieux inconnus ou anodins pour que son
inspiration créatrice soit vivifiée par ces horizons nouveaux, comment
percevez vous ce rapport de l’écrivain au voyage ?"
Jacques DAMADE
:
"Vivifiant, bien sûr : rompre avec les habitudes jusqu’à se débarrasser du
soi, voir d’autres coutumes, d’autres gens, essayer de comprendre les
gestes, une langue que l’on devine, semi obscure et donner ces variations en
partage. L’écrivain voyageur, quelle noblesse ! C’est la collection la plus
importante de ma maison (une vingtaine de titres). L’écrivain voyageur,
c’est grâce à lui d’abord qu’on a découvert le monde. Je songe au somptueux
travail d’édition de la Magellane de Michel Chandeigne et d’Anne Lima.
Splendeur des livres, précisions et voix multiples des missionnaires,
voyageurs, marchands scandant la découverte de l’Afrique, de l’Amérique, de
l’Asie, des Indes… Même si à la découverte de l’autre s’ajoute à notre
époque une autre mission que Bouvier, Marker, Orcel ou Lartigue incarnent.
Je vais publier en mai un livre de Georges Groslier (Eaux et Lumières)
qui date de 1930 sur le Mékong cambodgien où il montre le bonheur,
l’importance du fleuve pour nourrir, faire vivre la population. Pierre
Lartigue expose dans son dernier livre L’or et la nuit combien en
2007 la déforestation, les déchets chimiques mettent en danger ce fleuve.
L’écrivain voyageur n’est plus simplement ce roi mage qui rapporte l’or,
l’encens, la myrrhe, même s’il l’est encore, heureusement, il est aussi le
guetteur qui avertit des dangers que subit la terre. Danger pour la vie des
hommes, pour la diversité du monde, pour la liberté, et même pour la survie
de cette petite planète…"
Merci beaucoup, Jacques Damade, pour cette si agréable interview qui donnera
à n’en pas douter à tous nos lecteurs l’envie d’ouvrir un à un les ouvrages
de La Bibliothèque à la manière dont J.L. Borges écrivait « La grille du
jardin s’ouvre avec la docilité d’une page »…
LEXNEWS : « Quelles sont les
origines des Editions Diane de Selliers qui portent votre nom ? »
Diane de SELLIERS:
« Le livre m’accompagne en fait depuis mon enfance dans la mesure ou j’ai
toujours aimé lire et que j’ai accompli des études littéraires. J’avais comme
objectif de travailler comme critique culturel et littéraire. J’avais réalisé un
mémoire sur un sujet d’édition. Belge de nationalité, je suis arrivée à Paris et
j’ai commencé à travailler dans une maison d’édition. Après cette expérience,
j’ai décidé de monter ma propre maison d’édition, afin d’éviter certaines
contraintes et grâce à l’insouciance de mes 25 ans !
J’ai commencé avec des guides qui n’avaient pas besoin d’un
nom d’éditeur. Ces éditions permettant de financer le reste de mes projets. A
l’origine je n’avais pas d’objectif de collection, cela l’est devenu par la
suite. J’avais découvert de superbes gravures mises en couleur par OUDRY au
XVIII siècle dans une librairie ancienne. En les consultant, je me suis dit
qu’il n’était pas possible que ces superbes gravures restent inconnues de tous
et mon sang d’éditeur n’a fait qu’un tour ! J’ai pris le risque de lancer
l’ouvrage avec l’intégralité des textes des Fables de La FONTAINE et des images.
Cet ouvrage est sorti en 1992 et nous en sommes aujourd’hui à la cinquième
édition. Par la suite, j’ai souhaité réaliser un autre livre consacré quant à lui
aux contes du même auteur. Mais je n’avais pas d’illustrations pour ces
derniers. C’est alors qu’à l’occasion d’une exposition au Musée du Petit Palais
consacrée à FRAGONARD et le dessin au XVIII° s, j’ai eu l’occasion de découvrir
dans la dernière salle, soixante lavis de FRAGONARD pour une édition manuscrite
des Contes de La FONTAINE. Il s’agissait de dessins qui n’étaient pas, et ne
sont plus, montrés au public. »
LEXNEWS : « Quelles sont les
difficultés pour traiter ces sources originales ? »
Diane de SELLIERS:
« Pour ce dernier livre, la réalisation a été très délicate en raison de la
difficulté d’obtenir ces lavis en photogravure dans de bonnes conditions. Nous
avons été obligés d’aller voir les originaux avec les techniciens de l’atelier de
photogravure grâce à la coopération essentielle du Musée. Si vous prenez les
lavis de FRAGONARD, la plus grande difficulté réside paradoxalement dans les
blancs ! Rendre les blancs vivants et restituer les nuances de blanc dans les
visages par exemple est une tâche particulièrement délicate. »
LEXNEWS : « Cela exige donc un
gros travail artistique en amont ? »
Diane de SELLIERS:
« Oui, tout à fait. Il y a énormément pour ces livres de réflexion pour
être le plus fidèle possible à ces œuvres, et en même temps pour ajouter un plus,
compte tenu des moyens techniques à notre disposition et de la modernité de
l’ouvrage ».
LEXNEWS : « Quel est le point
de départ de vos projets ? »
Diane de SELLIERS:
« J’ai toujours réalisé un livre dès que j’ai l’alliage de l’artiste et du
texte. Pour les Fables, c’est le hasard qui m’a mis en présence des textes et de
cette iconographie. Quant aux Contes, cela a résulté d’une démarche volontaire
jusqu’à ce que je trouve une illustration qui ait la même force narrative que le
texte. C’est grâce à un ami que j’ai eu l’idée du troisième livre. Il m’avait
parlé d’une Divine Comédie de DANTE illustrée par BOTTICELLI qui devait se
trouver en Italie. Après de longues recherches, j’ai pu travailler sur des
dessins de BOTTICELLI qui se trouvaient dispersés à Berlin et au Vatican. Pour
analyser ces œuvres de BOTTICELLI, j’ai pu bénéficier du concours du
conservateur du Musée de Berlin, grand spécialiste du peintre et qui était alors
à la retraite. C’est d’ailleurs de cette collaboration qu’est née l’idée du
Faust de GOETHE illustré par DELACROIX. Les 18 lithos de DELACROIX ne
suffisaient pas elles seules pour illustrer ce projet. Je suis donc partie à la
recherche de tous les travaux et dessins préparatoires de DELACROIX sur ce
Faust ! J’ai ainsi pu constater que le thème de Faust avait obsédé le peintre
pendant toute sa vie, ce qui m’a fourni un grand nombre d’études préparatoires.
La recherche de la qualité est ainsi au tout premier plan. »
LEXNEWS : « Il est même
possible d’ajouter, eu égard au résultat, qu’il s’agit d’un véritable travail
de recherche en tant que tel ! »
Diane de SELLIERS:
« Il est vrai que chaque livre exige un immense travail préparatoire
allant de 3 à 5 ans. Ce sont de véritables jeux de piste, qu’il faut à chaque
fois parvenir à remonter. La meilleure récompense de cette entreprise vient des
diverses institutions qui très souvent après un premier refus d’autorisation
quant à l’exploitation des sources reviennent sur leur décision dés qu’ils ont
pris connaissance de l’ampleur du travail accompli.
Mon éditeur italien m’a donné le thème de l’ouvrage
suivant, le Décameron de BOCCACE. Les miniatures n’étaient pas suffisantes pour
retenir l’attention du lecteur tout au long de l’ouvrage. Je souhaitais quelque
chose d’extrêmement vivant qui reflétait la Toscane à l’époque de BOCCACE. Nous
avons contourné le problème en prenant des détails de fresques qui montraient
des scènes de la vie de tous les jours. Ces fresques sont à elles seules un
véritable témoignage de la vie profane associée au thème mystique. Nous avons
pris tous ces détails dés qu’ils pouvaient être en rapport direct avec le texte.
Je pense que c’est le premier livre qui a offert un véritable travail de
création iconographique dans notre collection. La Légende Dorée de VORAGINE me
tentait depuis plusieurs années, mais la richesse iconographique me paralysait
jusqu’à ce que je réalise que les décorations d’Eglise me serviraient
directement pour cette illustration. La tâche a été immense : les photographes
se sont rendus dans de nombreuses églises en Italie pour y effectuer leurs prises,
avec au final des surprises sur le rendu de certaines fresques ! ».
LEXNEWS : « Quels sont pour
vous les rapports entre l’œuvre et l’iconographie, cette dernière venant
accompagner un texte qui renvoie lui même à ses propres images ?Cela fait il
naître des doutes chez vous quant à ces rapports ? »
Diane de SELLIERS:
« Je n’ai pas le sentiment de ressentir ces doutes quant aux relations
entre texte et image car ces relations sont à la base même de mon travail. Je
m’implique tellement dans ce souci d’harmonie entre l’iconographie et le texte
qu’il me semble que le résultat implique une symbiose. Si vous prenez l’exemple
de VORAGINE, rares sont les personnes qui lisent l’œuvre sans iconographie. Une
fois que les images accompagnent le texte de la Légende dorée, le texte reprend
toute sa saveur car les interprétations des peintres de ces fresques se
nourrissent à la spiritualité émanant du texte lui-même ! Votre question me
semble par contre plus concerner un livre comme celui du Don Quichotte de
CERVANTES. C’est en effet très différent car nous nous trouvons en présence d’un
artiste contemporain, Gérard Garouste, qui a sa propre interprétation de
l ‘œuvre. Il n’est pas un illustrateur mais bien un artiste. Il a tellement
plongé dans l’esprit du texte qu’il a fait une œuvre de créateur dans le cadre
d’une œuvre originale appartenant à CERVANTES. Cela lui offre des opportunités
de rebondir sur une phrase correspondant à une idée de sa lecture de l’œuvre !
Donc je ne pense pas que cela puisse en aucune façon réduire la liberté de
lecture, bien au contraire. Nous veillons à ce qu’il y ait un équilibre entre le
texte et l’image afin qui ni l’un ni l’autre ne prenne le dessus. Pour le
« Voyage en Italie » de STENDHAL, l’iconographie a été particulièrement
difficile à réunir en raison de la diversité des thèmes abordés. Nous avons
cherché à reproduire dans la mesure du possible l’univers de l’auteur tel qu’il
l’avait connu à son époque. Nous avons saisi sur ordinateur tous les mots de
personnes, de lieux, de scènes de genres,… Les recherches ont été faites dans
les plus grandes bibliothèques telles celles de Paris, Rome, Londres,… avec
comme cadre temporel une période très courte : 1800-1840. Nous avons ainsi
réalisé un travail très rigoureux sur le thème de l’Italie par rapport à nos
entrées informatisées. Cela a été un travail de titans ! ».
LEXNEWS : « Diane de SELLIERS,
merci pour toutes ces explications qui rendent plus passionnant le métier qui
est le votre, et dont nous présenterons régulièrement les nouveautés ! »
LEXNEWS A
LU POUR VOUS ...
OVIDE "Les Métamorphoses"
illustrées par la peinture baroque, 576 pages format 24.5 x 33 cm en volumes
reliés pleine toile sous coffret illustré, titres de couverture aux fers à
dorer, papier couché mat 170 g.
Ce ne sont pas moins de 360 peintures dont un grand nombre
inédites qui viennent mettre en lumière l'éternel récit d'Ovide, legs éternel de
la littérature antique latine ! A oeuvre d'exception, édition exceptionnelle,
tel est le cas de la présente sortie de l'ouvrage préparée sous la direction
éclairée de Diane de Selliers.
Une centaine de peintres italiens tels le CARAVAGE,
CARRACHE, CASTIGLIONE, ... mais aussi espagnols,français ou du Nord éclairent un
texte dont la poésie a inspiré de tous temps les artistes les plus divers. C'est
sous l'éclairage baroque que les Métamorphoses ont trouvé un regard nouveau
quant à la présentation édition, un choix judicieux au regard du texte dont les
vertus bucoliques et la force des thèmes évoqués se partagent avec passion et
ardeur. La Nature, les dieux et les hommes tissent entre eux des liens
inextricables que seuls des choix souvent violents viennent interrompre,
la superbe iconographie des Editions Diane de Selliers venant souligner ce trait
de caractère tel le plus cadre pour une peinture délicate. Point de double
langage ou de choix excessif, tout est mesure dans un univers qui portant porte
en soi les valeurs extrêmes des passions humaines. L'art baroque transgresse
souvent l'ordre établi par la sage Renaissance et pourtant cet éclairage
pictural se veut respectueux de la célèbre oeuvre latine !
Retrouvons dans une édition d'exception, nos racines
antiques en compagnie de Jupiter, Sémélé ou encore Bacchus, goûtons les joies
d'une mythologie accessible non seulement par la beauté du texte mais également
par la contemplation du regard sur des oeuvres tout autant immémoriales...
Un travail à la fois délicat et artistique pour lequel un
regard plus attentif révèlera une démarche digne des oeuvres scientifiques les
plus rigoureuses !
